Vivien Leigh, una carrera de triunfos en el cine

No soy una estrella del cine, soy una actriz.”
Vivien Leigh

Vivien Leigh en “Lo que el viento se llevó (1939)” Cortesía Doctormacro.com

Vivien Leigh en “Lo que el viento se llevó (1939)” Cortesía Doctormacro.com

Cuando se habla de grandes actrices, hay que abrir un espacio a Vivien Leigh, quien desde niña sintió gran afición por la interpretación. Vivien actuó en menos de dos decenas de filmes y su fama demuestra su calidad histriónica en cada una de sus apariciones en la gran pantalla.

Vivien Mary Hartley nació el 5 de noviembre de 1913 en Dayeeling, Bengala Occidental, India, prácticamente nacida en las elevaciones alrededor de Calcuta, y a la edad de 6 años sus padres la trajeron de vuelta a Inglaterra. Corría la I Guerra Mundial, su madre era la que había insistido en este retorno a Europa e igualmente de llevar a la pequeña Vivien a estudiar en un convento, donde por cosas de esta vida, conoció a su mejor amiga escolar, Maureen O´Sullivan, la futura actriz, conocida como Jane en los filmes de Tarzán. Vivien cursaba estudios en Inglaterra mientras sus padres continuaban viviendo en Bengala Occidental. En una ocasión, estando su madre en Londres, llevó a su hija a ver una obra teatral, la cual encantó enormemente a la niña, al extremo que la vio 16 veces más. Vivien comenzó a actuar como actriz aficionada, vivía enamorada del famoso actor Leslie Howard. Terminado sus estudios escolares en convento, decidió estudiar interpretación en la Academia Real de Arte Dramático. Su amiga Maureen se había trasladado a Hollywood, donde había comenzado a actuar. A la edad de 19 años, se casó con el abogado Herbert Leigh Holman, del cual tomó su apellido.

En 1934 debutó en el teatro y al año siguiente en el cine en un papel de reparto de la comedia “Things are looking up (1935)” (Cosas que salen la vista) de Albert de Courville y poco después en el drama “Gentlemen’s agreement (1935)” (Acuerdo de caballeros) de George Pearson con Frederick Peisley, pero para ella el teatro era más importante en su vida artística, donde al poco tiempo conociera al gran Laurence Olivier. Fue entonces que actuó en la obra “The green sash” (La faja verde), en la cual no tuvo mucho que hacer, solo poner su lindo rostro, con su cabello oscuro y sus ojos verdes. Laurence Olivier estaba por protagonizar una obra sobre Isabel I, en la que Vivien tuvo un pequeño papel, el suficiente para que ambos comenzarán su relación íntima, algo que se consolidó cuando actuaron juntos en el film bélico “Inglaterra en llamas (1937)” de William K. Howard. En la gran pantalla Vivien volvió a actuar en:

  • El drama “Un yanqui en Oxford (1938)” de Jack Conway con Robert Taylor, Lionel Barrymore y su otrora compañera de escuela, Maureen O’Sullivan
  • La comedia “Callejón sin salida (1938)” de Tim Whelan con Charles Laughton y Rex Harrison

Llegó 1939, año en el que Laurence Olivier interpretó el papel de Heathcliff en “Cumbres borrascosas (1939)”,  Vivien era aceptada, entre muchas candidatas, entre ellas la favorita, Paulette Godard, para interpretar el memorable papel de la temperamental Scarlett O’Hara en el drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming y George Cukor, con el co-protagonismo de Clark Gable, Olivia De Havilland y el de Leslie Howard, que por cosas de la vida, resulta ser el verdadero amor de Scarlett en la película. La actuación de Vivien junto a Gable fue fenomenal y el film se convirtió en un éxito de todos los tiempos.

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El matrimonio con Olivier se formalizó en 1940, año en el que continuó su carrera en:

  • Los dramas “El puente de Waterloo (1940)” de Mervyn LeRoy con Robert Taylor nuevamente,
  • “Veintiún días juntos (1940)” de Basil Dean
  • “Lady Hamilton (1941)” de Alexander Korda, en estos dos filmes con Olivier,
  • “César y Cleopatra (1945)” de Gabriel Pascal con Claude Rains y Stewart Granger, donde interpreta el papel de la monarca egipcia
  • “Anna Karenina (1948)” de Julien Duvivier con Ralph Richardson, y encarna a la famosa heroina de la novela de Liev Tolstoy.

Llegada la década de los 50, protagonizó otro famoso drama “Un tranvía llamado deseo (1951)” de Elia Kazan con Marlon Brando y Karl Malden, film basado en la novela del mismo título de Tenessee Williams, donde encarna el papel de una joven de actitud controvertida, con cierto nivel de problemas mentales y de conducta, de nombre Blanche DuBois, que resultó ser otro éxito en su carrera en el cine.

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Posteriormente protagonizaría los dramas:

  • “The deep blue sea (1955)” (El profundo mar azul) de Anatole Litvak con Kenneth Moore, donde aparece como una mujer casada que decide abandonar a su marido para unirse a uno más joven que ella.
  • “La primavera romana de la señora Stone (1961)” de José Quintero con Warren Beatty, donde nuevamente ocurre algo similar que en la anterior película, ya que surge una pasión por un hombre igualmente más joven que ella. Ya en ese entonces Vivien y Olivier habían legalizado su divorcio
  • Su última aparición en la gran pantalla, en el drama “El barco de los locos (1965)” de Stanley Kramer con Simone Signoret, José Ferrer y Lee Marvin, donde aparece como toda una señora rica alemana y muy preocupada por las apariencias.

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Vivien fue catalogada como actriz #48 de todos los tiempos por la revista Empire (GB), en octubre de 1997, entre las 100 estrellas más famosas del cine. También catalogada como la actriz #16 dentro de las 50 leyendas más grandes de la pantalla por el Instituto Fílmico Americano.

Obtuvo Oscar como mejor actriz por “Lo que el viento se llevó (1939)” y “Un tranvía llamado deseo (1951)”. Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Un tranvía llamado deseo (1951)”. Obtuvo premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “Lo que el viento se llevó (1939)” y “Un tranvía llamado deseo (1951)”.

Obtuvo premio BAFTA como mejor actriz británica y Copa de Zorros en el festival de Venecia por “Un tranvía llamado deseo (1951)”.  En resumen, actuó en 19 filmes entre 1935 y 1965.

En su vida personal, Vivien llegaba a fumar cuatro cajetillas de cigarrillos diariamente, además de padecer de desorden bipolar, depresión maníaca, que le provocaba cambios inusuales en su estado de ánimo. A veces muy feliz u otras desanimada. Falleció en Londres, el 8 de julio de 1967, debido a tuberculosis crónica.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 20 agosto de 2019, con información extraida de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos” y de IMDB.com

Franz Waxman, un compositor al servicio del cine

La banda sonora de “El crepúsculo de los dioses” sigue el modelo tradicional de esta época, asociando una melodía a cada personaje para resaltar su carácter. A Norma Desmond se la describe por medio de un tango con tonos agudos, que viene a ejemplificar su naturaleza venática.”
Oscar Bartolomé (crítico de cine)

Franz Waxman

Los temas musicales de las películas ayudan a recordar los títulos de las cintas e incluso su reparto. Las bandas sonoras ayudan a rememorar los filmes, eso es indudable. Lamentablemente en el cine actual no es que los filmes vengan con tales arreglos originales, lo cual resta algo del brillo que existía en el pasado.

Uno de los hombres que más contribuyó a aportar partituras para los filmes y los seriales fue Franz Waxman, al que recuerdo desde niño, ya que puso sus notas en seriales de aventuras muy vistos, como “Red Barry (1938), “Buck Rogers (1939)”, “Flash Gordon conquista el Universo (1940)” entre otros, aunque su primera notable incursión, en filmes famosos del pasado, fue en “La novia de Frankenstein (1935)”.

Waxman o Wachsmann nació en Königshütte, Alta Silesia, entonces Alemania (ahora territorio polaco y lugar llamado Chorzów en Slaskie), el 24 de diciembre de 1906. Su familia, de padres judíos, estaba compuesta por 6 hermanos, él era el más pequeño de la prole. En su niñez sufrió una lesión en sus ojos cuando le cayó agua hirviendo de una estufa. Su visión quedó afectada por el resto de su vida, pero no así su sentido musical. Estudió piano desde los 7 años, además del resto de las asignaturas escolares. Como su padre era un importante ente de la industria, animó a su hijo a que se dedicara a la gestión comercial, por lo que el joven Franz trabajó como banquero y con lo que ganaba, se pagaba sus estudios de piano, armonía y composición. Más tarde dejó este trabajo, se trasladó primero a Dresden, donde estudió composición y dirección, y poco después a Berlín, donde fungió como orquestador para la industria cinematográfica nacional.

Su primer trabajo de relieve fue al poner la partitura a la película “El ángel azul (1930)” del director Josef von Sternberg, y protagonizada por Marlene Dietrich y Emil Jannings. Ya en ese entonces Waxman comenzó a sufrir por su condición de judío al sufrir ataques y vejaciones de parte de fanáticos nazis en Berlín. Dada las circunstancias, Waxman inicialmente se trasladó a París, donde nuevamente aportó una partitura al film dramático “Liliom (1933)” del director Fritz Lang, y posteriormente a Hollywood por contrato con la Fox Films.

Entre sus primeros trabajos musicales en filmes del cine estadounidense están, además de los mencionados al inicio de este artículo, el musical “Música en el aire (1934)” de Joe May con Gloria Swanson; el film de horror “El rayo invisible (1936)” de Lambert Hillyer con la actuación de Bela Lugosi y Boris Karloff; el film de aventura “Capitanes intrépidos (1937)” de Victor Flemming con Spencer Tracy y Freddie Bartholomew; la comedia-musical “Los alegres vividores (1938)”, que fuera protagonizado por Janet Gaynor; el drama “Rebeca (1940)” con Laurence Olivier y Joan Fontaine; el suspense “Sospecha (1941)” con Ingrid Bergman y Cary Grant, estos dos últimos filmes de Alfred Hitchcock; el film de horror “El extraño caso del Dr. Jekyll (1941)” de Fleming con Tracy nuevamente; la comedia-drama “La mujer del año (1942)” de George Stevens, con Tracy y Katharine Hepburn; la aventura-comedia “Tener y no tener (1944)” de Howard Hawks, el film de crimen “Las dos Sras. Carroll (1947)” de Peter Godfrey, y “Voces de muerte (1948)” de Anatole Litvak. En la mayoría de estos filmes, Waxman fue nominado al Oscar.

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Su brillante labor continuó con el film bélico “Objetivo: Birmania (1945)” de Raoul Walsh, el drama-musical “De amor también se muere (1946)” de Jean Negulesco, y sus dos grandes éxitos, los dramas “El crepúsculo de los dioses (1950)” de Billy Wilder, y  “Un lugar en el sol (1951)” de Stevens. Su labor siguió brillando con los filmes “La ventana indiscreta (1954)” de Hitchcock, “El príncipe Valiente (1954)” de Henry Hathaway, “El cáliz de plata (1954)” de Victor Saville, “Crimen en las calles (1956)” de Don Siegel, “Sayonara (1957)” de Joshua Logan, “Vidas borrascosas (1957)” de Mark Robson, “Historia de una monja (1959)” de Fred Zinnemann, “Taras Bulba (1962)” de J. Lee Thompson.

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Entre sus últimas obras estaban “The song of Therezin (1965)” (La canción de Therezin), cuya composición escrita para coro mixto, coro de niños, soprano solista y orquesta, y considerada la mejor de su carrera, era un conjunto de poemas rememorando a los niños internados en el campo de concentración nazi Theresienstadt.

Fue nominado al Oscar por sus composiciones en los filmes; “Los alegres vividores (1938)”, “Rebeca (1940)”, “Sospecha (1941)”, “El extraño caso del Dr. Jekyll (1941)”, “Objetivo: Birmania (1945)”, “De amor también se muere (1946)”, “El cáliz de plata (1954)”, “Historia de una monja (1959)” y “Taras Bulba (1962)”. Obtuvo este premio por  “El crepúsculo de los dioses (1950)” y “Un lugar en el sol (1951)”. Fue nominado para Globo de Oro por  “Taras Bulba (1962)”, y premiado por “El crepúsculo de los dioses (1950)”. Nominación para Grammy obtuvo por “Historia de una monja (1959)”, así como nominaciones para premio Laurel por este último film y “Sayonara (1957)”.

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Waxman recibió la cruz del mérito de la República Federal Alemana, fue miembro honorario de la Sociedad Mahler y de la Asociación Internacional de las Artes y las Letras y recibió doctorado honorífico de las letras y humanidades por la Universidad de Columbia. En 1999, en EE.UU., se realizó  una emisión de seis sellos de famosos compositores de la música para filmes, uno de ellos dedicado a Waxman por valor de $0.33.

Un total de 144 partituras fueron compuestas por Waxman en su carrera. Falleció de cáncer el 24 de febrero de 1967 en los Ángeles, California.

Fuentes

Anon. Franz Waxman. Biografías y vidas. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/waxman.htm

IMDB.com. Franz Waxman. https://www.imdb.com/name/nm0000077/?ref_=tt_rv

 

Escrito por Esteban Hernández, 13 agosto de 2019

Claudette Colbert

La mayoría de nosotros no sabemos lo
que es la felicidad hasta que no termina
”.
Claudette Colbert

Claudette Colbert

Claudette Colbert. Cortesía Doctormacro.com

Destacada actriz del cine sonoro en las décadas de los 30 y 40, que brilló protagonizando comedias y dramas en la meca del Cine. Emilie Claudette Chauchoin nació el 13 de septiembre de 1903, en Saint-Mandé, Sena (actualmente Val-de-Marne), Francia, hija de padre, dueño de una panadería en una zona céntrica de París. Su familia emigró a los EE.UU. cuando la pequeña Emilie Claudette tenía solo 3 años. Los Chauchoin se asentaron en Nueva York, donde Claudette terminó sus estudios primarios y los secundarios en la escuela Irving, en 1923. Acto seguido pasó a cursar estudios en el Art Students League, los que ella misma se costeó con su salario al trabajar en un taller de costura. En el mismo 1923 debutaba en Broadway, en la obra  “The wild Westcotts” (Los salvajes Westcotts), donde Claudette adoptó su nombre artístico.

La gran depresión afectó también a los teatros, por lo que a Claudette no le quedó otra alternativa que irse a trabajar en cine, algo que a ella no le era muy de su agrado. Su debut en pantalla fue en el drama-romance “Los tres papas (1927)” de Frank Capra con Ben Lyon, que resultó ser todo un fracaso. Le siguieron los dramas:

  • “Doña Mentiras (1929)” de Hobart Henley con Walter Huston
  • “The hole in the wall (1929)” (El agujero en la pared) de Robert Florey con Edward G. Robinson, que fuera su primera actuación en película sonora
  • “Manslaughter (1930)” (Homicidio involuntario) de George Abbott con Fredric March

Poco después trabajaría con Maurice Chevalier en las comedias románticas:

  • “El gran charco (1930)” de Henley,
  • “El teniente seductor (1931)” de Ernst Lubitsch, actuaciones que fueron muy aceptadas por el público y la crítica

A continuación actuó en los dramas:

  • “Honor entre amantes (1931)” de George Abbott
  • “El signo de la cruz (1932)” con Charles Lauhgton, donde Claudette interpreta el papel de la emperatriz Popea,
  • “Reina del amor (1933)” de Stuart Walker, en estos tres filmes con Fredric March como co-protagonista
  • La comedia-drama “The phantom president (1932)” (El presidente fantasma) de Norman Taurog con Jimmy Durante y George M. Cohan
  • El drama “Cleopatra (1934)” con Warren William como Julio César y Claudette como la famosa reina de Egipto, estos dos últimos filmes de Cecil B. DeMille
  • El drama-romance “Imitación de la vida (1934)” de John M. Stahl con Warren William nuevamente
  • La comedia-aventura “Sucedió una noche (1934)” de Frank Capra con Clark Gable, un film que es una joya del buen cine de aquella época
  • El film de aventura “Náufragos en la jungla (1934)” de DeMille con Herbert Marshall

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La carrera de Claudette iría en ascenso y en 1938 se convirtió en la actriz mejor pagada de Hollywood. De 1935 a 1940, cambió su imagen al rizarse y teñirse su pelo de un color más claro, así actuó en varias películas, las más destacadas fueron:

  • El drama “Mundos privados (1935)” de Gregory La Cava con Charles Boyer y Joel McCrea,
  • La comedia-romance “La novia que vuelve (1935)” de Wesley Ruggles
  • La comedia “El lirio dorado (1935)” de Ruggles
  • Los dramas “La muchacha de Salem (1937)” de Frank Lloyd, en estos tres últimos con Fred MacMurray
  • “Zaza (1938)” de George Cukor con Herbert Marshall una vez más
  • La comedia-romance “La octava mujer de Barba Azul (1938)” de Ernst Lubitsch con Gary Cooper
  • El film de acción-oeste “Corazones indomables (1939)” de John Ford con Henry Fonda
  • Las comedias “En este mundo traidor (1939)” de W.S. Van Dyke con James Stewart,
  • “Medianoche (1939)” de Mitchell Leisen con Don Ameche y John Barrymore

En la siguiente década, sus actuaciones más notables fueron en:

  • El drama “Recuerda aquel día (1941)” de Henry King con John Payne
  • La comedia “No hay tiempo para amar (1943)” de Mitchell Leisen con Fred MacMurray
  • Los dramas “Desde que te fuiste (1944)” de John Cromwell con Joseph Cotten y Jennifer Jones entre otros,
  • “Mañana es vivir (1946)” de Irving Pichel con Orson Welles,
  • “Desconfianza (1946)” de Robert Z. Leonard con Walter Pidgeon
  • El film de guerra “Regresaron tres (1950)” de Jean Negulesco con Patric Knowles
  • El film de crimen “Furia secreta (1950)” de Mel Ferrer con Robert Ryan

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En lo sucesivo, su labor en el cine se redujo sustancialmente, ya que alternó sus actuaciones en Broadway y en seriales televisivos. Para la gran pantalla protagonizó la comedia “Let’s make it legal (1951)” (Hagámoslo legal) de Richard Sale con Macdonald Carey, además de:

  • Actuar en papel de reparto de la comedia-drama “Tres destinos de mujer (1954)” de Christian-Jaque y Jean Delannoy con Michèle Morgan y Daniel Ivernel
  • Protagonizar la comedia “Si Versalles pudiera hablar (1954)” de Sacha Guitry con Danièle Delorme
  • El oeste “Texas lady (1955)” de Tim Whelan con Barry Sullivan
  • El drama para la TV “Las campanas de Santa María (1959)” de Tom Donovan con Marc Connelly y Glenda Farell
  • El drama “Parrish (1961)” de Delmer Daves con Troy Donahue y Karl Malden, que fuera su última actuación en cine

Claudette desapareció de la pantalla y regresó para actuar en papel de reparto del drama para la TV “Las dos Señoras Grenvilles (1987)” de John Erman.

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Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Mundos privados (1935)” y “Desde que te fuiste (1944)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Sucedió una noche (1934)”.  Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz de reparto en miniseries para la TV por “Las dos Señoras Grenvilles (1987)”. Por este mismo serial obtuvo nominación para Emmy en igual categoría.

En 1984 obtuvo el premio Gala Tribute del Lincoln Center. En 1990 obtuvo el premio Donostia en el festival de San Sebastián en honor a su carrera.  El Instituto Fílmico Americano (AFI) la ubicó como actriz número 12 dentro del listado de las 50 Grandes Leyendas de la Pantalla. Su biografía fue escrita por Ronald L. Smith y aparece en el libro “Who’s Who in Comedy” (Quién es quién en la comedia) de 1992.

Actuó en 79 filmes entre 1927 y 1987.  Murió, después de varios infartos, el 30 de julio de 1996 en Speightstown, Barbados.

 

Escrito por Esteban Hernández, 26 junio de 2019, con información extraída y procesada de IMDB.com

Toshiro Mifune sí, Takashi Shimura también

Él (Kurosawa) te permite hacer lo
mejor de tí, y  por él uno lo hace
.”
Takashi Shimura

Takashi Shimura

Usualmente cuando se habla de actores-colaboradores con el director japonés Akira Kurosawa, nadie duda en mencionar a Toshiro Mifune. Sin embargo, es toda una injusticia, ya que quien más colaboró con Kurosawa, fue el actor Takashi Shimura, el que actuó en 19 filmes del director mencionado. Hay quien compara a este actor con Ward Bond, uno de los preferidos del director John Ford. Realmente Shimura se le veía en roles más importantes que los interpretados por Bond.

De Shimura se habla poco, pero sus interpretaciones no pasaban inadvertidas para los más entendidos, ya que lo hacía todo bien. El actor en cuestión nació el 12 de marzo de 1905 en Ikuno, Hyogo, Japón meridional, verdadero descendiente de familia samurái. En su juventud estudió en la universidad, pero la actuación le llamaba. Fue así que creó una compañía teatral, la Shichigatsu-za o Teatro de julio. Posteriormente comenzó a trabajar en una compañía profesional y en 1934 firmó con los estudios de la Kinema Shinko, donde encontró lugar para interpretar papeles de samurái. Su debut en cine fue en el filme silente “Re’nai gai itchome (1934)” de Taizo Kamisuma. Nueve años más tarde pasó a trabajar con la Toho, donde ensayaba y actuaba casi a diario. Anualmente aparecía en seis filmes como promedio.

En 1943, formó parte del reparto de la película “La leyenda del gran judo” de Kurosawa. Luego protagonizó:

  • El drama “La más bella (1944)”,
  • Fue parte del reparto del film de aventura-drama “Los hombres que caminan sobre la cola del tigre (1945)”,
  • De los dramas “Los que construyen el porvenir (1946)”, donde interpretó el papel de director teatral
  • “No añoro mi juventud (1946)”, en papel de comisionado de policía
  • Co-protagonizó con Mifune los filmes de crimen-drama “El ángel ebrio (1948)”
  • “El perro rabioso (1949)”, Shimura interpretó el papel de un detective
  • Los dramas “Duelo silencioso (1949)”, aquí encarnó el papel del Dr. Konosuke Fujisaki
  • “Escándalo (1950)”. Todos estos filmes dirigidos por Kurosawa.

Takashi Shimura afiches Primer

En la siguiente década, entre sus actuaciones más destacadas están:

  • El drama “La vida de Oharu, mujer galante (1952)” de Kenji Mizoguchi con Mifune una vez más
  • Protagonizó el drama “Vivir (1952)” con Nobuo Kaneko
  • El famoso épico “Los siete samuráis (1954)” con Mifune, estos dos últimos filmes de Kurosawa
  • El drama-film de horror “Japón bajo el terror del monstruo (1954)” de Ishiro Honda, filme sobre el monstruo Godzilla. Su secuela “El rey de los monstruos (1955)” de Motoyoshi Oda
  • El drama “Crónica de un ser vivo (1955)” de Kurosawa con Mifune, donde Shimura encarnó al consejero de la corte, el Dr. Harada
  • El film de acción-aventura “Samurai 3: Duelo en la Isla Ganryu (1956)” de Hiroshi Inagaki con Mifune
  • Godzilla una vez más, “Godzilla, King of the monsters (1956)” (Godzilla, rey de los monstruos) de Ishiro Honda con Raymond “Perry Mason” Burr
  • El drama “Trono de sangre (1957)” de Kurosawa con Mifune
  • El film de acción “Los misterianos (1957)” de Ichiro Honda con Kenji Sahara
  • El film de aventura “La fortaleza escondida (1958)” de Kurosawa con Mifune
  • El fenomenal “Tres tesoros (1959)” de Hiroshi Inagaki con Mifune, película que narra el nacimiento del shintoismo
  • El film de crimen-drama “Los canallas duermen bien (1960)” de Kurosawa con Mifune

Takashi Shimura afiches

En las siguientes décadas, entre sus más conocidas actuaciones están:

  • Los filmes de acción-drama “Yojimbo (1961)”
  • “Sanjuro (1962)”, estos dos de Kurosawa con Mifune
  • “47 Ronin (1962)” de Hiroshi Inagaki Yüzo Kayama y Makoto Sato
  • El film de horror “Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas (1964)” de Ishiro Honda con Yosuke Natsuki
  • En el segmento “Miminashi Hôichi no hanashi” del drama-film de horror “El más allá (1964)” de Masaki Kobayashi
  • El film de acción-aventura “Samurai (1965)” Kihachi Okamoto con Mifune
  • El drama “Barbarroja (1965)” de Kurosawa con Mifune

Takashi Shimura afiches 2

  • El film de acción-drama “Sugata Sanshiro (1965)” de Seiichiro Uchikawa con Yüzo Kayama
  • El film de acción-ciencia ficción “Apocalipsis 1999 (1974)” de Toshio Masuda con Tetsurö Tanba
  • El film de crimen-drama “Panico en el Tokio Express (1975)” de Jun´ya Satö con Ken Takahura
  • Otra vez “Godzilla (1977)” de Luigi Cozzi e Ishiro Honda con Raymond Burr
  • El drama-film histórico “Kagemusha, la sombra del guerrero (1980)”, último filme en que actuara bajo la guía de Kurosawa.

