Daniel Day-Lewis

Vengo de clase media educada pero
me identifico con la clase obrera
.”
Daniel Day-Lewis

Daniel Day-Lewis

Daniel Day Lewis en el Royal Opera House, Covent Garden, Londres, en la premiación de BAFTA 2013. Foto. Steve Vas, Dreamstime.com

Uno de los mejores actores de teatro y cine del momento es sin lugar a dudas Daniel Day-Lewis, a quien se le suele llamar como el De Niro británico. Day-Lewis ha mostrado una tremenda versatilidad para protagonizar con acierto dramas, romances y películas de acción. Daniel Michael Blake Day-Lewis nació el 29 de abril de 1957 en Greenwich, Londres, Inglaterra, hijo del poeta laureado Nicholas Blake y de la actriz Jill Balcon, además de ser nieto de Sir Michael Balcon, una figura muy influyente del cine británico y jefe de los Estudios Ealing. Day-Lewis tiene ascendencia judía por la parte de su madre, hija de familia oriunda de Letonia y Polonia, mientras que su padre tiene ascendentes nor-irlandeses e ingleses. Day-Lewis cursó estudios en la escuela de Sevenoaks en Kent. Luego estudió actuación en la escuela Old Vic de Bristol.

Su debut en el cine fue como extra en el drama, “Domingo, maldito domingo (1971)” del director John Schlensinger. Después desapareció de la gran pantalla para continuar su carrera en los teatros de Old Vic en Bristol y en las compañías del Royal Shakespeare. Regresó al cine para actuar en papel de reparto del drama “Gandhi (1982)” de Richard Attenborough con Ben Kingsley y Candice Bergen. En ese retorno a la pantalla, también trabajó en filmes para la TV, sin dejar el teatro, donde protagonizó obras, como “Drácula (1984)” y “Futurists (1986)”. Posteriormente tuvo una aceptable actuación en el drama- film de acción “Motín a bordo (1984)” de Roger Donaldson con Mel Gibson, Anthony Hopkins y Laurence Olivier.

Durante la década de los 80 actuó en:

  • Papeles de reparto de los dramas románticos “Mi hermosa lavandería (1985)” de Stephen Frears con Saeed Jaffrey,
  • “Una habitación con vistas (1986)” de James Ivory con Maggie Smith, Helena Bonham Carter y Denholm Elliott
  • Una breve actuación en el drama romántico, de producción británico-francesa, “Nanou (1986)” de Conny Templeman
  • Protagonizó el drama, “La insoportable levedad del ser (1988)” de Philip Kaufman con Juliette Binoche, film en el que Daniel usó un acento checo en su forma de hablar y para ello estudió previamente la lengua checa, película que trata sobre las visicitudes de la población checa durante la intervención soviética de 1968 en Checoslovaquia
  • Actuó en la comedia “Un señorito en Nueva York (1988)” de Pat O’Connor con Harry Dean Stanton
  • Una extraordinaria interpretación tuvo en el drama “Mi pie izquierdo (1989)” de Jim Sheridan con Brenda Fricker, film en el que encarnó a una persona inválida que necesita de su pie para poder triunfar en la vida. Para poder interpretar este papel, Daniel permaneció varias semanas moviéndose en una silla de ruedas

Day-Lewis afiches

Después de este último film, volvió al teatro nacional para interpretar Hamlet, pero tres años más tarde volvió al cine:

  • Protagonizó el film de acción “El último mohicano (1992)” de Michael Mann con Madeleine Stowe, el cual fue un verdadero éxito taquillero y donde Day-Lewis encarnó el papel de Hawkeye
  • Bajo la dirección de Martin Scorsese, Lewis actuó en el drama romántico “La edad de la inocencia (1993)” con Michelle Pfeiffer y Winona Ryder
  • Volvió bajo la guía de Jim Sheridan, en el drama “En el nombre del padre (1993)” con Alison Crosbie y Emma Thompson, film que gira alrededor de los problemas políticos prevalecientes entonces en Irlanda del Norte
  • Volvió a actuar con Winona Ryder, en el drama “El crisol (1996)” de Nicholas Hytner
  • Sheridan le dio el papel protagónico de otro film con trama sobre Irlanda del Norte, esta vez el drama “The boxer (1998)” (El boxeador) con Daragh Donnelly, donde interpreta el papel de un púgil norirlandés.

En el presente milenio:

  • Co-protagonizó con Leonardo DiCaprio el drama- film de crimen “Gangs of New York (2002)” de Scorsese con Cameron Diaz y Liam Neeson
  • Protagonizó el drama “The ballad of Jack and Rose (2005)” (La balada de Jack y Rosa) de su esposa, la directora Rebecca Millar, con Camilla Belle
  • El drama-suspense “Pozos de ambición (2007)” de Paul Thomas Anderson con Martin Stringer
  • El drama-musical “Nine (2009)” de Rob Marshall con Marion Cotillard y Penélope Cruz, película que viene a ser un remake moderno del film “8 y medio (1967)” de Fellini
  • Los dramas “Lincoln (2012)” de Steven Spielberg con Sally Field, donde Day Lewis interpreta el papel del famoso presidente Abraham Lincoln
  • “El hilo invisible (2017)” de Thomas Anderson con Lesley Manville y Vickie Krieps, film en el que Day-Lewis interpreta el papel de un famoso diseñador, Reynolds Woodcock, cuya vida sufre cambios al conocer a una mujer, que al final se convierte en su amante.

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)”, “Lincoln (2012)” “El hilo invisible (2017)” como mejor actor. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Mi pie izquierdo (1989)”, “En el nombre del padre (1993)”, “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)” y “El hilo invisible (2017)”. Obtuvo este premio por “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”.

Obtuvo Satélite de Oro y SGA como mejor actor en drama por “Gangs of New York” (2002). Obtuvo premio del National Board Review de EE.UU. como mejor actor de reparto por “Una habitación con vistas (1985)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor por “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993)” y “Gangs of New York (2002)”. Obtuvo este premio por “Mi pie izquierdo (1989)”, “Pozos de ambición (2007)” y “Lincoln (2012)”. Nominado para David en el David Donatello como mejor actor extranjero por “En el nombre del padre (1993)”.

Day-Lewis ostenta una extensa lista de premios en varios certámenes de cine por sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)”, “El último mohicano (1992)”, “En el nombre del padre (1993), “The boxer (1998)” y “Gangs of New York (2002)”. Se puede decir que cada actuación suya en el cine ha sido normalmente un éxito en la carrera de este actor.

La revista Premiere ubicó sus actuaciones en “Mi pie izquierdo (1989)” y “Gangs of New York (2002)” en los lugares 11 y 53 de las 100 más grandes actuaciones de todos los tiempos, respectivamente. La revista Empire del Reino Unido lo ubicó, en octubre de 1997, en el puesto 25 de las 100 grandes estrellas del cine de todos los tiempos. En 2014, fue premiado como Caballero Bachiller de la Orden del Imperio Británico por sus servicios en el arte dramático, honores recibidos en ocasión del cumpleaños de la reina.

Es ciudadano irlandés desde 1993, además de su ciudadanía natural como inglés. En resumen ha actuado en 30 filmes entre 1971 y 2017.

