Grandes humoristas cubanos de todos los tiempos (II): Chicharito y Sopeira o Garrido y Piñeiro

“Donde no hay sentido del humor hay dogma”.
Alfonso Ussía (1948, periodista y escritor español)

En la comedia cubana se hizo famosa la pareja del negrito y el gallego, los que deleitaban al público en teatro como luego en la radio o en la TV. Inicialmente el negrito aparecía solo, pero luego le añadieron al gallego.

La pareja más famosa y de mayores éxitos interpretando estos papeles fue la que conformaron Alberto Garrido y Federico Piñeiro.

Alberto Garrido

Alberto Garrido alias Chicharito

Los personajes de Chicharito, el negrito, y el gallego Sopeira, los ases de la risa, fueron creados por Antonio Castells. Se puede decir que ellos surgen debido a una necesidad de criticar satíricamente la sociedad en que se vivía. La suerte era que esa crítica no era censurada y el público se podía reír burlándose de muchos entes y problemas que agobiaban la sociedad cubana. El negrito era el representante del sector discriminado, mientras que el otro era la comunidad gallega o hispana en el país. No se trataba de ricos y pobres, pues ambos eran pobres. Lo importante era dejar caer con burla la situación de pobreza e injusticia prevalente.

Federico Piñeiro

Federico Piñeiro alias Sopeira

Alberto Garrido, el negrito Chicharito, nació el 7 de agosto de 1909 en la Habana, era hijo del actor Alberto Garrido y de Chelín Beltrán. De 1931 a 1936 integró la compañía de zarzuelas del Teatro Martí y actuó en varias obras teatrales, entre ellas la famosa Cecilia Valdés. Fue allí donde conoció a Piñeiro y con el que comenzó a trabajar en pareja.

Federico Piñeiro nació el 3 de octubre de 1903 en Santa Clara. Piñeiro interpretaba el papel del gallego, más serio, menos dado a la jarana, en perfecta armonía con su contraparte Garrido.

Garrido habanista y Piñeiro almendarista

Garrido o Chicharito, el negrito, además de sus dotes como cómico, era un excelente bailarín y no tan solo de música cubana. Era capaz de bailar flamenco como el mejor de los andaluces. El lenguaje de Garrido era el típico de la calle. Muchos de sus dichos se popularizaban enseguida entre la población. Piñeiro hablaba con el acento gallego, muchas veces terminaba enojado con las salidas de Garrido. Se me antoja comparar sus escenas cómicas con las que aparecían en los animados de la Zorra y el Cuervo de Frank Tashlin, con la diferencia que los chistes y diálogos se desarrollaron dentro del contexto de la sociedad cubana.

Chicharito y Sopeira

A ellos les recuerdo hasta 1959 en la TV cubana, donde actuaron desde los inicios de la misma en Cuba. Su programa era patrocinado por la cerveza Hatuey.  Anterior a la TV lo habían hecho en el famoso teatro Martí  y en la radio. Igualmente en la década de los 50 realizaron una serie de sketches, éstos patrocinados por la cerveza Polar.

Ambos fueron también empresarios. Garrido fue propietario de salas de cine en la ciudad de La Habana, mientras Piñeiro fue fundador de las Producciones P.I.C.A. en 1940, la que filmó en ese mismo  año “Yo soy el héroe”. Luego se filmó “Mi tía de América”, donde ambos actuaron, aunque no interpretando los papeles de negrito y gallego. Piñeiro tuvo otras actuaciones en cine mexicano, como fueron en “El rebelde (1943)” protagonizado por Jorge Negrete y María Elena Marqués; “La hija del regimiento (1944)” con la actuación de Mapy Cortés y José Cibrián; y “Marina (1945)”, todos estos filmes dirigidos por Jaime Salvador.  En 1955 fue uno de los co-protagonistas de la co-producción mexicana-cubana “Una gallega en la Habana” de René Cardona. Previamente, en 1951, Garrido y Piñeiro protagonizaron el filme “Cuando las mujeres mandan” del director José María González Prieto, y donde también estuvo Tin Tan entre los protagonistas.

Afiche Cuando-las-mujeres-mandan

Afiche “Cuando-las-mujeres-mandan”

Alberto Garrido “Chicharito” fallece el 28 de octubre de 1963 en Miami, Florida, Estados Unidos. Lamentablemente no he hallado información sobre el final de la vida del “Gallego” Piñeiro.

Fuentes

Anon. Alberto Garrido. Ecured. https://www.ecured.cu/Alberto_Garrido.

Anon. Alberto Garrido (Chicharito) and Federico Piñeiro (Sopeira). *** “Los ases de la risa” y Eternos Rivales en Baseball. Havana vs. Almendares. The Cuban History.com. http://www.thecubanhistory.com/2012/02/alberto-garrido-chicharito-and-federico-pineiro-sopeira-los-aces-de-la-risa-y-eternos-rivales-en-baseball-havana-vs-almendares/

 

Escrito por Esteban Hernández, 27 agosto de 2017

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Estela Raval y los Cinco Latinos

Junto a la excelencia, viene el reconocimiento.”
William Thackeray (1811-1863, novelista y humorista inglés,
exponentes de la novela realista del siglo xix).

Los Cinco Latinos

Cuando niño ya rozando la adolescencia se le despiertan a uno ciertos sentimientos y deseos. Es cuando la ilusión comienza a rondar sobre todo al conocer chicas con atractivo. Esa sensación suele usualmente ir acompañada de alguna música, como si fuera un tema musical de una película, que marca para uno una época y cuyos recuerdos no se borran jamás.

Al inicio de los años 60 en Cuba se dio a conocer un conjunto vocal argentino, llamado los Cinco Latinos, donde la voz reinante era la de su solista, Estela Raval. En aquellos momentos me exaltaba oír por la radio canciones como “Todo  es nuevo” o “Amor bajo cero”. Los Cinco Latinos eran una especie de híbrido de música Pop con baladas y otras canciones de América del Sur. Por momentos parecían los Platters, otras veces Paul Anka, en otros momentos eran reales latinos.

Estela Raval

Estela Raval

Era tanta la admiración por este conjunto, que el poco dinero que mis padres me daban para la merienda diaria, me lo ahorraba para poder comprar algún que otro disco de 45 RP, el llamado extended play, con cuatro canciones de este grupo. Guardaba con celo tales discos y cuando fui a la URSS por estudios, me los llevé consigo. La voz de Estela Raval siempre me maravilló. Algunos estudiantes húngaros, que nunca la habían oído, alabaron su voz y melodía. No era para menos.

Pasaron los años y los Cinco Latinos permanecían entre mis favoritos. Un buen día de 1979 me informaron que este grupo actuaría en el teatro Karl Marx en la Habana. No me podía permitir no asistir a una de sus presentaciones, era una obligación. En aquel momento comenzaba mi relación con la que fuera después mi actual esposa, por lo que dije de venir conmigo para esa ocasión. Cuando Estela comenzó a cantar era como si me hubieran llevado al espacio cósmico, y eso que ya en ese entonces ella no podía cantar “Amor bajo cero” como en los 60, pero la frescura de sus canciones, su melodía, su fragancia estaban intactos, y eso lo disfruté como el primer día que les oí.

Los Cinco Latinos 2

En aquella presentación Estela narró parte de la vida del conjunto y de ella misma. Claro no todo, pero no sabía ella que gran parte de Cuba le oía diariamente y la admiraba como una de las mejores voces de América Latina.

Triste fue saber hace unos días que Estela había muerto el 6 de junio de 2012. Por lo que me decidí buscar algunos datos de ella y de su conjunto vocal.

Estela debe haber sido nieta de italianos, pues su nombre real era Palma Nicolina Ravallo, nacida el 19 de mayo de 1929 en Chivilcoy, Argentina. El apellido Raval es como un apocope de Ravallo. Al inicio cantaba con acompañamiento musical de su hermano Manuel, quien tocaba el acordeón. Posteriormente cantó en un trío llamado Las Alondras, con el que recorrió países vecinos a Argentina.

Luego conoció a Ricardo Romero, quien fuera su esposo, con el que comenzó a cantar a dúo. Estela  decía que en los Cinco Latinos, Ricardo era quien daba el burubá y otras voces que la acompañaban. Pero antes de llegar a los Cinco Latinos, ella, Ricardo, Jorge Pataro y Tullio Gallo formaron el conjunto Los Cuatro Bemoles en 1956.

LOS CINCO LATINOS 1

En aquella época apareció el quinteto vocal los Platters en los Ángeles, California, EE.UU., los que lograron su fama con canciones como Only You (Solamente tú). Ese conjunto vocal logró grandes éxitos liderados por la voz de Tony Williams. Otras canciones que los hicieron famosos fueron “The great pretender”, “My prayer” (Mi oración), y “Smoke gets in your eyes” (Humos en tus ojos).

La forma de cantar de los Platters y sus melodías románticas fueron las que incentivaron la creación de los Cinco Latinos, cuyo estreno tuvo lugar en el Teatro Tabarís de Buenos Aires el 22 de mayo de 1957. La característica que los diferenciaba de los Platters era que la voz líder era de una mujer, en este caso Estela. Los otros componentes del grupo fueron el ya mencionado Ricardo Romero como director y trompetista, Héctor Buonsanti que tocaba el saxo bajo, clarinete y coro, Mariano Grisiglione  como saxo barítono y tenor del grupo, y Jorge Francisco Pataro como trombón y coros. Los Cinco Latinos estuvieron activos hasta 1969. Ya en 1970 Estela se dedicó a cantar como solista y viajó junto a Ricardo a México, donde ella cantó con el Trío los Panchos, además de cantar en otros escenarios de América Latina y España.

Los Cinco Latinos y los Platters

Los Cinco Latinos y los Platters

No es cierto  que el grupo se haya vuelto a unir en 1982, en ocasión del mundial de fútbol de 1982, ya que de haber sido cierto, entonces los Cinco Latinos no habrían estado en la Habana en 1979, presentación de la cual ya hablé. Lo cierto es que desde aquella época el conjunto se le llamaba Estela Raval y los Cinco Latinos. Vinieron nuevas giras, todas exitosas, con nuevas canciones, muchas de las que están grabadas en discos CD, que poseo.

Entre las melodías que más siempre recuerdo están las que mencioné al inicio, además de:

  • La hora del crepúsculo
  • Quiéreme siempre
  • Himno al amor
  • Hay humo en tus ojos
  • Solamente tú
  • Dímelo tú
  • Pequeña flor
  • Como antes
  • Don Quijote
  • Adiós Muchachos
  • La casa del Sol Naciente
  • Estás en mi canción

Fuente consultada

Anon. Murió Estela Raval, la recordada cantante de Los Cinco Latinos. El Comercio, http://archivo.elcomercio.pe/luces/musica/murio-estela-raval-recordada-cantante-cinco-latinos-noticia-1424722

Escrito por Ricardo Labrada, 3 julio de 2017

Una visita al lugar donde nació el cantante Nino Bravo

Libre, como el sol cuando amanece,
yo soy libre como el mar…
…como el ave que escapó de su prisión
y puede, al fin, volar
…”

Nino Bravo

Hasta hace muy poco no sabía que ese gran cantante que fue Nino Bravo era valenciano. De nombre Luis Manuel Ferri Llopis nació el 3 de agosto de 1944 en un pueblito de la comunidad valenciana llamado Ayelo de Malferit. Los cubanos, como la mayoría de los españoles y latinoamericanos, adorábamos las canciones de Nino por su melodía, su letra y la voz de este gran artista, el que lamentablemente perdiera la vida en accidente de tráfico cuando solo tenía 28 años el 16 de abril de 1973 en Madrid.

Recuerdo que estuve de pasada entonces en Madrid en julio de 1973 y muchas personas compraban los discos del desaparecido cantante con sus extraordinarias baladas. Lamentablemente las pocas pesetas que tenía entonces eran para comer hasta que abordara el avión de regreso a la Habana.

Según he leído, Nino se crió en Valencia, capital, y se inició en el canto a finales de 1962. Entonces era parte de un trío conocido como Los Hispánicos y que usualmente tocaban y cantaban en el barrio de Sagunto en Valencia. El grupo, por esas cosas de la vida, se disolvió y Nino entró en contacto con los integrantes del conjunto Superson, los que buscaban un cantante a falta de su principal, Carlos Lardíes, quien pereciera en accidente de tráfico. El Superson se convirtió en el conjunto que lo acompañaría en su vida artística.  En 1968 hizo una presentación como solista en el Festival de la Canción de La Vall d’Uixó.  Posteriormente entró en contacto con una discográfica española para grabar las canciones “Como todos (1969)” y “Es el viento (1969)”. En ese mismo 1969 fue eliminado en un festival de la canción en Barcelona.

Museo Nino Bravo 2

Entrada del Museo Nino Bravo en Ayelo de Malferit

Volviendo al tema del lugar de nacimiento de Nino Bravo. Un buen día de enero de 2017, junto con mi esposa, decidimos visitar el llamado pueblo de Ayelo de Malferit (en valenciano Aielo de Malferit), al cual se puede llegar yendo en dirección a Xatiba. La distancia es de unos 75 quilómetros, casi todo el trayecto en autovía.

En Ayelo de Malferit

El autor en la plaza de Ayelo de Malferit

El pueblo es pequeño realmente, nos lució tranquilo y recogido, ningún colorido, excepto el atractivo de haber sido cuna de nacimiento del gran cantante. El nombre del pueblo me sonaba a algo de malherido, pero me equivocaba. El apelativo “de Malferit” viene del nombre de los señores de Aielo: la familia Malferit y sus descendientes, que obtuvieron el título de Marqueses de Malferit en 1692.

La esposa del autor en la casa natal de Nino Bravo

La esposa del autor en el frente de la casa natal de Nino Bravo

En el pueblo hay un museo Nino Bravo, muy céntrico, está en la plaza principal del lugar, pero que abre por solicitud previa de grupos que quieran visitarlo. Más trabajo nos costó encontrar la casa, para lo cual nos dirigimos a una señora que transitaba por una calle, la que inicialmente nos preguntó si hablábamos valenciano, con respuesta negativa de nuestra parte. Eso me indicó que allí se habla valenciano cotidianamente y que el castellano se usa solo cuando llegan forasteros como nosotros. Nino Bravo nació en la calle Sants de la Pedra nº 75. La placa que aparece en la misma fue inaugurada en el 25 aniversario de su fallecimiento, cuyos gastos corrieron a cargo del ayuntamiento del pueblo.

Algunas de las canciones más famosas de Nino Bravo:

Como todos (1969)
Es el viento (1969)
Tú cambiarás (1970)
Voy buscando (1970)
Flor de invernadero (1971)
Mi gran amor (1972)
Un beso y una flor (1972)
Libre (1972)
Arena de Otoño (1972)
Noelia (1972)
Mi tierra (1972)
América, América (1973)
Mi mundo está vacío (1973)

Fuente consultada

Anon. Inauguración placa en la Casa Natal de Nino Bravo. http://www.museoninobravo.com/e981.html

Escrito por Ricardo Labrada, 29 mayo de 2017

Mijaíl Alexandrovich Shólojov y su obra “El Don Apacible”

La vida dicta a los hombres sus leyes,
que no están escritas en parte alguna
.”
Mijaíl Shólojov

Si una obra literaria absorbe desde que uno la empieza a leer es “El Don apacible” (Тихий Дон) del escritor ruso Mijaíl Alexandrovich Shólojov. Se trata de una novela que muestra cómo las personas cambian sus criterios y conductas al calor de una revolución. Su héroe, Grigori Panteléievich Mélejov, al que llama en la novela simplemente como  Grisha, era el símbolo de la metamorfosis de un hombre, cosaco de nacimiento y crianza, que viendo el desarrollo de las acciones, se transforma de una posición a otra.

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Caratula del primer tomo de “El Don Apacible”

Grisha no tenía esa gran educación, todo lo contrario, era lo que podemos llamar en cubano un guajiro bruto, pero tenía intuición y se daba perfectamente cuenta de que a veces para sobrevivir es mejor cambiar y olvidar hasta lo que le puedan haber inculcado en la cuna donde nació.

Para poder escribir con tanta exactitud algo así, muy relacionado con la comunidad cosaca, era menester conocerla en profundidad, y nadie mejor que Shólojov, hombre nacido el 24 de mayo de 1905 en el pueblo de Kruzhilino, stanitsa Vioshenskaya situado en la región de Rostov del Don, Rusia.

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Mijaíl Alexandrovich Shólojov

El escritor cursó la escuela primaria en un centro ruso-ortodoxo y luego asistió al liceo, donde terminó la cuarta clase. Sus estudios se vieron interrumpidos por el comienzo de la revolución y la guerra civil a partir de 1917, y el joven Misha enseguida se presentó como voluntario para combatir del lado del ejército rojo.

Su vida literaria comenzó en 1922 cuando visitó por primera vez Moscú. Allí pudo intercambiar algo con los escritores y periodistas de la llamada Joven Guardia (Молодая гвардия). Su primer artículo vio la luz en 1923, llamado “Prueba” (Испытание) en el periódico “La verdad juvenil” (Юношеская правда). Su primer cuento, “Pequeña Patria”, fue publicado al año siguiente. De ahí en lo adelante sus obras comenzaron a publicarse cada vez más y tuvieron el reconocimiento de grandes escritores rusos del momento, como fueron Gorky y Serafimovich.

Fue a finales de 1926 que Shólojov comenzó a escribir su obra maestra, “El Don apacible”, cuyo primer tomo fue publicado en 1928, mientras que en 1929 y 1932 se publicaron el segundo y tercer tomo de la obra.  Lo interesante era que Shólojov escribía a la vez otras novelas, como fueron “Cuentos del Don” (Донские рассказы), “La estepa azul” (Лазоревая степь) y “Campos roturados” (Поднятая целина).  El último tomo del Don Apacible apareció publicado en 1940.

La trama del Don Apacible relata la vida de una familia de cosacos, cuyo jefe de familia se casa con una mujer de origen turco y sus hijos eran llamados despectivamente “turcos”, aunque ellos guardaban la forma y costumbres de los cosacos. Grisha era el segundo hijo de la familia, quien se convirtió en un ente antibolchevique y participó activamente en la guerra civil.