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Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por  “Vivir (1952)” y “Los siete samuráis (1954)”. Por el film último mencionado, obtuvo premio Jussi como mejor actor extranjero. Obtuvo premio Mainichi como mejor actor por “El perro rabioso (1949)” y “Duelo silencioso (1949)”.  En resumen, actuó en 268 filmes entre 1934 y 1981. Falleció de enfisema el 11 de febrero de 1982 en Tokio, Japón.

 

Escrito por Esteban Hernández, 30 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com.

Montgomery Clift

“¿Qué es lo que tengo qué hacer para demostrar que puedo actuar?”
Montgomery Clift

Montgomery Clift

Montgomery Clift. Cortesía doctormacro.com

Actor de mesurado hablar, bien parecido y talentoso, capaz de interpretar el papel de un vaquero furioso, el de un soldado empeñado y valiente, el de un cura, el de persona enamorada o el de un hombre con serios trastornos psíquicos. Edward Montgomery Clift nació el 17 de octubre de 1920 en Omaha, Nebraska, gemelo con otra hermana en el mismo parto, de padre banquero, cuya fortuna hizo aguas con la regresión, y de madre que gustaba gastar más de lo que poseía, siempre tratando de aparentar una vida de aristócratas que no tenían. El adolescente Monty apareció en obra de Broadway cuando tenía 13 años. Le fue también, que no quiso marcharse de Nueva York. En teatro se mantuvo más de una década, mientras que en el cine debutó en el oeste “Río Rojo (1948)” de Howard Hawks y Arthur Rosson, donde interpreta el papel de hermano del legendario vaquero John Wayne. Le siguieron otras actuaciones en:

  • El drama-film de guerra “Los ángeles perdidos (1948)” de Fred Zinnemann, con guión del propio Clift y que contó con la también actuación de Wendell Corey, filme sobre un niño checo desaparecido en la post-guerra. Clift se anotó su primer éxito profesional en cine con este filme.
  • El formidable drama “La heredera (1949)” de William Wyler con Olivia de Havilland.
  • El filme bélico “Sitiados (1950)” de George Seaton con Paul Douglas

Inició la década de los 50 co-protagonizando con Elizabeth Taylor el drama “Un lugar en el sol (1951)” de George Stevens con Elizabeth Taylor, film basado en la novela de Theodore Dreiser, “Una tragedia americana”. A continuación actuó en:

  • Papel de reparto del drama-film de guerra “De aquí a la eternidad (1953)” de Fred Zinnemann con Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed y Frank Sinatra entre otros, donde Clift fue probablemente el actor más destacado del film
  • El drama-suspense “Yo confieso (1953)” de Alfred Hitchcock con Anne Baxter, donde interpreta el papel de cura acusado de crimen
  • El drama “Estación Termini (1953)” de Vittorio De Sica con Jennifer Jones y Gino Cervi
  • El drama-bélico “De aquí a la eternidad (1953)” de Fred Zinneman con Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra entre otros. La actuación de Clift fue otro éxito en su carrera.

Montgomery Clift afiches

Clift sufrió un accidente de tránsito durante la filmación del drama “El árbol de la vida (1957)” de Edward Dmytryk con Liz Taylor, que lo mantuvo alejado por un tiempo del cine.  Por suerte, la cirugía plástica practicada salvó bastante su rostro, así pudo regresar a la gran pantalla y actuar en los dramas:

  • “Corazones solitarios (1958)” de Vincent J. Donehue con Robert Ryan y Myrna Loy,
  • “El baile de los malditos (1958)” de Dmytryk con Marlon Brando y Dean Martin
  • “De repente el último verano (1959)” de Joseph L. Mankiewicz con Elizabeth Taylor y Katharine Hepburn.
  • “Río salvaje (1960)” de Elia Kazan con Lee Remick, película con una trama sobre la construcción de un gran embalse y sus consecuencias sociales
  • “Vencedores o vencidos (1961)” de Stanley Kramer con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark y Maximilian Schell entre otros, film en el que Clift interpretó el papel de un hombre descompensado psíquicamente, víctima de las torturas de los nazis.
  • Actuó en papel de reparto del drama “Vidas rebeldes (1961)” de John Huston, film protagonizado por Marilyn Monroe, Clark Gable y la actuación de Elli Wallach
  • Encarnó el papel del famoso científico, Freud, en el drama homónimo de 1962, bajo la dirección de Huston
  • “El desertor (1966)” de Raoul Lévy con Hardy Kruger

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Nominado para OSCAR como mejor actor por  “Los ángeles perdidos (1948)”, “Un lugar en el Sol (1951)” y “De aquí a la eternidad (1953)”, así como mejor actor de reparto por “Vencedores o vencidos (1961)”.

Escogido por la revista Empire, en 1995, como la estrella número 29 más sexy de la historia del cine. Entertainment Weekly lo ubicó entre las 60 Estrellas del cine de todos los tiempos.

Clift era reconocido como un hombre con serios trastornos psíquicos, era un exagerado consumidor de drogas, a lo que se agrega el accidente ya mencionado que le causó traumas físicos y psicológicos, por lo que su corta vida puede haber sido producto de un complejo de problemas que lo afectaban. Además, de adulto, sufría de colitis y disentería permanentemente. La actriz Marilyn Monroe decía que Monty era la única persona que ella conocía, peor de salud que ella. Se afirma que Clift era homosexual, algo que se veía forzado a reprimir.  Actuó en 18 filmes entre 1939 y 1966, guionista de tres películas. Falleció, debido a oclusión coronaria, el 23 de julio de 1966 en Nueva York.

 

Escrito por Esteban Hernández, 23 octubre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Claudia Cardinale

Nunca he sentido necesidad de escándalo o confesión
para ser actriz. Nunca he revelado mi persona ni mi
cuerpo en las películas. El misterio es importante
.”
Claudia Cardinale

Claudia Cardinale

Claudia Cardinale. Cortesía Doctormacro.com

Si una actriz ha sido reconocida por sus interpretaciones de calidad, ha sido la bella Claudia Cardinale, todo un mito del cine italiano, la que llegó al séptimo arte por la vía de una competencia de belleza.  Claude Josephine Rose Cardinale nació el 15 de abril de 1939 en La Goleta, puerto de Túnez, hija de padres sicilianos. Un buen día fue invitada a una competencia de belleza en Túnez, donde resultó la vencedora, lo que le valió asistir al festival de Venecia con todos los gastos pagados. Ya en ese momento, Claudia se daba cuenta que lo suyo era el arte dramático, por lo que se incorporó a estudiar interpretación teatral en el Centro Experimental de Roma.  Poco después el productor Franco Cristaldi la descubrió, con quien se casó en 1966. Luego fue contratada para actuar por la industria fílmica italiana. Solo era necesario modificar algo su voz ronca, aunque con 18 años su italiano no era el mejor.

Su debut en el cine fue en papel de reparto de la cinta franco-tunecina “Goha (1958)” de Jacques Baratier con Omar Sharif. El director Mario Monicelli la incluyó en el reparto de la comedia-film de crimen “Rufufu (1958)”, en el que actuaron figuras ya consagradas como Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman y Renato Salvatori. La voz de Claudia fue doblada en este filme. Le siguió otra actuación secundaria en el romance “La prima notte (1959)” (La primera noche) de Alberto Cavalcanti con Martine Carol y Vittorio De Sica. Papeles más importantes le llegaron a Claudia en películas famosas como:

  • El drama “El bello Antonio (1960)” de Mauro Bolognini con Marcello Mastroianni
  • La comedia-drama “La chica de la valija (1960)” de Valerio Zurlini con Jacques Perrin
  • Los dramas “Rocco y sus hermanos (1960) de Luchino Visconti con Alain Delon, Renato Salvatori y Annie Girardot entre otros,
  • “Las pícaras doncellas (1961)” de Bolognini
  • El film épico “Cartouche (1962)” de Philippe de Broca con Jean Paul Belmondo
  • Los dramas “8 1/2 (1963)” de Federico Fellini con Mastroinanni, donde Claudia no fue doblada por primera vez.
  • “El gatopardo (1963)” de Luchino Visconti con Burt Lancaster y Delon,
  • “La novia de Bube (1963)” de Luigi Comencini
  • La comedia “Celos a la italiana (1964)” de Antonio Pietrangeli con Ugo Tognazzi

Claudia Cardinale afiches

Hollywood le abrió sus puertas a mediados de los 60, aunque no fue un ambiente muy de su gusto. Allí  actuó en:

  • La comedia “La pantera rosa (1963)” de Blake Edwards con David Niven y Peter Sellers,
  • El drama “El fabuloso mundo del circo (1964)” de Henry Hathaway con John Wayne y Rita Hayworth
  • La comedia-suspense “Misión secreta (1965)” de Philip Dunne con Rock Hudson
  • El oeste “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks con Lancaster y Lee Marvin entre otros
  • La comedia “No hagan olas (1967)” de Alexander Mackendrick con Tony Curtis
  • El recordado oeste “Hasta que llegó su hora (1968)” de Sergio Leone con Henry Fonda y Charles Bronson, donde Claudia actúa admirablemente

Claudia Cardinale afiches 2

Su problema en Hollywood fue que nunca pudo dominar el inglés, por lo que desistió de seguir actuando en EE.UU. y se dedicó más a trabajar en el cine italo-francés. A partir de entonces, sus actuaciones fueron más selectivas, siendo sus mejores interpretaciones  de ese período:

  • El drama “El día de la lechuza (1968)” de Damiano Damián con Franco Nero y Lee J. Cobb
  • La comedia “La audiencia (1971)” de Marco Ferreri
  • El film de aventura “La tienda roja (1971)” de Mikhail Kalatozishvili con Sean Connery, película de co-producción soviética donde Claudia interpreta el papel de enfermera
  • El drama-film de guerra “La piel (1981)” de Liliana Cavani, donde de nuevo actúa con Mastroianni y Lancaster,
  • Los dramas “Fitzcarraldo (1982)” de Werner Herzog con Klaus Kinski,
  • “Enrico IV (1984)” de Marco Bellocchio con Mastroianni nuevamente,
  • “Claretta (1984)” de Pasquale Squitieri,
  • “Un hombre enamorado (1987)” de Diane Kurys con Peter Coyote y Jamie Lee Curtis,
  • El film de acción “La batalla de los tres reyes (1990)” de Souheil Ben-Barka y Uchkun Nazarov con Tognazzi y Fernando Rey
  • La comedia “El hijo de la pantera rosa (1993)” de Blake Edwards con Roberto Benigni

Claudia Cardinale afiches 3

En lo sucesivo, Claudia ha actuado en filmes para la TV francesa con eventuales incursiones en el cine europeo. Entre esas actuaciones están las:

  • Del drama “Riches, belles, etc. (1998)” (Ricas, bellas, etc.) de Bunny Godillot con Anouk Aimée y Jay Alexander
  • De la comedia “Li chiamarano… briganti!! (1999)” (Los llamaban ladrones) de Pasquale Squitieri con Enrico Lo Verso y Franco Nero
  • Del romance- suspense “Y ahora… damas y caballeros (2002)” de Claude Lelouch con Jeremy Irons y Patricia Kaas
  • Del drama “Estrenando sueños” (2009) de Salvatore Samperi con Giancarlo Giannini y Michele Placido
  • De la comedia-drama “Signora Enrica Ilye Italyan Olmak (2010)” de Ali Ilhan con Ismail Hacioglu, historia de la adaptación de una persona al ambiente italiano
  • Del drama “Ultima fermata (2014)” (Última parada) de Giambattista Assanti con Sergio Assisi

Nominada para David en el D. Donatello como mejor actriz de reparto por “Ultima fermata (2014)”. Obtuvo David especial por “La chica con la maleta (1961)”, premio como mejor actriz por “El día de la lechuza (1968)”. En 1997 obtuvo premio especial en este concurso. En el 2000 obtuvo el film de plata europea de parte del Sindicato de Críticos de Cine de Italia. Obtuvo tres cintas de plata como mejor actriz por sus actuaciones en “La novia de Bube (1963)” y “Claretta (1984)”, así como mejor actriz de reparto por “La piel (1981)”. En el Festival de Venecia obtuvo premio Pasinetti por “Claretta (1984)”, y en 1994, León de Oro en honor a su carrera artística y otro similar en 2014 de parte del Festival de Cine Europeo.

En 2002 obtuvo Oso de Oro en honor a su carrera en el festival de Berlín.

La famosa C.C., ha actuado en 123 filmes entre 1958 y 2017.

 

Escrito por Esteban Hernández, 17 octubre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Jean-Paul Belmondo

No quiero ser el abuelo volante del cine francés.”
Jean-Paul Belmondo

Jean Paul Belmondo

Jean-Paul Belmondo en “El ladrón de París (1967)”. Cortesía Doctormacro.com

Se trata de un actor muy carismático, quien sin ser un hombre bien parecido al estilo de  Alain Delon, ha sabido interpretar y ganar la acogida del público. Su sonrisa y su arte cómico le hacen un actor simpático. Belmondo ha tenido también la capacidad de actuar muchas veces sin dobles, realizando él mismo escenas muy impresionantes y hasta peligrosas. También conocido como Bebel, Belmondo nació el 9 de abril de 1933 en Neuilly-sur-Seine, Francia, hijo de un famoso escultor, Paul Belmondo. Jean-Paul estudió interpretación en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático en París. Su primera actuación en la gran pantalla fue en el corto “Molière (1956)” de Norbert Tildian, al que le siguió el film “A pie, a caballo y en coche (1957)”, mientras que sus primeros éxitos llegaron con el drama-film de crimen “Al final de la escapada (1959)” de Jean Luc Godard, donde interpreta el papel de un criminal despiadado.

Lejos de encasillarse en un papel, Belmondo ha demostrado ser capaz de interpretar distintos y complejos papeles en varias películas. Entre sus mejores actuaciones están las de:

  • El drama “Dos mujeres (1960)” de Vittorio De Sica junto a Sophia Loren, donde hace el papel de un hombre entregado a la lucha contra el fascismo
  • El drama-film de guerra “Leon Morin, sacerdote (1961)” de Jean-Pierre Melville con Emmanuelle Riva, film en el que interpreta el papel de un cura
  • La comedia “Una mujer es una mujer (1961)” de Godard con Anna Karina
  • El romance “Amores célebres (1961)” de Michel Boisrond con Brigitte Bardot
  • Las comedias épicas y de aventuras “Cartouche (1962)” con Claudia Cardinale,
  • “El hombre de Río (1964)” con Françoise Dorléac, estas dos últimas de Philippe de Broca
  • El drama “Pierrot el loco (1965)” de Godard con Anna Karina, donde Belmondo hace el papel de un hombre que trata de escapar de la sociedad en que vive
  • La comedia-film de aventura “Las tribulaciones de un chino en China (1965)” dirigida por de Broca con Ursula Andress
  • La comedia-film de crimen “El ladrón de París (1967)” de Louis Malle con Geneviève Bujold
  • La comedia “Casino Royale (1967)” de Val Guest con David Niven y Peter Sellers entre otros
  • La comedia-film de crimen “¡Ho! (1968)” de Roberto Enrico con Joanna Shimkus
  • El film de misterio “La sirena del Mississippi (1969)” de François Truffaut con Catherine Deneuve
  • El film de crimen “Borsalino (1970)” de Jacques Deray con Alain Delon

Belmondo afiche

Inició la siguiente década protagonizando otro film de crimen, “El furor de la codicia (1971)” de Henri Verneuil con Omar Sharif, al que le siguió el drama histórico “Stavisky (1974)” de Alain Resnais con François Périer.

En las siguientes décadas protagonizó:

  • El film de acción “El profesional (1981)” de George Lautner con Jean Desailly
  • La comedia-drama “El imperio del león (1988)” de Claude Lelouch con Richard Anconina
  • El film de crimen-drama “L’inconnu dans la maison (1992)” (El desconocido en casa) de Lautner con Renée Faure
  • “Testigo de excepción (1995)” de Lelouch con Alessandra Martines y Annie Girardot, película basada en la famosa novela de Victor Hugo
  • Las comedias “Désiré (1996)” de Bernard Murat con Fanny Ardant,
  • “Los actores (2000)” de Bertrand Blier con Pierre Ardite y Josiane Balasto,
  • “Amazona (2000)” dirigida por De Broca con Arielle Dombasle, film que contiene varias escenas de aventura
  • El drama “Un homme et son chien (2008)” (Un hombre y su perro) de Francis Huster con Hafsia Herzi y Charles Aznavour

Belmondo afiche 2

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Leon Morin, sacerdote (1961)” y “Pierrot el loco (1965)”.

Obtuvo César como mejor actor por “El imperio del león (1988)”. Obtuvo Palma de Oro, en honor a su carrera, en el festival de Cannes (2011). En 2016, recibió el León de Oro por su carrera en el festival de Venecia. En el Festival de Art Film fue galardonado con el premio de Actor’s mission.

Ha actuado en 91 filmes entre 1956 y 2009, y productor de 25 películas.

 

Escrito por Esteban Hernández, 30 setiembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

John Barrymore

La felicidad con frecuencia entra a través de una
puerta que no sabías haberla dejado abierta
.”
John Barrymore

John Barrymore

John Barrymore con Madge Evans en “Cena a las ocho (1933)”. Cortesía Doctormacro.com

Uno de los mejores actores en las décadas de los 20 hasta los 40, a quien se le llegó a llamar “El Gran Perfil” por sus interpretaciones de personajes de las obras de Shakespeare, entre ellas Ricardo III y Hamlet. Barrymore era hijo de actores de teatro, Maurice y Georgiana, y hermano menor de los también actor y actriz, Ethel y Lionel, respectivamente. John Sidney Blythe nació el 15 de febrero de 1882 en Filadelfia, estudió arte dramático en el el King’s College en Wimbledon y en el Arts Student’s League de Nueva York. Inicialmente trabajó como dibujante en un periódico neoyorquino, oficio que abandonó para dedicarse a la actuación en varios medios. Siguiendo el sendero de sus padres y sus hermanos, debutó en teatro cuando tenía 18 años. Ya entonces se hizo famoso en Broadway en la obra “The fortune hunter” (El cazador de fortuna).

John logró éxitos rápidamente como comediante y poco a poco fue interpretando papeles más serios. Así actuó en las obras teatrales “Justice (1916)”, “Peter Ibbetson (1917)”, “The jest (1919)” (La broma), además de las ya arriba mencionadas. En cuanto a su debut en el cine, existen dudas sobre el año real de su primera película, pues hay quien le ubica en 1912 y otros en 1913. Su primer gran film fue en realidad la comedia romántica “An American citizen (1914)” (Un ciudadano americano) de J. Searle Dawley, luego interpretó el papel del temerario ladrón Raffles en el film de aventura “Raffles, the amateur cracksman (1917)” de George Irving con Christine Mayo. Sus éxitos en la gran pantalla llegaron en la década de los años 20, con sus actuaciones en:

  • El drama-film de horror “El hombre y la bestia (1920)” de John S. Robertson
  • Los dramas “El árbitro de la moda (1924)” de Harry Beaumont,
  • “Don Juan (1926)”, de Alan Crosland, en estos dos últimos con Mary Astor
  • Los filmes de aventura “La fiera del mar (1926)” de Millard Webb con Dolores Costello, film que se basa en la historia de Moby Dick,
  • “El vagabundo poeta (1927)” de Crosland con Conrad Veidt y Marceline Day
  • Los dramas “Tempest (1928)” (Tempestad), de Sam Taylor, que trata sobre la revolución rusa,
  • “Los amores de Manon (1927)” de Crosland
  • El musical “Arriba el telón (1929)” de John G. Adolfi, en éstos dos últimos con Dolores Costello nuevamente

John Barrymore afiches

En la década de los 30, en pleno cine sonoro, su carrera continuó meteóricamente, así protagonizó:

  • El drama “Gran Hotel (1932)” de Edmund Goulding con Greta Garbo y su hermano, Lionel
  • El film de misterio “Arsène Lupin (1932)” de Jack Conway con Lionel nuevamente,
  • Los dramas “Doble sacrificio (1932)” de George Cukor con Katharine Hepburn,
  • “Rasputin y la zarina (1932)” de Richard Boleslawski, que fue la única película en la que aparecieron los tres hermanos, donde Lionel interpretó el papel de Rasputin, Ethel como la zarina y John apareció como el Principe Pavel Chegodieff
  • El drama- comedia “Topaze (1933)” de Harry d’Abbadie d’Arrast con Myrna Loy
  • Los dramas “Reunión (1933)” de Sidney Franklin con Diana Wynyard,
  • “El abogado (1933)” de William Wyler con Bebe Daniels
  • Las comedias “Cena a las ocho (1933)” de Cukor con Marie Dressler, Jean Harlow y Lionel
  • “La comedia de la vida(1934)” de Howard Hawks con Carole Lombard

John Barrymore afiches 2

La intensidad de trabajo en la década de los 30 continuó al protagonizar:

  • El drama “Romeo y Julieta (1936)” de Cukor con Leslie Howard y Norma Shearer
  • El musical “Primavera (1937)” de Robert Z. Leonard con Jeanette MacDonald y Nelson Eddy
  • El film histórico “María Antonieta (1938)” de W.S. Van Dyke con Norma Shearer y Tyrone Power, donde John interpreta el papel del rey Luis XV
  • La comedia “Medianoche (1939)” de Mitchell Leisen con Claudette Colbert y Don Ameche

John Barrymore afiches 3

John se retiró del cine a finales de los 30 para trabajar en teatro. Sus últimas películas fueron el drama “The great profile (1940)” (El gran perfil) de Walter Lang con Mary Beth Hughes, película que hiciera honor al apodo por el cual se le conoció; y “La mujer invisible (1941)” de A. Edward Sutherland con Virginia Bruce. En resumen, actuó en 65 filmes entre 1912 y 1941, y guionista de una película.

Lamentablemente el alcoholismo acabó temprano con la vida de este gran actor y fue así que a los 60 años de edad murió de una fuerte cirrosis el 29 de mayo de 1942, en Los Ángeles, California. No obstante, John fue el único de los Barrymore que dejó hijos, todos los cuales se dedicaron también al teatro. Diana fue actriz y padeció del mismo  alcoholismo que su padre, al final se suicidó. Su otro hijo, John Drew Barrymore, también fue actor y es el padre de la actriz Drew Barrymore, quienes también han sufrido problemas de alcoholismo y/o drogadicción.

 

Escrito por Esteban Hernández, 25 julio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Lionel Barrymore

Nunca olvides que la actuación es la más grande profesión inventada.”
Lionel Barrymore

 

Lionel Barrymore

Lionel Barrymore. Cortesía Doctormacro.com

Lionel, como John y Ethel, era el mayor de los hijos de los actores Maurice y Georgiana Barrymore. De los tres hermanos, Lionel Herbert Blythe era también el de carácter más fuerte, nacido el 28 de abril de 1878 en Filadelfia. En su juventud cursó estudios en el Arts Students League de Nueva York, los que una vez concluidos le permitieron comenzar a trabajar en  Broadway.

Su debut en el cine fue en 1908, teniendo desde entonces buenas o aceptables actuaciones, entre ellas:

  • El drama -corto “The battle (1911)” (La batalla)
  • El oeste romántico “Friends (1912)” (Amigos)
  • El film de fantasía “The wanderer” (El errante)
  • El drama-corto “The house of darkness” (La casa de la oscuridad), éstos dos últimos realizados en 1913 y dirigidos por D.W. Griffith

Desde los finales del cine silente y en la primera década del sonoro, una de sus mejores interpretaciones fue en el film de aventura “La isla misteriosa (1929)” de Lucien Hubbard con Jacqueline Gadsden.

Luego llegó  su primer gran éxito en el drama “Alma libre (1931)” de Clarence Brown con Norma Shearer, Leslie Howard y Clark Gable, al que le siguieron los dramas:

  • “Gran Hotel (1932)” de Edmund Goulding con Greta Garbo, Joan Crawford y su hermano John,
  • “Rasputin y la zarina (1932)” de Richard Boleslawski y Charles Brabin con sus hermanos John y Ethel, donde Lionel interpreta el papel del repugnante Rasputín
  • El film de misterio “Arsène Lupin (1932)” de Jack Conway,
  • La comedia-drama “Cena a las ocho (1933)” de George Cukor con Marie Dressler, en estos dos últimos con su hermano John
  • El drama “El difunto Christopher Bean (1933)” de Sam Wood con Marie Dressler
  • El film de aventura “La isla del tesoro (1934)” de Victor Fleming con Wallace Beery y Jackie Cooper

Lionel Barrymore afiches

Su fuerte carácter le invitaba a interpretar el papel de padre exigente, conservador o de clásico patriarca, así actuó en:

  • El drama “Honrarás a tu padre (1933)” de John Cromwell
  • El film de aventura “Capitanes intrépidos (1937)” de Victor Fleming con Freddie Bartholomew y Spencer Tracy
  • La comedia “Vive como quieras (1938)” de Frank Capra con Jean Arthur y James Stewart

A partir de finales de la década de los 30, Lionel también interpretó el papel del Dr. Gillespie en el serial del Dr. Kildare en quince ocasiones, que comenzó con el drama “Young Dr Kildare (1938)” (El joven Dr. Kildare) de Harold S. Bucquet, y también encarnó el papel del juez Hardy en la comedia “Asuntos de familia (1937)” de George B. Seitz con Cecilia Parker y Mickey Rooney.