Day-Lewis, después de concluida su actuación en “El hilo invisible (2017)”, declaró que se retiraba definitivamente del cine, alegaba que el papel interpretado en esa película le sumió en una depresión tan profunda que provocó su retiro del cine. En 2012, concluido el film “Lincoln (2012)” hizo una declaración similar de retiro.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

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Catherine Deneuve

Trabajar es un arte noble.”
Catherine Deneuve

Catherine DeneuveCatherine Deneuve
Cortesía doctormacro.com

Una de las actrices de mucho éxito en el cine francés ha sido Catherine Deneuve, cuya belleza unida a sus modales fríos e indiferentes le ha dado siempre un toque de originalidad en cada una de sus actuaciones. Catherine Dorléac nació el 22 de octubre de 1943 en París, en el seno de una familia de artistas, su padre era el actor teatral Maurice Dorleac, y su madre actriz. Fue por eso que aprendió rápido y pudo así debutar en la gran pantalla a la edad de los 13 años gracias a la ayuda de su  padre y de su hermana mayor, la ya fallecida actriz Françoise Dorléac. Para ese entonces, Catherine usó el nombre de soltera de su madre, quien también era actriz. Entonces su debut fue en en papel de reparto del drama “Les Collégiennes (1957)” (Las colegiales) de André Hunebelle, donde actúa aún con el nombre de Catherine Dorleac. A continuación actuó en el drama “Les portes claquent (1960)” (Golpe de puertas) de Michel Fermaud y Jacques Poitrenaud con su hermana, Françoise Dorléac, al que le siguieron:

  • Papeles de reparto del film de crimen “L’Homme à femmes (1960)” (El hombre de las mujeres) de Jacques-Gérard Cornu con Danielle Darrieux y Nicolas Amato;
  • del drama “Les Parisiennes (1962)” de Marc Allégret y Claude Barma, donde actúa con el cantante Johnny Hallyday y Elina Labourdette en el segmento “Sophie”.

Su primer papel protagónico lo tuvo en el drama “La vice et la vertu (1962)” (Vicio y virtud)  de Roger Vadim con Annie Girardot, al que le siguieron:

  • El drama “Et Satan conduit le bal (1962)” (Y Satanás conduce el baile) de Grisha Dabat con Jacques Perrin,
  • El drama rodado en Portugal “Vacances Portugaises (1963)” (Vacaciones portuguesas) de Pierre Kast con Michel Auclair
  • El drama- musical “Los paraguas de Cherbourg (1964)” de Jacques Demy con Nino Castelnuovo, que vino a ser su consagración sin haber cumplido los 20 años de edad.
  • La comedia-film de crimen “Las más famosas estafas del mundo (1964)” de Claude Chabrol y Jean-Luc Godard, donde Catherine actúa en el segmento “El hombre que vendió la Torre de Eiffel”.
  • Actuó en papel de reparto de la comedia “La caza del hombre (1964)” de Édouard Molinaro con Jean-Paul Belmondo y su hermana Françoise

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Sus características de mujer fría quedaron evidenciadas en su actuación como Carol en la macabra producción de Roman Polansky, “Repulsión (1965)” con Ian Hendry, posteriormente protagonizó:

  • La comedia “Esposa ingenua (1966)” de Jean-Paul Rappeneau con Pierre Brasseur
    El drama-fantasía “Las criaturas (1966)” de Agnès Varda con Michel Piccoli
  • El musical “Las Señoritas de Rochefort (1967)” de Demy con su hermana Françoise, la que moriría ese año en accidente automovilístico
  • El drama “Belle de Jour: bella de día (1967)” de Luis Buñuel con Jean Sorel, film en que la burguesa se siente atraída por la afición sexual al extremo de prostituirse.
  • Buñuel volvería a dirigirla en el drama “Tristana (1970)” al lado de Fernando Rey y Franco Nero, una de las mejores interpretaciones en la carrera de Catherine
  • La comedia “Benjamín (1968)” de Michel Deville con Michèle Morgan y Michel Piccoli
  • Los dramas “Mayerling (1968)” de Terence Young con Omar Sharif,
  • “El amor es un extraño juego (1968)” de Alain Cavalier con Michel Piccoli, donde nuevamente muestra a una mujer con inquietudes insatisfechas por su marido
  • El romance-film de aventura “La sirena del Mississippi (1969)” de François Truffaut con Jean Paul Belmondo
  • La comedia “Locos de abril (1969)” de Stuart Rosenberg con Jack Lemmon.
  • El drama “Piel de asno (1970)” de Jacques Demy con Jean Marais, donde interpreta dos papeles, el de princesa y el de reina azul

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En la década de los 70 sus mejores actuaciones fueron:

  • “La agresión (1975)” de Gérard Pirès con Jean Louis Tringtignant
  • Los dramas “Mi hombre es un salvaje (1975)” de Jean-Paul Rappeneau con Yves Montand,
  • “Alma perdida (1977)” de Dino Risi con Vittorio Gassman.

En la década de los 80, al parecer con nuevos bríos, protagonizó:

  • El drama “El último metro (1980)” de Truffaut con Gérard Depardieu, que tuvo buena acogida del público y la crítica
  • Los dramas del director André Téchiné “El hotel de las Américas (1981)” con Patrick Dewaere
  • “El lugar del crimen (1986)” con Danielle Darrieux, film rodado en EE.UU., –          “Mi estación preferida (1993)”, y
  • “Los ladrones (1996)”, donde Catherine interpreta el papel de una lesbiana. En las dos últimas películas mencionadas con Daniel Auteuil.

También aparecen en su repertorio:

  • El suspense “Agent trouble” (1987)” de Jean-Pierre Mocky con Richard Bohringer
  • El drama “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)” (Lugar divertido para un encuentro) de François Dupeyron con Gérard Depardieu
  • El suspense “Fréquence meurtre (1989)” (Asesinato frecuente) de Elisabeth Rappeneau con André Dussollier
  • Los dramas “La partida de ajedrez (1994)” de Yves Hanchar con Pierre Richard y Denis Lavant, film en el que interpreta el papel de condesa
  • “O Covento (1995)” del director portugués Manöel de Oliveira con John Malkovich
  • El documental “Las cien y una noche (1995)” de Agnès Varda, donde aparece también Mastroianni
  • El drama “Genealogías de un crimen (1997)” del director chileno radicado en Francia, Raúl Ruiz, con Michel Piccoli
  • El suspense “Place Vendôme (1998)” de Nicole García con Jean-Pierre Bacri y Emmanuelle Seigner, cuya trama es sobre unas joyas encontradas y al parecer robadas, y donde Catherine hace el papel de mujer adicta al alcohol y casada con el dueño de la joyería en la Plaza Vendôme, donde se hallan las joyas.

Catherine Deneuve afiche3

Para resaltar está su protagonismo en el drama “Indochina (1992)” de Régis Wargnier con Vincent Perez, el cual narra una historia que comienza en el Vietnam ocupado por Francia y concluye con el término de la guerra de este país con EE.UU. El film es realmente una joya desde el punto de vista histórico.  Otras actuaciones son:

  • En papel de reparto del musical-drama “Bailar en la oscuridad (2000)” de Lars von Trier con Björk y David Morse.
  • Protagonizando el film de acción “El mosquetero (2001)” de Peter Hyams con Mena Suvari
  • El musical-comedia “8 mujeres (2002)” de François Ozon con Danielle Darrieux nuevamente e Isabelle Huppert
  • Los dramas-comedias “Una película hablada (2003)” de Manoel de Oliveira con John Malkovich, Stefania Sandrelli e Irene Papas entre otros;
  • “Reyes y reinas (2004)” de Arnaud Desplechin con Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric
  • El drama “Otros tiempos (2004)” de André Techiné con Gérard Depardieu
  • La comedia “¡Palacio real!” (2005) dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier
  • Los dramas “Secretos cantados (2006)” de Thierry Klifa con Gérard Lanvin.
  • “La chica del tren (2009)” de André Téchiné con Émilke Dequenne
  • “Mères et filles (2009)” (Madres e hijas) de Julie Lopes Curval con Marina Hands
  • Las comedias-dramas “El viaje de Bettie (2013)” de Emmanuelle Bercot con Némo Schiffman
  • “En un patio de París (2014)” de Pierre Salvadori  con Gustav Kervern
  • En papeles de reparto de la comedia “El nuevo testamento (2015)” de Jaco Van Dormael con Pili Groyne
  • Del drama “Le cancre (2016)” (El burro) dirigida y protagonizada por Paul Vecchiali
  • Co-protagonizó con Catherine Frot el drama “Dos mujeres (2017)” de Martin Provost
  • Co-protagonizó con Kheiron la comedia “Malas hierbas (2018)” del mismo Kheiron

Las actuaciones de Catherine en Hollywood han sido escasas, entre ellas el film de crimen-drama “Destino fatal (1975)” de Robert Aldrich con Burt Reynolds y el film de terror “El ansia (1983)” de Tony Scott con David Bowie, donde Catherine hace el papel de vampireza.