Shólojov nos relata cómo era la vida de los cosacos antes de la I Guerra Mundial y cómo se comportaron en la misma y después de la revolución de octubre de 1917. La novela, según los expertos, aborda los tiempos de crisis de Rusia desde el punto de vista político, militar y civil, a la vez que le añadía un ingrediente romántico al mismo, el idilio de Grisha por Axinia, mujer casada con Stepán Astájov, vecino de la familia de los Mélejov.

Por esta obra Shólojov ganó el premio Stalin en 1941 y el Premio Nobel de la Literatura en 1965.

Existieron algunas acusaciones, luego demostradas infundadas, que Shólojov había plagiado esta obra. Entre los acusadores estaba una de las hijas de Stalin, además del escritor Aleksandr Isáyevich Solzhenitsyn.

La obra tuvo realmente tanta fama en Rusia como lo fue en sus días “Guerra y Paz” de León Tolstoi. En 1931 la trama fue llevada a la gran pantalla por el director Serguéi Gerasimov, y más tarde el director-actor Serguéi Bondarchuk realizó un remake de esta obra, película que fuera terminada por el hijo de Bondarchuk, Fiódor Serguéievich.

Shólojov fue corresponsal de guerra durante la II Guerra Mundial del diario Pravda y finalizada esta contienda se dedicó a escribir otra obra no menos famosa en Rusia, “Ellos lucharon por la Patria” (Они сражались за Родину). En 1956 se publicó “El destino de un hombre” (Судьба человека), que igualmente se hiciera famoso por ser llevado al cine, que contó con la dirección y protagonismo de Serguéi Bondarchuk.

Políticamente no se puede esconder que Shólojov fue un activo miembro del Partido Comunista de la URSS, diputado del Soviet Supremo, miembro del ejecutivo de la Unión de Escritores de la URSS,  desde 1939 miembro de la Academia de Ciencias de la URSS y miembro del Consejo Mundial por la Paz.

El gran escritor murió el 21 de febrero de 1984 en la aldea rural cosaca Vioshenskaya de la región de Rostov, donde nació y vivió toda su vida. Shólojov era diabético, había tenido dos infartos y padecía de cáncer en la garganta.

Fuentes consultadas

Anon. Шолохов Михаил Александрович (Shólojov Mijaíl Alexandrovich). Kostyor.ru. http://www.kostyor.ru/biography/?n=110

Kozlov V. 2015. Биография Михаила Шолохова (Biografía Mijail Shólojov). RIA Novosti, 24 de mayo. https://ria.ru/spravka/20150524/1065924634.html

Escrito por Ricardo Labrada, 24 enero de 2017.

 

Grandes humoristas cubanos de todos los tiempos (I)

¡Mi único deseo es conocer el mundo y
las comedias que en él se representan!

René Descartes (1596-1650)
filósofo, matemático y científico francés

Si de algo pueden con razón alardear los cubanos es que se ríen de todo, hasta de sus propias desgracias.  En ese contexto, históricamente Cuba ha tenido muy buenos comediantes. De hecho existía un activo teatro vernáculo hasta 1960 y muchos de los comediantes cubanos que emigraron se instalaron con éxito en el extranjero y continuaron con sus chistes y programas. Un ejemplo vivo de eso era el dúo integrado por Leopoldo Fernández y Aníbal de Mar con su famosa Tremenda Corte, programa que se escuchaba radialmente y se veía también por la TV en muchos países de América. Recuerdo que hace unos años, estando en Ciudad Panamá, a las 6 a.m. un canal televisivo ponía la Tremenda Corte.

Les puedo asegurar que una cosa es por la TV y otra en presentaciones privadas o en fiestas de centros de trabajo, donde al no haber censura la broma alcanza sus más altos niveles.

Quiero hablar de mis recuerdos de esos comediantes y para empezar he escogido a uno que me quedaba cerca. Durante un tiempo el famoso Enrique Arredondo fue casi vecino nuestro, y alguna que otra vez le podíamos oír hablar de la historia de los grandes cómicos cubanos, los que empezaron a escasear en Cuba ya en la década de los 80. Todo eso tiene su razón, si el cómico no puede burlarse de casi nada, le resulta difícil entonces “inventar”. Tiene que tener mucho genio y a Arredondo, por suerte, le sobraba. Ese actor, nacido en 1906, interpretó el papel del negrito como otros tantos cómicos cubanos en el Teatro vernáculo, lo hizo primero en el teatro Alhambra, sustituyendo a Sergio Acebal, a quien personalmente nunca vi actuar.

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Enrique Arredondo, a la izq. arriba como Bernabé, a la der. como Cheo Malanga, abajo como el negrito

Otro vecino y amigo en mi barrio me aseguró que Arredondo había también actuado en el Teatro Shanghai, el cual fuera cerrado en 1959 definitivamente. Ese teatro estaba ubicado en el barrio chino de la Habana y los shows del mismo se mostraban a altas horas de la noche. Era algo así como un teatro con presentaciones de relajo, de doble sentido, muy llenas de picardía, donde Arredondo hacía de las suyas.

En los años 60 hasta los 80, Arredondo estuvo interpretando el papel de Bernabé en el programa “Detrás de la Fachada”, el cual era animado por Consuelito Vidal y Cepero Brito, así como en “San Nicolás del Peladero”, interpretando dos papeles, el guapo Cheo Malanga, muy corajudo con los débiles pero no así con su propia mujer, la Mamá Chula interpretada por Natalia Herrera, y el del Dr. Chapotín, papel que ya había hecho a finales de los 40 para la radio de CMQ.

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Natalia Herrera, la Mamá Chula de “San Nicolás del Peladero”

Arredondo dejó muchos dichos que son muy recordados, uno de ellos era “Mentira tú me estás engañando” o “No me digas”. Improvisaba como el mejor, muchos actores que trabajaban con él, debido a esas improvisaciones, se veían obligados a esconder su risa en medio de las escenas en la TV. Según él me contó, un día le habían invitado a dar un show para los trabajadores que cortaban caña en un central habanero. Él aceptó pero pidió a tiempo el guión de lo que allí harían. Para su asombro me dijo que todo el programa giraba alrededor de la caña, por lo que acto seguido dijo que él iba si le dejaban hacer lo que él quería. Sin mucho pensarlo y a sabiendas que Arredondo era el verdadero gancho del programa previsto, le dijeron al comediante que aceptaban su propuesta pero que debía decir más o menos el contenido de su presentación. Arredondo respondió que confiaran en él, que el éxito estaba garantizado. Y así fue, sonó múltiples chistes de doble sentido, les habló de muchísimas cosas menos de la caña, pues caña era lo que veían a diario y eso no era para hacer reír a nadie allí. La gente allí, me aseguró, terminó arrastrada de la risa.

Otro día mi difunta abuela le habló del comediante Arquímedes Pous, y Arredondo sin pensarlo mucho, le dijo a mi abuela, “Sra., Ud. si es vieja de verdad”. Mi abuela era oriunda de Cienfuegos, y Pous fue uno de los primeros negritos de la comedia cubana también. Ya hablando más en serio el gran Bernabé le aseguró a mi segunda madre que Pous era un referente de la comedia cubana de todos los tiempos y que tanto él como otros comediantes aprendieron mucho de Pous.

Cuando Arredondo llegaba a la carnicería el día que llegaba la carne racionada, él sin más ni más le decía al carnicero: “Chico, ¿tienes idea que edad tenía la vaca o el buey de la última entrega? Me imagino que tendría algo cercano a los 100 años ¿No crees?, estaba esa carne dura como un palo”. El carnicero reía y le respondía que él daba lo que le entregaban. El comediante en otra ocasión viajaba en su Lada por la avenida 10 de Octubre cuando ocurrió un accidente que obligó a parar el tráfico, no muy lejos de él iba un jeep de mi centro de trabajo, en él un compañero ya fallecido de nombre Cecilio, quien igualmente se bajó del jeep para ver lo sucedido. Cuando Arredondo lo vio, no perdió tiempo en exclamar “Negro, tú si estás grande”. Efectivamente, Cecilio era un hombre de 6 pies y más de estatura, y Arredondo en varias oportunidades cuando se tropezó con él en aquel lugar, solo decía, “coño, chico, este tipo es una vara de tumbar frutas”. Precisamente en “Detrás de la fachada” él hacía escenas junto a otro afrocubano, el cual era llamado Bolondrón, interpretado por Pedro Bascot, quien no era más que un simple cartero y vivía enamoradísimo de la muy coquetona Sarita Reyes, la cual tampoco escapaba de los ojos de Bernabé (Arredondo).

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Sarita Reyes aparece detrás de María de los Ángeles Santana en una escena de “San Nicolás del Peladero”

En “San Nicolás del Peladero” actuaba Carlos Moctezuma interpretando el papel de Ñico Rutina. Sucede que en una época Moctezuma interpretaba a la vez un papel de gitano español en un serial de aventuras en la TV. No recuerdo como lo llamaban, lo cierto es que él solía preguntar en esas aventuras: “¿Y se pué sabé…..?”. No se esperaba Moctezuma que Cheo Malanga (Arredondo) en San Nicolás sin pensarlo mucho le soltara la misma pregunta. Moctezuma no pudo aguantar la risa y perdió hasta el hilo de la actuación, escondió su rostro con una tos ficticia, hasta que pudo volver a continuar el guión y la escena.

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Carlos Moctezuma (Ñico Rutina) con Aurora Basnuevo (Chisquitica Rubalcaba) en “San Nicolás del Peladero”

Un disco LP de vinil con chistes de Arredondo fue producido y les puedo asegurar que los mismos, todos muy picantes y llenos de humorismo, son un deleite para cualquiera que lo oiga. Muchos, como me sucede a mí, lo hemos oído muchas veces y no una.  También dejó un libro autobiográfico, publicado en la Habana en 1981 y titulado “La vida de un comediante”, el cual lamentablemente no he leído y de haber caído en mis manos habría devorado en horas.

El otro, a quien no conocí, pero ya mencioné, era uno de los pioneros de la comedia cubana, Arquimedes Pous, nacido en 1891 en Cienfuegos y que terminó convirtiéndose en uno de los primeros negritos de la comedia. Fue un hombre que desde pequeño gustaba de actuar, lo hacía en obras infantiles. Su debut en teatro fue en el Actualidades de la Perla del Sur cuando tenía apenas 15 años y apareció por primera vez como negrito en la obra llamada Chelitoterapia. Su éxito fue tal que poco tiempo después fue contratado por el teatro Martí en la Habana, aunque previamente ya había recorrido buena parte de Cuba actuando en varios lugares. Pous logró un éxito casi inmediato y con su experiencia acumulada se fue haciendo director y coreógrafo teatral a la vez. Viajó a varios países de América Latina y de Norte América.

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Arquímedes Pous como era personalmente y en varias fotos como el negrito de la comedia

Entre sus obras aparecen “Papá Montero”, “Los funerales de papá Montero”, “Las Mulatas de Bam-bay”, “La Clave de Oro”, “Mérida Carnaval”, “Yucatán Souvenir”, y “De México vengo” entre otras.

Pous no escatimaba recursos para hacer de la comedia un espectáculo único. Muchas de sus obras fueron llevadas al teatro como opereta.

Lamentablemente su vida fue corta realmente, pues en un viaje a Puerto Rico, enfermó y murió a la edad de 34 años.

En próximas entregas hablaremos más sobre los grandes de la comedia cubana, sobre todo lo que este autor logró ver en el pasado.

Fuentes

Anon. Arquímedes Pous, el mejor negrito cubano. Estrella de Jagua. https://estrelladejagua.wordpress.com/2016/05/18/arquimedes-pous-el-mejor-negrito-cubano/

Navarro F.G. Legado de teatrista cubano Arquímides Pous permanece vivo. Cienfuegos la perla del sur. http://cienfuegoscuba.galeon.com/legadoteatrista.htm

Vizcaino María Argelia. Humorismo cubano. http://www.mariaargeliavizcaino.com/m-Humoristas-Cubanos.html

Escrito por Ricardo Labrada, 21 enero de 2017

La leyenda de la canción Yellow Submarine

Haz el amor y no la guerra
John Lennon

Hay cosas a las que uno no presta importancia, pero basta que un día te digan algo dudoso para que enseguida trates de conocer la verdad y ese fue el caso de nuestra visita en octubre de 2016 a las playas de Albufeira, Portugal, y de incluirnos en una gira por el lugar a fin de ver cuevas marinas, rocas fabulosas cercanas a las playas y algún que otro delfín bien adentrados en alta mar.

Allí conocimos de una historia que tenía que ver con los Beatles, quienes en mi juventud eran mis dioses en la música, los que siempre seguí, algo difícil, era la época que estudiaba en la URSS y los Beatles eran considerados un producto más del  sistema capitalista. No obstante, muchos africanos venían a estudiar y cargados de discos de los Beatles y otras figuras más de la música Pop de aquel tiempo. Fue por ahí que conocí a los escarabajos británicos, cuyas canciones realmente me han cautivado hasta hoy día.

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Los Beatles

Estando en Albufeira y en la gira ya mencionada pudimos apreciar una gigantesca roca que los guías aseguraron fue la inspiración para los Beatles componer la famosa canción de “Yellow submarine”. Podía ser verdad, quién sabe. Así y todo decidí buscar la verdad o aproximarme a ella.

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La roca llamada Yellow Submarine. Foto del autor

El álbum de “Yellow submarine” había sido lanzado en enero de 1969 en EEUU y cuatro días después en el Reino Unido. La canción principal y homónima del álbum es cantada por el baterista Ringo Starr, la que comenzaba con un tono algo cansón y relajado:

In the town where I was born
Lived a man who sailed to sea

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Álbum Yellow Submarine (1969)

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Ringo Starr canta Yellow Submarine

Ahora, ¿se inspiraron los Beatles en la roca próxima a una playa de Albufeira? Lo que se ha publicado es diferente a la leyenda portuguesa.

Wikipedia reporta que Paul McCartney escribió la canción sobre su cama, algo somnoliento, y que en ese momento en su cabeza no había otra cosa que un submarino amarillo.

La canción se compuso finalmente con algunos efectos especiales logrados en un balde con agua o chocando vasos de cristal. Una vez se lanzó la canción enseguida se sospechó que el tema tenía que ver con las drogas. Ya en 1967 los Beatles dentro de su álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” habían incluido la canción “Lucy in the Sky with Diamonds”, la que más clara ni el agua, sus iniciales eran LSD, así que las sospechas no eran infundadas, pero que los mismos Beatles rechazaron al afirmar que Yellow submarine eran dulces de Grecia y nada que ver con las drogas. Así y todo, a partir de entonces la juventud comenzó a llamar a las drogas fuertes Yellow Submarine.

Como dato musical de ese álbum de 1969, la canción “All you need is love” apareció por vez primera en el mismo.

Respecto a Albufeira, se trata de un lugar al sur de Portugal, con muchas playas, todas ellas de una belleza particular por sus rocas y cuevas marinas. Uno puede disfrutar allí como en la vecina Portimao, sólo que el agua es sumamente fría para un cuerpo que viene del Caribe. Las del Mediterráneo son más cálidas y aceptables para personas que no son oriundas de regiones nórdicas.

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Imágenes de las bellezas en la costa de Albufeira, Portugal. Fotos del autor

 

Escrito por Ricardo Labrada, 29 noviembre de 2016

Algo sobre el arte de Gian Lorenzo Bernini

Un arquitecto prueba sus habilidades convirtiendo
los defectos de un sitio en ventajas
.”
Gian Lorenzo Bernini

Cuando visité en fecha reciente y por primera vez la Galería de artes de Villa Borghese en Roma, quedé bastante impresionado con la obra del escultor, arquitecto y pintor Gian Lorenzo Bernini, al cual realmente no conocía. No me considero experto en esta materia ni nada parecido, pero si algunas obras de artes vistas en varios museos logran atraer mi atención y ese fue el caso de Bernini.

Leyendo un poco sobre este artista, veo que nació el 7 de diciembre de 1598 en Nápoles y que fue el fundador del llamado estilo escultórico barroco, el cual se caracteriza por su naturalidad, enorme expresividad, poner las cosas como son, donde el desnudo se representa tal y cual.

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Autoretrato de Gian Lorenzo Bernini (1623), que aparece en la Galería Borghese

Bernini era hijo de madre napolitana, Angelica Galante, y padre escultor, oriundo de la Toscana, Pietro Bernini, el que llegó a Nápoles para trabajar en obras de la Cartuja de San Martín. La familia se trasladó a Roma cuando el niño Gian Lorenzo tenía seis años.  En la ciudad eterna Pietro Bernini trabajó para el cardenal Scipione, y fue allí donde Gian Lorenzo fue aprendiendo y mostrando su vocación artística.

En su carrera tuvo el apoyo de los papas Urbano VIII (1623–44) y Alejandro VII (1655–65). Trabajó en los proyectos de  la basílica de San Pedro del Vaticano y en el diseño de la Plaza de San Pedro, preámbulo para llegar a la basílica. También participó en la construcción de la Capilla Paulina en el Vaticano, proyectada por Flaminio Ponzio que dio espacio a las tumbas de los papas Pablo V y Clemente VIII.

Scipione, sobrino del primer Papa mencionado, no tardó en llamar a Gian Lorenzo Bernini a trabajar en su Galería en Roma, donde pude apreciar las obras que aparecen a continuación:

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La verdad revelada por el tiempo (1645-1652), escultura en mármol de 280 cm de altura. Foto del autor

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Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619), escultura en mármol de 220 cm de altura. Foto del autor

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Rapto de Proserpina (1621-1622) – escultura en mármol de 295 cm de altura.  Foto del autor

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Apolo y Dafne (1622-1625) escultura en mármol de 243 cm de altura. Foto del autor

Revisando un poco más sobre la obra de Bernini, encontré que en la capilla Cornaro de la basílica de  Santa Maria della Vittoria, Roma, lugar por donde he pasado incontables veces, se halla la escultura en mármol de Bernini llamada “Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652)”.