Lionel Barrymore afiches 2

En la década de los 40, sus mejores actuaciones- la mayoría sentado sobre silla de ruedas por padecer de una fuerte artritis, además de haber sufrido fractura de cadera- fueron en:

  • El oeste “Duelo al sol (1946)” con Jennifer Jones, Joseph Cotten y Gregory Peck
  • Los dramas “El valle del destino (1945)” de Tay Garnett con Greer Garson y Gregory Peck,
  • “¡Que bello es vivir! (1946)” de Capra con James Stewart y Donna Reed, donde Lionel es Mr Potter.
  • El film de crimen “Cayo Largo (1948)” con Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall y Claire Trevor
  • El drama “El demonio del mar (1949)” de Henry Hathaway con Richard Widmark
  • El oeste “Estrella del destino (1952)” de Vincent Sherman con Clark Gable, Ava Gardner y Broderick Crawford

Lionel Barrymore afiches 3

También dirigió los dramas:

  • “Madame X (1929)” con Ruth Chatterton,
  • “His glorious night (1929)” (Su noche gloriosa) con John Gilbert,
  • “Ten cents a dance (1931)” (10 centavos por un baile) con Barbara Stanwyck

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Nominado para OSCAR como mejor director por “Madame X (1928-29)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Alma libre (1931)”.

Lionel Barrymore escribió un par de libros, la novela “Mr. Cantowine” y la biografía familiar “We Barrymores” (Nosotros, los Barrymores). En resumen, actuó en un total de 222 películas entre 1905 y 1956, guionista de 5 y director de 15 películas. Murió, de un infarto, el 15 de noviembre de 1954 en Van Nuys, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 11 agosto de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”. 

Ethel Barrymore

“La mitad de la gente en Hollywood se muere por ser conocidos,
La otra mitad tiene temor que los conozcan:”
Ethel Barrymore

Ethel BarrymoreEthel Barrymore junto a sus hermanos, John a su derecha, y Lionel (Rasputín) a su izquierda sentado en “Rasputín y la zarina (1932)”. Cortesía Doctormacro.com

Actriz de reparto, hermana de los famosos actores Lionel y John Barrymore, quien logró destacarse en varios filmes, casi siempre como mujer de carácter, pero generalmente bondadosa, Ethel Mae Blythe, nacida el 15 de agosto de 1879 en Filadelfia, de padre graduado en leyes, en Cambridge, Inglaterra, pero que luego se decidió por la actuación teatral. Su madre, Georgiana Drew, oriunda de Filadelfia, era igualmente actriz y comenzó a trabajar en la compañía teatral de Barrymore. Consolidada la unión, nacieron sus hijos Lionel, Ethel y John, los que también se decidieron por la actuación, aunque Ethel inicialmente mostró más vocación por la música, deseaba ser pianista de concierto. No obstante, en 1894 debutaba en teatro de Nueva York, luego tuvo actuaciones en teatro londinense. Luego continuó su carrera teatral en Nueva York, la que siempre mantuvo en su vida artística.

Su debut en cine fue en papel de reparto del film “The Nightingale (1914)” de Augustus E. Thomas. Luego actuó en más de una decena de películas hasta protagonizar el drama “La divorciada (1919)” de Herbert Blaché con E.J. Ratcliffe. Ethel desapareció de la gran pantalla por un largo período de tiempo. Su regreso tuvo lugar en el cine sonoro, en el drama “Rasputin y la zarina (1932)” de Richard Boleslawski, donde actúa junto a sus hermanos John y Lionel (Rasputin), e interpreta el papel de zarina. A continuación actuó en el corto “All at sea (1933)” (Todo en el mar) de E.H. Kleinert. Volvió a desaparecer del cine, aunque actuando para la radio y el teatro. Su regreso a la gran pantalla fue para actuar en el drama “Un corazón en peligro (1944)” de Clifford Odets con Cary Grant, luego interpretó papeles de reparto:

  • Del suspense “La escalera de caracol (1946)” de Robert Siodmak con Dorothy McGuire y George Brent
  • De los dramas “El proceso Paradine (1947)” de Alfred Hitchcock con Gregory Peck, Ann Todd y Charles Laughton
  • “Jennie (1948)” de William Dieterle con Jennifer Jones, Joseph Cotten y Lillian Gish
  • “El gran pecador (1949)” de Siodmak con Peck, Ava Gardner y Melvyn Douglas
  • “Pinky (1949)” de Elia Kazan con Jeanne Crain

Ethel Barrymore afiches

Luego protagonizó el drama-comedia “It’s a big country (1951)” (Es un gran país) de Clarence Brown y Don Hartman con Keefe Brasselle y Gary Cooper; y volvió a actuar en papeles de reparto de:

  • El film de crimen-drama “El cuarto poder (1952)” de Richard Brooks con Humphrey Bogart y Kim Hunter
  • Los dramas-musicales “Just for you (1952)” (Solo por Ud.) de Elliott Nuggent con Bing Crosby y Jane Wyman
  • “Tres amores (1953)” de Vincente Minnelli y Gottfried Reinhardt con Pier Angeli
  • “Main street to Broadway (1953)” (Calle principal a Broadway) de Tay Garnett, donde coincidió con su hermano Lionel, quien apareciera entonces por última vez en pantalla
  • “Siempre tú y yo (1954)” de Gordon Douglas con Frank Sinatra y Doris Day
  • Su último film, protagonizando el drama “Johnny Trouble (1957)” de John H. Auer con Cecil Kellaway

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Nominada para OSCAR como mejor actriz de reparto por “La escalera de caracol (1946)”, “El proceso Paradine (1947)” y “Pinky (1949)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Un corazón en peligro (1944)”.  Obtuvo premio del National Board Review como mejor actriz por “Un corazón en peligro (1944)”.

En resumen, Ethel actuó en 44 filmes entre 1914 y 1957. Falleció, debido a afecciones cardiacas, el 18 de junio de 1959 en Beverly Hills, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 29 julio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Anne Bancroft

Al inicio me sentía seducida por los guiones. Pensaba
que cada film era el mejor y que yo era Greta Garbo
.”
Anne Bancroft

Anne Bancroft

Anne Bancroft Cortesía Doctormacro.com

Destacada actriz de cine, con actuaciones muy convincentes en los más variados papeles, sea mujer de bien o  con intenciones perversas, en fin, todo aquello que se le propusiese, lo hacía con la mayor profesionalidad. Anna Maria Louisa Italiano nació el 17 de setiembre de 1931 en Nueva York, hija de padres emigrantes italianos, su padre, sastre, y su madre, operadora telefónica. Anne desde temprano sintió inclinación por la interpretación teatral. Estudió arte dramático en el Estudio HB en Greenwich, ciudad de Nueva York. Comenzó a actuar en teatro de su ciudad natal y en 1951 hizo su aparición en filmes para la TV. Su primera película de importancia fue el drama “Niebla en el alma (1952)” de Roy Ward Baker con Richard Widmark y Marilyn Monroe. Luego actuó en roles secundarios de otras películas, entre ellas el drama épico “Demetrio, el gladiador” (1954) de Delmer Daves con Victor Mature y Susan Hayward.  Posteriormente se trasladó a Broadway, donde trabajó junto a actores de renombre, entre ellos Henry Fonda, y obtuvo algunos premios Tony por sus actuaciones. Decidió volver a Hollywood para actuar en:

  • Los dramas “El milagro de Ann Sullivan (1962)” de Arthur Penn con Victor Jory, una joya del cine de todos los tiempos
  • “Siempre estoy sola (1962)” de Jack Clayton con Peter Finch y James Mason, donde interpreta el papel de una madre de cinco hijos, cuya vida cambia totalmente al conocer a un hombre con el cual se casa,
  • “Siete mujeres (1966)” de John Ford con Margaret Leighton y Flora Robson entre otras, donde su desempeño fue sencillamente el mejor por la versatilidad mostrada

Un éxito en su carrera fue el drama “El graduado (1967)” de Mike Nichols, uno de los primeros filmes de Dustin Hoffman, en el que Anne es una esposa burguesa y frustrada sexualmente que seduce al joven Hoffman. Su interpretación de la Sra. Robinson fue ubicada en el lugar 47 por la revista Premiere entre los 100 mejores interpretaciones de todos los tiempos.

Anne Bancroft aafiches

En la siguiente década se destacó en:

  • El film de aventura “El joven Winston (1972)” de Richard Attenborough con Robert Shaw y Anthony Hopkins
  • La comedia-drama “El prisionero de la segunda avenida (1975)” de Melvin Frank con Jack Lemmon
  • El drama romántico “Paso decisivo (1977)” de Herbert Ross, donde ella es bailarina junto a la estupenda Shirley MacLaine

En la década de los 80, actuó en:

  • Los dramas “El hombre elefante (1980)” de David Lynch con Anthony Hopkins,
  • “Soy o no soy (1983)” de Alan Johnson con Mel Brooks
  • La comedia “Buscando a Greta (1984)” de Sidney Lumet con Ron Silver, película sobre una mujer que desea conocer a la actriz Greta Garbo por cualquier medio posible
  • El drama-film de misterio “Agnes de Dios (1985)” de Norman Jewison con Jane Fonda
  • Los dramas “La carta final (1986)” de David Hugh Jones con Hopkins nuevamente,
  • “Buenas noches, madre (1986)” de Tom Moore con Sissy Spacek

Anne Bancroft aafiches 2

En lo sucesivo actuó en:

  • Los dramas “Mr Jones (1993)” de Mike Figgis con Richard Gere y Lena Olin,
  • “Donde reside el amor (1995)” de Jocelyn Moorhouse con Winona Ryder y Ellen Burstyn,
  • “Grandes esperanzas (1998)” de Alfonso Cuarón con Ethan Hawke y Gwyneth Paltrow
  • Las comedias “Más que amigos (2000)” de Edward Norton con Ben Stiller y el propio Norton
  • “Las seductoras (2001)” de David Mirkin con Sigourney Weaver y Jennifer Love Hewitt

En la TV, se destacó en el drama “Homecoming (1996)” de Mark Jean con Kimberlee Peterson, y en papel de reparto del drama “La primavera romana de la señorita Stone (2003)”de Robert Allan Ackerman con Helen Mirren y Oliver Martinez, que fuera su última aparición artística.

Anne Bancroft aafiches 3

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Siempre estoy sola (1962)”, “Siete mujeres (1966)”, “El graduado (1967)”, “Paso decisivo (1977)” y “Agnes de Dios (1985)”. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “El milagro de Ann Sullivan (1962)”.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz por “Paso decisivo (1977)”, “Soy o no soy (1983)”, “Buscando a Greta (1984)”, “Agnes de Dios (1985)”, “Buenas noches, madre (1986)”.  Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz por “Siempre estoy sola (1964)” y “El graduado (1967)”.

Nominada para BAFTA como mejor actriz por ““El graduado (1967)”, “El joven Winston” (1972), “El prisionero de la segunda avenida 1975)”, y “Paso decisivo (1977)”. Obtuvo este premio como mejor actriz extranjera por “El milagro de Ann Sullivan (1962)” y “Siempre estoy sola (1964)”, y como mejor actriz por “La carta final (1986)”. Obtuvo premio en el festival de Cannes como mejor actriz por “Siempre estoy sola (1964)”.

Nominada para SGA como mejor actriz en miniseriales o filmes para la TV por “Homecoming” (1996) y “La primavera romana de la señorita Stone (2003)”. Nominada para Satélite de Oro como mejor actriz de reparto en miniseries por “La primavera romana de la señorita Stone (2003)”. Obtuvo premios del National Board Review como mejor actriz por “El milagro de Ann Sullivan (1962)” y “Paso decisivo (1977)”.Obtuvo premio en el festival de San Sebastián como mejor actriz por “El milagro de Ann Sullivan (1962)”. En 1996, obtuvo premio a su carrera del American Comedy Award. Nominada en 1990 para premio frambuesa, como peor actriz de reparto, por “Bert Rigby, you’re a fool (1989)”.

En resumen, actuó en 86 filmes entre 1951 y 2008, directora de 2 y guionista de una película. Falleció, debido a cáncer uterino, el 6 de junio de 2005 en Nueva York.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 julio de 2018, con información extraída de su obra “Grandes del cine clasico de todos los tiempos”.

Joan Fontaine

Espero morir a los 105 años en teatro e
interpretando el papel de Peter Pan
.”
Joan Fontaine

Joan Fontaine en Sospecha (1941)

Joan Fontaine en “Sospecha (1941)” Cortesía Doctormacro.com

La hermana de Olivia De Havilland fue otra actriz destacada en cine. Como se apuntó para Olivia, ellas jamás actuaron juntas en cine, ya que entre ellas existió siempre una gran rivalidad. Joan De Beauvoir De Havilland, nació el 22 cctubre de 1917 en Tokyo, Japón, y junto a su familia se trasladó a California después del divorcio de sus padres. A diferencia de Olivia, Joan en cuanto pudo volvió a Japón y asistió allí a escuela americana. Su regreso a EE.UU. tuvo lugar en 1934. Entonces Olivia actuaba en teatro y Joan la imitó, al incluirse en grupo teatral de San José. Más tarde se trasladó a los Ángeles, donde adoptó el nombre artístico de Joan Burfield. Realmente no quiso afectar la fama de su hermana, que si usaba el apellido de familiar.

A la edad de 18 años, Joan realizó pruebas para la MGM y obtuvo papel secundario de la comedia romántica “No más mujeres (1935)” de Edward H. Griffith y  George Cukor con Joan Crawford y Robert Montgomery. En la segunda mitad de los 30, comenzó a trabajar con bastante frecuencia en papeles de reparto de:

  • Las comedias “Señorita en desgracia (1937)” con Fred Astaire,
  • “Olivia (1937)” con Katharine Hepburn, ambos filmes de George Stevens,
  • “Mujeres (1939)” de Cukor con Joan Crawford y Norma Shearer
  • “No luches contra el amor (1937)” de Christy Cabanne con Preston Foster
  • Del film de aventuras “Gunga Din (1939)” de Stevens con Cary Grant

Tuvo su primer papel protagónico en el romance de suspense “Rebeca (1940)” de Alfred Hitchcock con Laurence Olivier, que fue de hecho su primer gran éxito en el cine. Hitchcock, contento con el trabajo de Joan, la volvió a incluir como protagonista en el suspense “Sospecha (1941)” con Cary Grant, film que le proporcionó un éxito superior al de “Rebeca”. Estas actuaciones la consolidaron como estrella de Hollywood y los contratos para nuevas actuaciones le llovieron desde entonces.

Joan Fontaine en Rebeca

A continuación actuó en:

  • El film de guerra “Sé fiel a ti mismo (1942)” de Anatole Litvak con Tyrone Power
  • El melodrama “La ninfa constante (1943)” de Edmund Goulding con Charles Boyer
  • El film de aventura “El pirata y la dama (1944)” de Mitchell Leisen con Arturo de Córdova y Basil Rathbone
  • El drama “Jane Eyre (1944)” de Robert Stevenson con Orson Welles, film basado en la novela homónima de la escritora Charlotte Bronte
  • La comedia-musical “El vals del emperador (1948)” de Billy Wilder con Bing Crosby
  • Los romances “Carta de una desconocida (1948)” de Max Ophuls con Louis Jordan, una película muy original y con excelentes actuaciones de sus protagonistas
  • “Idilio en septiembre (1950)” de William Dieterle con Joseph Cotten
  • El drama-film de cine negro “Nacida para el mal (1950)” de Nicholas Ray con Mel Ferrer

Joan Fontaine afiches

En la década de los 50, Joan protagonizó:

  • La comedia “Cariño, ¿por qué lo hiciste? (1951)” de Mitchel Leisen con John Lund
  • El film épico “Ivanhoe (1952)” de Richard Thorpe al lado de dos Taylor, Robert y Elizabeth
  • El drama “El bigamo (1953)” dirigido y también protagonizado por Ida Lupino con Edmond O´Brien, nuevamente otra cinta que no se puede olvidar por su calidad
  • La comedia musical “’La gran noche de Casanova (1954)” con Bob Hope

En lo sucesivo, Joan se dedicó más al teatro y la TV, con pocas incursiones en la gran pantalla, entre ellas en:

  • El film de ciencia ficción “Viaje al fondo del mar (1961)” de Irwin Allen con Walter Pidgeon
  • El film de horror “Las brujas (1966)” de Cyril Frankel con Kay Walsh, que fuera su última película

Joan Fontaine afiches 2

La biografía de Fontaine y de su hermana Olivia fue publicada en  el libro “Sisters: The story of Olivia de Havilland and Joan Fontaine (1983)” (Hermanas: la historia de Olivia De Havilland y Joan Fontaine). Su autobiografía se denomina “No bed of roses” (Ninguna cama de rosas), publicada en 1979.

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Rebeca (1940)” y “La ninfa constante (1943)”.  Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Sospecha (1941)”.Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “Sospecha (1941)”.

Se sabe que en 1962, las dos hermanas, Olivia y Joan junto con sus familias se reunieron para pasar juntos el día de navidad. Así que no es cierto que no haya habido reconciliación entre ellas. Joan actuó en 71 películas entre 1934 y 1995, productora de una película. Esta actriz no llegó a los 105 años como habría querido, pero vivió 96, murió el 15 de diciembre de 2013 en Carmel, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 2 julio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos”.

Anthony Quinn

He vivido en una ráfaga de imágenes,
pero finalizaré en un marco congelado
”.
Anthony Quinn

Anthony Quinn

Anthony Quinn Cortesía Doctormacro.com

Destacado y laborioso actor, capaz de protagonizar películas de los más variados géneros y de hablar varios idiomas, además de actuar hablando los mismos. Antonio Rudolfo Oaxaca Quinn nació el 21 de abril de 1916 en Chihuahua, México, hijo de Francisco Quinn, que años más  tarde fuera camarógrafo en Los Ángeles, descendiente de familia irlandesa, y madre oriunda de Oaxaca. En su infancia, su familia se trasladó a los EE.UU. No llegó a concluir sus estudios en escuela superior, boxeó desde joven y siempre sintió deseos de actuar. Inicialmente se interesó por la pintura, luego cambió la vocación por la interpretación. Hollywood lo utilizó enseguida como extra en varios filmes desde 1936 y luego empezó a interpretar papeles de indio o de mexicano, trabajó muchísimo en sus inicios, algo que jamás dejó de hacer, incluso ya viejo. Quinn alternaba sus actuaciones en el cine con las del teatro en Broadway, lo que denota su carácter incansable. Una de las obras teatrales en las que se destacó fue “Un tranvía llamado deseo” interpretando el papel de Stanley Kowalski. En sus inicios, en el cine, fue encasillado en papeles de villano, así se le podía ver entonces al lado de Errol Flynn, Henry Fonda o Tyrone Power, siempre interpretando el papel del malvado de la película.

Sus primeras interpretaciones como actor de reparto fueron en:

  • Los filmes de crimen “El trasatlántico de la muerte (1937)” de Robert Florey con Charles Bickford y Buster Crabbe,
  • “Waikiki wedding (1937)” (Matrimonio Waikiki) de Frank Tuttle con Bing Crosby
  • El film de aventura “Los bucaneros (1938)” con Fredrich March
  • El oeste “Unión Pacífico (1939)” con Barbara Stanwyck y Joel McCrea, ambos filmes de Cecil B. DeMille
  • Los dramas “Ciudad de conquista (1940)” de Anatole Litvak con James Cagney y Ann Sheridan,
  • “Sangre y arena (1941)” de Rouben Mamoulian con Tyrone Power, Rita Hayward y Linda Darnell, donde es al final quien se lleva a la bella Rita
  • El oeste histórico “Murieron con las botas puestas (1941)” de Raoul Walsh con Errol Flynn y Olivia De Havilland, donde Quinn interpreta el papel del jefe indio “Caballo Loco”
  • La comedia “Larceny Inc (1942)” de Lloyd Bacon con Edward.G. Robinson y Jane Wyman
  • Los oestes de William Wellman, “Incidente en Ox-Bow (1943)” protagonizado por Henry Fonda,
  • “Buffalo Bill (1944)” con Joel McCrea y Maureen O’Hara, otra vez como el jefe indio, “Mano Amarilla”
  • El film de guerra “Regreso a Bataan (1945)” de Edward Dmytryk con John Wayne, donde no es el villano esta vez
  • El film de aventuras “Sinbad el marino (1947)” de Richard Wallace con Douglas Fairbanks Jr. y Maureen O’Hara

Anthony Quinn afiches

En la década de los 50, actuó en:

  • Los dramas “Viva Zapata (1952)” de Elia Kazan con Marlon Brando,
  • “La strada (1954)” (La vía) de Federico Fellini con Giulietta Masina
  • Protagonizó la película épica, “Atila, hombre o demonio (1954)” de Pietro Francisci con Sophía Loren,
  • Co-protagonizó con Kirk Douglas el drama “Ulises (1954)” de Mario Camerini y Mario Bava con Silvana Mangano, donde interpreta el papel de Antinoos
  • Interpretó el papel del pintor Gauguin en el drama “El loco del pelo rojo (1956)” de Vincente Minnelli y George Cukor con Kirk Douglas nuevamente
  • El papel del jorobado Quasimodo en “Notre Dame de Paris (1956)” de Jean Delannoy con Gina Lollobrigida, donde la actuación de Quinn fue excelente
  • Los dramas “Viento salvaje (1957)” de George Cukor con Anna Magnani,
  • “Orquídea negra (1958)” de Martin Ritt con la Loren de nuevo
  • Los oestes “El último tren de Gun Hill (1959)” de John Sturges con Kirk Douglas una vez más,
  • “Warlock, el hombre de las pistolas de oro (1959)” de Edward Dmytryk con Henry Fonda y Richard Widmark
  • Co-protagonizó con Lana Turner el drama “Retrato en negro (1960)” de Michael Gordon

Anthony Quinn afiches 2

En las siguientes décadas, Quinn protagonizó más películas y tuvo menos papeles de reparto:

  • En papel de reparto del film de guerra “Los cañones de Navarone (1961)” de J. Lee Thompson con Gregory Peck y David Niven
  • Protagonizó los dramas “Réquiem para un campeón (1962)” con Jackie Gleason, donde interpreta el papel de un boxeador a la postre frustado,
  • “Barrabás (1962)” de Richard Fleischer con Silvana Mangano y Arthur Kennedy entre otros,
  • En papel de reparto del épico “Lawrence de Arabia (1962)” de David Lean con Peter O’Toole, Omar Sharif y Alec Guinness
  • Mención particular merece su extraordinaria interpretación en el drama “Zorba el griego (1964)”, de Michael Cacoyannis con Alan Bates e Irene Papas
  • Protagonizó el film de aventura “Viento en las velas (1965)” de Alexander Mackendrick con James Coburn
  • Interesantes sus interpretaciones en el drama “Las sandalias del pescador (1968)” de Michael Anderson con Laurence Oliver, film sobre la Rusia soviética, donde interpretó el papel de un ex-presidiario en Siberia y luego devenido Papa del Vaticano
  • La comedia “El secreto de Santa Victoria (1969)” de Stanley Kramer con la Magnani nuevamente y Virna Lisi, donde de forma casual se convierte en alcalde de un pueblo italiano durante la ocupación nazi
  • El drama “El griego de oro (1978)” de J. Lee Thompson con Jacqueline Bisset, donde interpretó el papel figurado del millonario Onassis, quien luego se casó con la viuda del difunto presidente de EE.UU
  • Estelar fue su desenvolvimiento en el drama “El león del desierto (1980)” de Moustapha Akkad con Raf Vallone y Oliver Reed, donde encarnó el papel del patriota libio Omar Mukhtar, film bastante desconocido o subvalorado en occidente.

Anthony Quinn afiches 3

En la década de los 90, Quinn interpretó papeles para la gran y pequeña pantalla, entre ellos:

  • El film de crimen “Revenge (1990)” (Venganza) de Tony Scott con Kevin Costner
  • El film de acción “El último gran héroe (1993)” de John McTiernan con Arnold Schwarzenegger
  • Los dramas “Alguien a quien amar (1994)” de Alexandre Rockwell con Harvey Keitel y Rosie Pérez,
  • “Un paseo por las nubes (1995)” de Alfonso Arau con Keanu Reeves,
  • “Il sindaco (1996)” (El alcalde) de Ugo Fabrizio Giordani con Raoul Bova y Anna Bonaiuto,
  • “Oriundi (1999)” de Ricardo Bravo con Paulo Betti,
  • “Tierra de cañones (2000)” de Antonio Ribas con Mercè Adalit
  • Su última aparición en pantalla, en el film de crimen “El protector (2002)” de Martyn Burke con Sylvester Stallone y Madeleine Stowe, película que se estrenó cuando Quinn ya había muerto.

Quinn dirigió una sola película, el remake de “Los bucaneros (1958)”, film original de 1938 dirigido anteriormente por su ex suegro, Cecil B. DeMille, en el que él también había actuado. Para la TV, tuvo una notable actuación secundaria, en el drama “Gotti (1996)” de Robert Harmon con Armand Assante. Quinn fue también un destacado pintor y escultor, además de haber escrito dos obras, “The original sin (1972)” (El pecado original) y “One man tango (1997)” (Un hombre de tango).