Con su fallecido esposo, el actor Marcello Mastroianni, también actuó en los filmes “Angustia de un querer (1971)” de Nadine Trintignant, “No te puedes fiar de la cigüeña (1973)” de Demy y “No tocar a la mujer blanca (1974)” de Marco Ferreri,

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Indochina  (1992)”. Nominada para Satélite de Oro como mejor actriz de reparto en drama por ““Bailar en la oscuridad (2000)”.

Nominada para premio César como mejor actriz por “Mi hombre es un salvaje (1975)” “El hotel de las Américas (1981)”, “Agent trouble” (1987)”, “Drôle d’endroit pour une rencontre (1988)”, “Mi estación preferida (1993)”,  “Los ladrones (1996)” y “Place Vendôme (1998)”. Obtuvo premio César como mejor actriz por “El último metro (1980)” e “Indochina  (1992)”. Nominada para premio BAFTA como mejor actriz por “Belle de jour: bella de día (1967)”. Obtuvo el premio David en el David di Donatello como mejor actriz extranjera por “El último metro (1980)”. En 1998 obtuvo la Copa de Zorros como mejor actriz por “Place Vendôme” (1998).

En 1993 obtuvo el premio internacional en el certamen Women in Films. En 1995 obtuvo el premio Donostia en el Festival de San Sebastián por su carrera artística. En 1997 obtuvo la plata de San Jorge en el festival de Moscú. En 1998 ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín. Catherine es Embajadora de Buena Voluntad de la UNESCO y es presentadora del premio especial de cine por la cultura de la Paz.

Entre 1957 y 2018 Catherine ha actuado en 132 filmes.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 7 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

 

Leslie Howard

“Soy un tremendo admirador del poder de la comunicación..
No creo que haya algo mejor para la audiencia pública en general.”
Leslie Howard

Leslie Howard

Leslie Howard en “El bosque petrificado (1936)”. Cortesía Doctormacro.com

Hablar de Leslie Howard en el cine es referirse a uno de los actores de mayor excelencia en la interpretación, quien logró sus mejores resultados interpretando papeles de persona humilde, modesta, a veces taciturna.  Leslie Howard Stainer nació el 3 de abril de 1893 en Londres, Inglaterra, en el seno de una familia, cuyo padre era judío-húngaro y su madre inglesa de descendencia judía-alemana e inglesa. Su primer trabajo en su juventud fue en un banco. Nunca se caracterizó por ser un hombre de buena salud y en plena Primera Guerra Mundial se le aconsejó trabajo con reposo, después de lo cual comenzó a estudiar interpretación. Primero debutó en el teatro, donde obtuvo grandes éxitos de inmediato. Desde 1914 actuó como extra en algunos cortos y filmes en la gran pantalla.

Con tanta fama no le fue difícil llegar a Broadway y de ahí a Hollywood, donde debutó en el drama “Outward bound (1930)” (Atado al exterior) de Robert Milton con Douglas Fairbanks Jr., obra que Howard ya había protagonizado en el teatro. En ese entonces ya era todo un actor de interpretaciones sólidas y reconocidas por la crítica y el público. En lo sucesivo actuó en:

  • El drama “Prohibido (1931)” de W.S. Van Dyke con Conchita Montenegro
  • El film de crimen-drama “Un alma libre (1931)” de Clarence Brown con Norma Shearer y Lionel Barrymore
  • La comedia-drama “Devotamente tuya (1931)” de Robert Milton con Ann Harding
  • La comedia “The animal kingdom (1932)” (El reino animal) de Edward H. Griffith con Ann Harding y Mirna Loy
  • El drama “La llama eterna (1932)” de Sydney Franklin con Norma Shearer y Fredric March
  • El drama-oeste “Secretos (1933)” de Frank Borzage con Mary Pickford
  • El romance “La plaza de Berkeley (1933)” de Frank Lloyd con Heather Angel
  • El film de aventura “La pimpinela escarlata (1934)” de Harold Young y Alexander Korda con Merle Oberon

Leslie Howard afiches

  • El romance “Agente británico (1934)” de Michael Curtiz con Kay Francis, donde interpreta el papel de agente de su país en la Rusia bolchevique
  • El drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Bette Davis, donde Howard brilla con su actuación
  • El clásico “Romeo y Julieta (1936)” de George Cukor con Norma Shearer nuevamente,
  • El drama “El bosque petrificado (1936)” con Bette Davis y con el entonces casi desconocido Humphrey Bogart, quien obtuvo el papel gracias a Howard, quien reclamó la presencia de Bogart por su experiencia en ese rol en teatro
  • Las comedias “Es amor lo que busco (1937)” con Bette Davis y Olivia De Havilland, estas dos últimas películas dirigidas por Archie Mayo,
  • “Siempre Eva (1938)” de Tay Garnett con Joan Blondell y Bogart nuevamente
  • El drama “Pigmalion (1938)” del propio Howard en adaptación de la obra de George Bernard Shaw
  • El remake del romance “Intermezzo (1939)” de Gregory Ratoff con Ingrid Bergman

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Finalmente formó parte del reparto estelar del famoso largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming y George Cukor con Clark Gable, Vivien Leigh y Olivia De Havilland, donde Howard interpretó el papel del siempre querido Ashley Wilkes.

Leslie Howard y Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó

Leslie Howard y Vivien Leigh en “Lo que el viento se llevó (1939)”. Cortesía doctormacro.com

En la década de los 40:

  • Dirigió y protagonizó los dramas “Pimpenela Smith (1941)” con Francis L. Sullivan,
  • “El gran Mitchell (1942)” con David Niven
  • Co-protagonizó con Laurence Olivier el drama-film bélico “Los invasores (1941)” de Michael Powell
  • Fungió como narrador de la comedia “The gentle sex (1943)” (El sexo amable)

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “La plaza de Berkeley (1933)” y “Pigmalion (1938)”. Por este mismo film obtuvo Copa de Lobos en el Festival de Venecia como mejor actor.