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A la derecha la basílica Santa María della Vittoria en Roma, en cuya capilla Cornaro aparece la escultura “Éxtasis de Santa Teresa” (1647-1652)

En decenas de ocasiones visitando la pintoresca Plaza Navona nos hemos detenido delante de la fuente de los cuatro ríos, que realmente no sabía que Bernini la había realizado en 1651. La fuente posee una base que viene a ser una piscina elíptica, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio, el llamado de Domiciano. Luego las estatuas en la fuente representan cuatro grandes ríos del mundo: el Nilo, el Ganges, el Danubio y el Río de la Plata, todos en diferentes continentes.

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Fuente de los Cuatro Ríos en Plaza Navona, Roma

Bernini hizo muchas cosas más en Roma y para la dominante iglesia católica. Sus obras realmente son todo un tesoro y las mismas están expuestas, además de la Villa Borghese en Roma, en Galería Uffizi en Florencia, el Museo del Louvre en París, la Galería Nacional de Londres, la Galería Nacional de Artes de Washington, la Nacional de Escocia en Edimburgo, la Kuntshalle de Hamburgo, el museo Thyssen-Bornemisza en Madrid y el museo metropolitano de arte en Nueva York.

El gran autor murió el 28 de noviembre de 1680 en Roma.

Fuente consultada

Bernini, Gian Lorenzo. (2015). Encyclopædia Britannica. Encyclopædia Britannica Ultimate Reference Suite.  Chicago: Encyclopædia Britannica.

Es.Wikipedia.org

Información recopilada y escrita por Ricardo Labrada, 24 noviembre de 2016

Cecilia Valdés y la obra de Cirilo Villaverde

Si quieres castellano hermoso, lee a Cirilo Villaverde

José Martí

Si hay una novela, que es parte importante del acervo cultural cubano, es la que escribiera el pinareño  Cirilo Villaverde conocida como “Cecilia Valdés” o también llamada “La Loma del Ángel”.

“Cecilia Valdés” se inscribe en el marco de las novelas románticas, publicada inicialmente en 1839 y por segunda ocasión en 1882 fuera de Cuba. La idea de  Villaverde fue la de dibujar a la sociedad cubana de aquel entonces. La obra de hecho refleja la realidad y las costumbres de aquel entonces en Cuba, por lo que la misma se realizó a través del costumbrismo.

Portada de la novela Cecilia Valdés, edición cubana

Portada de la novela Cecilia Valdés, edición cubana

La novela da una idea del racismo existente en Cuba desde la época de la colonia y los prejuicios existentes en la sociedad, muchos de los cuales permanecieron en Cuba  independizada de España. Cecilia era una mulata con todos los ingredientes de la belleza, hija ilegitima de un español, que como otros tantos ibéricos, gustaba de copular con negras. En realidad Cecilia no sabía que su padre biológico era un español. Lo interesante es que el ibérico tuvo un hijo en su matrimonio, quien con el tiempo conoce a la mulata y se enamora de ella. Él no era el único enamorado, había un mulato igualmente arrebatado con Cecilia. No obstante, la cubana prefería al joven ibérico, Leonardo, de cuya relación amorosa y no legalizada surgió una niña.

Como en todas esas historias de pobres y aristócratas, el joven español se casa con una dama distinguida de la sociedad, una blanca, por supuesto. Sin embargo, la dama conocía del amor de su marido por Cecilia, por lo que decide acabar con aquella ilusión amorosa de la manera más trágica posible.

La novela de Villaverde es un reflejo fiel de la arquitectura, costumbres y  tradiciones de la época. El entorno en que se desarrolla esta obra, la Habana Vieja, es igualmente bien descrito. Esclavos, pobres, aristócratas, liberales, todos aparecen dentro de ese mosaico de la sociedad cubana de aquel entonces. Los personajes son muy reales en la forma que hablan y que se comportan.

Cirilo Villaverde

Cirilo Villaverde

Esta obra ha sido tan bien acogida, que fue llevada como zarzuela, compuesta por Gonzalo Roig, al teatro; y como filme por el director Humberto Solás en 1982. En esa película, llamada “Cecilia”, el papel principal es interpretado por la actriz Daysi Granados, buena selección ya que ella como el que suscribe este artículo, son nacidos y criados en la Habana Vieja. El español Imanol Arias interpreta el papel de Leonardo, el joven español enamorado de Cecilia, mientras que la experimentada Raquel Revuelta hace el papel de madre de Leonardo.  Casi toda la trama de “Cecilia” se desarrolla en la llamada Loma de Ángel de la Habana Vieja, lugar muy próximo al antiguo Palacio Presidencial, hoy día convertido en Museo de la Revolución. En la Loma del Ángel existe una escultura que representa a Cecilia.

Afriche Cecilia (1982)

Afiche del filme “Cecilia (1982)”

“Cecilia Valdes” se puede bajar directamente en PDF: http://www.bibliotecayacucho.gob.ve/fba/index.php?id=97&tt_products=87

Algunos datos sobre el autor de esta novela, nació el 28 de octubre de 1812 en el Ingenio Santiago, en lo que era entonces la provincia de Pinar del Río. Actualmente esa parte de Cuba pertenece al municipio Bahía Honda, que es parte de la nueva provincia de Artemisa. Como nació en un ingenio, para Villaverde no debe haber sido difícil describir la esclavitud de aquella época. Más tarde se trasladó a la Habana con su familia, donde estudió en varios colegios. Estudió filosofía en el Seminario de San Carlos y dibujo en la Academia de San Alejandro. De siempre sintió inclinación por las letras, entre sus obras también están:  “El espetón de oro (1838)”, “Teresa (1839)”, “La joven de la flecha de oro (1841)”, “Excursión a la Vuelta Abajo (1844)”, “Compendio geográfico de la Isla de Cuba (1845)”, “Comunidad de nombres y apellidos (1845)”, “El librito de los cuentos (1857)” y “Dos amores (1858)”.

Villaverde fue un revolucionario de pluma y acción, lo que le valió el exilio en Nueva York. Al estallar la Guerra de Independencia en 1868, se sumó a la junta revolucionaria establecida en Nueva York.

En 1853, en Nueva York colaboró y luego dirigió la publicación “La Verdad”,  en Nuevo Orleans dirigió “El Independiente” en 1854. En Cuba fue codirector del periódico “La Habana” 1858-1860). Se vio obligado a regresar a Nueva York, donde dirigió “La Ilustración Americana” (1865-1869) y “El Espejo” (1874). En Nueva York colaboró en la publicación de otras obras y logró publicar nuevamente “Cecilia Valdés” en 1882, novela que había logrado completar en esos años.

Villaverde murió el 23 de octubre de 1894 en Nueva York. Este autor aparece como personaje en la novela “La isla de los amores infinitos” de la escritora Daína Chaviano, donde la trama gira alrededor de la fusión de las tres etnias que componen la nación cubana: española, africana y china. Chaviano incluyó también a Cecilia Valdés como protagonista de su obra.

Martí al conocer de la muerte de Villaverde escribió: “De su vida larga y tenaz de patriota entero y escritor útil, ha entrado en la muerte, que para él ha de ser el premio merecido, el anciano que dio a Cuba su sangre, nunca arrepentida, y una inolvidable novela. Otros hablen de aquellas pulidas obras suyas, de idea siempre limpia y viril, donde lucía el castellano como un río nuestro sosegado y puro, con centelleos de luz tranquila, de entre el ramaje de los árboles, y la mansa corriente recargada de flores frescas y de frutas gustosas. Otros digan cómo aprovechó, para bien de su país, el don de imaginar, o compuso sus novelas sociales en lengua literaria, antes de que de retazos de Rinconete o de copias de Francia e Inglaterra diesen con el arte nuevo los narradores españoles.”

Bibliografía consultada

Anon. Cecilia. IMDB.com. http://www.imdb.com/title/tt0080508/?ref_=fn_al_tt_1

Anon. Cirilo Villaverde-Obras literarias. http://www.damisela.com/literatura/pais/cuba/autores/villaverde/xwork.htm

Anon. Cirilo Villaverde. Biografías y Vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/villaverde.htm

José Martí. Cirilo Villaverde, crónicas y ensayos. Damisela. http://www.damisela.com/literatura/pais/cuba/autores/marti/proceres/villaverde.htm

Melo Doris. Cecilia Valdés de Cirilo Villaverde: Novela histórica que proyecta la sociedad cubana del siglo XIX. Academia. http://www.academia.edu/3673603/_Cecilia_Vald%C3%A9s_de_Cirilo_Villaverde_Novela_hist%C3%B3rica_que_proyecta_la_sociedad_cubana_del_siglo_XIX._

Escrito por Ricardo Labrada, 17 junio 2016

Las novelas románticas de Iván S. Turguénev

 ¿Usted desea ser afortunado? Aprenda a sufrir entonces. Iván S. Turguénev

Si alguien quiere leer literatura clásica romántica, es muy aconsejable que lea algunas de las obras del escritor ruso Iván Sergueievich Turguénev. Una de ellas es “Primer amor” (Первая Любовь) de 1860, que trata sobre el joven moscovita Vladímir Petróvich, quien se enamora por primera vez a la edad de 16 años, no es al único que le ha pasado. El problema de Volodia fue que se enamoró de la princesa Zenaida. No menos sugerente es la novela “Aguas primaverales” de 1870, que relata la amargura de jóvenes por las pasiones perdidas de la juventud. Es la historia de Dimitri, terrateniente que viaja a Frankfurt y conoce a una chica, dueña de una pastelería, el resto del romance es de imaginar, pero la vida no es recta y conoce en un momento determinado a una mujer mayor y coqueta, la que rompe todas las anteriores ilusiones de un golpe.

Iván S. Turguénev

Iván S. Turguénev

Turguénev nos regaló también “En Vísperas (1860)” una trama sobre un triángulo amoroso, dos jóvenes amigos enamorados de la bella Yelena. Bien se podría decir que el autor francés Henri-Pierre Roché copió algo de la trama para escribir su novela “Jules et Jim” luego llevada a la pantalla a inicios de los 60. Yelena se enamora de uno de ellos, aunque siente simpatía por ambos, pero sus padres la habían comprometido con un desconocido. Se llama vísperas, pues era lo nuevo que le llegaría a la Rusia zarista, muy atrasada y convencional.

Entre otras novelas de este autor están “Padres e hijos”, que relata el antagonismo entre los jóvenes rusos del siglo XIX y sus padres. Nuevamente, el filme “Rebelde sin causa (1955)” nos muestra algo de lo mismo pero en el contexto americano. Es probable que los autores del guión hayan tenido su inspiración esta notable novela rusa. Previamente Turguénev había escrito “Nido de nobles (1859)”, novela melancólica, evidencia  de una generación perdida en la Rusia de aquel entonces, o también “Memorias de un cazador” o igualmente llamada “Relatos de un cazador” (1852) (en ruso: Записки охотника), recopilación de relatos breves, que presenta la vida de Rusia vista y vivida por un cazador.

Algunas de las novelas de Turguénev

Algunas de las novelas de Turguénev

Turguénev nació en Oriol, Rusia, el 28 de octubre de 1818, en el seno de una familia noble rural. Cursó estudios superiores en Berlín, donde conoció de primera mano la filosofía hegeliana.  A su regreso a Rusia en 1850, comenzó su faena literaria, vivió en Spasskoe, Moscú, Petersburgo, luego trabajó en un cargo público. En aquel entonces Turguénev se enamoró locamente de una cantante rusa que tenía el extraño nombre francés de Pauline Vidot, con la que estableció una relación firme de amor y afecto a lo largo de su vida. De hecho dejó el trabajo público en cuanto conoció a Pauline.

En 1852 murió el escritor Gogol, y Turguénev escribió una nota necrológica sobre él. Como en todas las dictaduras, la censura no dejó que se imprimiera el artículo de Turguénev, ya que Gogol era considerado un escritor subversivo. Turguénev insistió y mandó el artículo al diario “Moskovskie Viedomosti” (Páginas moscovitas), donde si se publicó. Fue así que se le ordenó el destierro y el autor se inspiró para escribir “Memorias de un cazador”.

La primera obra  de este escritor “Rudin (1956)”, que versaba sobre la rebeldía de  la juventud intelectual y sus ideas revolucionarias. En 1859 escribió “Nido de hidalgos”, y más tarde la excelente novela “Humo (1867)”, cuya trama se desarrolla en la segunda mitad del siglo XIX, sobre un joven comprometido, que sin proponérselo, se encuentra con su ya olvidado primer amor, el que resurge violentamente.

Turguénev regresó a Rusia en noviembre de 1853. Continuó sus viajes al exterior, donde permanecía más tiempo que en su tierra natal, a la que trataba de visitar, al menos, una vez al año. Fuera de Rusia tenía todo lo que le apasionaba, literatura, música, ajedrez (era todo un maestro de este deporte) y encuentros sociales.  Se mantuvo escribiendo entre Alemania y Francia, y al margen de las discusiones políticas de aquel momento. Una de sus últimas novelas fue “Aguas primaverales”, la cual ya se mencionó.

El gran escritor murió el 22 de agosto de 1883 en Bougival, Francia, al lado de Pauline, la familia de ella y algunos amigos escritores. Sus restos fueron llevados de Francia para Petersburgo el 27 de setiembre de ese año, su entierro allí alcanzó un carácter grandioso en el contexto cultural de Rusia. Ese entierro fue preocupante para las autoridades dictatoriales zaristas, por temor a que surgiera alguna violencia inesperada.

Bibliografía consultada

Anon. Iván Turgueniev. Biografías y vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/turgueniev.htm

Anon. Iván Turguenev. EPDLP. http://www.epdlp.com/escritor.php?id=2374

Anon. Иван Сергеевич Тургенев. РУССКАЯ ЛИТЕРАТУРА XIX Beka. http://russkay-literatura.ru/analiz-tvorchestva/54-turgenev-is-russkaya-literatura/254-ivan-sergeevich-turgenev-biografiya.html

Escrito por Ricardo Labrada, 3 junio de 2016

La obra literaria de Miguel de Carrión

Prefiero ser un hombre de paradojas

que un hombre de prejuicios”.

Jean-Jacques Rousseau

Dos de las grandes joyas de la literatura cubana de todos los tiempos las escribió el escritor cubano Miguel de Carrión, hombre que supo mejor que nadie auscultar la sociedad cubana de los inicios del siglo XX, sobre todo la hipocresía de las clases más opulentas. Para describir los problemas, Carrión casi siempre tuvo a una heroína en sus novelas, no importa si era rica o pobre, lo principal estribaba en cómo era tratada y lo poco que se le reconocía en el medio que se encontrara.

Miguel de Carrión de Cárdenas nació en la iglesia de Montserrate, La Habana el 9 de abril de 1875, hijo de padre abogado y nieto de un caballero de la real Orden de Carlos III.. A la edad de 20 años, justamente cuando comienza la Guerra de Independencia, emigró a los Estados Unidos. Más tarde regresó y por entero se dedicó a las letras y al periodismo, a la vez estudiaba medicina en la Universidad de la Habana, estudios que terminó en 1908, y profesión que supo ejercer a la par de su escritura, quehacer que había iniciado en 1899 como redactor del diario “Libertad”. Fue un asiduo contribuyente de “El Heraldo de Cuba. Igualmente fue uno de los fundadores, junto con Félix Callejas, de la revista infantil “La Edad de Oro” en 1904.  En 1918 se hizo de la cátedra de Anatomía y Fisiología de la Escuela Normal de la Habana y fue fundador de la Academia Nacional de Artes y Letras.

Miguel de Carrión

Miguel de Carrión

Entre sus novelas están:

  •  La última voluntad (1903)
  • El milagro (1904)
  • Las honradas (1918)
  • Las impuras (1919)

Carrión no llegó a concluir realmente su última novela “La esfinge” (1929), la cual, no obstante, fue publicada en 1961.

De todas sus obras, las dos más impactantes y que le valieron la popularidad fueron “Las Honradas” y “Las Impuras”, ambas novelas psicológicas que se adentran dentro del pensamiento y obrar de mujeres. La descripción que hace de cada heroína en las dos novelas indicadas es muy real del mundo íntimo de sus deseos, reacciones, miedos y retos.

En “Las Honradas” aparece Victoria, oriunda de Santa Clara, hija de terrateniente cultivador de caña de azúcar, cuya familia emigra a la Habana previo al comienzo de la Guerra de Independencia y de ahí se traslada a Nueva York para estudiar en una escuela religiosa. Su educación es sumamente conservadora, primero por la influencia escolar y luego por los prejuicios que predominan en las clases pudientes. No obstante, al haber vivido en Nueva York, ciudad ya entonces muy liberal, adquiere conciencia de la igualdad de mujeres y hombres en todos los aspectos. Victoria, ya casada, conoce a un hombre de clase pudiente que le hace despertar el cerebro y las entrañas, del cual ella se enamora perdidamente, pero que lejos de ayudar a que Victoria se realice, la convierte en una mujer aún más desdichada.

Quien desee leer esta novela, lo puede hacer descargando desde el link:

http://www.megaepub.com/miguel-de-carrin-las-honradas.html

En “Las Impuras” se hace una descripción muy detallada de la Habana Vieja de aquella época, y nuevamente Carrión muestra a una mujer que se debate entre los convencionalismos establecidos y que enfrentan los retos de la sociedad en la que viven. Leyendo la novela cualquiera se puede preguntar ¿dónde están la decencia y la moral? Muchas veces se oye hablar de los principios éticos, y llegado a ese punto la pregunta obvia es: ¿cuáles?  El contexto de la sociedad hay que tomarlo en cuenta, y su complejidad siempre nos da resultados diversos.