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Viento salvaje (1957)” y “Zorba el griego (1964)”.  Obtuvo OSCAR como mejor actor de reparto por “Viva Zapata! (1952)” y “El loco del pelo rojo (1956)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Zorba el griego (1964)”; como mejor actor en comedia/musical por “El secreto de Santa Victoria (1969)” y como mejor actor de reparto en series para la TV por “Gotti (1996) (TV)”. En 1987 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Lawrence de Arabia (1962)” y “Zorba el griego (1964)”.

Obtuvo Satélite de oro como mejor actor de reparto en miniseries por “Gotti (1996) (TV)”. En 1996 obtuvo el premio Golden Camera en honor a su carrera. En 2003 obtuvo un premio similar del festival independiente de Chamizal.

Nominado para premio frambuesa como peor actor de reparto por “Mobsters (1991)”.

Quinn actuó en 168 filmes entre 1936 y 2002, productor de 6 y director de dos películas. Falleció, a causa de neumonía y fallos respiratorios debido a cáncer en la garganta, el 3 de junio de 2001 en Boston, Massachussets.

 

Escrito por Esteban Hernández, 28 junio de 2018, con información extraída de su propia base de datos.

Daniel Day-Lewis

Vengo de clase media educada pero
me identifico con la clase obrera
.”
Daniel Day-Lewis

Daniel Day-Lewis

Daniel Day Lewis en el Royal Opera House, Covent Garden, Londres, en la premiación de BAFTA 2013. Foto. Steve Vas, Dreamstime.com

Uno de los mejores actores de teatro y cine del momento es sin lugar a dudas Daniel Day-Lewis, a quien se le suele llamar como el De Niro británico. Day-Lewis ha mostrado una tremenda versatilidad para protagonizar con acierto dramas, romances y películas de acción. Daniel Michael Blake Day-Lewis nació el 29 de abril de 1957 en Greenwich, Londres, Inglaterra, hijo del poeta laureado Nicholas Blake y de la actriz Jill Balcon, además de ser nieto de Sir Michael Balcon, una figura muy influyente del cine británico y jefe de los Estudios Ealing. Day-Lewis tiene ascendencia judía por la parte de su madre, hija de familia oriunda de Letonia y Polonia, mientras que su padre tiene ascendentes nor-irlandeses e ingleses. Day-Lewis cursó estudios en la escuela de Sevenoaks en Kent. Luego estudió actuación en la escuela Old Vic de Bristol.

Su debut en el cine fue como extra en el drama, “Domingo, maldito domingo (1971)” del director John Schlensinger. Después desapareció de la gran pantalla para continuar su carrera en los teatros de Old Vic en Bristol y en las compañías del Royal Shakespeare. Regresó al cine para actuar en papel de reparto del drama “Gandhi (1982)” de Richard Attenborough con Ben Kingsley y Candice Bergen. En ese retorno a la pantalla, también trabajó en filmes para la TV, sin dejar el teatro, donde protagonizó obras, como “Drácula (1984)” y “Futurists (1986)”. Posteriormente tuvo una aceptable actuación en el drama- film de acción “Motín a bordo (1984)” de Roger Donaldson con Mel Gibson, Anthony Hopkins y Laurence Olivier.

Durante la década de los 80 actuó en:

  • Papeles de reparto de los dramas románticos “Mi hermosa lavandería (1985)” de Stephen Frears con Saeed Jaffrey,
  • “Una habitación con vistas (1986)” de James Ivory con Maggie Smith, Helena Bonham Carter y Denholm Elliott
  • Una breve actuación en el drama romántico, de producción británico-francesa, “Nanou (1986)” de Conny Templeman
  • Protagonizó el drama, “La insoportable levedad del ser (1988)” de Philip Kaufman con Juliette Binoche, film en el que Daniel usó un acento checo en su forma de hablar y para ello estudió previamente la lengua checa, película que trata sobre las visicitudes de la población checa durante la intervención soviética de 1968 en Checoslovaquia
  • Actuó en la comedia “Un señorito en Nueva York (1988)” de Pat O’Connor con Harry Dean Stanton
  • Una extraordinaria interpretación tuvo en el drama “Mi pie izquierdo (1989)” de Jim Sheridan con Brenda Fricker, film en el que encarnó a una persona inválida que necesita de su pie para poder triunfar en la vida. Para poder interpretar este papel, Daniel permaneció varias semanas moviéndose en una silla de ruedas

Day-Lewis afiches

Después de este último film, volvió al teatro nacional para interpretar Hamlet, pero tres años más tarde volvió al cine:

  • Protagonizó el film de acción “El último mohicano (1992)” de Michael Mann con Madeleine Stowe, el cual fue un verdadero éxito taquillero y donde Day-Lewis encarnó el papel de Hawkeye
  • Bajo la dirección de Martin Scorsese, Lewis actuó en el drama romántico “La edad de la inocencia (1993)” con Michelle Pfeiffer y Winona Ryder
  • Volvió bajo la guía de Jim Sheridan, en el drama “En el nombre del padre (1993)” con Alison Crosbie y Emma Thompson, film que gira alrededor de los problemas políticos prevalecientes entonces en Irlanda del Norte
  • Volvió a actuar con Winona Ryder, en el drama “El crisol (1996)” de Nicholas Hytner
  • Sheridan le dio el papel protagónico de otro film con trama sobre Irlanda del Norte, esta vez el drama “The boxer (1998)” (El boxeador) con Daragh Donnelly, donde interpreta el papel de un púgil norirlandés.

En el presente milenio:

  • Co-protagonizó con Leonardo DiCaprio el drama- film de crimen “Gangs of New York (2002)” de Scorsese con Cameron Diaz y Liam Neeson
  • Protagonizó el drama “The ballad of Jack and Rose (2005)” (La balada de Jack y Rosa) de su esposa, la directora Rebecca Millar, con Camilla Belle
  • El drama-suspense “Pozos de ambición (2007)” de Paul Thomas Anderson con Martin Stringer
  • El drama-musical “Nine (2009)” de Rob Marshall con Marion Cotillard y Penélope Cruz, película que viene a ser un remake moderno del film “8 y medio (1967)” de Fellini
  • Los dramas “Lincoln (2012)” de Steven Spielberg con Sally Field, donde Day Lewis interpreta el papel del famoso presidente Abraham Lincoln
  • “El hilo invisible (2017)” de Thomas Anderson con Lesley Manville y Vickie Krieps, film en el que Day-Lewis interpreta el papel de un famoso diseñador, Reynolds Woodcock, cuya vida sufre cambios al conocer a una mujer, que al final se convierte en su amante.

Day-Lewis afiches 2

Nominado para OSCAR como mejor actor por “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)”, “Lincoln (2012)” “El hilo invisible (2017)” como mejor actor. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Mi pie izquierdo (1989)”, “En el nombre del padre (1993)”, “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)” y “El hilo invisible (2017)”. Obtuvo este premio por “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”.

Obtuvo Satélite de Oro y SGA como mejor actor en drama por “Gangs of New York” (2002). Obtuvo premio del National Board Review de EE.UU. como mejor actor de reparto por “Una habitación con vistas (1985)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor por “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”. Nominado para David en el David Donatello como mejor actor extranjero por “En el nombre del padre (1993)”.

Day-Lewis ostenta una extensa lista de premios en varios certámenes de cine por sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)”, “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993), “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)”. Se puede decir que cada actuación suya en el cine ha sido normalmente un éxito en la carrera de este actor.

La revista Premiere ubicó sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)” y “Gangs of New York (2002)” en los lugares 11 y 53 de las 100 más grandes actuaciones de todos los tiempos, respectivamente. La revista Empire del Reino Unido lo ubicó, en octubre de 1997, en el puesto 25 de las 100 grandes estrellas del cine de todos los tiempos. En 2014, fue premiado como Caballero Bachiller de la Orden del Imperio Británico por sus servicios en el arte dramático, honores recibidos en ocasión del cumpleaños de la reina.

Es ciudadano irlandés desde 1993, además de su ciudadanía natural como inglés. En resumen ha actuado en 30 filmes entre 1971 y 2017.

Day-Lewis, después de concluida su actuación en “El hilo invisible (2017)”, declaró que se retiraba definitivamente del cine, alegaba que el papel interpretado en esa película le sumió en una depresión tan profunda que provocó su retiro del cine. En 2012, concluido el film “Lincoln (2012)” hizo una declaración similar de retiro.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Catherine Deneuve

Trabajar es un arte noble.”
Catherine Deneuve

Catherine DeneuveCatherine Deneuve
Cortesía doctormacro.com

Una de las actrices de mucho éxito en el cine francés ha sido Catherine Deneuve, cuya belleza unida a sus modales fríos e indiferentes le ha dado siempre un toque de originalidad en cada una de sus actuaciones. Catherine Dorléac nació el 22 de octubre de 1943 en París, en el seno de una familia de artistas, su padre era el actor teatral Maurice Dorleac, y su madre actriz. Fue por eso que aprendió rápido y pudo así debutar en la gran pantalla a la edad de los 13 años gracias a la ayuda de su  padre y de su hermana mayor, la ya fallecida actriz Françoise Dorléac. Para ese entonces, Catherine usó el nombre de soltera de su madre, quien también era actriz. Entonces su debut fue en en papel de reparto del drama “Les Collégiennes (1957)” (Las colegiales) de André Hunebelle, donde actúa aún con el nombre de Catherine Dorleac. A continuación actuó en el drama “Les portes claquent (1960)” (Golpe de puertas) de Michel Fermaud y Jacques Poitrenaud con su hermana, Françoise Dorléac, al que le siguieron:

  • Papeles de reparto del film de crimen “L’Homme à femmes (1960)” (El hombre de las mujeres) de Jacques-Gérard Cornu con Danielle Darrieux y Nicolas Amato;
  • del drama “Les Parisiennes (1962)” de Marc Allégret y Claude Barma, donde actúa con el cantante Johnny Hallyday y Elina Labourdette en el segmento “Sophie”.

Su primer papel protagónico lo tuvo en el drama “La vice et la vertu (1962)” (Vicio y virtud)  de Roger Vadim con Annie Girardot, al que le siguieron:

  • El drama “Et Satan conduit le bal (1962)” (Y Satanás conduce el baile) de Grisha Dabat con Jacques Perrin,
  • El drama rodado en Portugal “Vacances Portugaises (1963)” (Vacaciones portuguesas) de Pierre Kast con Michel Auclair
  • El drama- musical “Los paraguas de Cherbourg (1964)” de Jacques Demy con Nino Castelnuovo, que vino a ser su consagración sin haber cumplido los 20 años de edad.
  • La comedia-film de crimen “Las más famosas estafas del mundo (1964)” de Claude Chabrol y Jean-Luc Godard, donde Catherine actúa en el segmento “El hombre que vendió la Torre de Eiffel”.
  • Actuó en papel de reparto de la comedia “La caza del hombre (1964)” de Édouard Molinaro con Jean-Paul Belmondo y su hermana Françoise

Catherine Deneuve afiches

Sus características de mujer fría quedaron evidenciadas en su actuación como Carol en la macabra producción de Roman Polansky, “Repulsión (1965)” con Ian Hendry, posteriormente protagonizó:

  • La comedia “Esposa ingenua (1966)” de Jean-Paul Rappeneau con Pierre Brasseur
    El drama-fantasía “Las criaturas (1966)” de Agnès Varda con Michel Piccoli
  • El musical “Las Señoritas de Rochefort (1967)” de Demy con su hermana Françoise, la que moriría ese año en accidente automovilístico
  • El drama “Belle de Jour: bella de día (1967)” de Luis Buñuel con Jean Sorel, film en que la burguesa se siente atraída por la afición sexual al extremo de prostituirse.
  • Buñuel volvería a dirigirla en el drama “Tristana (1970)” al lado de Fernando Rey y Franco Nero, una de las mejores interpretaciones en la carrera de Catherine
  • La comedia “Benjamín (1968)” de Michel Deville con Michèle Morgan y Michel Piccoli
  • Los dramas “Mayerling (1968)” de Terence Young con Omar Sharif,
  • “El amor es un extraño juego (1968)” de Alain Cavalier con Michel Piccoli, donde nuevamente muestra a una mujer con inquietudes insatisfechas por su marido
  • El romance-film de aventura “La sirena del Mississippi (1969)” de François Truffaut con Jean Paul Belmondo
  • La comedia “Locos de abril (1969)” de Stuart Rosenberg con Jack Lemmon.
  • El drama “Piel de asno (1970)” de Jacques Demy con Jean Marais, donde interpreta dos papeles, el de princesa y el de reina azul

Catherine Deneuve afiches2

En la década de los 70 sus mejores actuaciones fueron:

  • “La agresión (1975)” de Gérard Pirès con Jean Louis Tringtignant
  • Los dramas “Mi hombre es un salvaje (1975)” de Jean-Paul Rappeneau con Yves Montand,
  • “Alma perdida (1977)” de Dino Risi con Vittorio Gassman.

En la década de los 80, al parecer con nuevos bríos, protagonizó:

  • El drama “El último metro (1980)” de Truffaut con Gérard Depardieu, que tuvo buena acogida del público y la crítica
  • Los dramas del director André Téchiné “El hotel de las Américas (1981)” con Patrick Dewaere
  • “El lugar del crimen (1986)” con Danielle Darrieux, film rodado en EE.UU., –          “Mi estación preferida (1993)”, y
  • “Los ladrones (1996)”, donde Catherine interpreta el papel de una lesbiana. En las dos últimas películas mencionadas con Daniel Auteuil.

También aparecen en su repertorio:

  • El suspense “Agent trouble” (1987)” de Jean-Pierre Mocky con Richard Bohringer
  • El drama “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)” (Lugar divertido para un encuentro) de François Dupeyron con Gérard Depardieu
  • El suspense “Fréquence meurtre (1989)” (Asesinato frecuente) de Elisabeth Rappeneau con André Dussollier
  • Los dramas “La partida de ajedrez (1994)” de Yves Hanchar con Pierre Richard y Denis Lavant, film en el que interpreta el papel de condesa
  • “O Covento (1995)” del director portugués Manöel de Oliveira con John Malkovich
  • El documental “Las cien y una noche (1995)” de Agnès Varda, donde aparece también Mastroianni
  • El drama “Genealogías de un crimen (1997)” del director chileno radicado en Francia, Raúl Ruiz, con Michel Piccoli
  • El suspense “Place Vendôme (1998)” de Nicole García con Jean-Pierre Bacri y Emmanuelle Seigner, cuya trama es sobre unas joyas encontradas y al parecer robadas, y donde Catherine hace el papel de mujer adicta al alcohol y casada con el dueño de la joyería en la Plaza Vendôme, donde se hallan las joyas.

Catherine Deneuve afiche3

Para resaltar está su protagonismo en el drama “Indochina (1992)” de Régis Wargnier con Vincent Perez, el cual narra una historia que comienza en el Vietnam ocupado por Francia y concluye con el término de la guerra de este país con EE.UU. El film es realmente una joya desde el punto de vista histórico.  Otras actuaciones son:

  • En papel de reparto del musical-drama “Bailar en la oscuridad (2000)” de Lars von Trier con Björk y David Morse.
  • Protagonizando el film de acción “El mosquetero (2001)” de Peter Hyams con Mena Suvari
  • El musical-comedia “8 mujeres (2002)” de François Ozon con Danielle Darrieux nuevamente e Isabelle Huppert
  • Los dramas-comedias “Una película hablada (2003)” de Manoel de Oliveira con John Malkovich, Stefania Sandrelli e Irene Papas entre otros;
  • “Reyes y reinas (2004)” de Arnaud Desplechin con Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric
  • El drama “Otros tiempos (2004)” de André Techiné con Gérard Depardieu
  • La comedia “¡Palacio real!” (2005) dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier
  • Los dramas “Secretos cantados (2006)” de Thierry Klifa con Gérard Lanvin.
  • “La chica del tren (2009)” de André Téchiné con Émilke Dequenne
  • “Mères et filles (2009)” (Madres e hijas) de Julie Lopes Curval con Marina Hands
  • Las comedias-dramas “El viaje de Bettie (2013)” de Emmanuelle Bercot con Némo Schiffman
  • “En un patio de París (2014)” de Pierre Salvadori  con Gustav Kervern
  • En papeles de reparto de la comedia “El nuevo testamento (2015)” de Jaco Van Dormael con Pili Groyne
  • Del drama “Le cancre (2016)” (El burro) dirigida y protagonizada por Paul Vecchiali
  • Co-protagonizó con Catherine Frot el drama “Dos mujeres (2017)” de Martin Provost
  • Co-protagonizó con Kheiron la comedia “Malas hierbas (2018)” del mismo Kheiron

Las actuaciones de Catherine en Hollywood han sido escasas, entre ellas el film de crimen-drama “Destino fatal (1975)” de Robert Aldrich con Burt Reynolds y el film de terror “El ansia (1983)” de Tony Scott con David Bowie, donde Catherine hace el papel de vampireza.

Con su fallecido esposo, el actor Marcello Mastroianni, también actuó en los filmes “Angustia de un querer (1971)” de Nadine Trintignant, “No te puedes fiar de la cigüeña (1973)” de Demy y “No tocar a la mujer blanca (1974)” de Marco Ferreri,

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Indochina  (1992)”. Nominada para Satélite de Oro como mejor actriz de reparto en drama por ““Bailar en la oscuridad (2000)”.

Nominada para premio César como mejor actriz por “Mi hombre es un salvaje (1975)” “El hotel de las Américas (1981)”, “Agent trouble” (1987)”, “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)”, “Mi estación preferida (1993)”,  “Los ladrones (1996)” y “Place Vendôme (1998)”. Obtuvo premio César como mejor actriz por “El último metro (1980)” e “Indochina  (1992)”. Nominada para premio BAFTA como mejor actriz por “Belle de jour: bella de día (1967)”. Obtuvo el premio David en el David di Donatello como mejor actriz extranjera por “El último metro (1980)”. En 1998 obtuvo la Copa de Zorros como mejor actriz por “Place Vendôme” (1998).

En 1993 obtuvo el premio internacional en el certamen Women in Films. En 1995 obtuvo el premio Donostia en el Festival de San Sebastián por su carrera artística. En 1997 obtuvo la plata de San Jorge en el festival de Moscú. En 1998 ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. Catherine es Embajadora de Buena Voluntad de la UNESCO y es presentadora del premio especial de cine por la cultura de la Paz.

Entre 1957 y 2018 Catherine ha actuado en 132 filmes.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 7 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

 

Leslie Howard

“Soy un tremendo admirador del poder de la comunicación..
No creo que haya algo mejor para la audiencia pública en general.”
Leslie Howard

Leslie Howard

Leslie Howard en “El bosque petrificado (1936)”. Cortesía Doctormacro.com

Hablar de Leslie Howard en el cine es referirse a uno de los actores de mayor excelencia en la interpretación, quien logró sus mejores resultados interpretando papeles de persona humilde, modesta, a veces taciturna.  Leslie Howard Stainer nació el 3 de abril de 1893 en Londres, Inglaterra, en el seno de una familia, cuyo padre era judío-húngaro y su madre inglesa de descendencia judía-alemana e inglesa. Su primer trabajo en su juventud fue en un banco. Nunca se caracterizó por ser un hombre de buena salud y en plena Primera Guerra Mundial se le aconsejó trabajo con reposo, después de lo cual comenzó a estudiar interpretación. Primero debutó en el teatro, donde obtuvo grandes éxitos de inmediato. Desde 1914 actuó como extra en algunos cortos y filmes en la gran pantalla.

Con tanta fama no le fue difícil llegar a Broadway y de ahí a Hollywood, donde debutó en el drama “Outward bound (1930)” (Atado al exterior) de Robert Milton con Douglas Fairbanks Jr., obra que Howard ya había protagonizado en el teatro. En ese entonces ya era todo un actor de interpretaciones sólidas y reconocidas por la crítica y el público. En lo sucesivo actuó en:

  • El drama “Prohibido (1931)” de W.S. Van Dyke con Conchita Montenegro
  • El film de crimen-drama “Un alma libre (1931)” de Clarence Brown con Norma Shearer y Lionel Barrymore
  • La comedia-drama “Devotamente tuya (1931)” de Robert Milton con Ann Harding
  • La comedia “The animal kingdom (1932)” (El reino animal) de Edward H. Griffith con Ann Harding y Mirna Loy
  • El drama “La llama eterna (1932)” de Sydney Franklin con Norma Shearer y Fredric March
  • El drama-oeste “Secretos (1933)” de Frank Borzage con Mary Pickford
  • El romance “La plaza de Berkeley (1933)” de Frank Lloyd con Heather Angel
  • El film de aventura “La pimpinela escarlata (1934)” de Harold Young y Alexander Korda con Merle Oberon

Leslie Howard afiches

  • El romance “Agente británico (1934)” de Michael Curtiz con Kay Francis, donde interpreta el papel de agente de su país en la Rusia bolchevique
  • El drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Bette Davis, donde Howard brilla con su actuación
  • El clásico “Romeo y Julieta (1936)” de George Cukor con Norma Shearer nuevamente,
  • El drama “El bosque petrificado (1936)” con Bette Davis y con el entonces casi desconocido Humphrey Bogart, quien obtuvo el papel gracias a Howard, quien reclamó la presencia de Bogart por su experiencia en ese rol en teatro
  • Las comedias “Es amor lo que busco (1937)” con Bette Davis y Olivia De Havilland, estas dos últimas películas dirigidas por Archie Mayo,
  • “Siempre Eva (1938)” de Tay Garnett con Joan Blondell y Bogart nuevamente
  • El drama “Pigmalion (1938)” del propio Howard en adaptación de la obra de George Bernard Shaw
  • El remake del romance “Intermezzo (1939)” de Gregory Ratoff con Ingrid Bergman

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Finalmente formó parte del reparto estelar del famoso largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming y George Cukor con Clark Gable, Vivien Leigh y Olivia De Havilland, donde Howard interpretó el papel del siempre querido Ashley Wilkes.

Leslie Howard y Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó

Leslie Howard y Vivien Leigh en “Lo que el viento se llevó (1939)”. Cortesía doctormacro.com

En la década de los 40:

  • Dirigió y protagonizó los dramas “Pimpenela Smith (1941)” con Francis L. Sullivan,
  • “El gran Mitchell (1942)” con David Niven
  • Co-protagonizó con Laurence Olivier el drama-film bélico “Los invasores (1941)” de Michael Powell
  • Fungió como narrador de la comedia “The gentle sex (1943)” (El sexo amable)

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “La plaza de Berkeley (1933)” y “Pigmalion (1938)”. Por este mismo film obtuvo Copa de Lobos en el Festival de Venecia como mejor actor.

En resumen actuó en 33 filmes entre 1914 y 1933, productor de 11, guionista de uno y director de cuatro películas. Murió en vuelo de la compañía British Overseas Airways Corporation (BOAC) a bordo de un DC-3, el cual llevaba cuatro miembros de tripulación y un total de trece pasajeros. La nave despegó del aeropuerto de  Portela en Lisboa, Portugal, rumbo al aeropuerto de Whitchurch cerca de Bristol, Inglaterra, el 1 de junio de 1943, la que fue atacada por ocho aviones de guerra alemanes cuando la nave de la BOAC pasaba por la costa norte de España. Producto de los disparos recibidos, el avión cayó en el golfo de Vizcaya y sus 17 personas a bordo perecieron.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Alec Guinness

Me sobrecojo cada vez que alguien me
menciona La guerra de las galaxias
”.
Alec Guinness

Alec Guinness

Alec Guinness. Cortesía Doctormacro.com

Cuando se habla de grandes actores de todos los tiempos, es obligado hablar de Sir Alec Guinness, el que imprimía seriedad a sus personajes y naturalidad al interpretarlos. Alec Guinness de Cuffe nació el 2 de abril de 1914 en Londres, Inglaterra. En su juventud trabajó en publicidad y a la vez estudió interpretación en el Fay Compton Estudio de Arte Dramático. En 1934 debutó en el teatro y en 1936 actuaba en el famoso Old Vic. Su carrera, como la de otros actores, se vio interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió en la Marina Real enviando suministros a los guerrilleros yugoslavos.