En resumen actuó en 33 filmes entre 1914 y 1933, productor de 11, guionista de uno y director de cuatro películas. Murió en vuelo de la compañía British Overseas Airways Corporation (BOAC) a bordo de un DC-3, el cual llevaba cuatro miembros de tripulación y un total de trece pasajeros. La nave despegó del aeropuerto de  Portela en Lisboa, Portugal, rumbo al aeropuerto de Whitchurch cerca de Bristol, Inglaterra, el 1 de junio de 1943, la que fue atacada por ocho aviones de guerra alemanes cuando la nave de la BOAC pasaba por la costa norte de España. Producto de los disparos recibidos, el avión cayó en el golfo de Vizcaya y sus 17 personas a bordo perecieron.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 junio de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Alec Guinness

Me sobrecojo cada vez que alguien me
menciona La guerra de las galaxias
”.
Alec Guinness

Alec Guinness

Alec Guinness. Cortesía Doctormacro.com

Cuando se habla de grandes actores de todos los tiempos, es obligado hablar de Sir Alec Guinness, el que imprimía seriedad a sus personajes y naturalidad al interpretarlos. Alec Guinness de Cuffe nació el 2 de abril de 1914 en Londres, Inglaterra. En su juventud trabajó en publicidad y a la vez estudió interpretación en el Fay Compton Estudio de Arte Dramático. En 1934 debutó en el teatro y en 1936 actuaba en el famoso Old Vic. Su carrera, como la de otros actores, se vio interrumpida durante la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió en la Marina Real enviando suministros a los guerrilleros yugoslavos.

Guinness había debutado en el cine como extra  en el drama “La canción del crepúsculo (1934)” de Victor Saville. Luego desapareció por diversas razones, incluyendo su servicio durante la segunda guerra, y regresó para actuar en papel de reparto del drama “Cadenas rotas (1946)” de David Lean con John Mills, al que le siguieron otros papeles de reparto:

  • Del drama “Oliver Twist (1948)”, del propio Lean con Robert Newton, film basado en la novela del mismo nombre de Charles Dickens. Aquí Guinness es Fagin.
  • De las comedias “Ocho sentencias de muerte (1949)” de Robert Hamer con Dennis Price, en el que increíblemente Guinness interpreta ocho papeles
  • “El hombre vestido de blanco (1951)” de Alexander Mackendrick con Joan Greenwood, sobre la vida de un químico de buenas intenciones
  • “Oro en barras (1951)” de Charles Crichton con Stanley Holloway

Guinness afiches

En la década de los 50 continuó su labor artística:

  • Protagonizando el film de guerra “Historia de Malta (1953)” de Brain Desmond Hurst con Jack Hawkins
  • Las comedias “El paraíso del capitán (1953)” de Anthony Kimmins con Yvonne De Carlo,
  • “El detective (1954)” de Hamer con Joan Greenwood
  • “El quinteto de la muerte (1955)” de Mackendrick con Cecil Parker,
  • “A París con amor (1955)” de Hamer con Odile Versois
  • El drama “El prisionero (1955)” de Peter Glenville con Jack Hawkins
  • La comedia romántica “El cisne (1956)” de Charles Vidor con Grace Kelly
  • Una excelente actuación tuvo en el film de guerra “El puente sobre el Río Kwai (1957)” de David Lean con William Holden, donde interpretó el papel de oficial jefe británico de los prisioneros de guerra en mano de las tropas japonesas
  • El film de fantasía “Un genio anda suelto (1958)” de Ronald Neame con Kay Walsh
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Hamer con Bette Davis, donde Guinness interpreta dos papeles en el filme
  • Los dramas “Nuestro hombre en la Habana (1959)” de Carol Reed con Maureen O’Hara, film basado en una novela de Graham Greene, toda una joya de todos los tiempos
  • “Tunes of glory (1960)” (Melodías de gloria) de Neame con John Mills

Guinness afiches 3

Inició la década de los 60 protagonizando la comedia “A majority of one (1961)” (La mayoría de uno) de Mervyn LeRoy con Rosalind Russell, al que le siguieron:

  • El film de aventura “Lawrence de Arabia (1962)” de Lean con Peter O’Toole, Anthony Quinn y Omar Sharif, donde Guinness interpreta el papel del rey Feisal
  • En otros papeles de reparto del drama histórico “La caída del Imperio romano (1964)” de Anthony Mann con Sofia Loren, tephen Boyd y James Mason
  • De los dramas “Doctor Zhivago (1965)” de Lean con Geraldine Chaplin, Rod Steiger y Omar Sharif,
  • “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville con Richard Burton y Elizabeth Taylor

Guinness afiches 2

En las siguientes décadas:

  • Protagonizó el drama musical “Muchas gracias, Mr. Scrooge (1970)” de Neame con Albert Finney
  • Los dramas “Cromwell (1970)” de Ken Hughes con Richard Harris, donde nuevamente Guinness es monarca, esta vez rey de Inglaterra,
  • “Hitler: los últimos diez días (1973)” de Ennio De Concini con Simon Ward, donde Guinness interpreta el papel de Adolfo Hitler,
  • “Hermano Sol, hermana Luna (1973)” de Franco Zefirelli con Graham Faulkner
  • La comedia-film de misterio “Un cadáver a los postres (1976)” de Robert Moore con Hielen Brennan y Truman Capote
  • La serie de filmes de ciencia ficción “Guerra de las Galaxias (1977)”,
  • “El Imperio contraataca (1980)”,
  • “El retorno del Jedi (1983)” de George Lucas, donde Guiness interpretó el papel de Ben (Obi –Wan) Kenobi
  • En papeles de reparto de la comedia “Loco de amor (1983)” de Marshall Brickman con Dudley Moore y Elizabeth McGovern
  • Los dramas “Pasaje a la India (1984)” de Lean nuevamente con Judy Davis,
  • “La pequeña Dorrit (1988)” de Christine Edgard con John Atkinson, basado nuevamente en una obra de Dickens
  • “Un puñado de polvo (1988)” de Charles Sturridge con Kristin Scott Thomas,
  • “Kafka, la verdad oculta (1991)” de Steven Soderbergh con Jeremy Irons y Theresa Russell,
  • “A foreign field (1993)” (Un campo ajeno) de Sturridge con Leo McKern, Laureen Bacall, Geraldine Chaplin y Jeanne Moreau

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Para la TV protagonizó el drama- suspense “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)” (Hojalatero, marinero, soldado y espía) de John Irvin con Michael Jayston.Su última aparición en la gran pantalla fue en el suspense “Testigo mudo (1994)” de Anthony Waller con Marina Zudina. Como se habrá podido apreciar, Guinness fue actor favorito de los directores David Lean y Ronald Neame.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y  “La pequeña Dorrit (1988)”; como mejor actor por “Oro en barras (1951)”; y como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. En 1980 obtuvo OSCAR en honor a su carrera.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias (1977)” y “La pequeña Dorrit (1988)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”.Obtuvo premios del National Board Review de EE.UU. como mejor actor por “Ocho sentencias de muerte (1949)” y “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio Saturn como mejor actor de reparto por “Guerra de las Galaxias 1977)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor británico por “El prisionero (1955)”, “Tunes of glory (1960)”: como mejor guión por “Un genio anda suelto (1958)”. Obtuvo premio BAFTA como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)” y “Tinker, sailor, soldier, spy (1979) (mini)”.

En 1988 obtuvo Oso de Oro en el festival de Berlín en honor a su carrera y en 1996, y un premio similar del European Film Awards. Obtuvo premio del sindicato nacional italiano de críticos de cine como mejor actor en film extranjero por “Oro en barras (1951)”.Obtuvo copa de Zorros en el festival de Venecia como mejor actor por “Un genio anda suelto (1958)”.

Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “El puente sobre el Río Kwai (1957)”. Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Los Ángeles por “La pequeña Dorrit (1988)”.

Premiado como Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1955, en ocasión de los honores por el cumpleaños de la reina Isabel. En 1994, en igual aniversario, fue condecorado como Compañero de Honor. Previamente, en 1959, fue condecorado como Caballero de la Orden del Imperio Británico, siempre por sus servicios al arte drámatico.

Hay dos biografía de este autor, la primera se denomina “Blessings in disguise” (Bendiciones disfrazadas) publicada en  1985, y la segunda escrita por Ronald L. Smith, llamada “Who’s Who in Comedy” (Quién es quién en la comedia).