En “Las Impuras” las protagonistas femeninas afectadas por sus amores descubren las contradicciones sociales existentes. Vuelvo con los principios, aquellos de aquel que mejor vive, y aquellos de la pobre que debe ganarse la vida como puede. La heroína de la novela es Teresa, una mujer de recta moral, estoica, voluntariosa, la que finalmente cae en las manos de un hombre casado, hombre rico, deformado y carente de ética. Como dice González Negrín, él es la antítesis de Teresa. Que nadie piense que la heroína era una prostituta, ya que una impura puede ser una amante o querida según los términos establecidos de la sociedad. El prejuicio de la virginidad es igualmente tocado dentro de esta novela, así como el del chulo o proxeneta.

Quien desee leer “Las Impuras”, lo puede hacer descargando desde el link:

http://leerahora.com/miguel-de-carrion-las-impuras/

Tanto una como otra novela merecen ser leídas, ellas son testimonio de la sociedad, donde el tema actual de la mujer y la prostitución es bien descrito.  Carrión dibujó bien la Cuba de aquel entonces, sus lacras, sus problemas y los contrastes sociales existentes.

 Bibliografía consultada

Anon. 2013. Reseña- Las honradas. Liberty Café. http://enlibertycafe.blogspot.com.es/2013/07/resena-las-honradas-miguel-de-carrion.html

González Negrín Ernesto. 2010. Miguel de Carrión y “Las Impuras”.  Feminismo en Cuba, 15 dic. http://feminismocuba.blogspot.com.es/2010/12/miguel-de-carrion-y-las-impuras.html

Novak Dazra. 2013. Miguel de Carrión, “Las impuras”. Habana por dentro. https://habanapordentro.wordpress.com/2013/06/04/miguel-de-carrion-las-impuras/

Escrito por Ricardo Labrada (26 abril de 2016)

La iglesia San Pietro in Vincoli y el Moisés de Michelangelo en Roma

Roma es como un libro de fábulas,

en cada página te encuentras con un prodigio“.

Hans Christian Andersen

Todo el que visita Roma busca la forma para visitar las famosas basílicas de San Pedro y San Pablo, la capilla Sistina, en fin todas esas maravillas que sólo se pueden en la ciudad eterna, Roma. Sin embargo, hay una obra de arte en una iglesia a la que suelen asistir mucha gente de Europa con promesas. Se trata del Moisés de Michelangelo en la iglesia de San Pietro in Vincoli (San Pedro encadenado), obra de mármol blanco encargada en 1505, realizada en 1513-1515, y retocada en 1542.

La referida iglesia fue construida en el siglo V, donde se albergan las cadenas con las que San Pedro fue encarcelado en Jerusalén. El templo de referencia fue construida por orden del Papa León I. Que nadie piense que es una iglesia suntuosa como la Basílica de San Pedro, es bastante sencilla y pequeña, donde está el mausoleo al Papa Julio II y en el que aparece la escultura ya arriba indicada. En la parte baja del Altar mayor están expuestas las cadenas de San Pedro.

Vista de la entrada de San Pietro in Vincoli

Vista de la entrada de San Pietro in Vincoli

El Papa Julio II o Giuliano della Rovere (1433-1513) fue el Papa 216, quien gobernó de 1503 a 1513 y fue un gran enemigo del Papa Alejandro Borgia, aunque cometió iguales pecados como su predecesor. Se le conocía como el Papa Guerrero y fue quien ordenó erigir la Basílica de San Pedro. Fue precisamente con la muerte de este Papa que se ordenó la construcción del mausoleo en su memoria en San Pietro in Vincoli. A uno de sus protegidos, el artista Michelangelo, se le encargó realizar la escultura del Moisés.

Para llegar a esta iglesia basta con moverse con la metro hasta la estación Cavour en Roma y a pocos pasos de la misma, en el número 213 de vía Cavour, se sube unas escaleras, que algunos suelen hacerlo de rodilla, y se encuentra la iglesia de referencia.

El Moisés en San-Pietro in Vincoli

El Moisés en San-Pietro in Vincoli

En cuanto a la escultura, les puedo asegurar que una vez no basta para uno poder apreciar en toda su magnitud esta obra, a no ser que le dediquen buen tiempo en una sola visita. Dicen que Michelangelo una vez que la terminó le dio un golpe con su martillo en la rodilla derecha a la escultura y le preguntó por qué no hablaba.

Moisés en San Pietro in Vincoli

Otra vista del Moisés en San Pietro in Vincoli (foto del autor)

La figura de Moisés aparece con unos cuernos en su cabeza y eso se debe a una traducción equivocada del capítulo del Éxodo, que decía en karan ohr panav en hebreo (Un rostro del que emanaba rayos de luz), pero que lo tradujeron como “Su rostro era cornudo”. La palabra Krn fue mal traducida, que era en realidad keren o luminosidad, pero la entendieron como karan (cuerno). Moisés aparece sentado con la tabla de los diez mandamientos en mano, su mirada es la de un ser serio y enojado. La figura está hecha de manera que busca reflejar toda la majestuosidad del cuerpo de Moisés, sus piernas, brazos y venas incluso. La escultura permanece en el mausoleo en una penumbra, pero que uno puede iluminar por un rato pagando un euro.

Bibliografía consultada

Anon. Basílica de San Pietro in Vincoli. DisfrutaRoma. https://www.disfrutaroma.com/basilica-san-pietro-vincoli

Sarralde José Luis. 2014. Roma – Así es la iglesia San Pietro in Vincoli, con el Moisés de Miguel Angel. Viajar a Italia, 14 noviembre. http://guias-viajar.com/italia/roma/fotos-iglesia-san-pietro-vincoli/

Escrito por Ricardo Labrada (31 marzo de 2016)

La obra del escritor Nikolái Vasilievich Gógol

Si yo no puedo ser feliz, quiero consagrar toda
mi vida a la felicidad de mis semejantes”.
Nikolái Gógol

Cuando era un joven todavía no muy adicto al vicio de la lectura, cayó en mis manos una novela que me sedujo desde el inicio. Se trataba de Taras Bulba del escritor ruso-ucraniano Nikolái Vasilievich Gógol. Fui por ahí que vine a conocer quiénes eran los cosacos, su aversión por todo aquello que oliera a polaco, el amor de dos seres que no se pusieron a estar analizando que uno era descendiente de cosaco y la otra una dama polaca. Realmente me fascinó el libro y conocí algo que luego lo tuve muy de cerca en mis años de estudiante, pero que en aquel momento ni soñaba que viviría una parte de mi juventud en esos lares.

Así las cosas, un día pasaba por la Universidad de Kiev, en el mismo centro de la capital de Ucrania y en una esquina de las calles que la circundaban había una venta de libros. Vaya suerte, las obras completas de Gógol en sólo 5 rublos, una verdadera ganga. Sin pensarlo mucho las compré. Años después esos libros viajaron conmigo a Cuba y allá por la década de los 80 se los regalé a una prima que sabía también ruso, aunque desconozco si llego a leer todas esas obras. Una de ellas venía escrita en ucraniano e igualmente en ruso, hablo de la llamada “Viy”.

¿Quién era Gógol? Un escritor nacido el 31 de marzo de 1809 en Soróchintsy, lugar de la provincia de Poltava en Ucrania, en el seno de una familia rutena, o sea una familia ucraniana creyente en el catolicismo a diferencia de buena parte de los ucranianos orientales que son ortodoxos en sus creencias. Es algo interesante, pues Poltava es zona de ucranianos ortodoxos de siempre a diferencia de los ucranianos occidentales y católicos. Los antepasados de Gógol, no es casualidad, eran parte de la nobleza polaca. El bisabuelo de Gógol, Jan, estudió en la Academia de Kiev y al finalizar sus estudios decidió establecerse en Poltava, Ucrania oriental, realmente buscaba un ambiente más próximo a Moscú en costumbre y religión, alejado de las creencias polacas.

Gogol

Nikolái Gógol

Gógol perdió a su padre cuando sólo tenía 15 años y su formación religiosa estuvo dada por las enseñanzas de su madre. Gógol era muy dado a creer en los espíritus, su idealismo en su obra se hacía ver con frecuencia, muy diferente del escritor Fiodor Dostoyevski, quien siempre cuestionaba sobre la existencia de un ser supremo, navegando en el campo del agnosticismo.

En 1828 Gógol se estableció por un tiempo en San Petersburgo, allí encontró trabajo de oficina, y tres años más tarde pudo conocer al gran escritor Alexander Pushkin, quien de hecho lo incentivó en el campo de la escritura. Un trabajo como profesor de historia Gógol encontró en la Universidad de San Petersburgo, donde trabajó en el período de 1834-35. En el período previo y posterior a su llegada a San Petersburgo, Gógol escribió inicialmente relatos breves y sus primeras novelas, entre ellos “Veladas en el caserío de Dikanka (1831)”, que contiene 8 relatos; “Mirgorod (1835)”, “La avenida Nevski (1835)”, “El Diario de un loco (1935)”, “El capote (1842)” y “La nariz (1936)”. La trama de “La nariz” fue objeto de adaptación en una ópera del creador Dimitri Shostakóvich.

Su graduación como escritor de renombre, Gógol lo consiguió con su comedia “El inspector (1936)”, donde hizo uso de la sátira, algo que estuvo presente en la mayoría de sus siguientes obras. Gógol se burlaba de muchas costumbres de la Rusia de sus años y lo hacía en el afán de que la sociedad cambiara.

Después de la escritura y publicación de la obra anteriormente mencionada, Gógol emigró a Roma inicialmente, y luego viajó en Italia, Alemania, Suiza y Francia. Fue durante esta gira cuando escribió su obra máxima, “Almas Muertas (1842)”, en la cual el autor expresa como un deseo de reformación de Rusia. Lo que nadie entiende es lo que se deseaba reformar, sea la política o la sociedad en general. Esta obra tiene algún parecido con “El Quijote” de Cervantes, ya que el protagonista principal, Chíchikov emprende viaje junto con su cochero y un criado a bordo de una troika por tierras de Rusia, se detienen en varios pueblos y aldeas para almas, pero muertas, que en este caso eran los siervos propiedad de los señores feudales. Años después escribió una segunda parte de esta obra, que tituló “Almas blancas”.

Después de “Almas muertas”, completó la escritura del épico-histórico “Taras Bulba (1842)”, que se desarrolla en la Ucrania del siglo XVI, cuando aún este territorio no era parte de la Rusia zarista y estaba ocupada por Polonia. Hay quien afirma en occidente que Gógol tuvo que retocar su obra Taras Bulba en 1942 para contentar al zar ruso y darle una tónica menos antirrusa, lo cual este autor no cree. De hecho los cosacos son los protagonistas principales en Taras Bulba y ellos en nada eran contrario al dominio ruso. Si alguien tiene alguna duda, le aconsejo se lea “El Don apacible” de Mijaíl Shólojov, donde claramente se ve cómo los cosacos combaten a las tropas del ejército ruso y defendiendo la corona del zar.

Otra obra que ya mencioné es “Viy (1835)”, donde el personaje principal es una especie de demonio. Se trata de un relato sobre una historia relacionada con tres estudiantes de teología en Kiev, Jaliaba, Jomá Brut y Tiberi Gorobets. Gógol afirmaba que su Viy era el rey de los gnomos según una leyenda ucraniana. Sin embargo, el monstruo es una descripción de San Juan Casiano, que nada tiene que ver con el folclor ucraniano. La trama de Viy fue llevada por el director italiano Mario Bava al cine en la película de horror, “La máscara del demonio”. La obra de por sí refleja el profundo pensamiento idealista de Gógol, muy dado a crear ficciones.

Otras de sus obras más famosas son:
• La feria de Soróchintsy
• La noche de San Juan
• La noche de mayo o la ahogada
• La carta perdida
• La Nochebuena
• Terrible venganza
• Iván Fiódorovich Shponka y su tía
• El lugar embrujado

En 1848 viajó a Jerusalén en peregrinación, y a su regreso decidió quemar toda la segunda parte de Almas muertas. La dosis de religión recibida en la ciudad mencionada le impulsó para realizar tan descabellada acción. Algunas partes sobrevivieron al fuego y fueron posteriormente publicadas.

En esos últimos años de su vida, Gógol vivió en una casa de dos plantas situada en el Nikitski Boulevard de Moscú, que actualmente es museo y conserva los muebles y objetos personales del escritor. Allí falleció enfermo mentalmente el 4 de marzo de 1852.

Bibliografía consultada

Anon. 2005. Nicolai Gogol. Almas muertas. Cuchitril literario, sept. 26. http://lepisma.liblit.com/2005/09/26/nicolai-gogol-almas-muertas/

Anon. Nikolai Gógol. Biografía y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogol.htm

Anon. Nikolai Gogol. Busca Biografías. http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/8567/Nikolai%20Gogol

La mejor lectura para jóvenes y adolescentes, las obras de Jack London

Yo no vivo por lo que el mundo piensa de mí,
sino por lo que pienso de mí mismo
Jack London

La prosa del escritor norteamericano Jack London es realmente una de las más amenas que uno pueda leer. Sus libros tienen el arte de enganchar al lector desde que comienza su lectura, y uno no para hasta terminar de leer todo el libro.

El nombre de inscripción de este escritor debería ser John Griffith Chaney, nacido el 12 de enero de 1876 en la bella ciudad de San Francisco, California. London tuvo una vida nada fácil, además de ser una persona muy impulsiva, que gustaba de las aventuras, era dado a proteger a los más desposeídos. Era hijo de un padre que no conocía, el astrólogo William Chaney, que siempre negó su paternidad, ya que decía que era impotente cuando vivía con la madre de London, Flora Wellman que se hacía llamar Florence Wellman Chaney.

Jack London

Jack London

London, fue como mi abuela materna, una persona que se instruyó autodidácticamente mediante la lectura de libros. Su conciencia política fue adquirida al calor de las protestas y disturbios que se originaron en Oakland al final del siglo XIX. En esa época hizo varios trabajos en un molino de yute y en una central eléctrica, luego desempleado, estuvo preso en Buffalo por espacio de un mes por vagabundear, ¿qué culpa tenía él de estar desempleado?

En 1897 él y su cuñado se trasladaron a Klondike, región del territorio del Yukón en el noroeste de Canadá, y al este de la frontera con Alaska. Allí había comenzado la fiebre del oro. En ese lugar London pasó trabajo, hambre, sufrió de enfermedades, desnutrición, pero el ambiente le sirvió para después escribir dos de sus grandes obras, “El llamado de lo salvaje (1903)” y “Colmillo blanco (1906)”. En esas novelas el héroe es siempre un perro en un ambiente nevado como Klondike, donde hace de todo con tal de sobrevivir y ayudar al amo que lo trata con afecto. También la experiencia en Dawson le sirvió para escribir una novela corta que tituló “To build a fire” (Construir el fuego), de la cual tengo conocimiento, pero que lamentablemente no he leído.

A finales del siglo London trabajaba día y noche en una planta de Hickmott. Luego le pidió un dinero a su madre adoptiva para comprar una goleta y dedicarse a recoger ostras. La goleta un buen día se dañó y London se convirtió en miembro de la Patrulla pesquera de California. También por ese tiempo es que London comenzó a escribir. Había conocido al poeta George Sterling, quien fue un buen amigo y con quien, deduzco, haya aprendido algo de la escritura. De hecho él menciona a Sterling con otros nombres en algunas de sus obras, como fueron “Martin Eden” y “El valle de la Luna”. Ya en ese entonces London era todo un pensador socialista. Inicialmente fue miembro del Partido Socialista Laboral en 1896 y en 1901 se afilió al Partido Socialista de América. Su inclinación socialista London la plasmó en sus libros, “El pueblo del abismo (1903)”, “Guerra de clases (1905)” y “Revolución y otros ensayos (1910)”.

Su primera historieta fue “To the Man On Trail” algo así como “El hombre sobre la pista”, por la cual le pagaron cinco dólares por su publicación, algo que lo desanimó bastante. Luego probó con otra historieta, “Un millar de muertos”, que fuera aceptada y le pagaron cuarenta dólares. Luego logró la fama como escritor. Al inicio del siglo London, con sus obras, ganaba unos 2 500 dólares anuales, una cifra grande para aquella época.

“El llamado de lo salvaje (1903)”, donde el héroe es un perro de nombre Buck, el cual era criado en una casa de gente adinerada, pero que un buen día fuera robado y llevado al norte frío, donde tuvo que enfrentarse a un trabajo duro en condiciones adversas climáticamente, muy lejos de la cálida California. El perro aprende a pelear y logra amistad con un hombre que fue el primero en darle afecto en aquel ambiente adverso. “Colmillo blanco (1906) (White fang)” estuvo inspirado en un perro lobo salvaje, al cual su amo logró domesticar. Esta novela viene a ser un complemento de la anterior indicada, donde demuestra el mundo salvaje de los lobos y perros con poca diferencia de la de los humanos. Ambas novelas fueron llevadas al cine y han sido del deleite de jóvenes y niños.

Otra obra, probablemente la más famosa de London, fue “El lobo de Mar (1904)”, que ha sido llevado al cine varias veces. La obra es sobre un capitán de barco feroz e implacable con su propia tripulación llamado “Lobo” Larsen. Sin embargo, la novela de London que al que suscribe más le impresionó fue “Martin Eden”, que viene a ser como una autobiografía y que muestra las vicisitudes de su vida y su rechazo a la forma de pensar de las capas más pudientes de la sociedad.

London escribió medio centenar de novelas, además de otras historietas, algunas de las cuales aparecían en diarios, en los que usualmente él publicaba, En su breve vida, también fue corresponsal deportivo que cubría las incidencias de las peleas de boxeo de aquel entonces. Una de ellas fue la llamada “Pelea del siglo” entre el púgil negro Jack Johnson contra el canadiense Tommy Burns, entonces campeón mundial de los pesos pesados, pelea en la que Johnson hizo de las suyas, al extremo que cada vez que noqueaba a su adversario, él no lo dejaba caer para poder seguir golpeándolo. London se tildaba de socialista, pero protestó por el resultado de esta pelea y llegó incluso a solicitar que llegara una esperanza blanca que situara al “simio” en su lugar. Esas ofensas demostraban el carácter racista de London, algo que no conjugaba con su llamada condición de socialista. Supongo que London debe haber sufrido mucho con Johnson, al que puso a varias “esperanzas blancas” a dormir temprano en la lona. Esa afición por el boxeo se tradujo en una serie de cuentos, que titulón como “Knock Out: tres historias de boxeo”.