Guinness había debutado en el cine como extra  en el drama “La canción del crepúsculo (1934)” de Victor Saville. Luego desapareció por diversas razones, incluyendo su servicio durante la segunda guerra, y regresó para actuar en papel de reparto del drama “Cadenas rotas (1946)” de David Lean con John Mills, al que le siguieron otros papeles de reparto:

  • Del drama “Oliver Twist (1948)”, del propio Lean con Robert Newton, film basado en la novela del mismo nombre de Charles Dickens. Aquí Guinness es Fagin.
  • De las comedias “Ocho sentencias de muerte (1949)” de Robert Hamer con Dennis Price, en el que increíblemente Guinness interpreta ocho papeles
  • “El hombre vestido de blanco (1951)” de Alexander Mackendrick con Joan Greenwood, sobre la vida de un químico de buenas intenciones
  • “Oro en barras (1951)” de Charles Crichton con Stanley Holloway

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En la década de los 50 continuó su labor artística:

  • Protagonizando el film de guerra “Historia de Malta (1953)” de Brain Desmond Hurst con Jack Hawkins
  • Las comedias “El paraíso del capitán (1953)” de Anthony Kimmins con Yvonne De Carlo,
  • “El detective (1954)” de Hamer con Joan Greenwood
  • “El quinteto de la muerte (1955)” de Mackendrick con Cecil Parker,
  • “A París con amor (1955)” de Hamer con Odile Versois
  • El drama “El prisionero (1955)” de Peter Glenville con Jack Hawkins
  • La comedia romántica “El cisne (1956)” de Charles Vidor con Grace Kelly
  • Una excelente actuación tuvo en el film de guerra “El puente sobre el Río Kwai (1957)” de David Lean con William Holden, donde interpretó el papel de oficial jefe británico de los prisioneros de guerra en mano de las tropas japonesas
  • El film de fantasía “Un genio anda suelto (1958)” de Ronald Neame con Kay Walsh
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Hamer con Bette Davis, donde Guinness interpreta dos papeles en el filme
  • Los dramas “Nuestro hombre en la Habana (1959)” de Carol Reed con Maureen O’Hara, film basado en una novela de Graham Greene, toda una joya de todos los tiempos
  • “Tunes of glory (1960)” (Melodías de gloria) de Neame con John Mills

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Inició la década de los 60 protagonizando la comedia “A majority of one (1961)” (La mayoría de uno) de Mervyn LeRoy con Rosalind Russell, al que le siguieron:

  • El film de aventura “Lawrence de Arabia (1962)” de Lean con Peter O’Toole, Anthony Quinn y Omar Sharif, donde Guinness interpreta el papel del rey Feisal
  • En otros papeles de reparto del drama histórico “La caída del Imperio romano (1964)” de Anthony Mann con Sofia Loren, tephen Boyd y James Mason
  • De los dramas “Doctor Zhivago (1965)” de Lean con Geraldine Chaplin, Rod Steiger y Omar Sharif,
  • “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville con Richard Burton y Elizabeth Taylor

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En las siguientes décadas:

  • Protagonizó el drama musical “Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970)” de Neame con Albert Finney
  • Los dramas “Cromwell (1970)” de Ken Hughes con Richard Harris, donde nuevamente Guinness es monarca, esta vez rey de Inglaterra,
  • “Hitler: los últimos diez días (1973)” de Ennio De Concini con Simon Ward, donde Guinness interpreta el papel de Adolfo Hitler,
  • “Hermano Sol, hermana Luna (1973)” de Franco Zefirelli con Graham Faulkner
  • La comedia-film de misterio “Un cadáver a los postres (1976)” de Robert Moore con Hielen Brennan y Truman Capote
  • La serie de filmes de ciencia ficción “Guerra de las Galaxias (1977)”,
  • “El Imperio contraataca (1980)”,
  • “El retorno del Jedi (1983)” de George Lucas, donde Guiness interpretó el papel de Ben (Obi –Wan) Kenobi
  • En papeles de reparto de la comedia “Loco de amor (1983)” de Marshall Brickman con Dudley Moore y Elizabeth McGovern
  • Los dramas “Pasaje a la India (1984)” de Lean nuevamente con Judy Davis,
  • “La pequeña Dorrit (1988)” de Christine Edgard con John Atkinson, basado nuevamente en una obra de Dickens
  • “Un puñado de polvo (1988)” de Charles Sturridge con Kristin Scott Thomas,
  • “Kafka, la verdad oculta (1991)” de Steven Soderbergh con Jeremy Irons y Theresa Russell,
  • “A foreign field (1993)” (Un campo ajeno) de Sturridge con Leo McKern, Laureen Bacall, Geraldine Chaplin y Jeanne Moreau

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Para la TV protagonizó el drama- suspense “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)” (Hojalatero, marinero, soldado y espía) de John Irvin con Michael Jayston.Su última aparición en la gran pantalla fue en el suspense “Testigo mudo (1994)” de Anthony Waller con Marina Zudina. Como se habrá podido apreciar, Guinness fue actor favorito de los directores David Lean y Ronald Neame.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y  “La pequeña Dorrit (1988)”; como mejor actor por “Oro en barras (1951)”; y como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. En 1980 obtuvo OSCAR en honor a su carrera.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y “La pequeña Dorrit (1988)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”.Obtuvo premios del National Board Review de EE.UU. como mejor actor por “Ocho sentencias de muerte (1949)” y “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio Saturn como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias 1977)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor británico por “El prisionero (1955)”, “Tunes of glory (1960)”: como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo premio BAFTA como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)” y “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)”.

En 1988 obtuvo Oso de Oro en el festival de Berlín en honor a su carrera y en 1996, y un premio similar del European Film Awards. Obtuvo premio del sindicato nacional italiano de críticos de cine como mejor actor en film extranjero por “Oro en barras (1951)”.Obtuvo copa de Zorros en el festival de Venecia como mejor actor por “Un genio anda suelto (1958)”.

Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Los Ángeles por “La pequeña Dorrit (1988)”.

Premiado como Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1955, en ocasión de los honores por el cumpleaños de la reina Isabel. En 1994, en igual aniversario, fue condecorado como Compañero de Honor. Previamente, en 1959, fue condecorado como Caballero de la Orden del Imperio Británico, siempre por sus servicios al arte drámatico.

Hay dos biografía de este autor, la primera se denomina “Blessings in disguise” (Bendiciones disfrazadas) publicada en  1985, y la segunda escrita por Ronald L. Smith, llamada “Who’s Who in Comedy” (Quién es quién en la comedia).

En resumen actuó en 61 filmes entre 1934 y 1996, y guionista de una película. Falleció de cáncer en el hígado el 5 de agosto de 2000 en Midhurst, Sussex, Inglaterra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”

 

 

Jane Fonda

Cuando comienzo algo y sé que lo haré
correctamente,  lo emprendo con todas mis fuerzas
”.
Jane Fonda

Jane Fonda

Jane Fonda. Cortesía doctormacro.com

Jane, hija del actor Henry Fonda, ha sido una de las actrices más atractivas, inteligentes y con luz propia que haya pasado por Hollywood. Jane Seymour Fonda nació el 21 de diciembre de 1937 en la ciudad de Nueva York de madre de la alta sociedad. En su niñez estudió en la escuela Emma Willard en Troy, NY. En la actuación se inició gracias al empeño del director Joshua Logan, quien la estimuló a que apareciera junto a su padre. Así en 1954 se estrenó como actriz teatral en el Teatro de la Comunidad de Omaha, donde debutó en la obra “The country girl” (La chica de pueblo). Su interés por la actuación aumentó cuando conoció a Lee Strasberg en 1958, lo que la motivó a cursar  estudios en el Actors Studio hasta que debutó en el cine en la comedia “Me casaré contigo (1960)” de Logan con Anthony Perkins. A esta actuación le siguieron otras más en dramas románticos y comedias, entre ellas:

  • Los dramas-comedias “Reajuste matrimonial (1962)” de George Roy Hill con Anthony Franciosa
  • “Un domingo en Nueva York (1963)” de Peter Tewksbury con Rod Taylor y Cliff Robertson
  • La comedia “Descalzos por el parque (1967)” de Gene Saks con Robert Redford por primera vez, y Charles Boyer.

 Jane Fonda afiches

En esa década también actuó en:

  • Los dramas “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn con Marlon Brando, Robert Redford y Robert Duvall,
  • “Juegos de amor a la francesa (1964)” de su entonces esposo, Roger Vadim, con Denise Benoît,
  • “La noche deseada (1967)” de Otto Preminger con Michael Caine y George Kennedy

El gastado género del oeste no podía faltar en el reparto de Jane, así actuó en “La ingenua explosiva (1965)” de Elliot Silverstein con Lee Marvin, luego:

  • Protagonizó la comedia “Cualquier miércoles (1966)” de Robert Ellis Miller con Jason Robards
  • Actuó en una película de ciencia ficción, “Barbarella (1968)”, de Vadim con John Phillip Law
  • Bajo la dirección de Vadim, también protagonizó el drama “Historias extraordinarias (1968)”, film co-dirigido por Fellini y Louis Malle, en el que también actúa el hermano de Jane, Peter, además de Alain Delon y Brigitte Bardot

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Jane fue siempre contraria a la guerra en el Vietnam y así lo hizo conocer en declaraciones propias como en algunas actuaciones, por ejemplo “F.T.A. (1972)”, documental que reseña las miserias de esta guerra. Sus posiciones a este respecto llegaron al extremo que en los EE.UU. le llegaron a llamar “Hanoi Jane”. No obstante, ella fue siempre aceptada por el público y protagonizó dos películas que fueron muy apreciadas por la crítica también. Se trata de:

  • “Danzad, danzad malditos (1969)” de Sidney Pollack con Michael Sarrazin
  • El drama-suspense “Klute (1971)” de Alan J. Pakula con Donald Sutherland.

A continuación:

  • Protagonizó la comedia “Roba sin mirar a quien (1976)” de Ted Kotcheff con George Segal, donde interpreta el rol de esposa de un ladrón de bancos
  • El drama antinazi “Julia (1977)” de Fred Zinnemann con Vanessa Redgrave, Maximilian Schell y la debutante Meryl Streep
  • La comedia “California Suite (1978)” de Herbert Ross con Alan Alda, Michael Caine y Maggie Smith
  • Los dramas “El jinete eléctrico (1978)” de Pollack con Redford nuevamente,
  • El antibélico “El regreso (1978)” de Hal Ashby con Jon Voight y Bruce Dern, donde de nuevo se aborda la tragedia y las secuelas de la guerra en Vietnam

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Después de este período, Jane creó su propia compañía de producción fílmica, la que realizó el drama “El síndrome de China (1979)” de James Bridges, donde Jane actúa junto a Jack Lemmon y Michael Douglas, film que trata sobre una estación electronuclear con serios problemas de peligrosidad.

Luego actuó en:

  • La comedia “Cómo eliminar a su jefe (1980)” de Colin Higgins con Lily Tomlin
  • El estupendo drama- comedia “En el estanque dorado (1981)” de Mark Rydell junto a su padre, Henry, y la experimentada Katharine Hepburn, película que es toda una joya del cine contemporáneo

A partir de aquí, Jane comenzó a actuar algo más en la TV, sobre todo en su programa de ejercicios anaeróbicos, así como en otras producciones, como en papel de reparto del drama “La fabricante de muñecas (1984)” de Daniel Petrie con Mike Bacarella y Etel Billig. En el cine protagonizó:

  • El film de misterio “Agnes de Dios (1985)” de Norman Jewison con Anne Bancroft
  • El suspense “A la mañana siguiente (1986)” de Sidney Lumet con Jeff Bridges y Raul Julia
  • Los dramas “Gringo viejo (1989)” de Luis Puenzo con Gregory Peck
  • “Carta a Iris (1990)” de Martin Ritt con Robert De Niro

En la década de los 90, Jane no se le vio más en la gran pantalla, años después regresó y se le vio:

  • Co-protagonizar con Jennifer Lopez la comedia-romance “La madre del novio (2005)” de Robert Luketic.
  • Protagonizar otro filme de igual género de Garry Marshall, “Lo dice Georgia (2007)”
  • En papel de reparto de otra comedia-drama, ¿Y si vivimos todos juntos? (2011)” de Stéphane Robeline, donde también actúa Geraldine Chaplin
  • En igual género protagonizó “Paz, amor y malos entendidos (2011)” de Bruce Beresford
  • En el drama “El mayordomo (2013)” de Lee Daniels, Jane interpreta el papel de la primera dama Nancy Reagan
  • Otro papel de reparto en la comedia-drama “La juventud (2015)” de Paolo Sorrentino con Michael Caine y Harvey Keitel
  • Y el re-encuentro con su amado compañero de películas, Robert Redford, en el drama-romance “Nosotros en la noche (2017)” de Ritesh Batra

Jane Fonda nosotros en la noche

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Danzad, danzad malditos (1969)”, “Julia  (1977)”, “El síndrome de China (1979)” y “Cualquier miércoles (1966)”. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Klute (1971)” y “El regreso (1978)”.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Danzad, danzad malditos (1969)”, “El síndrome de China (1979)” y “En el estanque dorado (1981)”; como mejor actriz en miniseries para la TV por “The dollmaker (1984)”, y como mejor actriz en comedia/musical por “La ingenua explosiva (1965)” y “Cualquier miércoles (1966)”. Obtuvo Globo de Oro como actriz más promisoria en 1962,  como mejor actriz dramática por “Klute (1971)”, “Julia (1977)” y “El regreso (1978)”. También obtuvo Globo de Oro en 1973 y 1980 como la actriz favorita del año.

Nominada para premios BAFTA como mejor actriz extranjera por “Descalzos en el parque (1967)”, como mejor actriz  por “Danzad, danzad malditos (1969)” y “Klute (1971)”; y  como mejor actriz de reparto por “El estanque dorado (1981)”. Obtuvo BAFTA como mejor actriz por “Julia (1977)” y “El síndrome de China (1979)”.

En 1961 obtuvo premio como la Mujer del Año del Hasty Pudding Theatricals de EE. UU.  En 1979 obtuvo el premio Sho West como la Estrella Femenina del Año.

Nominada para Emmy por “A century of women (1994)”. Obtuvo premio Emmy como mejor actriz por “The Dollmaker TV (1984)”.

Obtuvo premio LAFCA como mejor actriz por “El regreso (1978)”, así como premios del Círculo Nacional de Críticos de Cine de EE.UU.,  y del similar de Nueva York como mejor actriz por “Klute (1971)”, así como de éste último, en igual categoría, por “Danzad, danzad malditos (1969)”.

Nominada para premio negativo frambuesa como peor actriz por “Gringo viejo (1989)”.

Hasta la fecha, Jane ha actuado em 57 filmes desde 1960, productora de 4 y guionista de una película.

 

Escrito por Esteban Hernández, 6 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Bette Davis

El éxito solo conduce a una nueva meta”.
Bette Davis

Bette Davis

Bette Davis. Cortesía doctormacro.com

Ruth Elizabeth Davis fue una actriz de reconocidos éxitos en el cine durante los años 30 al 50, que se caracterizó por protagonizar dramas interpretando roles de dama de carácter fuerte, a veces arrogante y oportunista en el amor, pocas veces como mujer débil. Bette nació el 5 de abril de 1908 en Lowell, Massachusetts, hija de padre dedicado a asuntos legales de patente, pero criada por su madre, la que se divorció del padre de Bette cuando la niña tenía 10 años. En su niñez, la pequeña Bette tenía interés en convertirse en bailarina, deseo que abandonó, por lo agotador que le resultaba su práctica. A la actuación llegó al matricularse en una escuela de arte dramático en Nueva York, donde resultó ser alumna estrella. En 1923 actuó en la obra “The Earth Between” (La Tierra de por medio) en el mismo Broadway, donde continuó actuando hasta que fuera contratada por la Universal en 1930. En Hollywood debutó en la gran pantalla en papel  secundario del drama “Mala hermana (1931)”, donde de Hobart Henley con Conrad Ángel y Sidney Fox, no causó ninguna impresión. Posteriormente actuó en otro papel de reparto en el drama “Volver a casa (1931)” de William A. Seiter y protagonizado por Phillips Lord y Effie Palmer. Así las cosas y en 1932 fue contratada por la Warner Bros. Nuevamente secundaria, apareció en el drama-film de crimen “La estatua vengadora (1932)” de Roy William Neill con H.B. Warner. Actuaciones protagónicas comenzaron a partir de los dramas “Casa correccional (1932)” de Howard Higgin con Pat O´Brien, “La oculta providencia (1932)” de John G. Adolfi con George Arliss, y drama-film de crimen “Veinte mil años en Sing-Sing (1932)” de Michael Curtiz, co-protagonizado por Spencer Tracy.

Bette Davis afiches

Bette tuvo una estelar  actuación en el drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Leslie Howard, film basado en una novela de Sommerset Maughan, donde ella interpreta el papel de una mujer aprovechada del amor de un joven inteligente y con problemas en uno de sus pies. Se puede decir que a partir de entonces Bette fue consolidándose como actriz con un estilo muy propio en cada una de sus interpretaciones. En lo sucesivo:

  • Protagonizó el drama “Peligrosa (1935)” de Alfred E. Green con Franchot Tone
  • El film de crimen-drama “El bosque petrificado (1936)” de Archie Mayo con Howard nuevamente y Humphrey Bogart, una verdadera joya del cine clásico
  • La comedia “Golden arrow (1936)” (Flecha dorada) de Green con George Brent
  • El drama-film de crimen “La mujer marcada (1937)” de Lloyd Bacon con Humphrey Bogart, un filme que aborda la prostitución ilegal en los EE.UU.
  • Los dramas “Kid Gallahad (1937)” de Michael Curtiz con Edward G. Robinson y Humphrey Bogart,
  • “Jezebel (1938)” de William Wyler con Henry Fonda, donde Bette es todo una perversa
  • “Las hermanas (1938)” de Anatole Litvak con Errol Flynn, tres hermanas juzgadas por sus problemáticos matrimonios
  • “Juárez (1939)” de William Dieterle con Paul Muni, donde interpreta el papel de Carlota de México
  • “La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)” de Curtiz con Flynn y Olivia De Havilland, como intérprete de la reina Elizabeth I
  • “Amarga victoria (1939)” con George Brent y Humphrey Bogart, cuando un ser humano se debate entre la vida o la muerte producto de su escasa salud
  • “La solterona (1939)” con Miriam Hopkins y Brent nuevamente, con una Bette Davis dominante como de costumbre. Estas dos últimas películas de Edmund Goulding,
  • “La carta (1940)” de Wyler con Herbert Marshall, otra excelente trama con brillantes actuaciones de Bette y de H. Marshall

Bette Davis afiches 2

En la siguiente década continuó su prolífica carrera artística, como fue en:

  • Los dramas “La loba (1941)” de Wyler con Marshall nuevamente, de tanta calidad como “La carta”
  • “La gran mentira (1941)” de Goulding con Brent, trama con un enredo propio de cine
  • “Como ella sola (1942)” de John Huston con Olivia De Havilland y Brent nuevamente, donde Bette y Olivia aparecen como hermanas en el filme
  • “La extraña pasajera (1942)” de Irving Rapper con Paul Henreid, con Bette como una flor renaciente
  • “Vieja amistad (1943)” con la Hopkins nuevamente, con algún parecido a “Ricas y famosas”
  • “Señor Skenffington (1943)” con Claude Rains, estas dos últimas del director Vincent Sherman, cuya trama es el sacrificio de una mujer que se casa con un millonario con tal de salvar a su hermano de la cárcel
  • “Una vida robada (1946)” de Curtis Bernhardt con Glenn Ford, donde Bette interpreta el papel de dos gemelas, aunque con diferente comportamiento ante la vida
  • “Encuentro invernal (1948)” de Bretaigne Windust con Janis Paige, filme romántico con Bette como poetisa
  • El suspense “Más allá del bosque (1949)” de King Vidor con Joseph Cotten, con adulterio en la trama
  • El drama “Eva al desnudo (1950)” de Joseph L. Mankiewicz con Anne Baxter, Celeste Holm, George Sanders y Marilyn Monroe

Bette Davis afiches 3

En las siguientes décadas y hasta el final de su carrera, protagonizó:

  • Los dramas “La egoísta (1951)” de Curtis Bernhardt con Barry Sullivan, con trama sobre los divorcios
  • “La estrella (1952)” de Stuart Heisler con Sterling Hayden, con romance de sus protagonistas
  • “El favorito de la reina (1955)” de Henry Koster con Richard Todd, donde nuevamente interpreta el papel de la reina Elizabeth I
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Robert Hamer con Alec Guinness, enredo de doble personalidad encarnada por Guinness, mientras Bette es la condesa de la trama
  • La comedia-drama “Un gánster para un milagro (1961)” de Frank Capra con Glenn Ford
  • Con su eterna rival, Joan Crawford, en el drama “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)” de Robert Aldrich, donde interpreta el papel de una hermana envidiosa y malvada
  • El film de horror “Canción de cuna para un cadáver (1964)” de Robert Aldrich con Olivia De Havilland y Joseph Cotten, terror difícil de digerir
  • En papeles de reparto de otro film de horror, “Pesadilla diabólica (1976)” de Dan Curtis con Karen Black y Oliver Reed, igualmente terror desde el inicio
  • De los dramas “Las ballenas de agosto (1987)” de Lindsay Anderson con Lilian Gish,
  • “La bruja de mi madre (1989)” de Larry Cohen con Barbara Carrera, que fuera su última aparición en pantalla

Bette Davis afiches 4

Bette fue también activa actriz de la TV, así protagonizó los dramas:

  • “The disappearance of Aimee (1976)” (La desaparición de Aimée) de Anthony Harvey con Faye Dunaway,
  • “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)” (Extraños: la historia de una madre y una hija) de Milton Katselas con Gena Rowlands,
  • “White Mama” (1980) de Jackie Cooper con Ernest Harden Jr.,
  • “A piano for Mrs. Cimino (1982)” (Un piano para la señora Cimino) de George Schaefer con Penny Fuller,
  • “Little Gloria… happy at last (1982)” (Pequeña Gloria… feliz al fin) de Waris Hussein con Martin Balsam,
  • “Right of way (1983)” (Por el camino derecho) de George Schaefer con James StewartEn papel de reparto del drama “As summers die (1986)” (Mientras el verano muere) de Jean-Claude Tramont con Jamie Lee Curtis y Scott Glenn

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Cautivo del deseo (1934)”,  “Amarga victoria (1939)”, “La carta (1940)”, “La loba (1941)”, “La extraña pasajera (1942)”, “Sr. Skenffington” (1943), “Eva al desnudo (1950)”, “La estrella (1952)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Como curiosidad, Bette fue nominada para Oscar durante cinco años consecutivos, 1939, 1940, 1941, 1942 y 1943. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Peligrosa (1935)” y “Jezebel (1938)”. Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Eva al desnudo (1950)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. En 1974 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominada para premio BAFTA como mejor actriz extranjera por “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Obtuvo premio en el festival de Cannes, cinta de plata del sindicato italiano de cronistas de cine y premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por “Eva al desnudo (1950)”. Obtuvo Copa de Zorros en el festival de Venecia por  “Kid Gallahad (1937)”.

Obtuvo Pergamino de Oro de la Academia Fílmica de Ciencia Ficción, Horror y Fantasía como mejor actriz de reparto por “Pesadilla diabólica (1976)”. Obtuvo premios CableAce como mejor actriz en programa dramático o teatral por “Right of way (1983)”, y en miniseries por “As summers die (1986)”. Nominada para Emmy como mejor actriz en series por “White mama (1980)”, y como mejor actriz  de reparto en series por “Little Gloria… happy at last (1982)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)”.

En 1941 y 1963 obtuvo Manzana de Oro como actriz más cooperativa. En 1977 recibió premio por su labor artística del Instituto Fílmico Americano. En 1986 recibió Cesar en honor a su carrera artística. En 1983 se le entregó el premio Crystal en el certamen Women in Film Crystal. En 1989 obtuvo el premio Gala Tribute del Lincoln Center, y el Donostia a su carrera en el festival de San Sebastián.

Ha sido catalogada como segunda en la lista de las Grandes Leyendas de la Pantalla por el Instituto Americano Fílmico y como décima gran estrella de todos los tiempos por el Entertainment Weekly. Una calle en ciudad Iowa, estado de Iowa, lleva su nombre.

En resumen actuó en 122 filmes entre 1931 y 1989, productora de una película. Falleció de cáncer en la mama el 6 de octubre de 1989 en Neuilly, Francia.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

 

 

Federico Fellini

Tú solo existes en lo que tú haces.”
Federico Fellini

Federico Fellini

Federico Fellini, también conocido como FeFe o El Maestro, fue un cineasta que marcó una época en el cine italiano, durante la cual realizó filmes con tramas poco convencionales, las que corrían a veces de forma irracional, con imágenes que parecían revelaciones de sus sueños o sus ideas. A Fellini se le considera todo un genio de la cinematografía a nivel mundial y uno de los grandes exponentes del surrealismo en el séptimo arte, pero el aficionado al cine debe hacer un esfuerzo para entenderlo, el mismo que muchos hacemos para entender una pintura abstracta. Fellini nació el 20 de enero de 1920 en Gambettola, pueblo al oeste de Rimini, Italia. Estudió en la escuela de San Vincenzo y desde niño se inclinó por el dibujo y la caricatura, luego estudió en el liceo Giulio Cesare. En su adolescencia publicó un buen número de caricaturas de sus compañeros del campamento, adonde asistió en el verano de 1936, perteneciente a la organización juvenil del Partido Nacional Fascista. En lo sucesivo continuó escribiendo y dibujando. Su familia se trasladó a vivir a Roma, donde Fellini prosiguió en estos quehaceres, escribiendo para la revista satírica “Marc’Aurelio”, a la vez que comenzó estudios de derecho y jurisprudencia que nunca llegó a terminar. Para la radio escribió seriales como “Cico e Pallina”, donde Pallina era interpretada por Giulietta Massina, además compuso algunas canciones. En el mundo del cine se inició como guionista en la comedia  de Mario Bonnard, “Avanti c´é posto (1942)” (Adelante, hay puesto), trabajo que continuó haciendo a lo largo de la década de los 40.

En 1943, Fellini se casó con la mencionada actriz Giulietta Massina, matrimonio que duró hasta su fallecimiento, en el cual tuvieron un hijo, el que murió a las doce días de su nacimiento.