En resumen actuó en 61 filmes entre 1934 y 1996, y guionista de una película. Falleció de cáncer en el hígado el 5 de agosto de 2000 en Midhurst, Sussex, Inglaterra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”

 

 

Bette Davis

El éxito solo conduce a una nueva meta”.
Bette Davis

Bette Davis

Bette Davis. Cortesía doctormacro.com

Ruth Elizabeth Davis fue una actriz de reconocidos éxitos en el cine durante los años 30 al 50, que se caracterizó por protagonizar dramas interpretando roles de dama de carácter fuerte, a veces arrogante y oportunista en el amor, pocas veces como mujer débil. Bette nació el 5 de abril de 1908 en Lowell, Massachusetts, hija de padre dedicado a asuntos legales de patente, pero criada por su madre, la que se divorció del padre de Bette cuando la niña tenía 10 años. En su niñez, la pequeña Bette tenía interés en convertirse en bailarina, deseo que abandonó, por lo agotador que le resultaba su práctica. A la actuación llegó al matricularse en una escuela de arte dramático en Nueva York, donde resultó ser alumna estrella. En 1923 actuó en la obra “The Earth Between” (La Tierra de por medio) en el mismo Broadway, donde continuó actuando hasta que fuera contratada por la Universal en 1930. En Hollywood debutó en la gran pantalla en papel  secundario del drama “Mala hermana (1931)”, donde de Hobart Henley con Conrad Ángel y Sidney Fox, no causó ninguna impresión. Posteriormente actuó en otro papel de reparto en el drama “Volver a casa (1931)” de William A. Seiter y protagonizado por Phillips Lord y Effie Palmer. Así las cosas y en 1932 fue contratada por la Warner Bros. Nuevamente secundaria, apareció en el drama-film de crimen “La estatua vengadora (1932)” de Roy William Neill con H.B. Warner. Actuaciones protagónicas comenzaron a partir de los dramas “Casa correccional (1932)” de Howard Higgin con Pat O´Brien, “La oculta providencia (1932)” de John G. Adolfi con George Arliss, y drama-film de crimen “Veinte mil años en Sing-Sing (1932)” de Michael Curtiz, co-protagonizado por Spencer Tracy.

Bette Davis afiches

Bette tuvo una estelar  actuación en el drama “Cautivo del deseo (1934)” de John Cromwell con Leslie Howard, film basado en una novela de Sommerset Maughan, donde ella interpreta el papel de una mujer aprovechada del amor de un joven inteligente y con problemas en uno de sus pies. Se puede decir que a partir de entonces Bette fue consolidándose como actriz con un estilo muy propio en cada una de sus interpretaciones. En lo sucesivo:

  • Protagonizó el drama “Peligrosa (1935)” de Alfred E. Green con Franchot Tone
  • El film de crimen-drama “El bosque petrificado (1936)” de Archie Mayo con Howard nuevamente y Humphrey Bogart, una verdadera joya del cine clásico
  • La comedia “Golden arrow (1936)” (Flecha dorada) de Green con George Brent
  • El drama-film de crimen “La mujer marcada (1937)” de Lloyd Bacon con Humphrey Bogart, un filme que aborda la prostitución ilegal en los EE.UU.
  • Los dramas “Kid Gallahad (1937)” de Michael Curtiz con Edward G. Robinson y Humphrey Bogart,
  • “Jezebel (1938)” de William Wyler con Henry Fonda, donde Bette es todo una perversa
  • “Las hermanas (1938)” de Anatole Litvak con Errol Flynn, tres hermanas juzgadas por sus problemáticos matrimonios
  • “Juárez (1939)” de William Dieterle con Paul Muni, donde interpreta el papel de Carlota de México
  • “La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)” de Curtiz con Flynn y Olivia De Havilland, como intérprete de la reina Elizabeth I
  • “Amarga victoria (1939)” con George Brent y Humphrey Bogart, cuando un ser humano se debate entre la vida o la muerte producto de su escasa salud
  • “La solterona (1939)” con Miriam Hopkins y Brent nuevamente, con una Bette Davis dominante como de costumbre. Estas dos últimas películas de Edmund Goulding,
  • “La carta (1940)” de Wyler con Herbert Marshall, otra excelente trama con brillantes actuaciones de Bette y de H. Marshall

Bette Davis afiches 2

En la siguiente década continuó su prolífica carrera artística, como fue en:

  • Los dramas “La loba (1941)” de Wyler con Marshall nuevamente, de tanta calidad como “La carta”
  • “La gran mentira (1941)” de Goulding con Brent, trama con un enredo propio de cine
  • “Como ella sola (1942)” de John Huston con Olivia De Havilland y Brent nuevamente, donde Bette y Olivia aparecen como hermanas en el filme
  • “La extraña pasajera (1942)” de Irving Rapper con Paul Henreid, con Bette como una flor renaciente
  • “Vieja amistad (1943)” con la Hopkins nuevamente, con algún parecido a “Ricas y famosas”
  • “Señor Skenffington (1943)” con Claude Rains, estas dos últimas del director Vincent Sherman, cuya trama es el sacrificio de una mujer que se casa con un millonario con tal de salvar a su hermano de la cárcel
  • “Una vida robada (1946)” de Curtis Bernhardt con Glenn Ford, donde Bette interpreta el papel de dos gemelas, aunque con diferente comportamiento ante la vida
  • “Encuentro invernal (1948)” de Bretaigne Windust con Janis Paige, filme romántico con Bette como poetisa
  • El suspense “Más allá del bosque (1949)” de King Vidor con Joseph Cotten, con adulterio en la trama
  • El drama “Eva al desnudo (1950)” de Joseph L. Mankiewicz con Anne Baxter, Celeste Holm, George Sanders y Marilyn Monroe

Bette Davis afiches 3

En las siguientes décadas y hasta el final de su carrera, protagonizó:

  • Los dramas “La egoísta (1951)” de Curtis Bernhardt con Barry Sullivan, con trama sobre los divorcios
  • “La estrella (1952)” de Stuart Heisler con Sterling Hayden, con romance de sus protagonistas
  • “El favorito de la reina (1955)” de Henry Koster con Richard Todd, donde nuevamente interpreta el papel de la reina Elizabeth I
  • El film de misterio “Donde el círculo termina (1959)” de Robert Hamer con Alec Guinness, enredo de doble personalidad encarnada por Guinness, mientras Bette es la condesa de la trama
  • La comedia-drama “Un gánster para un milagro (1961)” de Frank Capra con Glenn Ford
  • Con su eterna rival, Joan Crawford, en el drama “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)” de Robert Aldrich, donde interpreta el papel de una hermana envidiosa y malvada
  • El film de horror “Canción de cuna para un cadáver (1964)” de Robert Aldrich con Olivia De Havilland y Joseph Cotten, terror difícil de digerir
  • En papeles de reparto de otro film de horror, “Pesadilla diabólica (1976)” de Dan Curtis con Karen Black y Oliver Reed, igualmente terror desde el inicio
  • De los dramas “Las ballenas de agosto (1987)” de Lindsay Anderson con Lilian Gish,
  • “La bruja de mi madre (1989)” de Larry Cohen con Barbara Carrera, que fuera su última aparición en pantalla

Bette Davis afiches 4

Bette fue también activa actriz de la TV, así protagonizó los dramas:

  • “The disappearance of Aimee (1976)” (La desaparición de Aimée) de Anthony Harvey con Faye Dunaway,
  • “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)” (Extraños: la historia de una madre y una hija) de Milton Katselas con Gena Rowlands,
  • “White Mama” (1980) de Jackie Cooper con Ernest Harden Jr.,
  • “A piano for Mrs. Cimino (1982)” (Un piano para la señora Cimino) de George Schaefer con Penny Fuller,
  • “Little Gloria… happy at last (1982)” (Pequeña Gloria… feliz al fin) de Waris Hussein con Martin Balsam,
  • “Right of way (1983)” (Por el camino derecho) de George Schaefer con James StewartEn papel de reparto del drama “As summers die (1986)” (Mientras el verano muere) de Jean-Claude Tramont con Jamie Lee Curtis y Scott Glenn

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Cautivo del deseo (1934)”,  “Amarga victoria (1939)”, “La carta (1940)”, “La loba (1941)”, “La extraña pasajera (1942)”, “Sr. Skenffington” (1943), “Eva al desnudo (1950)”, “La estrella (1952)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Como curiosidad, Bette fue nominada para Oscar durante cinco años consecutivos, 1939, 1940, 1941, 1942 y 1943. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “Peligrosa (1935)” y “Jezebel (1938)”. Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Eva al desnudo (1950)” y “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. En 1974 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominada para premio BAFTA como mejor actriz extranjera por “¿Qué fue de Baby Jane? (1962)”. Obtuvo premio en el festival de Cannes, cinta de plata del sindicato italiano de cronistas de cine y premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por “Eva al desnudo (1950)”. Obtuvo Copa de Zorros en el festival de Venecia por  “Kid Gallahad (1937)”.

Obtuvo Pergamino de Oro de la Academia Fílmica de Ciencia Ficción, Horror y Fantasía como mejor actriz de reparto por “Pesadilla diabólica (1976)”. Obtuvo premios CableAce como mejor actriz en programa dramático o teatral por “Right of way (1983)”, y en miniseries por “As summers die (1986)”. Nominada para Emmy como mejor actriz en series por “White mama (1980)”, y como mejor actriz  de reparto en series por “Little Gloria… happy at last (1982)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Strangers: The story of a mother and daughter (1979)”.

En 1941 y 1963 obtuvo Manzana de Oro como actriz más cooperativa. En 1977 recibió premio por su labor artística del Instituto Fílmico Americano. En 1986 recibió Cesar en honor a su carrera artística. En 1983 se le entregó el premio Crystal en el certamen Women in Film Crystal. En 1989 obtuvo el premio Gala Tribute del Lincoln Center, y el Donostia a su carrera en el festival de San Sebastián.

Ha sido catalogada como segunda en la lista de las Grandes Leyendas de la Pantalla por el Instituto Americano Fílmico y como décima gran estrella de todos los tiempos por el Entertainment Weekly. Una calle en ciudad Iowa, estado de Iowa, lleva su nombre.

En resumen actuó en 122 filmes entre 1931 y 1989, productora de una película. Falleció de cáncer en la mama el 6 de octubre de 1989 en Neuilly, Francia.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

 

 

Federico Fellini

Tú solo existes en lo que tú haces.”
Federico Fellini

Federico Fellini

Federico Fellini, también conocido como FeFe o El Maestro, fue un cineasta que marcó una época en el cine italiano, durante la cual realizó filmes con tramas poco convencionales, las que corrían a veces de forma irracional, con imágenes que parecían revelaciones de sus sueños o sus ideas. A Fellini se le considera todo un genio de la cinematografía a nivel mundial y uno de los grandes exponentes del surrealismo en el séptimo arte, pero el aficionado al cine debe hacer un esfuerzo para entenderlo, el mismo que muchos hacemos para entender una pintura abstracta. Fellini nació el 20 de enero de 1920 en Gambettola, pueblo al oeste de Rimini, Italia. Estudió en la escuela de San Vincenzo y desde niño se inclinó por el dibujo y la caricatura, luego estudió en el liceo Giulio Cesare. En su adolescencia publicó un buen número de caricaturas de sus compañeros del campamento, adonde asistió en el verano de 1936, perteneciente a la organización juvenil del Partido Nacional Fascista. En lo sucesivo continuó escribiendo y dibujando. Su familia se trasladó a vivir a Roma, donde Fellini prosiguió en estos quehaceres, escribiendo para la revista satírica “Marc’Aurelio”, a la vez que comenzó estudios de derecho y jurisprudencia que nunca llegó a terminar. Para la radio escribió seriales como “Cico e Pallina”, donde Pallina era interpretada por Giulietta Massina, además compuso algunas canciones. En el mundo del cine se inició como guionista en la comedia  de Mario Bonnard, “Avanti c´é posto (1942)” (Adelante, hay puesto), trabajo que continuó haciendo a lo largo de la década de los 40.

En 1943, Fellini se casó con la mencionada actriz Giulietta Massina, matrimonio que duró hasta su fallecimiento, en el cual tuvieron un hijo, el que murió a las doce días de su nacimiento.

Tras la caída del fascismo en Italia, Fellini abrió una tienda de fotos y caricaturas en Roma, la que llamó en inglés “The funny face shop” (La cara divertida). Poco después conoció al director Roberto Rossellini, con el cual colaboró, y para el cual escribió los guiones del famoso drama “Roma, ciudad abierta (1946)” protagonizado por Anna Magnani, y del drama-film de guerra “Camarada (1946)”, ambos de Rosellini. , a quien había conocido en 1944 e influyó decididamente en la vocación de cineasta de Fellini. Otros guiones aportados por este cineasta fueron los de las películas “Sin piedad (1948)” y “El molino del Po (1949)” del director Alberto Lattuada, y “En nombre de la ley (1949)” y “La ciudad se defiende (1951)” de Pietro Germi.

Como actor, algo que hizo rara vez, se estrenó en el segmento “Il miracolo” (El milagro) del drama “El amor (1948)” de Rossellini, mientras que como director debutó con el drama “Luci del varietà (1951)”, que fuera realizado en colaboración con Alberto Lattuada, al que le siguió la comedia-drama “El jeque blanco (1952)” con guión en colaboración con Michelangelo Antonioni, y que contó con el protagonismo del comediante Alberto Sordi. A continuación dirigió:

  • Los dramas “Los inútiles (1953)” con Franco Interlenghi y Sordi nuevamente,
  • “La strada (1954)” (La calle) con Anthony Quinn,
  • “Almas sin conciencia (1955)” con Broderick Crawford, film que trata sobre un grupo de tramposos,
  • “Las noches de Cabiria (1956)” con Giulietta Masina, film que trató la cuestión de la prostitución desde una perspectiva social más justa

Federico Fellini Afiches

Todo esto hasta llegar su gran éxito, el famoso drama “La Dolce Vita (1960)” con Marcello Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, film cuya estructura es difícil de seguir o entender, donde el movimiento de las personas parece que no tiene una ruta definida. El filme tiene el mérito de mostrar las bellezas de Roma, desde la Fuente de Trevi, donde la Ekberg entra atrevidamente en el agua, hasta los restoranes de vía Veneto, donde los turistas ricos gastan dinero sin pensarlo. Interesante hacer notar que el término de Paparazzo, más conocido en plural como Paparazzi, se hace famoso a partir de esta película por un periodista, interpretado por el actor Walter Santesso, muy dado a fotografiar a las celebridades.