Otro aspecto negativo de la vida de London fue ser acusado varias veces de plagio de obras. Se acusaba a London de plagiar novelas del escritor Sinclair Lewis así como la obra “My dogs in the Northland” (Mis perros en el Norte) del escritor Egerton R. Young, la que luego tituló como la conocida “El llamado de lo salvaje”. En esa acusación, London respondió que la obra le había servido de inspiración y fuente para escribir la novela ya mencionada. Otras acusaciones le llegaron después de otros diarios, y él siempre encontraba una excusa. De haber vivido en la época actual, habría tenido que pagar bastante por violar el llamado derecho de autor.

Por último, era un hombre adicto a la bebida en extremo, algo que combinaba con el sexo con las mujeres. London murió el 22 de noviembre de 1916 en su rancho cerca de Sonoma. Muchas fuentes afirman que fue suicidio, algo pre-anunciado en su obra “Martin Eden”. Sin embargo, el certificado de su muerte indicaba que había muerto de uremia, que es un síndrome provocado por acumulación en la sangre de sustancias nitrogenadas que normalmente se eliminan por la orina, pero que al haber una insuficiencia renal no se expulsan. London padecía de dolores e igualmente consumía morfina para aliviarlos. Por eso algunos han supuesto que pudo haber muerto por una sobredosis de este alcaloide.

Bibliografía consultada

Anon. Jack London Biography.com Editors. Bios. http://www.biography.com/people/jack-london-9385499

Anon. Jack London. Biografías y vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/london.htm

Página web de Jack London. http://www.jacklondon.com

Escrito por Ricardo Labrada (17 febrero de 2016)

Las obras de Carlos Loveira Chirino

El mundo no se destruirá por los que hacen el mal,
sino por los que se quedan mirando sin hacer nada.”
Albert Einstein.

Para leer muchas verdades de Cuba, otrora y última colonia española y luego republicana, es menester leer a un autor, Carlos Loveira, que puntualizaba con su prosa muchos de los problemas heredados por la Cuba republicana, que no es otra cosa que la llamada corrupción en las más diversas formas, el latrocinio de los gobiernos de turno, la consiguiente explotación de los más humildes aparejada con la buena vida de los nuevos burgueses, plenos sustitutos de la anterior aristocracia colonial. Una sociedad enferma desde que nació. Comparo a Loveira con la pluma crítica del conocido Emile Zolá

Carlos Loveira Chirino nació en el poblado de El Salto o El Santo, Santa Clara, en 1882. Unas fuentes dicen El Salto y otras el Santo, poblados que este autor desconoce su existencia.  Por el contrario, la enciclopedia en la red cubana dice que Loveira nació en Encrucijada, pero ninguna fuente cita la fecha exacta de su nacimiento.

Loveira nació en el seno de una familia pobre, su padre era gallego de nacimiento y madre cubana. Cuando sólo tenía nueve años, quedó huérfano y le recogió una familia en cuya casa su madre había sido criada. Luego llegó Valeriano Weyler, el mallorquino que impuso la reconcentración en Cuba durante el período de la guerra de independencia, y la familia se trasladó a Nueva York, donde Loveira hizo de todo, lavó platos, vendió frutas, aprendió inglés y se contagió con el patriotismo de los exiliados cubanos. Loveira regresó a Cuba en 1898 en la expedición del patriota cubano José Lacret Morlot. Más tarde, ya en pleno período republicano, hizo labores como retranquero, guarda-equipajes, maquinista y conductor de trenes de caña. Emigró para trabajar en la construcción del Canal de Panamá, luego trabajó en la vecina Costa Rica, e igualmente Ecuador.

Carlos Loveira

Carlos Loveira

A su regreso a Cuba fundó la Liga Cubana de Empleados de Ferrocarriles. Sus luchas a favor de los obreros se intensificaron no sólo en Cuba sino también en México y otras partes de América Latina. En 1913 emigró a Yucatán, allí se le encargó organizar técnicamente el Departamento del Trabajo de ese Estado. El gobernador de Yucatán, Salvador Alvarado, le envió a Estados Unidos con el fin de organizar una sindical obrera continental, la llamada Federación Panamericana del Trabajo. En EEUU, Loveira debía discutir con Samuel Gompers de la “American Federation of Labour”. Finalmente se abrió una oficina en Washington en 1917, en cuyo ejecutivo aparecía Loveira. Desde 1915 Loveira viajó a varios países de América del Sur, como fueron: Perú, Chile, Argentina, Uruguay y Brasil, donde realizó actividades de propaganda. Colaboró igualmente escribiendo en varios diarios, como fueron “La voz de la revolución en Yucatán”, “El heraldo de Cuba”, “El Imparcial” de San José (Costa Rica), y también en el “Federationist”, órgano de la Federación Americana del Trabajo.

El trabajo dentro de las luchas obreras en América Latina no siempre fue de su agrado por los resultados obtenidos, con frecuencia expresó su desilusión. A su regreso a Cuba fue nombrado Jefe del Negociado de Trabajo, de la llamada Secretaría de Comercio, Industria y Trabajo, puesto que tuvo hasta su muerte. En esas funciones Loveira representó a Cuba en varios eventos de organizaciones de obreros en Europa. En ese período de 1917 a 1918 escribió su primera obra: “De los 26 a los 35: Lecciones de la lucha obrera”. Su segunda obra apareció publicada en 1919,  “Los inmorales”, que no debemos confundir con la obra de Miguel de Carrión, “Las inmorales”. En la obra en cuestión, Loveira plantea la necesidad de una ley del divorcio en Cuba. El protagonista de la novela es un joven trabajador de los ferrocarriles. La obra critica la negativa influencia al respecto de la Iglesia Católica, no sólo en materia de divorcio, sino también en otras cuestiones de la sociedad. Loveira igualmente critica la violencia de algunas manifestaciones obreras, por considerarlas contraproducentes y se burla de los discursos de algunos dirigentes con palabras rebuscadas.

Al respecto del divorcio es bueno aclarar que Cuba fue el primer país de Hispanoamérica en aprobar una ley de divorcio, lo cual ocurrió en 1918, o sea previo a la publicación de “Los Inmorales”. Supongo que Loveira haya escrito todo eso en el curso de 1917 y 1918, o sea antes que la ley se aprobara. También es importante indicar que el proyecto de ley al respecto fue inicialmente presentado en la Cámara de Representantes en 1903, el cual no se aprobó. Para que se tenga una idea, España vino aprobar la ley de divorcio en 1981 durante el mandato de Adolfo Suárez. Cuba al aprobar dicha ley en 1918 se situaba al mismo nivel que países como EEUU y Francia.

En 1920 se publicó “Generales y doctores”, que la considero la obra maestra de Loveira, que trata sobre esos doctores que en su vida han curado ningún enfermo, ni defendido un solo pleito, y a cuenta del título todo lo toman en colaboración con los generales que no han disparado un tiro. La obra podría ser extrapolada a algunas naciones de Hispanoamérica, con esa existencia de supuestos profesionales, con muchos certificados de cursos y con pocos aportes a la sociedad, además de los militares, que se autonombran casi mariscales sin haber tenido jamás una escaramuza.

Su siguiente obra fue “Los ciegos (1922)”, cuya trama gira alrededor de la vida de un obrero honrado, lector apasionado y que sufre todas las insensateces de la sociedad. En una parte del libro se dice: “Nos ha tocado vivir, y más a la generación de nuestros hijos, en una época terrible, de demoliciones y ensayos dolorosísimos”. Al respecto hay que hacer una aclaración, las ideas de Loveira fueron de siempre próximas a la socialdemocracia, considerarlo como un hombre de izquierda radical es un craso error. Sus ideas eran algo parecidas a las que tuviera en Cuba un hombre como Antonio Guiteras, quien fue un hombre a favor de los más explotados pero no miembro de la izquierda radical.

En 1924 se publicó “La última lección”, cuya trama se aleja de los problemas sociales que de siempre Loveira abordó, para centrarse en lo que podemos llamar su estado de ánimo, su frustración, su soledad, la vida del hombre mayor de los cincuenta, sin una ilusión en su vida.

La siguiente obra fue otra de las más famosas de Loveira, “Juan Criollo (1927)”, llamada así por el nombre del personaje principal de la novela, Juan Cabrera, que bien pudiera ser un autorretrato de Loveira, pues es huérfano, sufrió la guerra, el destierro, hambre, necesidad, y por esas cosas de la vida se aficiona a las letras. Juan se supera y llega a ocupar puestos importantes, pero a la vez le asquea la política, mundo al que decide dedicarse luego de ver tantos generales y doctores engullirse la mejor parte del pastel sin trabajar realmente. Hacer dinero honradamente y sino hacer dinero también, ese es el consejo para su hijo, sin violar los códigos no ser menos que nadie de aquellos que han vivido placenteramente sin aportar beneficio alguno a la sociedad.

Loveira murió en 1928, fecha exacta tampoco conocida, en la Habana. Su obra escrita en el pasado, no ha perdido vigencia. Es muy aconsejable que las nuevas generaciones de cubanos lean sus novelas y saquen las debidas enseñanzas.

Bibliografía consultada

Anon. Carlos Loveira. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/loveira.htm

Anon. Carlos Loveira y Chirinos. Enciclopedia de Historia y Cultura del Caribe. http://www.encaribe.org/es/article/carlos-loveira-y-chirino/626

Riis Owre J. 1965. Carlos Loveira, novelista cubano que previo la tragedia. AIH. Actas II, Centro Virtual Cervantes. http://cvc.cervantes.es/literatura/aih/pdf/02/aih_02_1_044.pdf

Escrito por Ricardo Labrada (21 febrero de 2016)

Je vous invite à visiter le Louvre

Un seno, es redondo, es caliente.
Si Dios no hubiera creado el pecho de la mujer,
no sé si habría sido pintor”.
Pierre- Auguste Renoir (1841-1919), pintor impresionista

Lo aquí se escribe es una invitación para que visite el fabuloso museo del Louvre, el cual está en esa ciudad, que bien vale una misa, llamada París. Hay muchas cosas para ver en la capital de Francia, y no solo el museo en cuestión, pero lo que no es admisible que Ud. visite París y no pase por este museo, donde hay más de 300 000 obras de todos los tiempos, todas dispuestas en un edificio de 160 mil metros cuadrados, que otrora fuera una fortaleza, ampliada y reformada varias veces. Allí estaban las cortes y residencia real de Carlos V y Felipe II, donde poco a poco se fueron acumulando las colecciones artísticas. Los reyes franceses sabiamente se movieron para el Palacio de Versalles, que se halla algo distante de París, para así dejar este Palacio como museo.

Museo-del-Louvre-París-Francia

Museo del Louvre, París, Francia

Por suerte, visité a este museo por primera vez en 1972, y 40 años después estaba más modernizado. Ahora presenta una pirámide de cristal, diseñada por el arquitecto Leoh Ming Pei, y construida en 1989 dentro del programa del Grand Louvre del pasado gobierno del presidente François Mitterrand, que sirve de puerta de entrada al museo, lo cual lo hace más chic, más elegante, más atrayente, en fin, mucho mejor la visita y entrada al lugar.

El museo está organizado temáticamente, antigüedades orientales, egipcias, griegas, romanas, y otras. Creo que la mejor visita virtual es describir algunas de las obras más importantes, no todas, por ser muchas realmente. Visitar este museo lleva de un día a dos, sobre todo para aquellos que se dedican al mundo del arte. En una sola visita es difícil de conocerlo todo.

Entre las obras de renombre encontraremos:

En la planta baja

La Venus de Milo de la Antigua Grecia, igualmente llamada la Afrodita de Milos, que es una de las estatuas, realizada en mármol, más representativas del período helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. La misma fue creada por Alexandros of Antioch en el período entre el 130 y el 100 a.C. Venus en la mitología griega representa la diosa del amor y la belleza.

Sarcófago de Cerveteri, de autor desconocido (~ 520 aC), que es una urna funeraria etrusca de terracota presentada en una escultura de matrimonio que disfruta de un festejo.

Código de Hammurabi (entre 1728 aC). Columna de basalto erigida por el Rey Hammurabi de Babilonia que contiene uno de los conjuntos de leyes más antiguos encontrados, la llamada Ley de Talión.
.
Psique reanimada por el beso del amor, escultura de mármol blanco del escultor y pinto italiano Antonio Canova (1787–1793). También se le conoce como “Cúpido y Psique” descrito por Apuleyo en “El Asno de Oro”.

Esclavo Moribundo, otra escultura en mármol blanco creada en 1513 por el escultor italiano Michelangelo Buonarroti. Estaba destinada para formar parte del grupo escultórico de la tumba del papa Julio II, que había de colocarse en la parte inferior del monumento, aunque finalmente el proyecto se vio alterado y no cumplieron su objetivo.

La Venus de Milo, Sarcófago de Cerveteri, Código de Hammurabi, Psique reanimada por el beso del amor, Esclavo Moribundo

La Venus de Milo, Sarcófago de Cerveteri, Código de Hammurabi, Psique reanimada por el beso del amor, Esclavo Moribundo

En la primera planta

La Victoria Alada de Samotracia, también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia, es una escultura en mármol perteneciente a la escuela rodia del período helenístico, que data del 190 a.C.. Representa a Niké, la diosa de la victoria. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia por el cónsul y arqueólogo aficionado francés Charles Champoiseau, quien encontró cientos de fragmentos sueltos, que finalmente se pudieron encajar, pero la gran dama alada quedó acéfala. Champoiseau, cuando encontró la estatua, escribió al embajador de Francia en Constantinopla en 1863: “He encontrado una estatua de la Victoria alada esculpida en mármol y de proporciones colosales. Desgraciadamente, no he encontrado ni la cabeza ni los brazos […]. Pero el resto está casi intacto y ha sido labrado con un arte que ninguna de las obras griegas que conozco iguala”.

El escriba sentado del Antiguo Egipto, también conocido como El escriba sentado del Louvre, es una estatua representativa de la escultura del Imperio Antiguo Egipcio y de las mejor conservadas. Esculpida entre los años 2480 y 2350 a. C. y hallada en la necrópolis de Saqqara, en la ribera occidental del Nilo y frente la antigua ciudad de Menfis, capital del Imperio Antiguo de Egipto. Se cree que el escriba representa a un alto funcionario de la administración.

La coronación de Napoleón, de Jacques-Louis David (1807), pintor oficial de Napoleón. Óleo que representa la coronación y consagración de Napoleón en Notre-Dame el 2 de diciembre de 1804. Napoléon encargó esta pintura para mostrar que él era hijo de la Revolución, otro símbolo más del culto a la personalidad de los dictadores en la historia del Universo.

La balsa de la Medusa, de Théodore Géricault (1819). Enorme óleo que hace referencia al naufragio de la fragata Méduse, cuyos escasos supervivientes permanecieron a la deriva durante 2 semanas en una balsa de madera. La Méduse era una fragata de la marina francesa que naufragó frente a la costa de Mauritania el 5 de julio de 1816. 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15, murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos.

La Libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, 1830. Su autor declaró una vez terminada la obra: “He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella”.

La Victoria Alada de Samotracia, El escriba sentado, La coronación de Napoleón, La balsa de la Medusa,  La Libertad guiando al pueblo

La Victoria Alada de Samotracia, El escriba sentado, La coronación de Napoleón, La balsa de la Medusa, La Libertad guiando al pueblo

La Gioconda, de Leonardo da Vinci. también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se cree que la modelo que posa en esta famosa pintura era una vecina de Leonardo y que podría haber estado embarazada. No se atreva a fotografiar la obra, está terminantemente prohibido. Más bien obsérvela y en la misma podrá hallar un sentimiento de tristeza y otro de alegría, todo está en cómo una la mire. Es realmente una obra fabulosa, que da deseos de pasar rato observándola.

Esta obra fuea robada en el pasado por el comerciante argentino Eduardo Valfierno en combinación con el carpintero italiano y también ex-empleado del Louvre, Vincenzo Perugia, en 1911. Valfierno mandó a hacer copias de la obra, vendida a coleccionistas americanos como la original. Finalmente la “Mona Lisa” fue ofertada a la galería degli Uffizi de Florencia y fue ahí donde se pudo capturar, más de dos años después de su robo a los malhechores y recuperar la obra original. La estafa de Valfierno con copias presentadas como la obra original solo se supo 20 años después de realizada, cuando el propio autor dio todos los detalles a un periodista americano.

Las bodas de Caná, de Paolo Verones, 1563, famosa pintura de este artista italiano.

Las bodas de Cana y la Gioconda (Mona Lisa)

Las bodas de Cana y la Gioconda (Mona Lisa)

En la segunda planta

El Rapto de las Sabinas, de Nicolas Poussin (~ 1638). Lienzo que alude al episodio mitológico del secuestro de las mujeres de la tribu Sabinia por parte de los fundadores de Roma, ya que según la leyenda, en Roma existían pocas mujeres. Romanos, y Rómulo, su fundador, organizó unas pruebas deportivas en honor al dios Neptuno, a las que invitó a los pueblos vecinos. Acudieron varios de ellos, pero los de una población, la Sabinia, eran de hábitos muy particulares y fueron a Roma con sus mujeres e hijos precedidos por su rey.

El tramposo con el as de diamantes, de Georges de La Tour (1635), pintor francés barroco. El lienzo describe una escena de un juego de cartas donde abundan las trampas, las miradas desconfiadas y el alcohol.

La Encajera o La Encajera de los bolillos, del pintor holandés Johannes Vermeer (1669). Óleo barroco de una escena de la vida cotidiana que dicen haber inspirado posteriormente a otros pintores impresionistas como Renoir o Vang Gogh por el uso de la luz. El óleo retrata a un personaje en sus tareas cotidianas.

La Virgen del canciller Rolin, del pintor belga Jan van Eyck (1435), belga que retrata al canciller Rolin (donante del cuadro) frente a la Virgen y el Niño.