Tras la caída del fascismo en Italia, Fellini abrió una tienda de fotos y caricaturas en Roma, la que llamó en inglés “The funny face shop” (La cara divertida). Poco después conoció al director Roberto Rossellini, con el cual colaboró, y para el cual escribió los guiones del famoso drama “Roma, ciudad abierta (1946)” protagonizado por Anna Magnani, y del drama-film de guerra “Camarada (1946)”, ambos de Rosellini. , a quien había conocido en 1944 e influyó decididamente en la vocación de cineasta de Fellini. Otros guiones aportados por este cineasta fueron los de las películas “Sin piedad (1948)” y “El molino del Po (1949)” del director Alberto Lattuada, y “En nombre de la ley (1949)” y “La ciudad se defiende (1951)” de Pietro Germi.

Como actor, algo que hizo rara vez, se estrenó en el segmento “Il miracolo” (El milagro) del drama “El amor (1948)” de Rossellini, mientras que como director debutó con el drama “Luci del varietà (1951)”, que fuera realizado en colaboración con Alberto Lattuada, al que le siguió la comedia-drama “El jeque blanco (1952)” con guión en colaboración con Michelangelo Antonioni, y que contó con el protagonismo del comediante Alberto Sordi. A continuación dirigió:

  • Los dramas “Los inútiles (1953)” con Franco Interlenghi y Sordi nuevamente,
  • “La strada (1954)” (La calle) con Anthony Quinn,
  • “Almas sin conciencia (1955)” con Broderick Crawford, film que trata sobre un grupo de tramposos,
  • “Las noches de Cabiria (1956)” con Giulietta Masina, film que trató la cuestión de la prostitución desde una perspectiva social más justa

Federico Fellini Afiches

Todo esto hasta llegar su gran éxito, el famoso drama “La Dolce Vita (1960)” con Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, film cuya estructura es difícil de seguir o entender, donde el movimiento de las personas parece que no tiene una ruta definida. El filme tiene el mérito de mostrar las bellezas de Roma, desde la Fuente de Trevi, donde la Ekberg entra atrevidamente en el agua, hasta los restoranes de vía Veneto, donde los turistas ricos gastan dinero sin pensarlo. Interesante hacer notar que el término de Paparazzo, más conocido en plural como Paparazzi, se hace famoso a partir de esta película por un periodista, interpretado por el actor Walter Santesso, muy dado a fotografiar a las celebridades.

La dolce vita

En las décadas de los 60 y 70, Fellini realizó:

  • El drama “Ocho ½ (1963)” con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Anouk Aimée nuevamente, cuya trama es la de un director que logra un éxito y luego no sabe cómo seguir adelante en su trabajo.
  • Las comedias-dramas “Giulietta de los espíritus (1965)” con Giulietta Massina y Sandra Milo, donde se muestra como una mujer casada al final abandona a su marido impertinente,
  • “Fellini Satiricón (1969)” con Martin Potter, film sobre la vida de dos jóvenes en la Roma del primer siglo
  • La comedia para la TV “I Clowns” (1970), película considerada como nostálgica y que gira en el ambiente de un circo
  • El drama “Roma (1972)” con Peter Gonzales, donde de nuevo no hay una secuencia clara del film, que más bien busca mostrar a Roma a los ojos de un simple espectador, cuando llegó a ella en el período de guerra y como la ve actualmente.
  • El drama-comedia “Amarcord (1973)” con Pupella Maggio y Armando Brancia, que refleja la situación de la ciudad de Rimini, lugar de nacimiento de Fellini, durante el período de guerra.
  • El drama con un título muy sugerente, “Il Casanova di Federico Fellini (1976)” con Donald Sutherland, tan enamorado y conquistador como los otros Casanovas conocidos.

Federico Fellini Afiches 2

A partir de la década de los 80 hasta el final de su carrera, Fellini dirigió:

  • El drama “La ciudad de las mujeres (1980)” con Mastroianni, donde un hombre aparece atrapado en un hotel por un grupo de mujeres
  • Las comedias “Y la nave se va (1983)” con Freddie Jones,
  • “Ginger y Fred (1986)” con Mastroianni y la Masina, quienes interpretan los papeles de Pio y Amelia, respectivamente
  • El drama-comedia “Entrevista (1987)” con Mastroianni y Sergio Rubini, film que aparece como una entrevista realizada al propio Fellini
  • La comedia “La voz de la Luna (1990)” con Roberto Benigni.

LA VOCE DELLA LUNA.jpeg

Nominado para OSCAR como mejor montaje y guión por “Roma, ciudad abierta (1945)”, “Camarada (1946)”, “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)” y “Il Casanova di Federico Fellini (1976)”; nominado como mejor director, montaje y guión por “La Dolce Vita (1961)”, “Ocho ½ (1963)”, y “Amarcord (1975)”, así como mejor director por “Fellini Satiricón (1970)” . Recibió OSCAR en honor a su carrera cinematográfica en 1993.

Nominado para DGA como mejor director por “Ocho ½ (1963)”. Recibió premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor director por “Amarcord (1975)”.

Nominado para BAFTA como mejor film por “La Dolce Vita (1961)”, y como mejor film en lengua extranjera por “Ginger y Fred (1986)”. Obtuvo este premio como mejor producción y diseño artístico por “Il Casanova di Federico Fellini (1976)”.

Obtuvo Palma de Oro en el festival de Cannes por “La Dolce Vita (1961)”, premio OCIC por “Las noches de Cabiria (1957)”, gran premio del jurado por “Roma (1972)”, y premio 40 Aniversario por “Entrevista (1987)”. Nominado para César como mejor film extranjero por “Entrevista (1987)”.

Obtuvo Bodil como mejor film extranjero por “La strada (1954)”, “Ocho ½ (1963)” y “Amarcord (1975)”, premios de Oro en el festival de Moscú por “Otto ½” (1963) y “Entrevista (1987)”, y premio St Jordi como mejor película extranjera por “Y la nave se va (1983)”.

Obtuvo premio David en el David di Donatello como mejor film por “Amarcord” (1975), como mejor montaje y premio Luchino Visconti por “E la nave va” (1983), premio René Clair por “Ginger e Fred” (1986), y medalla de Oro de la ciudad de Roma.

Nominado para León de Oro en el festival de Venecia por “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)” y “Almas sin conciencia (1955)”. Obtuvo León de plata por los dos primeros filmes antes mencionados, además de León de Oro por su carrera en 1985.  Obtuvo cintas de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director por “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)”, “Las noches de Cabiria (1957)”, “La ciudad de las mujeres (1980)” y “Y la nave se va (1983)”; como mejor guión “La Dolce Vita (1961)”; como mejor guión y montaje por “Amarcord” (1975), y como mejor guión, montaje y dirección por “Ocho ½ (1963)”.

En 1985 recibió el premio Gala Tribute de la Sociedad Fílmica del Lincoln Center, en 1987 Nocciola de Oro en el festival de Giffoni, y en 1989 premio a su carrera del European Film Awards.  El Entertainment Weekly lo nombró como el décimo director más grandes de todos los tiempos.

En resumen dirigió 27 filmes entre 1951 y 1991, guionista de 53, productor de uno y actuó en dos películas. Murió de un infarto cardiaco el 31 de octubre de 1991 en Roma. Sus restos yacen juntos a los de su esposa Giulietta Massina y su hijo Pier Federico en el cementerio de Rimini.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 23 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de la web IMDB.com

Oliver Hardy y Stan Laurel, el gordo y el flaco

Odio ver hombres grandes tambaleándose por todos lados.”
Oliver Hardy

No te volveré a hablar si lloras en mi funeral”.
Stan Laurel

Laurel y Hardy

Se trata del famoso dúo de  los cómicos “el gordo y el flaco”, los que actuaron juntos en más de un centenar de películas de variada duración. La pareja estaba constituida por inglés Arthur Stanley Jefferson (el flaco), nacido el 16 de junio de 1890 en Cumbria, Inglaterra, nacido en el seno de una familia, cuyo padre fue actor y director de teatro. Laurel debutó en las tablas en 1916 en el Museo de Pickard en Glasgow. Posteriormente viajó a EE.UU. y actuó dentro de la compañía de vodevil de Fred Karno en 1910, viaje que se repitió en 1913. Un tercer viaje a los EE.UU. le convenció de quedarse para seguir actuando en cine, particularmente con la compañía del realizador Hal Roach.

Oliver Norvell Hardy (El gordo) nació el 18 de anero de 1892 en Harlem, Georgia, en el seno de una familia que nada tenía que ver con el arte o el cine. Desde pequeño se inclinó por el canto y a la edad de 18 años tenía un modesto teatro, donde se dedicó a la interpretación y dejó de lado posibles estudios en leyes. En 1913 se convirtió en comediante dentro de la Compañía Lubin de Florida, fue así que comenzó a actuar en distintos cortos. Su debut real fue en el corto “Outwitting Dad (1914)” (Superando a Papá). Así continuó su carrera, lo mismo actuaba en comedias que oestes hasta que actuó por primera vez con Stan Laurel (El flaco) en el corto “Lucky dog (1917)” (Perro feliz). Sin embargo, la unión de ambos en dúo demoró y tuvo lugar en los Estudios de la compañía de Hal Roach, en el corto-comedia “45 Minutes from Hollywood (1926)” (45 minutos de Hollywood) del director Fred Guiol. Luego co-protagonizaron otra comedia “Sugar daddies (1927)” (Padrecitos azucarados) de Guiol y Leo McCarey, cuyo protagonista principal fue James Finlayson. El protagonismo del dúo en película llegó con las comedias “Putting pants on Philip (1927)” (Poniéndole calcetines a Philip) y “From soup to nuts (1928)” (De sopa a nueces), ambas de McCarey y H.M. Walker, además del corto “The battle of the century (1927)” (La batalla del siglo) de Clyde Bruckman.

Laurel y Hardy afiche

En lo sucesivo protagonizaron las comedias:

  • “Two tars (1928)” (Dos alquitranes) de James Parrott con Edgar Kennedy,
  • “Big business (1929)” (Gran negocio) de James W. Horne y Leo McCarey

Llegó el cine sonoro, al cual se adaptaron con relativa facilidad. Sus mejores comedias entonces fueron:

  • “Men O’War (1929)” (Hombres O’Guerra) de Lewis R. Foster,
  • “Perfect day” (Día perfecto),
  • “The hoose gow”, ambas de 1929 y dirigidas por Parrott,
  • “De bote en bote (1931)” de Parrott con Boris Karloff,
  • “Pack up your troubles (1932)” (Empaca tus problemas) de George Marshall y Ray McCarey
  • La opereta cómica “The Devil’s brother (1933)” (El hermano del diablo) de Hal Roach y Charley Rogers
  • Las comedias “Compañeros de juerga (1933)” de William A. Seiter,
  • “Había una vez dos héroes (1934)” de Gus Meins y Charlie Rogers,
  • “Dos fusileros sin bala (1935)” de James W. Horne,
  • “Un par de gitanos (1936)” de Horne y Rogers,
  • “Dos pares de mellizos (1936)” de Harry Lachman con Alan Hale, donde aparecen ambos como parejas de gemelos
  • La comedia-oeste “Laurel y Hardy en el oeste (1937)” de Horne,
  • Las comedias “Swiss Miss” (1938),
  • “Cabezas de chorlito” (1938), estas dirigidas por John G. Blystone,
  • “Estudiantes en Oxford (1940)” de Alfred J. Goulding con Peter Cushing,
  • “Marinos a la fuerza (1940)” de Gordon Douglas

Laurel y Hardy afiche 2

En el período final de la década de los 30, ellos tuvieron problemas con el productor Hal Roach, fue por eso que Oliver apareció solo, sin Laurel, en la comedia “Zenobia (1939)” de Gordon Douglas. En la década de los 40, ambos continuaron su carrera, pero actuando en filmes de una menor calidad. Sus mejores interpretaciones entonces fueron en las comedias:

  • “Great guns (1941)” (Grandes armas) de Monty Banks,
  • “Jitterbugs (1943)” (Acrobacia al ritmo del jazz) de Malcolm St Claire,
  • “Air raid wardens (1943)” (Guardianes de incursión aérea) de Edward Segwick con Edgar Kennedy,
  • “Nothing but trouble (1944)” (Nada más que líos) de Sam Taylor
  • Su último film conjunto, “Atol K (1950)” de Leo Joannon y John Berry

En 1949, Oliver actuó junto a John Wayne en el oeste “El luchador de Kentucky” de George Waggner.

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Por suerte, muchas de sus películas y cortos han sido llevadas a la TV y las actuales generaciones pueden disfrutar de un cine divertido, sano y apto para todas las edades. Este dúo en su vida, fuera del cine, fue muy unido hasta la muerte de ambos, se diría que se querían como hermanos.

Oliver Hardy, el gordo, actuó en un total de 416 filmes de corto y largometraje entre 1914 y 1951, dirigió 17, guionista de tres y compositor de 25 temas musicales. Murió de trombosis cerebral el 7 de agosto de 1957 en Hollywood, Los Ángeles.

Stan Laurel, el flaco, actuó en un total de 187 filmes entre 1917 y 1951, guionista de 60, director de 12 y productor de seis películas. Falleció de infarto cardiaco el 23 de febrero de 1965 en Santa Monica, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 24 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

John Wayne

Soy un actor americano y trabajo vestido, lo tengo que hacer,
ya que cabalgar un caballo es muy duro si lo haces  con tus
 tus piernas y otras extremidades al desnudo.”
John Wayne

John Wayne en "Chisum (1970)"

John Wayne en “Chisum (1970)” Cortesía doctormacro.com

El mejor protagonista de filmes del oeste en Hollywood fue todo un ídolo del público norteamericano. Difícil cuantificar cuantos indios fueron a sus manos muertos en supuestos combates. Aunque no muchos simpatizan con este tipo de filme, no es menos cierto que él fue el vivo símbolo de este género y realmente el mejor. En Hollywood ha habido otros vaqueros destacados. Basta mencionar a Randolph Scott y a Joel McCrea entre los grandes, pero sin ningún fanatismo, Wayne fue el mejor.

Marion Michael Morrison nació el 26 de mayo de 1907 en Winterset, Iowa, hijo de padre farmacéutico, el que enfermó y decidió mudarse de Iowa con toda su familia a un ambiente más cálido como la California meridional. Se asentaron en el desierto de Mojave, donde tuvieron un rancho por algunos años y sirvió para que el joven Marion aprendiera a cabalgar. Más tarde, cuando el negocio del rancho quebró, se mudaron nuevamente, esta vez para Glendale, trabajó vendiendo periódicos, estudió y se destacó en el fútbol americano. Así fue que obtuvo beca como futbolista en la Universidad de California. Durante ese período conoció al gran Tom Mix, un verdadero actor pionero como vaquero, quien le propuso actuar en sus películas. Wayne aceptó y así apareció como extra en varios filmes. Su debut fue en el oeste “El asalto al tren expreso (1926)” de Lewis Seiler con Tom Mix, al que le siguió otro papel de extra en el drama “Bardelys the magnificent (1926)” (Bardelys, el magnífico) de King Vidor. Sus papeles cuando joven era del hombre bueno y siempre asociado a las mejores causas de los “blancos”, pero en la medida que fue envejeciendo, Wayne fue menos cordial, más duro en cada una de sus interpretaciones.

Por buen tiempo se mantuvo actuando en los llamados oestes B, mientras que tuvo su primer papel protagónico en el oeste “La gran jornada (1930)” de Raoul Walsh con Marguerite Churchill, y logró su primer éxito cuando el director John Ford le dio el papel principal del oeste “La diligencia (1939)”, película en la que Wayne junto a John Carradine “mataron” a decenas de indios. A continuación, Wayne interpretó el papel del vaquero Stony Broke en ocho filmes categoría B, luego alternó sus oestes con películas de aventuras o de guerra, y algunos dramas. Entre las mejores actuaciones en su carrera están los oestes dirigidos por Ford:

– “Tres padrinos (1948)” con Pedro Armendáriz y Ward Bond,
– “Fort Apache (1948)” con Henry Fonda, Pedro Armendáriz y Ward Bond,
– “La legión invencible (1949)” con Joanne Dru,
– “Río Grande (1950)” con Maureen O’ Hara,
– “Centauros del desierto (1956)” con Jeffrey Hunter, Vera Miles y Natalie Wood,
– “Misión de audaces (1959)” con William Holden,
– “La conquista del oeste (1962)” con un extenso reparto de actores,
– “El hombre que mató a Liberty Valance (1962)” con James Stewart

John Wayne afiches

Bajo la dirección de Howard Hawks actuó en los oestes:

– “Río Rojo (1948)” con Montgomery Clift y Walter Brennan,
– “Río Bravo (1959)” con Dean Martin, Brennan y Ward Bond,
– “El Dorado (1967)” con Robert Mitchum, y
– “Río Lobo (1970)” con Jorge Rivero

John Wayne afiches 2

Dirigido por Henry Hathaway actuó en otros oestes y filmes de aventuras:

– “Arenas de muerte (1957)” con Sophia Loren y Rossano Brazzi
– “Alaska, tierra de oro (1960)” con Stewart Granger,
– “Los cuatro hijos de Katie Elder (1965)” con Dean Martin,
– “Valor de ley (1969)” con Robert Duvall

John Wayne afiches 3

También protagonizó los oestes:

– “Mando siniestro (1940)” de Raoul Walsh con Claire Trevor y Walter Pidgeon,
– “Los usurpadores (1942)” de Ray Enright con Randolph Scott y Marlene Dietrich,
– “El Álamo (1960)” de su propia dirección con Richard Widmark, donde Wayne                interpretó el papel de David Crockett,
– “Los Comancheros (1961)” de Michael Curtiz con Stuart Whitman y Lee Marvin,
– “Asalto al carro blindado (1967)” de Burt Kennedy con Kirk Douglas

John Wayne afiches 4

Protagonizó las películas de guerra y aventuras:

– “Hombres intrépidos (1940)” de Ford con Thomas Mitchell,
– “Siete pecadores (1940)” de Tay Garnett con Marlene Dietrich y Broderick Crawford,
– “Piratas del mar Caribe (1942)” de Cecil B. De Mille con Ray Milland,
– “Regreso a Bataan (1945)” de Edward Dmytryk con Anthony Quinn,
– “No eran imprescindibles (1945)” de Ford con Robert Montgomery y Donna Reed,              – “Arenas sangrientas (1949)” de Allan Dwan con John Agar,
– “Infierno en las nubes (1951)” de Nicholas Ray con Robert Ryan,
– “Escrito en el cielo (1954)” de William Wellman con Claire Trevor nuevamente,
– “Hatari! (1962)” de Howard Hawks con Hardy Krüger,
– “El conquistador de Mongolia (1956)” de Dick Powell con Susan Hayward y Pedro Armendáriz
– “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton con Eddie Albert y Paul Anka entre otros,
– “Boinas verdes (1968)” de su propia dirección

Entre sus pocas interpretaciones en dramas y comedias, las más notables fueron en:

– La comedia “Sucedió en el tren (1946)” de Mervyn LeRoy con Claudette Colbert
– El drama “El hombre tranquilo (1952)” con Maureen O’ Hara una vez más
– La comedia “La taberna del irlandés (1963)” con Lee Marvin, ambos filmes de Ford

John Wayne afiches 5

Además de otros oestes, como:

– “Chisum (1970)” de Andrew V. McLaglen con Forrest Tucker, Ben Johnson y Christopher George
– “Los cowboys (1972)” de Mark Rydell, oeste en el que el actor Bruce Dern da muerte al    personaje de Wil Andersen, interpretado por Wayne. Fue la única vez que moría en película matado por alguien.
– “La soga de la horca (1973)” de McLaglen con George Kennedy
– “El rifle y la biblia (1975)” de Stuart Millar con Katharine Hepburn
– Su última aparición en la gran pantalla, en “El último pistolero (1976)” de Don Siegel con Lauren Bacall y James Stewart.

John Wayne afiches 6

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Arenas sangrientas (1949)” y obtuvo OSCAR en igual categoría por “Valor de ley (1969)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama-acción por “Valor de ley (1969)”. En 1953 fue seleccionado el actor masculino del año y en 1966 recibió el Cecil B. DeMille.

Obtuvo varias nominaciones y premios Laurel, y premio del Photoplay por su actuación en “Arenas sangrientas (1949)”.

En su vida real, Wayne llegó a sostener ideas de ultraderecha, algo que no era secreto en Hollywood. Su posición con respecto a la guerra en Vietnam fue lamentable cuando condenó a Gran Bretaña por no haberse unido a EE.UU. Sin embargo, se sabe que este actor no se ofreció de voluntario cuando la segunda guerra mundial, ya que sabía que esas actividades pondrían en peligro su carrera. Por esa razón, la familia del General Patton siempre se opuso a que Wayne interpretara el papel de este famoso militar.

En California se propuso la fecha del 26 de mayo declararla como día de John Wayne, algo que fue rechazado por buena parte de la Asamblea Estatal, la que votó 36 en contra y 19 votos a favor. Los legisladores en contra hicieron saber que las declaraciones en su entrevista de mayo de 1971 con la revista “Playboy”, fueron racistas.

En resumen actuó en 177 películas entre 1926 y 1976, en casi todas como protagonista principal, todo un record, director de 5 y productor de 25 películas. Murió el 11 de junio de 1979 a causa de cáncer en las vías digestivas y paro respiratorio.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Gary Cooper

El único logro, del que me enorgullezco verdaderamente,
es el de haber hecho muchas amistades en esta comunidad
”.
Gary Cooper

Gary Cooper

Gary Cooper cortesía doctormacro.com

Actor que se caracterizaba por interpretar papeles de estadounidense flemático, de carácter fuerte cuando era necesario, y de caminar diligente y elegante. Por todas esas cualidades, unido a su estatura y físico, fue actor predilecto de muchos directores. Frank James Cooper nació el 7 de mayo de 1901 en Helena, Montana, su padre era abogado y llegó a formar parte de la Corte Suprema del Estado de Montana, donde pudo hacerse de una fortuna que le permitió comprarse un rancho. Su madre enfermó y los médicos le aconsejaron cambiar de aires, por lo que toda la familia emigró a Inglaterra, donde Gary pudo estudiar durante siete años. Su familia regresó a EE.UU. siete años después coincidentemente con el inicio de la primera guerra mundial, luego trabajó en el rancho de su padre y estudió en colegio de Iowa, donde dio también sus primeros pasos en la interpretación. Igualmente era dibujante y trabajó inicialmente en la realización de dibujos animados.

Su primera actuación en el cine fue como extra en el film de aventura “Dick Turpin (1925)” de John G. Blystone y protagonizado por Tom Mix. Como extra continuó actuando en varias películas silentes de la segunda mitad de los años 20. Su primer papel protagónico en el cine silente fue en el oeste “Arizona bound (1927)” (Atado en Arizona) de John Waters, mientras que en el sonoro fue también en un oeste, “El virginiano (1929)” de Victor Fleming con Walter Huston, a los que le siguieron:

  • El oeste “Todo un hombre (1930)” (El tejano) de John Cromwell con Fray Wray
  • El drama- film de guerra “Vidas opuestas (1930)” de Rowland V. Lee con June Collyer
  • El romance “Marruecos (1930)” de Josef von Sternberg con la entonces joven diva Marlene Dietrich
  • El film de crimen “Las calles de la ciudad (1931)” de Rouben Mamoulian con Sylvia Sidney.

Gary Cooper afiche

Desde ese entonces, Cooper actuaba en películas de cualquier género, mientras que a mediados de los 30 se consolidó como toda una estrella de Hollywood.

En ese período de los 30, su mayor éxito fue actuando en la comedia “El secreto de vivir (1936)” de Frank Capra con Jean Arthur. Poco después interpretó el papel de Marco Polo en el film de aventura “Las aventuras de Marco Polo (1938)” de Archie Mayo y John Cromwell con Basil Rathbone. A continuación protagonizó:

  • La comedia-oeste “El vaquero y la dama (1938)” de H.C. Potter con Merle Oberon
  • El film de aventura-acción “Beau Geste (1939)” de William A. Wellman con Ray Milland
  • El film de acción-guerra “La jungla en armas (1939)” de Henry Hathaway con David Niven.

Gary Cooper afiche 2

Cooper tuvo una gran cooperación de trabajo con el actor Walter Brennan a partir del drama “Noche nupcial (1935)” de King Vidor, que se extendió hasta la película de guerra “Puente de mando (1949)” de Delmer Daves. Actuaron juntos en un total de siete películas, entre ellas:

  • El oeste “El forastero (1940)” de William Wyler
  • La comedia “Juan Nadie (1941)” de Frank Capra con Barbara Stanwyck
  • El drama-film de guerra “El sargento York (1941)” de Howard Hawks
  • El drama “El orgullo de los Yankees (1942)” de San Wood con Teresa Wright, film en el que Cooper interpreta el papel del famoso pelotero Lou Gehrig.

En la década de los 40, Cooper protagonizó:

  • La comedia “Bola de fuego (1941)” de Hawks con Barbara Stanwyck nuevamente
  • El drama “Por quién doblan las campanas (1943)” de Wood con Ingrid Bergman, basado en la obra de Hemingway del mismo título
  • La comedia-oeste “El caballero del oeste (1945)” de Stuart Heisler con Loretta Young
  • El romance-film de aventura “Clandestino y caballero (1946)” de Fritz Lang con Lili Palmer
  • La comedia “El buen Sam (1948)” de Leo McCarey con Ann Sheridan
  • El drama “El manantial (1949)” de King Vidor con Patricia Neal.