La dolce vita

En las décadas de los 60 y 70, Fellini realizó:

  • El drama “Ocho ½ (1963)” con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Anouk Aimée nuevamente, cuya trama es la de un director que logra un éxito y luego no sabe cómo seguir adelante en su trabajo.
  • Las comedias-dramas “Giulietta de los espíritus (1965)” con Giulietta Massina y Sandra Milo, donde se muestra como una mujer casada al final abandona a su marido impertinente,
  • “Fellini Satiricón (1969)” con Martin Potter, film sobre la vida de dos jóvenes en la Roma del primer siglo
  • La comedia para la TV “I Clowns” (1970), película considerada como nostálgica y que gira en el ambiente de un circo
  • El drama “Roma (1972)” con Peter Gonzales, donde de nuevo no hay una secuencia clara del film, que más bien busca mostrar a Roma a los ojos de un simple espectador, cuando llegó a ella en el período de guerra y como la ve actualmente.
  • El drama-comedia “Amarcord (1973)” con Pupella Maggio y Armando Brancia, que refleja la situación de la ciudad de Rimini, lugar de nacimiento de Fellini, durante el período de guerra.
  • El drama con un título muy sugerente, “Il Casanova di Federico Fellini (1976)” con Donald Sutherland, tan enamorado y conquistador como los otros Casanovas conocidos.

Federico Fellini Afiches 2

A partir de la década de los 80 hasta el final de su carrera, Fellini dirigió:

  • El drama “La ciudad de las mujeres (1980)” con Mastroianni, donde un hombre aparece atrapado en un hotel por un grupo de mujeres
  • Las comedias “Y la nave se va (1983)” con Freddie Jones,
  • “Ginger y Fred (1986)” con Mastroianni y la Masina, quienes interpretan los papeles de Pio y Amelia, respectivamente
  • El drama-comedia “Entrevista (1987)” con Mastroianni y Sergio Rubini, film que aparece como una entrevista realizada al propio Fellini
  • La comedia “La voz de la Luna (1990)” con Roberto Benigni.

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Nominado para OSCAR como mejor montaje y guión por “Roma, ciudad abierta (1945)”, “Camarada (1946)”, “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)” y “Il Casanova di Federico Fellini (1976)”; nominado como mejor director, montaje y guión por “La Dolce Vita (1961)”, “Ocho ½ (1963)”, y “Amarcord (1975)”, así como mejor director por “Fellini Satiricón (1970)” . Recibió OSCAR en honor a su carrera cinematográfica en 1993.

Nominado para DGA como mejor director por “Ocho ½ (1963)”. Recibió premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor director por “Amarcord (1975)”.

Nominado para BAFTA como mejor film por “La Dolce Vita (1961)”, y como mejor film en lengua extranjera por “Ginger y Fred (1986)”. Obtuvo este premio como mejor producción y diseño artístico por “Il Casanova di Federico Fellini (1976)”.

Obtuvo Palma de Oro en el festival de Cannes por “La Dolce Vita (1961)”, premio OCIC por “Las noches de Cabiria (1957)”, gran premio del jurado por “Roma (1972)”, y premio 40 Aniversario por “Entrevista (1987)”. Nominado para César como mejor film extranjero por “Entrevista (1987)”.

Obtuvo Bodil como mejor film extranjero por “La strada (1954)”, “Ocho ½ (1963)” y “Amarcord (1975)”, premios de Oro en el festival de Moscú por “Otto ½” (1963) y “Entrevista (1987)”, y premio St Jordi como mejor película extranjera por “Y la nave se va (1983)”.

Obtuvo premio David en el David di Donatello como mejor film por “Amarcord” (1975), como mejor montaje y premio Luchino Visconti por “E la nave va” (1983), premio René Clair por “Ginger e Fred” (1986), y medalla de Oro de la ciudad de Roma.

Nominado para León de Oro en el festival de Venecia por “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)” y “Almas sin conciencia (1955)”. Obtuvo León de plata por los dos primeros filmes antes mencionados, además de León de Oro por su carrera en 1985.  Obtuvo cintas de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director por “Los inútiles (1953)”, “La strada (1954)”, “Las noches de Cabiria (1957)”, “La ciudad de las mujeres (1980)” y “Y la nave se va (1983)”; como mejor guión “La Dolce Vita (1961)”; como mejor guión y montaje por “Amarcord” (1975), y como mejor guión, montaje y dirección por “Ocho ½ (1963)”.

En 1985 recibió el premio Gala Tribute de la Sociedad Fílmica del Lincoln Center, en 1987 Nocciola de Oro en el festival de Giffoni, y en 1989 premio a su carrera del European Film Awards.  El Entertainment Weekly lo nombró como el décimo director más grandes de todos los tiempos.

En resumen dirigió 27 filmes entre 1951 y 1991, guionista de 53, productor de uno y actuó en dos películas. Murió de un infarto cardiaco el 31 de octubre de 1991 en Roma. Sus restos yacen juntos a los de su esposa Giulietta Massina y su hijo Pier Federico en el cementerio de Rimini.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 23 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de la web IMDB.com

Oliver Hardy y Stan Laurel, el gordo y el flaco

Odio ver hombres grandes tambaleándose por todos lados.”
Oliver Hardy

No te volveré a hablar si lloras en mi funeral”.
Stan Laurel

Laurel y Hardy

Se trata del famoso dúo de  los cómicos “el gordo y el flaco”, los que actuaron juntos en más de un centenar de películas de variada duración. La pareja estaba constituida por inglés Arthur Stanley Jefferson (el flaco), nacido el 16 de junio de 1890 en Cumbria, Inglaterra, nacido en el seno de una familia, cuyo padre fue actor y director de teatro. Laurel debutó en las tablas en 1916 en el Museo de Pickard en Glasgow. Posteriormente viajó a EE.UU. y actuó dentro de la compañía de vodevil de Fred Karno en 1910, viaje que se repitió en 1913. Un tercer viaje a los EE.UU. le convenció de quedarse para seguir actuando en cine, particularmente con la compañía del realizador Hal Roach.

Oliver Norvell Hardy (El gordo) nació el 18 de anero de 1892 en Harlem, Georgia, en el seno de una familia que nada tenía que ver con el arte o el cine. Desde pequeño se inclinó por el canto y a la edad de 18 años tenía un modesto teatro, donde se dedicó a la interpretación y dejó de lado posibles estudios en leyes. En 1913 se convirtió en comediante dentro de la Compañía Lubin de Florida, fue así que comenzó a actuar en distintos cortos. Su debut real fue en el corto “Outwitting Dad (1914)” (Superando a Papá). Así continuó su carrera, lo mismo actuaba en comedias que oestes hasta que actuó por primera vez con Stan Laurel (El flaco) en el corto “Lucky dog (1917)” (Perro feliz). Sin embargo, la unión de ambos en dúo demoró y tuvo lugar en los Estudios de la compañía de Hal Roach, en el corto-comedia “45 Minutes from Hollywood (1926)” (45 minutos de Hollywood) del director Fred Guiol. Luego co-protagonizaron otra comedia “Sugar daddies (1927)” (Padrecitos azucarados) de Guiol y Leo McCarey, cuyo protagonista principal fue James Finlayson. El protagonismo del dúo en película llegó con las comedias “Putting pants on Philip (1927)” (Poniéndole calcetines a Philip) y “From soup to nuts (1928)” (De sopa a nueces), ambas de McCarey y H.M. Walker, además del corto “The battle of the century (1927)” (La batalla del siglo) de Clyde Bruckman.