Retrato de Luis XIV, del pintor francés Hyacinthe Rigaud (1701), enorme cuadro barroco, de casi 3 metros de altura, que es uno de los retratos de monarcas más famosos de la historia.

Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas, de autor desconocido (1594). Lienzo de la Escuela de Fontainebleau con tono erótico donde se representa a Gabrielle d’Estrées, famosa amante de Enrique IV de Francia, que muestra a dos mujeres jóvenes y bellas, situadas en una bañera y mostrando ambas el torso desnudo. Ambas mujeres llevan pendientes de enormes perlas en forma de pera. Una de ellas toca el pezón de la otra. Al fondo se ve otra dama, vestida de rojo que está cociendo al lado de la chimenea.

El Rapto de las Sabinas, El tramposo con el as de diamantes, La Encajera o La Encajera de los bolillos, La Virgen del canciller Rolin, Retrato de Luis XIV, Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas

El Rapto de las Sabinas, El tramposo con el as de diamantes, La Encajera o La Encajera de los bolillos, La Virgen del canciller Rolin, Retrato de Luis XIV, Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas

Otra obra a apreciar es “El retrato de Claude Monet (1875)” de Pierre-Auguste Renoir.

Retrato Claude Monet de Pierre Auguste Renoir

Retrato Claude Monet de Pierre Auguste Renoir

Esto solo una parte de lo tanto que muestra el Louvre, donde hay muchas más obras de valor y para cuya descripción se requeriría de más tiempo.

Bibliografía consultada

Anon. Museo del Louvre. Paris.es. https://www.paris.es/museo-louvre

Beaudoin Anne-Cécile. 2014. La “Victoria de Samotracia”: El enigma de la dama alada. XL Semanal, 3 de agosto. http://www.finanzas.com/xl-semanal/conocer/20140803/victoria-samotracia-enigma-dama-7472.html

Anon. 2015. El cuadro “Gabrielle d’Estrées y su hermana” lanza un mensaje a través de un anillo.El mundo de las piedras preciosas, 14 agosto. http://www.el-mundo-de-las-piedras-preciosas.juwelo.es/el-famoso-cuadro-gabrielle-destrees-y-su-hermana-lanza-un-mensaje-cifrado-a-traves-de-un-anillo/

Anon. El Museo del Louvre. Mundo City. http://www.mundocity.com/europa/paris/louvre.html

Escrito por Ricardo Labrada (15 febrero de 2016)

El hombre que nos enseñó el mundo de los esquimales: Hans Ruesch

Cada cosa tiene su opuesto: si no hubiera luz
no reconoceríamos la oscuridad,
y quizá no podría haber amor si no existiera el odio”.
Hans Ruesch

Con mucho interés leí en mi juventud las obras de Hans Ruech, “El país de las sombras largas” y “El regreso al país de las sombras largas”. Eran tantas cosas nuevas sobre la vida de los esquimales, que enseñan que no todas las comunidades de los hombres se conducen igual. Recuerdo que en una visita a Kenya me recordaba de Ruesch, pues no eran los esquimales, sino los massáis, quienes tienen costumbres nada parecidas a los occidentales europeos y americanos. De hecho este escritor daba una enseñanza para aquellos que no hemos visitado lugares tan recónditos de este planeta.

¿Quién era Hans Ruesch? Hombre nacido en Nápoles, Italia el 17 de mayo de 1913, hijo de madre italo-suiza o ticinese y de padre germano-suizo, inscrito como ciudadano suizo, aficionado de siempre al automovilismo y que luego se dedicara a la escritura.

Hans Ruesch

Hans Ruesch

Antes de brillar timón en mano, Ruesch era un apasionado de la arqueología, afición que lograba saciar trabajando en Pompeya, sitio vecino a la ciudad donde naciera. Luego viajó a África y entonces descubrió su pasión por la fórmula 1. Estudiaba en la Universidad de Zúrich que abandonó a los 19 años para dedicarse al automovilismo, corrió sobre autos Alfa Romeo y Maseratti, y logró alcanzar victorias en la arena internacional. Como corredor de autos, su carrera se vio interrumpida por la Segunda Guerra. En ese momento se trasladó a los EEUU, donde se inició como escritor. A tales efectos escribió para varias revistas norteamericanas y publicó su primer libro en 1950, “Top of the World” que en español llamamos “El país de las sombras largas” y que fuera traducido a 21 idiomas. El argumento de esta novela adaptado fue el que se llevó a la gran pantalla en el filme “Los dientes del diablo (1960)” (The savage innocents) del director Nicholas Ray, protagonizado por Anthony Quinn, Yôko Tani, Carlo Giustini y Peter O’Toole.

Afiche Los dientes del diablo (1960)

Afiche de “Los dientes del diablo (1960)”

En 1953 publicó su segundo libro “The racer” (El corredor), cuya trama fuera llevada al cine por el director Henry Hathaway, con el filme “Hombres temerarios (1955) (The racers) protagonizado por Kirk Douglas, Bella Darvi y Gilbert Roland. En ese mismo 1953 Ruesch volvió a la pista en Italia, carrera donde igualmente competía el famoso Juan Manuel Fangio.
Su siguiente obra fue una trilogía: “South of the Heart” (Al sur del corazón), la que se componía de: “A Novel of Modern Arabia” (Una novela de Arabia moderna) / “The Great Thirst” (La gran sed) / “The Arab” (El árabe), todo ello publicado en 1957. Sus siguientes obras fueron: “The Game (El juego 1961)”, “The Stealers (Los ladrones 1962)” y “Make a Fortune (Hacer una fortuna 1967)”, todo esto hasta llegar en 1974 a la secuela de “El país de las sombras largas”, que tituló “Back to the Top of the World (El regreso al país de las sombras largas 1974)”.

Afiche Hombres temerarios (1955)

Afiche de “Hombres temerarios (1955)”

Ruesch fue un activista igualmente contrario al uso de animales para fines de investigaciones. Se oponía al uso de los mismos para vivisección. Su argumento, con apoyo de la opinión de muchos médicos, era que conejos, ratones, ratas y otros animales no son anatómicamente ni psicológicamente parecidos a los seres humanos. En 1974 creó un centro contra la vivisección animal llamado Centro de Información Científica de la Vivisección (CIVIC). A su vez escribió obras al respecto, como fueron “La Masacre de los Inocentes (1978)”, “La Emperatriz Desnuda” o “El gran Fraude Mediático (1982)” así como la publicación “El Informe de la Fundación Internacional Dedicado a la Abolición de la Vivisección”.

“La Masacre de los Inocentes” fue una obra promovida para proteger a los animales tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, la misma no era en nada del agrado de la potente industria química y farmacéutica existente en Basilea, Suiza.

Este brillante piloto automovilístico, escritor y activista a favor de la protección animal, murió de cáncer en Massagno, Suiza, el 27 de agosto del 2007.

Resumen de “El país de las sombras largas

Una novela que nos lleva a una vida con noches de cinco meses y tiempos medidos por el paso de las lunas. Aparecen los iglúes sobre el sustrato helado, donde la mujer se necesita y no abunda. Las relaciones íntimas se componen inicialmente del beso frotándose una nariz sobre la otra. El hombre blanco, el supuestamente civilizado, es el importador de objetos raros, entre ellos las armas, el monoteísmo, el combustible, toda una serie de hábitos y costumbres distintas a los esquimales.

Resumen de “El regreso al país de las sombras largas”

Papik es un esquimal de los inuits que se mueve entre las nieves y el hielo acompañado de su mujer, Vivi y sus perros. Procrean, pero siempre desean tener varón, la mujer no sabe cazar. El infanticidio es habitual en este caso, no son polígamos, pero su monogamia es social y no sexual. Los anfitriones gustan ofrecer a su mujer al visitante para el sexo. Para ellos el hombre blanco es criminal con sus matanzas indiscriminada de animales, sobre todo focas. El hombre blanco se cree superior, siempre busca la manera de imponer sus hábitos y costumbres, y caso necesario extermina a su adversario.

Bibliografía consultada

Anon. Biografía Ruesch Hans. Que de Libros. http://www.quedelibros.com/autor/952/Ruesch-Hans.html

Anon. Hans Ruech. Especismo cero. http://www.especismocero.org/biografias/125-hans-ruesch

Carrizo Couto Rodrigo. 2007. Hans Ruesch, escritor. El País, 14 setiembre http://elpais.com/diario/2007/09/14/agenda/1189720806_850215.html

Escrito por Ricardo Labrada (14 de febrero de 2016)

Alexei Nicolaevich Tolstoi y su novela “Pedro I”

Desde aquí amenazaremos al sueco,
Aquí será fundada una ciudad
Para mal del vecino arrogante”.
Tomado de “El jinete de Bronce” de Alexander C. Pushkin

Ante todo es oportuno indicar que el autor en cuestión no es Alexei Konstantinovich Tolstoi, igualmente escritor del drama “Zar Fiódor Ioánnovich (1868)”, cuyo protagonista es Teodoro I de Rusia, obra llevada al teatro y estrenada en el Teatro de Arte de Moscú con un éxito abrumador. Tampoco Alexei Nicolaevich tiene que ver por parentesco con el famoso Liev (León) Tolstoi, el autor de “La guerra y la paz”.

Así que dadas las aclaraciones, comenzamos por decir que Alexei Nicolaevich Tolstoi nació el 10 de enero de 1883 en Nicoláievsk, Rusia, en el seno de una familia acomodada. En su adolescencia cursó la escuela secundaria en Samara y luego estudios superiores en el Instituto Tecnológico de San Petersburgo. Un año antes de ir a Petersburgo, su padre había muerto, de quien Alexei había aprendido mucho. En sus inicios, él se sintió atraído por la poesía, y comenzó a escribir algunas prosas. Sus maestros virtuales fueron entonces destacados escritores rusos como Liev Tolstoi, Gógol e Iván Turguénev, cuyas obras leyó con sumo interés. Algo igualmente inclinado con el periodismo, sirvió de reportero de guerra en el período de 1914-16.

Alexei Nicolaevich Tolstoi

Alexei Nicolaevich Tolstoi

La llegada de la revolución de Octubre 1917 fue un acontecimiento que en modo alguno le alegró. Hay que señalar que el 12 de febrero de 1902, Alexei había tomado parte en unas protestas organizadas a lo largo de la avenida Nevsky en San Petersburgo. En ese entonces él era parte del partido social-democrata, pero en cuanto este partido se dividión en Bolsheviques y Mensheviques, Alexei se apartó completamente de la política. Quienes han estudiado la biografía de este autor señalan que él era un hombre de ideas liberales, no estaba de acuerdo con el sistema zarista imperante, pero tampoco de las ideas extremas de parte de la izquierda. Tampoco le parecían muy reales las promesas de una nueva sociedad o especie de paraíso que los comunistas solían dibujar en sus discursos.

Llegado octubre 1917, Alexei no simpatizaba con los discursos de Lenin y Trostky, ya en ese entonces su esposa había dado a luz su primer hijo, y Alexei, por sus ideas, no tuvo más remedio que formar parte del ejército de los Blancos en la guerra civil que siguió a la revolución de Octubre. Como todos sabemos, los blancos perdieron esa guerra contra los rojos y los Tolstois tuvieron que evacuar, primero a Odessa, puerto ucraniano en el Mar Negro, de ahí a París, luego a Berlín, donde permaneció cinco años. Entonces era tildado de monarquista, pero sus ideas comenzaron a cambiar en el exilio. Un alto oficial del ejército blanco ruso decía que Tolstoi era indiscutiblemente un gran escritor, pero una persona nunca segura de sí mismo.

Alexei en una ocasión declaró: “Ud. verá, no hay literatura que salga de la emigración. La emigración puede matar a cualquier autor en dos o tres años”. Una opinión muy personal de este autor, con la cual realmente muchos no están de acuerdo. Bajo ese concepto no habría habido un Vargas Llosa o un Cabrera Infante, así que era una opinión que tomaba como razón para poder regresar a su patria.

Más increíble fue después su devoción por Stalin, ¿sería cierto ese amor al gran líder? La realidad es que le rindió culto a la personalidad al gran dictador como el más devoto. Alexei fue un activo participante de la Sociedad de Autores en Rusia, al extremo de haber alcanzado el premio Stalin, fue académico desde 1939 y laureado muchas veces más en su carrera. A Tolstoi se le llegó a llamar el Camarada Conde o el Conde Rojo por su procedencia noble y luego su nueva afiliación política en la Rusia bolchevique.

El profesor Gleb Struve, que fue soldado del ejército blanco ruso y un ferviente anticomunista, comentó lo siguiente sobre Alexei Tolstoi en 1941: “Alexei Nikolaevich Tolstoi es, sin lugar a dudas, uno de los mejores escritores rusos del siglo XX, pero es increíble que una persona de tanta capacidad le falte la cualidad que distingue a todos los poetas y escritores rusos, el sentido de la responsabilidad moral y social. En definitiva, él no es más que un cínico y un oportunista”.

Dejando a un lado el aspecto de sus cambiantes ideas políticas, hay que decir que Alexei Tolstoi fue un escritor de obras escritas en forma amena. Entre sus novelas están las novelas “Excéntricos (1910)”, “El señor cojo (1912)”, “Aelita (1923)”, “Aventuras de Nevzórov, o Íbikus (1924)”, El Hiperboloide del ingeniero Garin (1927)”, “Emigrados (1931)”, la trilogía “Peregrinación por los caminos del dolor (1922-1941)”, así como las novelas cortas “La infancia de Nikita (1922)”, “La Víbora (1928)”, “Carácter ruso (1944)” e Iván el Terrible (1942-1943)”. Escribió también “Cuentos de Iván Sudariov (1942)” y la obra teatral “La muerte de Fiódor Ivánovich (1942)”.

De todas ellas, la obra maestra de Alexei fue “Pedro I (1945)”, que relata con mucho detalle la vida del famoso zar (1672-1725), sus problemas para llegar al trono en disputa con su hermana Sofía, su niñez y cómo pudo descubrir el atraso de Rusia con respecto a Occidente, algo que asimiló al visitar con frecuencia el reparto de extranjeros en Moscú. Fue así que Pedro comenzó a forjar una amistad con la comunidad alemana existente y conoció mucho de lo qué hacían los comerciantes del lugar.

Los juegos de Pedro eran los de hacer el papel de navegante, fabricaba barcos de juguete y otros reales para poder simular combates navales. Su hermana gobernaba pero no con mucho éxito. Ya Rusia había perdido batallas importantes contra los turcos en Crimea y el descontento con la administración de Sofía crecía. Ella igualmente se daba cuenta de la popularidad de sus hermanos, por lo que organizó una conspiración infructuosa contra ellos, pues los supuestos atacantes pusieron a Pedro en aviso. Al final Sofía fue llevada a un convento, donde quedó recluida de por vida. Su madre se hizo del poder hasta que Pedro alcanzó la edad requerida. Ya para ese entonces él tenía una idea clara de cómo modernizar Rusia y hacer de ella una verdadera potencia.

Pedro I

Pedro I, figura de Pavel Balabánov, RIA Novosti

Los enemigos de Rusia en aquel entonces eran los turcos por el sur y los suecos por el norte, y un poco más al sur de los países nórdicos, la alianza de polacos y lituanos. Rusia no tenía un puerto importante en el Báltico que le diera fuerzas para batirse contra Suecia. Después que visitó varios países de Europa occidental y vio sus adelantos en distintos aspectos económicos, Pedro se dio a la tarea de construir una nueva ciudad portuaria en un lugar realmente frío, húmedo y pantanoso, se trataba de Petersburgo, que más tarde le llamaran Petrogrado y después de la revolución de Octubre, Leningrado. En tres volúmenes y de forma muy amena, Alexei da una descripción muy interesante de este zar, de sus ambiciones, amores y vicios.

Leer una obra como esta da a conocer buena parte de la historia de un imperio como el de Rusia, cómo un enorme país logró despegar económicamente y culturalmente en la época de este zar. Hay muchos detalles en su obra, pero realmente Alexei Tolstoi no pudo completarla, la que inició en 1919 y continuó hasta 1935.

Una de sus últimas actividades en la incansable carrera de Alexei Tolstoi, fue la de consejero como fiscal de los crímenes cometidos por los Nazis durante la II Guerra Mundial. Alexei fue uno de los primeros en afirmar que los nazis utilizaron gases tóxicos para aniquilar a más de 600 000 mil personas durante esta confrontación. Lamentablemente su trabajo en este aspecto quedó detenido completamente al morir el 23 de febrero de 1945 en Moscú.

Bibliografía consultada

Anon. Alexéi Nikoláievich Tolstói. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tolstoi_alexei.htm

Anon. 1999. Alekséi Nikolaevich Tolstoy. Buscabiografías. http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4550/Aleksei%20Nikolayevich%20Tolstoi

Anon. Aleksey Nikolayevich, Count Tolstoy, Soviet writer. Encyclopaedia Britannica http://www.britannica.com/biography/Aleksey-Nikolayevich-Graf-Tolstoy

Anon. Толстой Алексей Николаевич. Kostyor.ru. http://www.kostyor.ru/biography/?n=124

Klevantseva Tatiana. Prominent Russians: Aleksey N Tolstoy. RT Russiapedia.

Escrito por Ricardo Labrada (10 de febrero de 2016)

Martti Larni y “La Cuarta Vertebra”

La vida es una comedia para aquellos que piensan
y una tragedia para aquellos que sienten
Martti Larni

Esta vez el escritor en cuestión es Martti Johannes Larni, brevemente Martti Larni,  quien nació el 22 de setiembre de 1909, vaya coincidencia, el mismo día que una de mis nietas, en Helsingin mlk., Finlandia. Larni  comenzó su carrera como poeta, luego escribió “El respetable pobre y su Compañía abigarrada (1944)”, que fue una obra satírica, en su estilo, sobre la bancarrota de los vendedores de neumáticos durante la crisis económica de los años 30. Sus siguientes obras fueron la novela “Pasión impaciente (1945)” relacionada con la vida de los trabajadores. A continuación publicó la novela histórica “El paraíso descendió a la Tierra”, hasta llegar a la más conocida, la satírica “La cuarta vertebra: estafador a pesar suyo (1957)” (en original “Neljäs nikama eli veijari vastoin tahtoaan”).