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En la década de los 50 y hasta el final de su carrera, Cooper continuó su labor artística, así protagonizó:

  • Los oestes “Sólo ante el peligro (1952)” de Fred Zinnemann con Grace Kelly y Katy Jurado,
  • “Vera Cruz (1954)” de Robert Aldrich con Burt Lancaster y Sarita Montiel
  • El drama “La gran prueba (1956)” de William Wyler con Dorothy McGuire y Anthony Perkins
  • La comedia romántica “Ariane (1957)” de Billy Wilder con Audrey Hepburn
  • Los oestes “El hombre del Oeste (1958)” de Anthony Mann con Lee J. Cobb y Julie London
  • El fenomenal “El árbol de la horca (1959)” de Delmer Daves y Karl Malden, con Maria Schell y el propio Malden,
  • “Llegaron a Cordura (1959)” de Robert Rossen con Rita Hayworth y Van Heflin
  • Su última aparición en la gran pantalla, el suspense “Sombras de sospecha (1961)” de Michael Anderson con Deborah Kerr.

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “El secreto de vivir (1936), “El orgullo de los Yankees (1942)” y “Por quién doblan las campanas (1943)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El sargento York (1941)” y “Sólo ante el peligro (1952)”. Obtuvo OSCAR por su carrera artística en 1961. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor por “Sólo ante el peligro (1952)”. Por este mismo film obtuvo premio de Photoplay como la estrella masculina más popular.

Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “El sargento York (1941)”. Obtuvo Laureles de oro como mejor actuación por “El árbol de la horca (1959)” y “Llegaron a Cordura (1959)”.

De Cooper se ha hablado mucho sobre su afiliación política y su conducta durante la caza de brujas en Hollywood. Los que le conocieron directamente afirman que el actor era republicano pero no un conservador extremo, incluso siempre se lamentó de las leves denuncias que pudo haber realizado a algún cineasta por haber sido simpatizante de izquierda o comunista. Por esa misma razón, como productor, siempre procuró darle trabajo a cualquiera de esas personas afectadas por ese penoso proceso en el cine de Hollywood.

A pesar de su amistad con los actores John Wayne y James Stewart, no existe película de Cooper con alguno de ellos.

En resumen actuó en 117 filmes entre 1923 y 1961, y productor de dos. Murió de cáncer el 13 de mayo de 1961 en Los Ángeles, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

Luchino Visconti

El único director capaz de decir algo realmente
nuevo e interesante es Luis Buñuel”.
Luchino Visconti

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Si hay un director que es del gusto del que suscribe, ese es Luchino Visconti, uno de los realizadores más destacados del cine italiano de post-guerra, muy próximo al neorrealismo, el que gustaba realizar filmes basados en grandes obras de la literatura. Don Luchino Visconti di Modrone nació el 2 de noviembre de 1906, en Milán, Italia, era de origen aristocrático, con una educación que incluyó las artes, entre ellas la pintura, la música, el teatro y llegó a tocar el violonchelo, así como la cría de caballos de carrera. A pesar de toda esa educación, su conducta en la niñez fue rebelde. Se llegó a escapar de su casa cuatro veces y al final su padre lo internó en una escuela militar. Más tarde se inició en las artes como asistente de Renoir, introducido por Coco Chanel, la diseñadora de alta costura francesa, en la década de los 30. En los años 40, dirigió su primera película, fue el drama-film de crimen “Obsesión (1943)” con Clara Calamar y Massimo Girotti, que no fuera aceptada por el régimen de Mussolini. Este primer filme se inscribe dentro del ya mencionado neorrealismo que Visconti siempre trató de desarrollar en sus películas. El filme no fue del agrado de la dictadura, por lo que fue detenido y condenado a muerte. Su salvación llegó con la entrada de las tropas norteamericanas en Italia.

A continuación, co-dirigió, con Giuseppe De Santis y Mario Serandrei, el documental “Giorni di gloria (1945)” (Días de gloria), el cual muestra las realidades del final de la segunda guerra en Italia. Luego realizó el drama “La Terra trema: episodio del mare (1948)” (La tierra tiembla: episodio del mar) con protagonismo del propio Visconti y de Antonio Pietrangeli.

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En la siguiente década, dirigió:

– Los dramas “Bellissima (1951)” con Anna Magnani y Walter Chiari,
– “Senso (1954)” (Sentido) con Alida Valli,
– “Las noches blancas (1957)” con Maria Schell y Marcello Mastroianni, film basado en una obra del escritor Fiodor Dostoievsky,
– El famoso “Rocco y sus hermanos (1960)” con Alain Delon y Renato Salvatori, película que muestra los problemas de una familia del sur italiano que emigra al norte del país en la búsqueda de empleo y un mejor estándar de vida.

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En lo sucesivo y hasta el final de su carrera, dirigió:

– El segmento “Trabajo” en la comedia “Bocaccio’ 70 (1962)”, con Rommhy Schneider y Tomás Milian
– Los dramas “El gatopardo (1962)” con Burt Lancaster, Alain Delon y Claudia Cardinale, filme con adaptación de la novela del mismo nombre de Tomasi di Lampedusa, donde la trama, que se desarrolla en Sicilia, deja ver que lo viejo da paso a lo moderno con nuevos intereses y aspiraciones,
– “Sandra (1965)” con la Cardinale y Jean Sorel,
– “El extranjero (1967)” con Mastroianni y Anna Karina, adaptación de la novela de igual título de Albert Camus, y que algunos críticos consideran como el mejor filme realizado por Visconti
– El drama-film de guerra “La caída de los dioses (1969)” con Dirk Bogarde, película que aborda aspectos del nazismo
– Los dramas “Muerte en Venecia (1971)” con Bogarde nuevamente, con trama tomada de la novela de Thomas Mann,
– “Luis II de Baviera, el rey loco (1972)” con Helmut Berger, Trevor Howard y Silvana Mangano, película que describe la vida de Ludwig, rey de Bavaria,
– “Confidencias (1974)” con Lancaster, Helmut Berger y la Mangano nuevamente, y
– “El inocente (1976)” con Giancarlo Giannini y Laura Antonelli, último film de Visconti basado en una novela de Gabrielle d´Annunzio.

El inocente

Nominado para OSCAR como mejor guión y montaje por “La caída de los dioses (1969)”.

Nominado para BAFTA como mejor director por “Muerte en Venecia (1971)”. Obtuvo premio Bodil como mejor film europeo por “Rocco y sus hermanos (1960)” y “Muerte en Venecia (1971)”.

Nominado para Palma de Oro en el Festival de Cannes por “Muerte en Venecia (1971)”. Por este film obtuvo premio 25 Aniversario Recibió Palma de Oro por “El gatopardo (1963)”. Obtuvo premio de la crítica del Sindicato de Críticos de Cine de Francia como mejor film extranjero por “Muerte en Venecia (1971)”.

Nominado para León de Oro en el Festival de Venecia por “La Terra trema: episodio del mare (1948)”, “Senso (1954)”, “Las noches blancas (1957)”, “Rocco y sus hermanos (1960)” y “El extranjero (1967)”. Obtuvo León de Plata por “Las noches blancas (1957)”; premio FIPRESCI y premio especial por “Rocco y sus hermanos (1960)”; y León de Oro por “Sandra (1965)”. Obtuvo premio David en el David di Donatello como mejor director por “Muerte en Venecia (1971)” y “Luis II de Baviera, el rey loco (1972)”. Recibió cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director por “La caída de los dioses (1969)”, “Muerte en Venecia (1971)” y “Confidencias (1974)”; y como mejor director y montaje por “Rocco y sus hermanos (1960)”.

Recibió premio Kinema Junpo como mejor film en lengua extranjera por “Confidencias (1974)”; y como mejor director y mejor film en lengua extranjera por “Muerte en Venecia (1971)”.

En resumen dirigió 21 filmes entre 1943 y 1976, guionista de 18, productor de uno y actor en otro. Murió el 17 de marzo de 1976 en Roma.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 8 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Frank Capra

Mi consejo para los jóvenes realizadores es este:
no sigas las tendencias. ¡Empiézalas!

Frank Capra

Frank Capra en el rodaje de Mr. Smith Goes to Washington (Ann)

Frank Capra en el rodaje de Mr. Smith Goes to Washington. Cortesía doctormacro.com

Uno de los directores norteamericanos más destacados en las tres primeras décadas del cine sonoro lo fue Frank Capra, quien dirigió películas de variados géneros, como dramas, comedias, filmes de aventura y otros más. El sentido de Capra en sus películas fue el de estimular la iniciativa individual de cada ser, pues cada uno tiene siempre algo que aportar. Sus realizaciones se caracterizaron por los valores que les imprimió, además de reflejar un futuro mejor para aquellos que se ven en una situación económica realmente penosa. Igualmente se caracterizó por ser un promotor de la belleza en el quehacer cotidiano. Los filmes de Capra llevaban un sello inconfundible: un hombre sencillo que trata de combatir la corrupción en la sociedad.

Frank Russell Capra nació el 18 de mayo de 1897 en Bisacquino, Sicilia, en una familia de siete hermanos. En Sicilia se crió hasta que tuvo seis años, entonces su familia, en busca de mejoras de vida, emigró a los EE.UU. en viaje que fue toda una pesadilla desde Alemania a Nueva York, según relató el mismo Capra. Más tarde se establecieron en Los Ángeles, California. Allí estudió ingeniería, no sin antes haber tenido que estudiar y trabajar. El futuro director de cine vendió mucho periódico. También tocó a dúo para ganar un dólar por noche de actuación. Debido a la situación económica, su madre le exigió que dejara los estudios y se dedicara a trabajar, a lo cual se negó. Estaba seguro de cumplir su sueño pero con educación. Fue así que entró a estudiar ingeniería química en el Throop College of Technology, el que más tarde se convirtiera en el Instituto de Tecnología de California. Aunque su inclinación inicial fue técnica, en ese centro descubrió la poesía, las artes, de las que se enamoró por entero. Sus padres le ayudaron, pero al morir su padre, Capra se vio obligado a trabajar en una tintorería. Su graduación llegó en setiembre de 1918, pero entonces fue reclutado por el servicio militar del país, ocurría la I guerra. Capra fue demovilizado meses después debido al padecer fuerte enfermedad gripal. De regreso a los Ángeles hizo algunos trabajos de extra en cine. Más tarde y con mucho esfuerzo, se estrenó como guionista para el cine silente, sobre todo de películas cómicas. Su primer trabajo de dirección fue en la comedia-corto “Fultah Fisher’s boarding house (1922)” (La pensión de Fultah Fisher) con Mildred Owens, a la que siguieron otras diez películas silentes, entre ellas las comedias “El hombre cañón (1926)” y “Sus primeros pantalones (1927)” protagonizadas por Harry Langdon.

Sus primeros trabajos de dirección en el cine sonoro fueron:

  • Los dramas “The younger generation (1929)” (La generación más joven) con Jean Hersholt, film que aborda la asimilación de los judíos en EE.UU.,
  • “La mujer milagro (1931)” con Barbara Stanwyck, cuya trama trata sobre la fe religiosa,
  • “La amargura del general Yen (1932)” con la Stanwyck nuevamente, filme sobre las peripecias de una joven americana en China,
  • “La locura del dólar (1932)” con Walter Huston y Pat O’Brien, donde se refleja los fraudes de un banco en Norteamérica.
  • Las comedias “Dama por un día (1933)” con Warren William,
  • “Sucedió una noche (1934)” con Clark Gable y Claudette Colbert, una de las cintas más originales de Capra y probablemente su mejor realización,
  • “Estrictamente confidencial (1934)” con Warner Baxter y Myrna Loy,
  • “El secreto de vivir (1936)” con Gary Cooper y Jean Arthur, película que trata las peripecias de un joven que hereda una fortuna
  • El fabuloso film de aventura “Horizontes perdidos (1937)” con Ronald Colman
  • La comedia romántica “Vive como quieras (1938)” con Jean Arthur y Lionel Barrymore
  • El drama-comedia “Caballero sin espada (1939)” con James Stewart y Jean Arthur, filme sobre un joven que se inicia trabajando en el senado de EE.UU., donde finalmente se rebela contra el estado existente.

Frank Capra afiches

Capra continuó su labor con iguales bríos en la década de los 40, así dirigió:

  • El drama-comedia “Juan Nadie (1941)” con Gary Cooper y Barbara Stanwyck
  • La muy cómica comedia “Arsénico por compasión (1944)” con Cary Grant y Raymond Massey entre otros actores
  • El romance “¡Qué bello es vivir! (1946)” con James Stewart y Donna Reed, donde Capra imprime belleza y optimismo en su mensaje fílmico
  • El drama “Estado de la Unión (1948)” con Spencer Tracy y Katharine Hepburn
  • La comedia “Así lo quiso la suerte (1950)” con Bing Crosby, película que viene a ser un remake de su anterior comedia “Estrictamente confidencial (1934)”.

Frank Capra afiches 2

En los 50 y 60, sus mejores realizaciones fueron:

  • Las comedias-musicales “Aquí viene el novio (1951)” con Crosby nuevamente y Jane Wyman,
  • “Millonario de ilusiones (1959)” con Frank Sinatra, Edward G. Robinson y Eleanor Parker
  • Su último largometraje, la comedia-drama “Un gángster para un milagro (1961)” con Bette Davis y Glenn Ford, también remake de su comedia anterior “Dama por un día (1933)”.

Su biografía aparece descrita en las obras: “Frank Capra” (1973) y  “Frank Capra’s American dream (1997) (TV)”. Según se sabe, Capra, a pesar de cooperar con muchos realizadores y cineastas de izquierda, fue de siempre republicano, admiraba a Mussolini y a Franco. Durante la caza de brujas de McCarthy sirvió de agente encubierto para el FBI.

Nominado para OSCAR como mejor director por “Dama por un día (1932-33)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Qué bello es vivir! (1946)”; como mejor filme por “El secreto de vivir (1936)”, “Horizontes perdidos (1937)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Qué bello es vivir! (1946)”. Obtuvo Oscar como mejor director por “Sucedió una noche (1934)”, “Secreto de vivir (1936)” y “Vive como quieras (1938)”, así como mejor film por esta última película.

Obtuvo Globo de Oro como mejor director por “¡Qué bello es vivir! (1946)”.  Nominado para DGA como mejor director por “Millonario de ilusiones (1959)” y “Un gánster para un milagro (1961)”.

Nominado para premio en el Festival de Venecia por “Sucedió una noche (1934)” y “El secreto de vivir (1936)”, por igual film obtuvo recomendación especial. Obtuvo galardones por su carrera del Instituto Fílmico Americano en 1982, y del sindicato de directores de América en 1941 y 1959,  así como el León de Oro en el Festival de Venecia en 1982.

En resumen, Capra dirigió 57 filmes entre 1922 y 1964, guionista de 48, productor de 45 y  actuó en dos películas. Murió el  3 de septiembre de 1991 en La Quinta, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 27 marzo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Hedy Lamarr

Yo era la mejor pagada y más importante estrella
femenina en Hollywood, algo que fue difícil
“.
Hedy Lamarr

 

Hedy Lamarr

Hedy Lamarr. Cortesía doctormacro.com

Actriz sumamente bella, atractiva, de talento e inteligencia sobresaliente, nacida el 9 de noviembre de 1913 en Viena, Austria, con el nombre de Hedwig Eva Maria Kiesler, hija de padre banquero judío, oriundo de la actual ciudad Lvov en Ucrania (antes Lember durante el imperio austro-húngaro) y de madre pianista, igualmente judía, nacida en Budapest, Hungría. Su formación artística tuvo lugar  en la escuela germánica teatral Max Reinhardt. Luego actuó en teatros de Checoslovaquia y Alemania, así como en el cine de este último país, donde debutó, en el romance “Geld auf der strasse (1930)” (Dinero en la calle) del director Georg Jacoby. Al inicio aparecía acreditada con el nombre Hedwig Kiesler, y luego como Hedy Kiesler. Su interpretación más notable en este período fue en el drama romántico “Extasis (1933)” de Gustav Machatý, donde Hedy posa desnuda como toda una Eva moderna. Aunque esta película fue prohibida en EE.UU., la misma le ayudó a llegar a Hollywood.

No obstante, antes de llegar a Hollywood, un vendedor de armas alemán, Friedrich ‘Fritz’ Mandl, pro-nazi, vio “Extasis” y quedó muy impresionado con la belleza de Hedy al extremo que obligó a sus padres a entregarla en matrimonio, a la vez que compraba todas las copias posibles de la película para sacarla de circulación. Se sabía que el dictador italiano, Benito Mussolini, tenía una copia, la cual se negó a vender a Mandl cuando éste se la pidió. El vendedor de armas encerró a Hedy en su casa, solo podía salir fuera cuando él la llevara a teatros o recepciones. En ese cautiverio, Hedy hizo estudios de ingeniería y obtenía información sobre tecnología de armamentos de aquel momento. Todo eso duró hasta que un día logró escapar por una ventana rumbo a París, donde los guardaespaldas de Mandl no lograron darle alcance. De ahí, Hedy se trasladó a Londres, donde vendió sus joyas para poder seguir camino para los Estados Unidos junto con el realizador Louis B. Mayer de la Metro Goldwyn Mayer. Durante esta travesía fue que surgió el apellido Lamarr dado por el mismo Mayer.

En Hollywood, ya con el nombre de Hedy Lamarr, debutó  en otro drama romántico, “Argel (1938)” del director John Cromwell con Charles Boyer, que interpreta el papel de Pepe le Moko. No obstante, como buena ingeniera, continuó inclinada a hacer algo en este campo de la tecnología, y junto con el compositor George Antheil, al comienzo de la segunda guerra mundial, inventaron una radio que trasmitiría en 88 frecuencias, equivalentes a las teclas del piano. Esta radio era capaz de hacer saltar señales de transmisión entre las frecuencias del espectro magnético y que podía generar un sistema de guías de torpedos usados durante esta confragración.  Lamarr y Antheil ofrecieron gratuitamente este invento patentado al Departamento de Defensa de EE.UU., el cual guardó el secreto sin llegar a utilizarlo. Cosas de la vida, la patente venció en 1942 y el invento pasó a ser patente de dominio público, pero sirvió como ha demostrado ser la solución de la comunicación secreta vía radio y compartir el número de canales de radio ocupados. También hizo posible la transmisión de señales secretas sin interferencias, algo que Estados Unidos utilizó por primera vez en 1962 durante la crisis de octubre y los misiles soviéticos en Cuba. Más tarde esta tecnología sirvió de base para el desarrollo de las técnicas de defensa antimisiles, y en fechas más recientes ha sido la  precursora de la tecnología utilizada en la actualidad en las comunicaciones inalámbricas de los teléfonos móviles, los sistemas GPS y la tecnología wifi.

Los aportes de Lamarr y Antheil fueron reconocidos cuando ambos fueron exaltados en 2014 al Salón de la Fama de los Inventores Nacionales. Sin embargo, ninguno de los dos recibió un centavo por su invención.

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Hedy continuó su trabajo en cine actuando en:

  • Otro romance, “Lady of the tropics (1939)” (La dama de los trópicos) de Jack Conway con Robert Taylor
  • Los dramas “Esta mujer es mía (1940)” de W.S. Van Dyke con Spencer Tracy,
  • El salpicado de aventura, “Fruto dorado (1940)” de Conway con Tracy de nuevo, Clark Gable y Claudette Colbert
  • La comedia “Camarada X (1940)” de King Vidor con Gable y Oskar Homolka
  • La comedia romántica “No puedo vivir sin tí (1941)” de Clarence Brown con James Stewart
  • El drama musical “Las chicas de Ziegfeld (1941)” de Robert Z. Leonard con Stewart, Judy Garland y Lana Turner
  • Los dramas “La vida es así (1942)” de Victor Fleming con Spencer Tracy y John Garfield,
  • “White cargo (1942)” (Carga blanca) de Richard Thorpe con Walter Pidgeon,
  • “Crossroads (1942)” (Encrucijadas) de Conway con William Powell y Claire Trevor

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Su actividad durante y después el período de la Segunda Guerra Mundial no se detuvo, así protagonizó:

  • La comedia “Mundo celestial (1944)” de Alexander Hall con Powell
  • El drama “The conspirators (1944)” de Jean Negulesco con Paul Henreid
  • La comedia “Her highness and the bellboy (1945)” (Su alteza y el botón) de Richard Thorpe con Robert Walker y June Allyson
  • El drama “La extraña mujer (1946)” de Edgar G. Ulmer con George Sanders
  • El film de crimen “Pasión que redime (1947)” de Robert Stevenson con Dennis O’Keefe
  • El inolvidable drama “Sansón y Dalila (1949)” de Cecil B. DeMille con Victor Mature, George Sanders y Angela Lansbury, donde Hedy interpreta el papel de Dalila
  • El oeste “El desfiladero del cobre (1950)” de John Farrow con Ray Milland

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En la década de los 50, sus actuaciones se redujeron, las más destacadas entonces fueron en:

  • La comedia “Mi espía favorita (1951)” de Norman Z. McLeod con Bob Hope
  • Los dramas “La manzana de la discordia (1954)” de Marc Allègret y Edgar G. Ulmer con Massimo Serato,
  • “La historia de la humanidad (1957)” de Irwin Allen con Ronald Colman,
  • “La mujer del gato (1957)” de Harry Keller con Jane Powell, que fuera su último film

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Hedy fue solo nominada para premio de Picturegoer como mejor actriz por “Sansón y Dalila (1949)”. En resumen actuó en 35 filmes entre 1930 y 1958, y productora de dos películas. Murió el 19 de enero del 2000 en Altamonte Springs, Florida, a la edad de 85 años.

 

Nota: Gran parte de la información sobre la labor técnica de Hedy Lamarr fue extraída del artículo “Hedy Lamarr: la estrella de cine que inventó la tecnología precursora del wifi” de Maite Garrido Courel, Diario Turing, 3 de diciembre de 2012, http://www.eldiario.es/turing/Hedy_Lamarr-WiFi-dia_del_inventor_0_220828581.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 28 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Sidney Poitier

Decidí en mi vida que no haría nada que no
reflejara positivamente la vida de mi padre
”.
Sidney Poitier

Sidney Poitier

Los actores negros en el cine de Hollywood siempre fueron los que interpretaban papeles de graciosos sirvientes, generalmente torpes en su quehacer y cómicos al hablar. Esta fue siempre una forma muy sutil de encubrir el racismo existente en la meca del cine durante las décadas de los 30 y los 40, situación que comenzó a cambiar con el debut del actor Sidney Poitier. Se trata de un hijo de familia bahamesa muy pobre, que nació casualmente en Miami, Florida, el 20 de febrero de 1924, durante un viaje de sus padres al país vecino. Sidney creció inicialmente en la Isla Gato de las Bahamas, pero poco después fue enviado por sus padres a Florida, donde vivía su hermano. En EE UU tuvo sus confrontaciones debido a la segregación racial, luego fue alistado por el ejército del país y al ser liberado del servicio se trasladó a Harlem, Nueva York, donde dio sus primeros pasos en la interpretación. Inicialmente actuó en el teatro negro de esta ciudad y luego en Broadway.