Larni escribió un total de ocho guiones para el cine y más de 20 obras, no todas traducidas a otros idiomas. “La cuarta vertebra” si fue traducida a varioas lenguas  y está basada en sus experiencias de su estancia en EEUU. Larni vivió en Wiscounsin por un tiempo, lo que le sirvió para poder escribir esta obra, que está considerada entre las 10 más cómicas publicadas en el mundo.

Martti Larni

Martti Larni

Hace tanto tiempo que lo leí, que no todo se puede recordar. El personaje principal es un ciudadano finlandés, con un grado de educación normal de escuela europea, quien primero tropieza con un sistema de salud, al parecer muy meticuloso, cuyas recetas o remedios un poco que le asombran. Luego conoce a una norteamericana, con la cual establece relación íntima. En sus conversaciones, él le habla de los clásicos de la literatura, por ejemplo Alejandro Dumas, ella le responde que no sabe nada de eso, que en América sólo se leen best sellers. Ella le preguntó si Finlandia quedaba cerca de Corea, él le responde, le aclara y le habla de los países de Europa, ella le responde que sólo conoce dos países: América y Texas!! Al final del libro, él comienza a tocar una canción de su país con ayuda de su peine en un camión, la que gusta tanto, que se convierte en un hit parade en toda la Unión. Lo interesante de esta obra es que toda está basada en hechos reales

El libro no está disponible en línea, pero en Argentina he visto que está en venta, cuesta unos 280 pesos de este país latinoamericano. Este libro fue llevado a película de TV, en 1966, por el director finlandés Vili Auvinen.

La moraleja del libro de Larni debe entenderse que ningún país debe cerrarse y su intercambio con el mundo en general, ayudará a su propio desarrollo cultural. Igualmente aclaro que lo sucedido al personaje de Larni en su libro, le puede suceder a un latinoamericano o africano en Europa, pues el nivel educacional y cultural no es uniforme en ningún país del mundo. Hay gente con cultura y población con escasos conocimientos.

Más de una vez hemos visto que nos han preguntado dónde queda Cuba. Muchos europeos creen que Cuba es un país africano, lo cual está dado por la constitución de muchos equipos deportivos, donde predominan los afrocubanos, que es lo que ven en los torneos internacionales por la TV. Así que cualquier otro podría bien haber escrito la cuarta vertebra con Europa de escenario.

Lo que se debe entender es que no vale la pena cerrarse y hablar pestes sobre otras naciones, sobre todo las subdesarrolladas. El intercambio siempre será necesario. Tampoco existe superioridad de razas o de naciones sobre otras. Creer algo así es comulgar con las ideas de raza aria que Hitler promovió para su conveniencia desde antes de llegar al poder en Alemani.

Larni llegó a ser presidente de la Unión de Escritores de Finlandia, cargo que ocupó de 1964 a 1967, y murió el 7 de marzo de 1993 en Helsinki. Su obra literaria ha tratado de ser minimizada por algunos críticos, que probablemente ni le hayan leído.

Bibliografía consultada

Anon. Martti Larni. Wikiwand. http://www.wikiwand.com/en/Martti_Larni

Martti Larni. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0488380/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Ricardo Labrada (1 de febrero de 2016)

Mijaíl Lermontov y su novela “Un héroe de nuestros tiempos”

Nadie podrá alegrar en este exilio
mi rebelde nostalgia.
¿Amar?, he amado tres veces;
tres veces, y las tres sin esperanza”.
Tomado del poema “Todo está silencioso” de Lermontov

Hoy abundan escritores de distintos géneros, y es como las películas modernas, acción, intriga y otras formas que olvidan que existe eso que se llama amor. Por eso lo clásico se mantiene fresco hasta nuestros días, no importa que haya sucedido cien o doscientos años atrás, el amor y la pasión son sentimientos eternos, sea el amor de un hombre y una mujer o el amor familiar, el amor a los seres queridos o a los buenos amigos.

Mi intención aquí es hablar un poco de aquellos escritores, cuyas obras devoraba cuando joven, y que realmente fueron de mi gusto. Por haber estudiado en la URSS, una primera tanda de obras era de autores rusos y soviéticos. Llamamos rusos a aquellos que escribieron en períodos anteriores a Octubre 1917, mientras que soviéticos son los que escribieron de la fecha indicada hasta 1991. Naturalmente, ahora hay otros escritores rusos posteriores al 1991, pero que no podríamos incluir dentro de los llamados clásicos como: Pushkin, Lermontov, Dostoyevski, Tolstoi, Gogol, Turgenev entre otros. No es intención sólo abordar las vidas y obras de estos autores, de hecho ya anteriormente se ha hablado de otros grandes escritores que no son rusos.

Empiezo por uno de los clásicos que logró terminar una sóla novela, pero que la recomiendo por ser una obra de mucho contenido, “Un héroe de nuestros tiempos”, escrito por Mijaíl Yurevich Lermontov, hombre que naciera el 15 de octubre de 1814 en Moscú, hijo de una familia descendiente de escoceses, concretamente el poeta Thomas Learmonth, quien vivió y murió en Tarkhany. Lermontov coincidió en generación con la del gran escritor y poeta Alexander Pushkin.

La infancia de Lermontov transcurrió al lado de su abuela, ya que su madre murió cuando era pequeño, y su padre era capitán militar y cumplía en otros lugares alejados de Moscú. No obstante, su abuela se las arregló para darle una buena educación. Llegada la adolescencia el joven Mishka dominaba el francés, lengua hablada por la aristocracia rusa, el alemán y el inglés. De niño sintió siempre inclinación por la escritura, la poesía y la pintura. En su niñez realizó varios cuadros y dibujos, algunos comparables con obras de pintores avezados. A pesar de esos avances en sus estudios y formación, su niñez y adolescencia no fueron fáciles, su abuela y padre estaban siempre en litigio.

Mijail Lermontov

Mijail Yurevich Lermontov

Lermontov terminó el Liceo de Moscú en 1830 y se matriculó en la Facultad de Ciencias Políticas y Morales de la Universidad de Moscú. Allí no duró mucho, su rebeldía comenzó a manifestarse entonces y participó en varios actos de protesta contra las autoridades docentes de ese centro. Fue por eso que en 1832 ingresó en la Academia Militar y a partir de entonces su vida estuvo ligada al ejército. Estando en la escuela de oficiales de de la Guardia de San Petersburgo, al ya casi hecho Misha, lo pasaron al regimiento de húsares en Tsárskoye Seló (Aldea del Zar).

Su carácter rebelde se volvió a manifestar cuando supo de la muerte de Pushkin en 1837 y envió un poema lleno de aversión, “La muerte del poeta”, dirigido al zar Nicolás I. A continuación algunas partes de ese poema:

Murió el Poeta, esclavo del honor,
por los vanos rumores difamado.
Con el plomo en el pecho,
sediento de venganza,
cayó inclinando la orgullosa frente.
Sucumbió el corazón ante el oprobio
de mezquinas injurias.
Se ha cumplido el designio de la suerte.
¿No habéis sido vosotros ya hace tiempo
los que ibais a la caza
de sus audaces, de sus libres dones;
los que por divertiros atizasteis
su fuego apenas escondido?
¿Entonces? ¡Alegraos!… No ha podido
resistir vuestros últimos ultrajes.
Murió
con su sed de venganza no extinguida,
con secreto despecho
de traicionadas esperanzas…
Se apagaron los ecos
de sus mágicos cantos,
no volverán a oírse:
angosta, tenebrosa,
es la morada del Poeta,
y un sello para siempre ha cerrado sus labios.
Pero hay también, malvados,
un Tribunal divino,
un Juez terrible, que os espera
inaccesible al son del oro,
que sabe desde siempre
los pensamientos y las obras.
Serán vanas entonces las calumnias,
no os servirán de escudo.
¡Y vuestra sangre negra, toda,
no bastará para lavar
la sangre justa del Poeta!

Pushkin, de quien hablaré en otro artículo próximamente, murió en duelo provocado por los secuaces del Zar. El gran escritor de siempre fue antizarista, y el monarca, a través de sus órganos represivos, arregló una jugada en la que hacía aparecer a la esposa de Pushkin, Natasha, como adultera. Pushkin sabía que todo eso era intriga, la calumnia venía con anónimos, y el gran poeta se vio forzado a batirse con un tirador profesional, el barón francés D’Anthés Haeckeren. Los tiranos siempre encuentran formas para quitarse de arriba a aquellos que se les oponen. El poema de Lermontov claramente era una protesta por lo que él y gran parte de Rusia consideró un asesinato.

El poema no pasó inadvertido para el Zar, por lo que Lermontov fue arrestado inicialmente y luego enviado en servicio al Cáucaso, donde las tropas del zar trataban de hacer entrar en razón a los rebeldes de Chechenia, todos escondidos en las montañas. El traslado a esta zona montañosa no molestó a Lermontov. De hecho ya lo conocía y consideraba el lugar excelente para vivir. Ya instalado, pudo conocer un buen número de rebeldes e inconformistas, muchos de ellos georgianos.

La obra literaria de Lermontov comenzó en 1828. En 1830 publicó su primer poema “Primavera”. Después escribió otro poema “Boyardo Orsha”, el drama “Mascarada”, que se lo prohibieron publicar, el poema “Borodinó” y la novela “Infanta Ligovskaya”. Todas estas obras precedieron a su poema “La muerte del poeta”.

En 1838 Lermontov escribió en “Adición Literaria a Un Ruso Invalido”, “La balada sobre el Zar Ivan Vasilievich, del joven opríchnik y del gallardo mercader Kaláshnikov” En el período de 1839-1840 en “Apuntes Nacionales” se publicaron los capítulos de la novela “Un héroe de nuestros tiempos”, que fue en realidad su única novela.

En “Un héroe de nuestros tiempos” el personaje principal es Pechorin, un hombre lleno de contradicciones, nihilista, sensible, cínico, arrogante, impulsivo, que conoce bien su personalidad y sus defectos, pero que no deja de ser un hombre melancólico. La narración la hace primero un anónimo que se hizo de los diarios de Pechorin, los que después pasaron a manos del capitán Maxim Maximich, que para todos no es otro que el mismo Lermontov, luego la descripción de los diarios de Pechorin que Maxim Maximich logró conservar, y a continuación los tres capítulos de la novela: Taman, Infanta Meri y Fatalista. No sé si la novela se pueda leer en español en línea, pero si lo está en ruso. (http://lib.ru/LITRA/LERMONTOW/geroi.txt).

Pechorin era un aventurero y un romántico, en el capítulo “Infanta Meri”, el más largo de la obra, Pechorin enamora a la princesa y a la par mantiene una relación con su amante, Vera. Sin embargo, Pechorin no amaba realmente a ninguna de las dos, todo eso lo hacía por aventura y vanidad. Pechorin nunca se llega a encontrar a sí mismo, su superficialidad y cinismo eran atributos no enmendables para él. Al final Pechorin muere en duelo con su amigo Grushnitski, a quien en realidad Pechorin desprecia.

Otro aspecto de la novela es la descripción que se hace en esta obra de la belleza de los paisajes en el Cáucaso. La prosa de Lermontov es fascinante en este libro, el que una vez terminada su lectura, me produjo lástima de saber que no pudo escribir otras novelas, cuya calidad, no dudo, estaría garantizada.

Después de finalizada la obra en cuestión, Lermontov escribió otros poemas, entre los cuales encontramos los siguientes títulos: “Versos 1828-1841”, El prisionero del Cáucaso, (Kavkazski plénnik – 1828), poema “El corsario” (Korsar – 1828), poema “Los circasianos” (Cherkesi – 1828), poema, “Julio” (1830), poema, “Los españoles” (Ispantsy – 1830s), drama inacabado, “Ismail-Bey” (1832) poema, “Vadim el jorobado” (1832), novela no terminada, “Jadzhí-Abrék” (1834), los ya mencionados “El boyardo Orsha” (Boiarin Orsha -1836), “La muerte del poeta” (Smert poeta – 1837), Ashik Kerib (1837), Borodinó (1837), El novicio (Mtsyri – 1839), poema, Valerík (1840), El sueño (Son – 1841), Patria (Ródina – 1841) y Tamara (1841), poema.

En Chechenia, Lermontov no sólo escribía, allí tuvo que participar en dos batallas, en las cuales se destacó y debió haber sido condecorado, pero sus superiores y por los antecedentes del militar-escritor, nunca lo premiaron.

Al inicio de febrero de 1841 consiguió permiso para viajar a Peterburgo, donde estuvo tres meses. Entonces él tramitaba la publicación de sus poemas “Demonio”, que estaban censurados y pensaba publicarlos en una revista propia. Como era de esperar, en abril de 1841, le llegó una orden de trasladarse con urgencia al Cáucaso nuevamente. En ese traslado, Lermontov, por problemas de salud, se vio obligado a parar por unos días en Pyatigorsk, donde tuvo una discusión ácida con el Mayor del ejército Nikolai Martinovich, de la cual se derivó que ambos se retaron a duelo.

Fue así que el 27 de julio de 1841 muere en duelo Mikhail Yurevich Lermontov. Algunos que presenciaron este incidente fatal, hicieron constar que Lermontov jamás disparó a su adversario, todo lo contrario, disparó al aire, señal que no era su intención matar a nadie.
Sus restos inicialmente yacieron en el mismo Pyatigorsk y en 1842 fueron llevados a Tarkhany, donde radica la bóveda de los Arsenevich, familia de Lermontov por línea materna. En 1939 se inauguró un museo en honor a Lermontov en Tarkhany. En 1976 se abrió una casa-museo igualmente en honor al gran poeta-escritor en Taman, provincia de Krasnodarsk, donde se recreó un patio del cosaco Fiodor Misnik, donde paró Lermontov en 1837. En 1976 se creó una casa-museo en Moscú, donde exactamente vivió Lermontov durante su adolescencia, concretamente en el período de 1829 a 1832.

Triste ver cómo murió Pushkin, y triste también cómo terminó la vida del gran escritor y poeta, que siempre identifico como “Un héroe de nuestros tiempos”.

Bibliografía consultada

Cenamor Francisco. 2014. Poema del día: “La muerte del poeta”, de Mijaíl Lérmontov (Rusia,1814-1841). Asamblea de palabras. 21 enero http://franciscocenamor.blogspot.com.es/2014/01/poema-del-dia-la-muerte-del-poeta-de.html

2014. Михаил Лермонтов. Биография (Mikhail Lermontov, biografía). RIANOVOSTI-SPRAVKI, 15 de octubre. http://ria.ru/spravka/20141015/1028109332.html

Anon. Михаил Лермонтов. Герой нашего времени. http://lib.ru/LITRA/LERMONTOW/geroi.txt

Escrito por Ricardo Labrada (29 de enero de 2016)

Otro excelente novelista, Erskine Caldwell

Un buen gobierno es como una buena digestión;
mientras funciona, casi no la percibimos
Erskine Caldwell

Erskine Preston Caldwell fue uno de los escritores norteamericanos más prolíferos, cuyas obras se caracterizaron por su profundidad en problemas sociales y económicos. Caldwell nació en Coweta County, Georgia, el 17 de diciembre de 1903. Su madre era maestra y su padre, ministro de la iglesia presbiteriana, el cual se vio obligado a trasladarse a distintos lugares debido a empleos que conseguía en nuevos templos. Así la niñez de Caldwell se puede catalogar de itinerante.

Dicen que Caldwell a la edad de dieciocho años se trasladó a México para combatir al lado de los nacionales de este país latinoamericano, pero no se dan detalles de esta incursión en sus biografías.

Como estudiante, estuvo en las universidades de Virginia y Pennsylvania, tampoco se dice en qué materia o especialidad, supongo que sea como periodista, pero sí trabajó en muchas cosas, como obrero, maquinista, aserrador, chofer de taxi, cocinero de estación, y como era un hombre de un extraordinario físico, como futbolista profesional. Finalmente trabajó como reportero para el “Journal” de Atlanta. Luego se casó en 1928, cuyo matrimonio tuvo dos hijos y una hija, pero el mismo duró sólo cuatro años. Entonces residió cinco años en Maine y de ahí se trasladó a Hollywood, donde trabajó para el cine durante dos años.

En una gira que tuvo en 1937, conoció a la reportera del Life, Margaret Bourke White, con quien se casó, pero este matrimonio no fue definitivo. Caldwell se casó cuatro veces en su vida.

Como escritor siempre sintió preocupación por los agricultores de su país, sobre todo aquellos que arrendaban tierras para laborar. De hecho, Caldwell ofrecío seminarios para los agricultores aparceros del Sur de EEUU. En el momento que escribía, se desarrollaba un cambio drástico en la agricultura de EEUU, se pasaba de formas arcaicas de producción a otras más modernas con uso de maquinaria y otros avances tecnológicos.

Caldwell escribió decenas de novelas, su primera fue “El Bastardo (1929)”, la que fue prohibida, probablemente por su título. Las copias de esta obra fueron retiradas del mercado. A continuación escribió “Poor fool” (Pobre tonto), novela corta con mejor aceptación. En 1932 lanzó su primer éxito, “La ruta del tabaco” (Tobacco road), que describe la vida de un granjero arruinado en Augusta, de nombre Jeeter Lester, quien obligado por las circunstancias se ve obligado a marcharse a una granja estatal de acogida a granjeros viejos. El avance tecnológico devoró realmente a muchos granjeros como Lester, quien luchó por quedarse en su terruño arrendado. Esta obra tuvo un éxito tal, que 3.5 millones de copias del libro fueron vendidas en EEUU, pero ahí no paró el asunto. Basada en la novela existe una obra teatral que se mantuvo por siete años en teatros de Broadway, mientras que el experimentado director John Ford la llevó al cine en 1941. Se trata de una cinta en blanco y negro, que cuenta con el protagonismo magistral del actor teatral Charles Grapewin, además de otras estrellas de Hollywood, como Gene Tierney, Dana Andrews y Ward Bond. La película se realizó como una tragicomedia, un poco de humor dentro de tanta miseria, y fue realmente un éxito del cine clásico.

Erskine Caldwell lee su obra La ruta del tabaco

Erskine Caldwell lee su obra “La ruta del tabaco”

Un año después de escrito “La ruta del tabaco”, Caldwell terminó otra novela, la primera que de él leí, en inglés se llama “God’s Little Acre”, pero las traducciones al español son las más variadas: La parcela de Dios, la pequeña tierra de Dios, y así sucesivamente. Me quedó con “La pequeña tierra de Dios”, tal como aparece en el libro que pude leer. Nuevamente Caldwell aborda la situación de pobreza e incultura del campesinado del sur de su país. Los personajes son seres que esperan descubrir un tesoro oculto, son gente violenta producto del medio pobre en que viven. Un patriarca en el libro dice en una de sus partes: “Alguien nos ha jugado una mala pasada. Dios nos puso en cuerpos de animales, pero quiso que nos comportásemos como personas. Ése fue el principio de todos los males. Si Él nos hubiera creado como somos, y no nos hubiera llamado personas, hasta el más tonto de nosotros sabría vivir”.

Escena del filme La ruta del Tabaco

Charley Grapewin (izq.) con William Tracy en una esscena del filme “La ruta del Tabaco (1941)”

El libro de Caldwell fue como una bomba, al extremo que fue arrestado en Nueva York. Las copias de su obra fueron recogidas. Finalmente llevado a juicio, la justicia le sonrió y Caldwell no perdió tiempo en acusar a sus acusadores de denuncia maliciosa. Gracias a este momento desagradable, se lograron vender 10 millones de copias de esta obra, mucho más que las que se vendieron de “Lo que el viento se llevó”.

El narrador y poeta norteamericano William Faulkner consideró a Caldwell, después de esta novela, como uno de los cinco grandes de la literatura norteamericana. El escritor canadiense Saul Below pidió el Nobel de la literatura para Caldwell.

Con una obra así, nada mejor que escribir un guión, algo que hizo Caldwell junto con Philip Yordan, mientras que Anthony Mann dirigió el film, que vio la luz en 1958. Nuevamente es una película en blanco y negro, que contó con el protagonismo del subestimado actor Robert Ryan y de Aldo Ray. El filme fue realizado bastante fiel a la novela original, algo que en Hollywood no es muy común.

Un afiche del filme La Pequeña Tierra de Dios

Un afiche del filme “La Pequeña Tierra de Dios (1958)”

Entre sus obras publicadas en español están “El viajero (1935, Journeyman)” y “Disturbios en julio (1940, Trouble in July)”, “Un muchacho de Georgia (1935)”, “El sacrilegio de Alan Kent (1936)”, “La casa de la colina (1946)”, “La mano segura de Dios (1947)”, “En esta misma tierra (1948)”, “Claudelle Inglish (1958)” entre otras.

Caldwell murió el 11 de abril de 1987 en Paradise Valley, Arizona.

Bibliografía consultada

Anon. Biografía de Erskine Caldwell. Comparte libros. http://www.compartelibros.com/autor/erskine-caldwell/1

Anon. Erskine Caldwell. Busca Biografías. http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/938/Erskine%20Caldwell

Erskine Caldwell. IMDB.com. http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/938/Erskine%20Caldwell

Molina Sr. 2009. El camino del tabaco – Erskine Caldwell. Solodelibros, 13 febr. http://www.solodelibros.es/el-camino-del-tabaco-erskine-caldwell/

Escrito por Ricardo Labrada (23 diciembre 2015)

Upton Sinclair y “La Jungla”

Es difícil lograr que un hombre entienda algo cuando su salario
depende de su incomprensión de este asunto”.
Upton Sinclair

Por Ricardo Labrada

Si Ud desea leer algo que no sea ficticio, sino algo real o que haya existido, le recomiendo leer el libro “La Jungla” del escritor norteamericano Upton Beall Sinclair.

Sinclair nació el 20 de setiembre de 1878 en Baltimore, Maryland. Era hijo de una familia opulenta, pero de padre vendedor y adicto al alcohol, y todos sabemos que no hay peor veneno al bienestar familiar que la bebida. La situación económica de Sinclair en su niñez no fue la mejor, empeoraba a diario por la razón ya expuesta, y eso le obligó a escribir desde temprano, lo cual demuestra su afición por este arte. Escribía novelas e historias breves y así se costeó sus estudios de College en Nueva York y luego en la Universidad de Columbia. Sinclair maduró tempranamente debido a las circunstancias, e igualmente se casó joven, vivía con pobreza hasta que decidió mudarse para California.

Upton Sinclair 2

Upton Sinclair

Viendo la gran diferencia existente entre pobres y ricos en su país, no fue difícil que se adhiriera al movimiento socialista, que entonces comenzaba a ascender en EEUU., pero Sinclair no fue nunca un marxista como tal. Toda la desigualdad del mundo fue inspiración para lo que escribió posteriormente. La otra característica era la veracidad de todo lo que escribía. “La jungla (1906)” fue la obra que lo hizo famoso, la que trataba de una descripción real de las inhumanas condiciones existentes entonces en los mataderos de Chicago. Igualmente describe la pobreza de la clase trabajadora, las desagradables condiciones de vida y laborales, y la desesperación entre muchos trabajadores. Su obra fue motivo, por el cual el gobierno federal realizó una investigación que finalmente culminó con la “Pure Food Legislation”, algo que la clase trabajadora norteamericana acogió con beneplácito.

El héroe de “La Jungla” es un obrero lituano, que sufre de la explotación a la que se someten todos los que trabajan, la mayoría inmigrantes, en el matadero de Chicago. Este obrero termina endeudado hasta la médula, quedando él y su esposa, Ona, en la miseria.

“La Jungla” fue inicialmente publicada en forma de serial en el diario socialista “Appeal to Reason” (Llamado a la razón) durante 1905. Para poder escribir este material, Sinclair estuvo trabajando silenciosamente en las plantas de carne y recopilando información, que le sirvió para su obra. Ya en 1906 la editorial Doubleday, la misma con problemas con el escritor Theodore Dreiser, publicó íntegramente este libro, el cual Jack London calificó como “La cabaña del tío Tom de la esclavitud asalariada”.

Portada del Libro La Jungla

Una portada del libro “La Jungla”

“La Jungla” fue llevada al cine en 1914, película silente dirigida por los directores George Irving y Jack Pratt, que costó unos 17 000 dólares. Después de eso, nadie más quiso realizar un remake sonoro de este film.

Sinclair había escrito otras obras antes de “La Jungla”, ellas fueron “El rey Midas” (King Midas, 1901), “The Journal of Arthur Sterling” (su seudónimo, 1903) y “Manassas (1904)”, de los cuales no puedo hablar por no haberlas leída. Lo que sí es cierto es que por la veracidad con que describía la sociedad norteamericana de aquel entonces, muchas editoriales se negaron a aceptar sus obras para publicación.

Entre sus obras posteriores están “El rey Carbón (King Coal, 1917)”, sobre el dominio político de las compañías carboneras en Colorado; questudio del sistema a través del cual las compañías carboneras dominaron la vida social y política del Colorado tras la huelga minera de 1914-15; y en 1927 apareció “¡Petróleo! (Oil!1927)”, que relata el escándalo conocido como “Teapot Dome Affair” en Wyoming y California durante la administración del presidente Warren G. Harding, sobre manejos de entrega de explotación a compañías petroleras. En el mundo hispano esta obra se conoce con el título de “Pozos de ambición”, que fuera llevada al cine, 2007, dirigida por Paul Thomas Anderson y protagonismo de Daniel Day Lewis.

La obra más reconocida de Sinclair en la posterioridad fue “Los dientes del dragón (1942)”, cuya trama se centra en el comercio de armas durante el ascenso del nazismo . Espero poder leer esta obra y luego discutirla, la misma sirvió para que Sinclair obtuviera el Premio Pulitzer en 1943.

Políticamente Sinclair fue candidato a gobernador en 1926 y 1930 por el Partido Socialista, y en 1934 lo hizo por el Partido Demócrata, pero en ningún caso logró éxito.

Upton Sinclair murió el 25 de noviembre de 1968 en Bound Brook, Nueva Jersey.

Bibliografía consultada

Anon. Upton Sinclair. Biografías y vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sinclair.htm

IMDB.com. Upton Sinclair. http://www.imdb.com/name/nm0801737/?ref_=fn_al_nm_1

La obra del escritor Theodore Dreiser

“Nuestra civilización está todavía en una etapa intermedia, apenas bestia,
en que ya no es completamente guiado por el instinto;
apenas humana, en la que no está todavía
completamente guiado por la razón”

Theodore Dreiser

Por Ricardo Labrada

Si un escritor me gustó por su forma de escribir y el contenido de sus novelas fue el norteamericano Theodore Dreiser, quien logró poner en la gran pantalla buena parte de sus obras, todas girando alrededor de la desigualdad social, la pobreza y la opulencia, las posibilidades de los ricos y las pocas de los pobres, e ig.

Este escritor nació con el nombre de Herman Theodore Dreiser el 27 agosto de 1871 en Terre Haute, Indiana, noveno hijo de una familia pobre, cuyo padre era alemán, emigrante. Esta pobreza llevó a que la familia estuviera casi siempre en movimiento buscando mejores posibilidades en general. Dreiser estudió en escuelas públicas, y supo adelantarse lo suficiente para poder cursar estudios de periodismo en 1889-90 en la Universidad de Indiana, pero abandonó los mismos para ejercer esta profesión en Chicago inicialmente y luego en St Louis.

Theodore Dreiser

Theodore Dreiser

Como periodista trabajó para algunos diarios como fueron St. Louis Globe-Democrat, St. Louis Republic y Pittsburgh Dispatch. Fue editor de la revista Ev’ry Month, y años después escribió para las revistas Munsey’s Metropolitan y Harper’s Monthly.

Las experiencias de Dreiser en su niñez y en su juventud encontraron reflejo en las ideas del naturalista Herbert Spencer. Dreiser entendía que el hombre se encuentra ante el desafío de fuerzas superiores, pues hay instintos y eventos sociales que no están bajo su control. De hecho, Dreiser se convirtió en una figura de la transición de la América Victoriana con la era moderna, que se abrió después de la primera guerra mundial.

Políticamente Dreiser fue un socialista en sus ideas y desde temprano se asoció con esta tendencia, que a principios de siglo XX era la tercera fuerza en EEUU.

Pude ir conociendo la obra de este escritor al revés, o sea en vez de ir por su primera obra fue yendo de lo último escrito hacia atrás. En mis manos cayó una de sus novelas del intermedio de su carrera, pero sino la mejor, de las mejores. Esa novela fue “Una Tragedia Americana”, que fuera publicada en 1925. La trama sobre un hombre, hijo de familia religiosa y pobre, que por esas cosas de la vida cometió un crimen. Para su suerte escapó de la justicia de su Estado y fue a parar a otro, donde radicaba una enorme fábrica de su tío, menos dado a la religión y si muy activo en los negocios. Una vez más Clyde Griffiths cayó en problemas y esta vez la justicia no lo perdonó. Conocía de una trama similar de un filme protagonizado por Elizabeth Taylor, el que en Cuba llamaron “Ambiciones que matan” y que en España se le conoce como “Un lugar en el sol (1952)” del director George Stevens y protagonizado por Elizabeth Taylor, y Montgomery Clift en el papel de George Eastman. El director Stevens cambió el nombre de Clyde Griffiths por el ya indicado, además comenzó el film por la segunda parte de la novela de Dreiser, donde no se da ningún antecedente del anti-héroe en cuestión. No obstante, cabe señalar que en el cine de Hollywood hubo otro film basado en esta novela, “Una tragedia humana (1931)” del director Josef Von Sternberg, donde Phillip Holmes si interpreta el papel de Clyde Griffiths. La película contó también con las actuaciones de Silvia Sidney y Frances Dee. Como no lo he visto, no puedo decir si el filme relata la vida de Griffiths desde sus inicios y no a mitad de camino como hizo Stevens.

Montgomery Clift y Shelley Winters en una escena de  Un lugar en el sol (1951)

Shelley Winters y Montgomery Clift en una escena de “Un lugar en el Sol (1951)” (foto doctormacro.com)

Volviendo a este gran libro, se puede decir que el mismo tuvo muchos a favor y muchos en contra en EEUU. No se discutía la prosa del libro, sino su contenido, que a muchos agradó o desagradó por su profundidad.

Luego en mis manos cayó “El financiero (1912)”, que fue parte de una trilogía alrededor de la vida de un hombre que llegó a ser un monstruo de los negocios, sucios y limpios, todo un cerebro en el manejo de fondos, hombre carente de escrúpulos, inicialmente muy enamorado de Eileen, a la que luego relega a un segundo plano con sus amantes. Según los que saben de estas novelas, el anti-héroe Frank Cowperwood no es otro que el magnate Charles Tyson Yerkes, hombre asentado en Chicago, que dilapidó una extensa fortuna en mansiones, pinturas y amantes. La continuación eran dos libros que nunca encontré en español, “El Titán (1914)” y el póstumamente publicado “El Estoico (1947)”. Para mi suerte los pude leer en ruso, donde casi toda la obra de Dreiser está publicada en este idioma. No obstante, no tengo noticias o información que se haya hecho película alguna basada en alguna de las tres novelas.

La siguiente lectura fue “El genio (1915)”, igualmente leído en ruso. Se trataba de todo un talento artístico que tropieza con una sociedad que no tiene piedad con él. Dreiser escribió su obra, la que fue censurada por la llamada “Sociedad para la Supresión del Vicio de Nueva York”. A los cinco años de escrita se levantó la censura y la obra ganó el reconocimiento de los escritores inclinados al realismo social. Se me acababa mi estancia en Moscú, pero si me dio tiempo para leer “Jenny Gerhardt (1911)”, sobre una pobre muchacha que sostiene relaciones con un senador, pero que no logró satisfacer sus necesidades amorosas y tampoco materiales. Este libro fue editado por Harper & Brothers, el que censuró la parte de la novela donde el amante de Jenny le explica el uso de los anticonceptivos. Para suerte de Dreiser, la novela tuvo muy buena acogida en Gran Bretaña, donde el realismo social del escritor era de buen agrado. Este éxito fue el que le impulsó a escribir muchas de las novelas que le siguieron a continuación, algunas ya anteriormente mencionadas.

En realidad Jenny Gerhardt viene a ser una continuación de su primera novela “Sister Carrie (1900)”, considerada como un clásico de la literatura americana, donde la principal protagonista es otra pobre mujer que tiene relaciones con un hombre influyente, se logra casar, luego comete adulterio, más que suficiente para que fuera censurada la obra igualmente. Para mi desgracia comencé a leer el libro en cuestión y aún hoy día no lo he terminado. El famoso escritor norteamericano Sinclair Lewis dijo que Sister Carrie era la primera novela estadounidense libre de la influencia literaria inglesa. No obstante, el dueño de la editorial Doubleday Company, en este caso el dueño, el Sr Doubleday, censuró la obra en contradicción con el editor de la novela Frank Norris. Los percances con esta obra llevaron a Dreiser a un estado anímico adverso, por lo que hubo una sequía y luego continuó su obra literaria a partir de 1910.

Sylvia Sidney y Donald Cook en una escena de Jennie Gerhardt Solo con su amor (1933)

Sylvia Sidney y Donald Cook en una escena de “Jennie Gerhardt” o “Solo con su amor (1933)”. Foto doctormacro.com

Si bien “El genio” no fue llevado a la gran pantalla, “Sister Carrie” si lo fue en el filme “Carrie (1952)” de William Wyler, que fuera protagonizado por Laurence Olivier, Jennifer Jones y Miriam Hopkins. Décadas antes, apareció el filme “Jenny Gerhardt (1933)”, que en español se llamó “Solo con su amor” dirigido por Marion Gering y protagonizado por Silvia Sidney, Mary Astor y Donald Cook.

Jennifer Jones y Laurence Olivier en Carrie (1952)

Jennifer Jones y Laurence Olivier en “Carrie (1952)”. Foto doctormacro.com

Entre otras de sus obras, que no he llegado a leer, se encuentran:

– Las obras teatrales “Plays of the Natural and Supernatural (1916)” (Comedias de lo natural y sobrenatural),
– “The Hand of the Potter (1918)” (La mano del alfarero)
– Los relatos cortos “Free (1918)” (Libre),
– “Chains (1927)” (Cautiverio),
– “A Gallery of Women (1929)” (Una galería de mujeres) en dos volúmenes
– “Epistolario”, publicado en 1959, en tres volúmenes
– Su autobiográfia “Un proletario americano”, publicada en 1983.

Al cine también fueron llevadas dos de sus obras, como fueron:

– La comedia “My Gal Sal (1942)” (Mi chica favorita) de Irvin Cummings con Rita Hayworth y Victor Mature
– El film de aventuras “The prince who was a thief (1951) (Su alteza el ladrón) de Rudolph Maté con Tony Curtis y Piper Laurie

Dreiser murió el 28 de diciembre de 1945 en Hollywood, California. Meses antes de su muerte se había hecho militante del partido comunista de EEUU, movida que Ernest Hemingway calificó como la de un viejo hombre tratando de salvar su alma. Sea la ideología que él profesara, nadie puede quitarle mérito a todo lo que escribió y en la forma que lo relató o denunció.

Bibliografía consultada

Anon. Biografía de Theodore Dreiser. Comparte libros, http://www.compartelibros.com/autor/theodore-dreiser/1

Hussman L. E. Theodore Dreiser-American Author. Encyclopaedia Britannica.. http://global.britannica.com/biography/Theodore-Dreiser
Theodore Dreiser. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0237439/?ref_=fn_al_nm_1

Riggio T.P. Biography of Theodore Dreiser. Penn Libraries. https://www.library.upenn.edu/collections/rbm/dreiser/tdbio.html