Poitier debutó en cine, en el drama “El odio es ciego (1950)”, también conocida como “Rayo de luz” de Joseph L. Mankiewicz, que aborda con claridad el problema del racismo. Aquí Poitier es un médico que debe atender a un enfermo (Richard Widmark) y bandido a la vez, quien se niega a que el médico negro le dé sus buenos servicios. Entonces Poitier tenía 22 años, edad que encubrió, pues le dijo a Mankiewicz tener 27. A esta interpretación le siguieron otras:

  • El drama “Llanto por la tierra amada (1951)” de Zoltan Korda, donde se denuncia el entonces apartheid imperante en Sudáfrica
  • No menos impresionante fue su interpretación de joven algo descarriado en los dramas “Semilla de maldad (1955)” de Richard Brooks con Glenn Ford,
  • “Donde la ciudad termina (1957)” de Martin Ritt con John Cassavetes y Jack Warden, donde el racismo imperante es presentado con bastante nitidez
  • La comedia “Porgy y Bess (1959)” de Otto Preminger y Rouben Mamoulian con Dorothy Dandridge y Sammy Davis Jr.
  • Formidable interpretación en el drama “Fuga en cadenas (1958)”, también conocido como “Fugitivos” de Stanley Kramer junto a Tony Curtis, con quien formó un dúo excepcional de dos presidiarios en fuga y confrontados por el problema del color de la piel de ambos
  • Actuaciones meritorias también en los dramas “Un lunar en el sol (1961)” de Daniel Petrie con Claudia McNeil,
  • “Los lirios del valle (1963)” de Ralph Nelson con Lilia Skala, film que posee un argumento interesante sobre los aportes voluntarios de una persona para edificar una iglesia católica en un poblado

Sidney Poitier afiches

  • El drama “Un retazo azul (1965)” de Guy Green con Shelley Winters, donde de nuevo se ve la relación de una blanca ciega ayudada por un hombre negro
  • El oeste “Duelo en Diablo (1966)” de Ralph Nelson con James Garner
  • Las comedias “Un hombre para Ivy (1968)” de Daniel Mann con Abbey Lincoln y Beau Bridges,
  • “Adivina quién viene a cena (1967)” de Stanley Kramer con Spencer Tracy, Katharine Hepburn y Katharine Houghton, donde se aborda el prejuicio racial a nivel familiar de una joven blanca con un novio negro
  • El drama “En el calor de la noche (1967)” de Norman Jewison con un rabioso sheriff interpretado por Rod Steiger y donde Poitier es el inspector Tibbs, rol que interpretó dos veces más,
  • “¡Ahora me llaman Sr. Tibbs! (1970)” de Gordon Douglas con Martin Landau,
  • “El inspector Tibbs contra la organización (1971)” de Don Medford con Barbara McNair

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En la década de los 70, Poitier comenzó a actuar más espaciadamente y también se dedicó a dirigir sus propias películas, algunas de ellas con la participación de otros actores negros como Harry Belafonte, Bill Cosby y Richard Pryor. Entre estas películas se encuentran:

  • El oeste “Buck y el farsante (1972)” de su dirección, co-protagonizado por Harry Belafonte
  • Las comedias “Uptown saturday night (1974)” (Sucedió un sábado) con Belafonte nuevamente, Bill Cosby y Richard Pryor,
  • “Dos tramposos con suerte (1975)” con Cosby,
  • “A piece of the action (1977)” (Una pieza de acción) con Cosby y James Earl Jones
  • El drama “Mandela and de Klerk (1997)” de Joseph Sargent con Michael Caine en el papel de de Klerk, y Poitier como Mandela, film que describe la vida de ambos estadistas

Sidney Poitier afiches 3

A nivel de la pequeña pantalla, también ha tenido excelentes actuaciones como en:

  • El drama “Diferentes pero iguales (1991)” de George Stevens Jr. con Burt Lancaster
  • El oeste “Los hijos de la llanura (1995)” de David Greene con Michael Moriarty

Entre sus últimas interpretaciones en cine están:

  • El drama “Espías sin identidad (1988)” de Richard Benjamin con River Phoenix
  • Los filmes de acción “Dispara a matar (1988)” de Roger Spottiswoode con Tom Berenger y Kirstie Alley,
  • “Los fisgones (1992)” de Phil Alden Robinson con Robert Redford,
  • “Chacal (1997)” de Michael Caton-Jones con Bruce Willis y Richard Gere

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Fuga en cadenas (1958)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Lilies of the Field” (1963), el primero de esta categoría recibido por un actor negro. En 1992 obtuvo un OSCAR por su carrera artística y en el 2002 un premio a su carrera por su extraordinaria conducta y presencia en la pantalla, que ha realizado con dignidad, estilo e inteligencia.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Fuga en cadenas (1958)”, “Un lugar en el sol (1961)”, “Un retazo azul (1965)”, y “En el calor de la noche (1967)”; como mejor actor en comedia/musical por “Porgy y Bess (1959)”, y como mejor actor en miniseries por “Diferentes pero iguales (1991) (TV)”. Obtuvo este premio como mejor actor por “Los lirios del valle (1963)”. Fue premiado como el Actor favorito del Año en 1969 por parte de Globo de Oro. Obtuvo el premio Cecil B. DeMille en 1982.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Donde la ciudad termina (1957)”, “Un lugar en el sol (1961)”, “Los lirios del valle (1963)”, “Un retazo azul (1965)” y “En el calor de la noche (1967)”. Obtuvo este premio por por “Fuga en cadenas(1958)”.

En 1994 obtuvo premio por su carrera del National Board Review. En 2000 premio similar del Screen Actors Guild. Nominado para Emmy y para premio SAG como mejor actor en mini-series para la TV por “Mandela and de Klerk (1997) (TV)”.

Obtuvo Oso de plata del festival de Berlín como mejor actor por “Fuga en cadenas (1958)” y “Lilies of the Field” (1963). Obtuvo premio San Sebastián en el festival del mismo nombre como mejor actor por “Un hombre para Ivy (1968)”. Nominado para premio Imagen como mejor actor de mini-series por “Mandela and de Klerk (1997)” y “Los hijos de la llanura (1995)”.

En 2005 la revista Premiere le situó entre los primeros 20 Grandes Actores de Cine de Todos los Tiempos. Poitier tiene doctorado honorífico de la Universidad Shippensburg de Pensilvania, y habla fluentemente el ruso. Su biografía ha sido escrita en varios libros por diversos autores.

En resumen, Sidney L. Poitier ha actuado en 54 filmes entre 1950 y 2001, director de 9, productor de 3 y guionista de una película.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Peter Ustinov

La vida es injusta, pero recuerda
que es injusta a tu favor.

Peter Ustinov

 

Peter Ustinov como Lentulus Batiatus en Espartaco (1960)

Peter Ustinov en el papel de Lentulus Batiatus en “Espartaco (1960)”. Foto: cortesía Doctormacro.com

Cuando se hable de excelencia en la interpretación, Peter Ustinov debe aparecer en esa lista, quien nació, con el nombre de Peter Alexander Freiherr von Ustinov, el 16 de abril de 1921 en Londres, Inglaterra, hijo de familia rusa. Su padre era mitad judío-polaco y otra mitad ruso, era piloto y participó en la I Guerra de la parte de los alemanes, mientras que su madre era actriz rusa con antecedentes franco-italianos. La unión de los progenitores ocurrió en 1919 en St Petersburgo y la emigración ocurrió algo antes del nacimiento de Pete, el que en su niñez se desenvolvió en un ambiente multilingüe, fue así que a temprana edad ya hablaba ruso, inglés, francés, italiano y alemán.

Su formación como actor la tuvo en Londres, y en el teatro debutó en 1939 interpretando breves papeles, cuyos guiones él mismo escribía. Su actividad artística se vio interrumpida cuando sirvió como soldado en las fuerzas del regimiento real de Sussex en el período de 1942 a 1946. Previo a este servicio, Ustinov produjo “Home of regrets (1942)” (El hogar de los lamentos), se reconoce como su primera gran obra escrita para el teatro “The love of four colonels (1951)” (El amor de cuatro coroneles), a la que le siguió “Romanoff y Julieta (1956)”, que fue más tarde llevada a la gran pantalla bajo su dirección. En 1967 logró tener en teatros de Hollywood dos de sus obras al mismo tiempo, estas fueron “The unknown soldier and his wife” (El soldado desconocido y su esposa) y “Halfway up the tree” (A medio camino arriba del árbol).

La excelencia artística de Ustinov puede ser sencillamente comparada con la de otro grande como lo fue Orson Welles. El gran cineasta británico fue, además de excelente actor, guionista y director de varias de sus películas.

Como actor de teatro debutó a los 17 años, mientras que en el cine lo hizo en el documental de guerra “The true glory (1945)” (La gloria verdadera)  de Garson Kanin. Dirigió su primera película a los 25 años, que fue el film de guerra “School for secrets (1946)” (Escuela para secretos), y como actor obtuvo triunfos casi de inmediato, el primero de ellos fue en un papel de reparto del film épico- histórico “Quo Vadis? (1951)” de Mervin LeRoy con Robert Taylor y Deborah Kerr, donde Ustinov encarnó magistralmente el papel de Nerón. A continuación:

  • Interpretó el papel de príncipe de Gran Bretaña en el drama “El árbitro de la elegancia (1954)” de Curtis Bernhardt con Stewart Granger y Elizabeth Taylor
  • En papeles de reparto de los dramas históricos “Sinuhé el egipcio (1954)” de Michael Curtiz con Victor Mature y Jean Simmons,
  • “Espartaco (1960)” de Stanley Kubrick, donde interpretó el papel del cínico Lentulus Batiatus
  • Del drama “Tres vidas errantes (1960)” de Fred Zinnemann con Deborah Kerr y Robert Mitchum
  • La comedia “Romanoff y Julieta (1961)” dirigida y protagonizada por él mismo con Sandra Dee
  • El film de aventura “La fragata infernal (1962)” dirigida, producida, escrita y protagonizada por él mismo y co-protagonizada por Robert Ryan, film basado en una novela del escritor norteamericano Herman Melville
  • Inolvidable fue su actuación en el film de aventura “Topkapi (1964)” de Jules Dassin con Melina Mercouri y Maximilian Schell
  • De su dirección es también la comedia “Lady L (1967)”, que cuenta con su actuación, la de Paul Newman y Sofía Loren
  • Co-protagonizó con Maggie Smith la comedia “Un cerebro millonario (1968)” de Eric Till
  • Dirigió y actuó en la comedia-drama “Pacto con el diablo (1972)” con Elizabeth Taylor y Richard Burton
  • Ustinov interpretó también el papel del famoso héroe de las novelas de misterios de Agatha Christie, el detective belga Hercules Poirot, en los filmes “Muerte en el Nilo (1978)” de John Guillermin,
  • “Muerte bajo el sol (1982)” de Guy Hamilton,
  • “Cita con la muerte (1988)” de Michael Winner con Lauren Bacall

Peter Ustinov afiches

Igualmente protagonizó el film de aventuras “Ébano (1979)” de Richard Fleischer con Michael Caine, y actuó en los dramas, “Lorenzo’s oil: el aceite de la vida (1992)” de George Miller con Nick Nolte y Susan Sarandon, donde Ustinov interpretó el papel de médico.

Peter Ustinov afiches 2

Este ilustre actor también puso su voz al servicio de la realización de filmes animados, entre ellos “Robin Hood (1973)” de producción Disney, “The mouse and his child (1977)” (El ratón y su hijo) y “Grendel, Grendel, Grendel, Grendel (1980)”.

Peter Ustinov afiches 3

Tuvo también actuaciones para la TV, sobre todo narrando sus viajes en Rusia. Una actuación destacada tuvo en el episodio televisivo “Barefoot in Athens (1966) TV” (Descalzos en Atenas) de George Schaefer con Geraldine Page. Realizó otros trabajos como embajador de la UNICEF. El incansable Ustinov escribió varias novelas y breves recuentos, así como dos autobiografías,  “Dear me (1977)” (Mi querido) y “My Russia (1983)”. A Ustinov se le otorgó la condición de Caballero de la Gran Bretaña en 1990.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Quo Vadis? (1951)”, y como mejor libreto,  montaje y guión por “Un cerebro millonario (1968)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor de reparto por “Espartaco (1960)” y “Topkapi (1964)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Topkapi (1964)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Quo Vadis? (1951)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor cinedrama por “La fragata infernal (1962)” y como mejor actor por “Muerte en el Nilo (1978)”. En 1993 obtuvo el premio Britannia por su excelencia en el cine. Nominado para Oso de Oro plata en el festival de Berlín por “Romanoff y Julieta (1961)” y “Pacto con el diablo (1972)”. Obtuvo Oso de Plata especial por la originalidad de su trabajo artístico.

Nominado para premio del Writers Guild of America como mejor guionista de comedia americana por “Un cerebro millonario (1968)” y como mejor guionista de drama americano por “La fragata infernal (1962)”. Obtuvo Emmy por mejor actuación masculina en drama por “Barefoot in Athens (1966) TV”.

En 1984 obtuvo la Nuez de Oro en el festival de Giffoni. En 1998 recibió el Joseph Plateau a su carrera en el festival de Flanders. En 2001 recibió el Golden Camera del certamen de dicho nombre en Alemania. En 1990 fue condecorado como Caballero en ocasión del cumpleaños de la Reina Isabel. En 1998 recibió un premio en honor a su carrera del Ministro-presidente de Bavaria, y en 2004 obtuvo premio similar de parte del Bavarian Film Awards.

En resumen, Ustinov actuó en 102 filmes entre 1940 y 2003, director de 9, guionista de 38 y productor de seis películas. Murió el 28 de marzo de 2004 en Genolier, Vaud, Suiza.

 

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Akira Kurosawa

Una película nunca es realmente buena a menos
que la cámara sea un ojo en la cabeza de un poeta.

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Un coloso de la gran pantalla, no hay otra forma de llamar a este estupendo realizador japonés, que responde al nombre de Akira Kurosawa, realizador que llevó al cine filmes de distintos géneros, todos con un mensaje muy definido de paz y humanismo.  Sus conocimientos de la literatura universal, la pintura y el arte en general le ayudaron extraordinariamente a realizar las películas que cuentan en su repertorio. Algunos argumentos de sus películas sirvieron para luego ser adaptados a nuevas películas en un ambiente occidental. Los filmes de Kurosawa realmente dieron a conocer muchas de las leyendas y costumbres del país del sol naciente en occidente.

El gran director nació el 23 de marzo de 1910 en Tokyo, Japón, y se inició artísticamente como pintor. No obstante, su familia afirmó que Kurosawa no tenía otra cosa en mente desde su niñez que el cine. En 1936 comenzó a trabajar en la industria fílmica como asistente de dirección hasta que se estrenó como guionista-director con el drama “Uma (1941)” co-dirigido con Kajiro Yamamoto; al que le siguieron:

  • Los filmes de aventura “La leyenda del judo (1943)”,
  • “La nueva leyenda del gran judo (1945)” con Denjirô Ôkôchi, todos estos filmes alrededor de cómo nació y se desarrolló el judo.
  • El drama- romance “No añoro mi juventud (1947)” con Isao Numasaki
  • El drama-suspense “El perro ambulante (1948)” con el entonces joven Toshirô Mifune, actor predilecto de Kurosawa y con quien se estableciera casi una simbiosis artística entre ambos. Aunque no se puede omitir la figura de Takashi Shimura, con el que igualmente colaborara estrecha y largamente.
  • El film de crimen “El ángel ebrio (1948)” con Shimura y Mifune
  • Terminó esta década con el drama “Rashômon (1950)” con Mifune, excelente film basado en las historias del escritor Ryunosuke Akutagawa, donde se demuestra como un hecho puede ser deformado por distintas fuentes

Kurosawa afiches

En la siguiente década dirigió:

  • Los dramas “El idiota (1951)” con Setsuko Hara, film que se basa en la gran obra del mismo nombre de Fiodor Dostoyevski,
  • “Vivir (1952)” con Takashi Shimura, película que versa sobre el tema de la muerte
  • El film épico “Los siete samurais (1954)” con Mifune, un clásico de todos los tiempos que cuenta la historia de siete valientes samurais que luchan por defender la causa de un grupo de campesinos pobres
  • El film de guerra-acción “Trono de sangre (1957)”, film con adaptación de la obra “Macbeth” llevada a la vida del Japón medieval
  • El film de acción “La fortaleza escondida (1958)”
  • El drama-suspense “Los malos duermen bien (1960)”, todos protagonizados por Mifune

Kurosawa afiches 2

En lo sucesivo, sus mejores realizaciones fueron:

  • Los filmes de acción “Yojimbo, el bravo (1961)”,
  • “Sanjuro, el camelias (1962)”,
  • El drama-suspense “Infierno del odio (1963)”
  • Los dramas “Barbarroja (1965), todos éstos protagonizados por Mifune
  • “Dodeskaden (1970)” (El camino de la vida) con Yoshitaka Zushi y Kin Sugai, que aborda la vida de la gente pobre en Tokyo

Kurosawa tuvo una pausa como director, posteriormente dirigió:

  • El estupendo film de aventura “Dersu Uzala (1974)” con Maksim Munzuk, film de co-producción nipona-rusa que demoró dos años su filmación en Siberia y que trata sobre la vida de un cazador siberiano, película llena de moraleja
  • El film épico “Kagemusha (1980)” con Tatsuya Nakadai, que contó con la co-producción de Francis Ford Coppola y George Lucas, film sobre como un ladrón suplanta a un señor feudal todopoderoso del Japón
  • El drama-film de acción “Ran (1985)” con Tatsuya Nakadai, sobre la tragedia de un señor feudal y la herencia que reparte entre sus tres hijos
  • El drama fantástico “Los sueños de Akira Kurosawa (1990)” con Akira Terao
  • Los dramas “Rapsodia en agosto (1991)” con Sachiko Murase y Richard Gere, que trata sobre el bombardeo de Nagasaki y los puntos de vista de la sociedad japonesa sobre estos hechos,
  • “Madadayo (1993)” con Tatsuo Matsumura,
  • El montaje de “Ame agaru (1999)” (Después de la lluvia) del director Takashi Koizumi, que fuera su último trabajo para la gran pantalla

Kurosawa afiches 3

Kurosawa también realizó el montaje de varios filmes occidentales, como fueron:

  • Los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges, que no es más que una versión de “Los siete samurais”,
  • “Por un puñado de dólares (1964)” de Sergio Leone, versión de “Yojimbo, el bravo”,
  • “Cuatro confesiones (1964)” de Martin Ritt, versión de “Rashomon”.

Nominado para OSCAR por “Ran (1985)”. En 1990 recibió OSCAR en honor a su carrera. Nominado para DGA como mejor director por “Rashômon (1950)”. En 1986 recibió el premio especial Golden Jubilee, y en 1992 el premio a su carrera en este certamen. Recibió premio del National Board Review como mejor director por “Rashômon (1950)” y “Ran” (1985).

Nominado para BAFTA como mejor director y film por “Kagemusha (1980)”; como mejor montaje por “Ran (1985)”. Por este mismo film obtuvo premio como mejor película extranjera. Recibió premio como director del año del Círculo de Críticos de Cine de Londres por “Ran (1985)”.

Nominado para Oso de Oro en el festival de Berlín por “La fortaleza escondida (1958)” y “Los malos duermen bien (1960)”. Obtuvo premio FIPRESCI y Oso de Plata como mejor director por “La fortaleza escondida (1958)”.

Nominado para César como mejor film extranjero por “Ran (1985)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Kagemusha (1980)”.  Obtuvo Palma de Oro en el festival de Cannes por “Kagemusha (1980)”.

Obtuvo David en el David di Donatello como mejor director por “Dersu Uzala (1975)”, “Kagemusha (1980)” y “Ran (1985)”. Nominado para León de Oro en el Festival de Venecia  por “Los siete samurais (1954)”, “Trono de sangre (1957)”, “Yojimbo, el bravo (1961)”, “Infierno del odio (1963)” y “Barbarroja (1965)”. Obtuvo este premio por “Rashomon (1950)”;  León de Plata por “Los siete samurais (1954)”, premio OCIC por “Barbarroja (1965)”, y León de Oro por su carrera en 1982. Recibió cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director de películas extranjeras por “Dersu Uzala (1975)” y “Kagemusha (1980)”

Obtuvo premios Kinema Junpo como mejor film por “El ángel ebrio (1948)” y “Vivir (1952)”; y como mejor film y director por “Barbarroja (1965)”. Nominado por la Academia de Cine Japonesa  como mejor director por “Los sueños de Akira Kurosawa (1990)”; y como mejor director y montaje por “Rapsodia en agosto (1991)”. Obtuvo premio como mejor montaje por “Ame agaru (1999)”, y premio a su carrera en 1999.

Obtuvo premio OCIC en el festival de San Sebastián por “Ran (1985)”. Recibió premio FIPRESCI y premio de Oro en el festival de Moscú por “Dersu Uzala (1975)”. Recibió premio Bodil como mejor film europeo por “Ran (1985)”.

En 1984 recibió honores de la Legión Francesa de Honor. En 2005 la revista británica Empire lo catalogó como el sexto entre los mejores directores de cine de todos los tiempos. Fue nombrado Colega (Fellow) del Instituto Fílmico Británico como reconocimiento a su sobresaliente contribución en el cine.

En resumen, dirigió 33 filmes entre 1941 y 1993, guionista de 76 y productor de once películas. Murió el 6 de septiembre de 1998 en Tokyo, Japón.

 

Escrito por Esteban Hernández, 13 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Cary Grant

Todo el mundo quiere ser Cary Grant,
incluso yo quiero serlo también
.”
Cary Grant.

Cary Grant

Considerado como uno de los más grandes comediantes en la historia del cine, capaz también de protagonizar con acierto filmes dramáticos y de suspense, Cary Grant fue igualmente actor  preferido de directores como Alfred Hitchcock y Howard Hawks. Archibald Alec Leach nació el 18 de enero de 1904 en Bristol, Reino Unido, en el seno de una familia de obreros. A la edad de nueve años, su madre fue internada en un centro psiquiátrico, algo que él ignoró hasta que cumplió los 20 años de edad. Abandonó sus estudios escolares cuando solo tenía 14 años y se unió a un grupo ambulante de comediantes. Dentro de este colectivo de espectáculos, Grant actuó como bailarín y acróbata,  viajó a los EE.UU. en 1920 y actuó en Broadway. Allí Grant se quedó y continuó actuando en el mismo Broadway. Su nombre artístico lo compuso tomando las iniciales del ya famoso actor Gary Cooper a la inversa, o sea C.G.

A Hollywood se trasladó en 1931 y debutó en la gran pantalla como actor de reparto de la comedia “Esta es la noche (1932)” de Frank Tuttle con Lili Damita, al que le siguió el drama “La rubia Venus (1932)” Josef von Sternberg con Herbert Marshall y la entonces joven Marlene Dietrich.  Grant obtuvo su primera oportunidad como actor principal en la comedia “La gran aventura de Silvia (1935)” de George Cukor junto a Katharine Hepburn, película donde su actuación tuvo una buena acogida del público y de la crítica. Le siguieron:

  • El drama “Suzy (1936)” de George Fitzmaurice con Jean Harlow
  • La comedia “Wedding present (1936)” (Regalo de boda) de Richard Wallace con Joan Bennett
  • El romance “When you are in love (1937)” (Cuando estás enamorado) de Robert Riskin y Harry Lachman con Grace Moore
  • La comedia-film de misterio “Una pareja invisible (1937)” de Norman Z. McLeod con Constance Bennett
  • Protagonizó la comedia romántica “La pícara puritana (1937)” de Leo McCarey con Irenne Dunne y Ralph Bellamy, que le valiera otra buena acogida de la crítica.

Afiche Cary Grant

De aquí en lo adelante, cada película protagonizada por Grant era prácticamente un éxito, como fue:

  • En la comedia “La fiera de mi niña (1938)” de Howard Hawks con Katharine Hepburn, donde Grant interpretó el papel de un paleontólogo
  • El film de aventura “Gunga Din (1939)” de George Stevens con Victor McLaglen y Douglas Fairbanks Jr.
  • El drama “Solo los ángeles tienen alas (1939)” de Hawks con Jean Arthur
  • Las comedias “Mi mujer favorita (1940)” de Garson Kanin con Irenne Dunne y el joven Randolph Scott, muy amigo de Grant y que vivieron juntos por buen tiempo, lo que provocó especulaciones sobre la posible homosexualidad de ambos,
  • “Historias de Filadelfia (1940)” de George Cukor con Katharine Hepburn nuevamente y el entonces casi debutante James Stewart, filme de los más famosos que Grant haya protagonizado

Afiche Cary Grant 2

En la década de los 40:

  • Protagonizó el drama romántico “Serenata nostálgica (1941)” de Stevens con Irene Dunne una vez más
  • El film de cine negro “Sospecha (1941)” con Joan Fontaine
  • El suspense “Encadenados (1946)” con Ingrid Bergman y Claude Rains, estos dos últimos dirigidos por Alfred Hitchcock
  • La comedia “Arsénico por compasión (1944)” de Frank Capra con Priscilla Lane, Peter Lorre y Jack Carson, filme con una trama divertida de horror
  • El drama “Un corazón en peligro (1944)” de Clifford Odets con Ethel Barrymore
  • La comedia “La novia era él (1949)” de Howard Hawks con Ann Sheridan
  • El drama “Crisis (1950)” de Richard Brooks con José Ferrer.

Entre sus actuaciones más notables de las décadas de los 50 y los 60 están:

  • El drama “Murmullos en la ciudad (1951)” de Joseph L. Mankiewicz con Jeanne Crain
  • La comedia “Me siento rejuvenecer (1952)” de Hawks con Ginger Rogers y Marilyn Monroe
  • El suspense “Atrapa a un ladrón (1955)” de Hitchcock con Grace Kelly
  • El romance “Tú y yo (1957) de Leo McCarey con Deborah Kerr, un melodrama que pasó ser todo un clásico del cine de todos los tiempos
  • El drama-film de guerra “Orgullo y pasión (1957)” de Stanley Kramer con Frank Sinatra y Sofia Loren
  • Las comedias “Indiscreta (1958)” con Ingrid Bergman nuevamente,
  • “Operación Pacífico (1959)” de Blake Edwards con Tony Curtis,
  • “Página en blanco (1960)” con Deborah Kerr, Jean Simmons y Robert Mitchum, estas dos últimas de Stanley Donen

Afiche Cary Grant 3

Sus últimas actuaciones en la gran pantalla fueron en las comedias:

  • “Suave como el visón (1962)” de Delbert Mann con Doris Day,
  • “Charada (1963)” de Donen con Audrey Hepburn, Walter Matthau, George Kennedy y James Coburn, comedia salpicada de suspense y crimen
  • “Apartamento para tres (1966)” de Charles Walters con Samantha Eggar

Afiche Cary Grant 4

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Serenata nostálgica (1941)” y “Un corazón en peligro (1944)”.  En 1969 la Academia de Cine le otorgó un OSCAR en honor a su carrera. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Indiscreta (1958)”, “Operación Pacífico (1959)”, “Suave como el visón (1962)” y “Charada (1963)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Charada (1963)”. En 1942 obtuvo Manzana de Oro como actor más cooperativo. En 1999 fue escogido por el Instituto Fílmico Americano como la segunda figura masculina más grande de la Edad de oro del Cine de Hollywood, solo superado por Humphrey Bogart.

En resumen Grant actuó en 77 filmes entre 1932 y 1966. Murió de hemorragia cerebral el 29 de noviembre de 1986 en Davenport, EE.UU.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 6 enero de 2018, con información extraida de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”