Laurel y Hardy afiche

En lo sucesivo protagonizaron las comedias:

  • “Two tars (1928)” (Dos alquitranes) de James Parrott con Edgar Kennedy,
  • “Big business (1929)” (Gran negocio) de James W. Horne y Leo McCarey

Llegó el cine sonoro, al cual se adaptaron con relativa facilidad. Sus mejores comedias entonces fueron:

  • “Men O’War (1929)” (Hombres O’Guerra) de Lewis R. Foster,
  • “Perfect day” (Día perfecto),
  • “The hoose gow”, ambas de 1929 y dirigidas por Parrott,
  • “De bote en bote (1931)” de Parrott con Boris Karloff,
  • “Pack up your troubles (1932)” (Empaca tus problemas) de George Marshall y Ray McCarey
  • La opereta cómica “The Devil’s brother (1933)” (El hermano del diablo) de Hal Roach y Charley Rogers
  • Las comedias “Compañeros de juerga (1933)” de William A. Seiter,
  • “Había una vez dos héroes (1934)” de Gus Meins y Charlie Rogers,
  • “Dos fusileros sin bala (1935)” de James W. Horne,
  • “Un par de gitanos (1936)” de Horne y Rogers,
  • “Dos pares de mellizos (1936)” de Harry Lachman con Alan Hale, donde aparecen ambos como parejas de gemelos
  • La comedia-oeste “Laurel y Hardy en el oeste (1937)” de Horne,
  • Las comedias “Swiss Miss” (1938),
  • “Cabezas de chorlito” (1938), estas dirigidas por John G. Blystone,
  • “Estudiantes en Oxford (1940)” de Alfred J. Goulding con Peter Cushing,
  • “Marinos a la fuerza (1940)” de Gordon Douglas

Laurel y Hardy afiche 2

En el período final de la década de los 30, ellos tuvieron problemas con el productor Hal Roach, fue por eso que Oliver apareció solo, sin Laurel, en la comedia “Zenobia (1939)” de Gordon Douglas. En la década de los 40, ambos continuaron su carrera, pero actuando en filmes de una menor calidad. Sus mejores interpretaciones entonces fueron en las comedias:

  • “Great guns (1941)” (Grandes armas) de Monty Banks,
  • “Jitterbugs (1943)” (Acrobacia al ritmo del jazz) de Malcolm St Claire,
  • “Air raid wardens (1943)” (Guardianes de incursión aérea) de Edward Segwick con Edgar Kennedy,
  • “Nothing but trouble (1944)” (Nada más que líos) de Sam Taylor
  • Su último film conjunto, “Atol K (1950)” de Leo Joannon y John Berry

En 1949, Oliver actuó junto a John Wayne en el oeste “El luchador de Kentucky” de George Waggner.

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Por suerte, muchas de sus películas y cortos han sido llevadas a la TV y las actuales generaciones pueden disfrutar de un cine divertido, sano y apto para todas las edades. Este dúo en su vida, fuera del cine, fue muy unido hasta la muerte de ambos, se diría que se querían como hermanos.

Oliver Hardy, el gordo, actuó en un total de 416 filmes de corto y largometraje entre 1914 y 1951, dirigió 17, guionista de tres y compositor de 25 temas musicales. Murió de trombosis cerebral el 7 de agosto de 1957 en Hollywood, Los Ángeles.

Stan Laurel, el flaco, actuó en un total de 187 filmes entre 1917 y 1951, guionista de 60, director de 12 y productor de seis películas. Falleció de infarto cardiaco el 23 de febrero de 1965 en Santa Monica, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 24 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

John Wayne

Soy un actor americano y trabajo vestido, lo tengo que hacer,
ya que cabalgar un caballo es muy duro si lo haces  con tus
 tus piernas y otras extremidades al desnudo.”
John Wayne

John Wayne en "Chisum (1970)"

John Wayne en “Chisum (1970)” Cortesía doctormacro.com

El mejor protagonista de filmes del oeste en Hollywood fue todo un ídolo del público norteamericano. Difícil cuantificar cuantos indios fueron a sus manos muertos en supuestos combates. Aunque no muchos simpatizan con este tipo de filme, no es menos cierto que él fue el vivo símbolo de este género y realmente el mejor. En Hollywood ha habido otros vaqueros destacados. Basta mencionar a Randolph Scott y a Joel McCrea entre los grandes, pero sin ningún fanatismo, Wayne fue el mejor.

Marion Michael Morrison nació el 26 de mayo de 1907 en Winterset, Iowa, hijo de padre farmacéutico, el que enfermó y decidió mudarse de Iowa con toda su familia a un ambiente más cálido como la California meridional. Se asentaron en el desierto de Mojave, donde tuvieron un rancho por algunos años y sirvió para que el joven Marion aprendiera a cabalgar. Más tarde, cuando el negocio del rancho quebró, se mudaron nuevamente, esta vez para Glendale, trabajó vendiendo periódicos, estudió y se destacó en el fútbol americano. Así fue que obtuvo beca como futbolista en la Universidad de California. Durante ese período conoció al gran Tom Mix, un verdadero actor pionero como vaquero, quien le propuso actuar en sus películas. Wayne aceptó y así apareció como extra en varios filmes. Su debut fue en el oeste “El asalto al tren expreso (1926)” de Lewis Seiler con Tom Mix, al que le siguió otro papel de extra en el drama “Bardelys the magnificent (1926)” (Bardelys, el magnífico) de King Vidor. Sus papeles cuando joven era del hombre bueno y siempre asociado a las mejores causas de los “blancos”, pero en la medida que fue envejeciendo, Wayne fue menos cordial, más duro en cada una de sus interpretaciones.

Por buen tiempo se mantuvo actuando en los llamados oestes B, mientras que tuvo su primer papel protagónico en el oeste “La gran jornada (1930)” de Raoul Walsh con Marguerite Churchill, y logró su primer éxito cuando el director John Ford le dio el papel principal del oeste “La diligencia (1939)”, película en la que Wayne junto a John Carradine “mataron” a decenas de indios. A continuación, Wayne interpretó el papel del vaquero Stony Broke en ocho filmes categoría B, luego alternó sus oestes con películas de aventuras o de guerra, y algunos dramas. Entre las mejores actuaciones en su carrera están los oestes dirigidos por Ford:

– “Tres padrinos (1948)” con Pedro Armendáriz y Ward Bond,
– “Fort Apache (1948)” con Henry Fonda, Pedro Armendáriz y Ward Bond,
– “La legión invencible (1949)” con Joanne Dru,
– “Río Grande (1950)” con Maureen O’ Hara,
– “Centauros del desierto (1956)” con Jeffrey Hunter, Vera Miles y Natalie Wood,
– “Misión de audaces (1959)” con William Holden,
– “La conquista del oeste (1962)” con un extenso reparto de actores,
– “El hombre que mató a Liberty Valance (1962)” con James Stewart

John Wayne afiches

Bajo la dirección de Howard Hawks actuó en los oestes:

– “Río Rojo (1948)” con Montgomery Clift y Walter Brennan,
– “Río Bravo (1959)” con Dean Martin, Brennan y Ward Bond,
– “El Dorado (1967)” con Robert Mitchum, y
– “Río Lobo (1970)” con Jorge Rivero

John Wayne afiches 2

Dirigido por Henry Hathaway actuó en otros oestes y filmes de aventuras:

– “Arenas de muerte (1957)” con Sophia Loren y Rossano Brazzi
– “Alaska, tierra de oro (1960)” con Stewart Granger,
– “Los cuatro hijos de Katie Elder (1965)” con Dean Martin,
– “Valor de ley (1969)” con Robert Duvall

John Wayne afiches 3

También protagonizó los oestes:

– “Mando siniestro (1940)” de Raoul Walsh con Claire Trevor y Walter Pidgeon,
– “Los usurpadores (1942)” de Ray Enright con Randolph Scott y Marlene Dietrich,
– “El Álamo (1960)” de su propia dirección con Richard Widmark, donde Wayne                interpretó el papel de David Crockett,
– “Los Comancheros (1961)” de Michael Curtiz con Stuart Whitman y Lee Marvin,
– “Asalto al carro blindado (1967)” de Burt Kennedy con Kirk Douglas

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Protagonizó las películas de guerra y aventuras:

– “Hombres intrépidos (1940)” de Ford con Thomas Mitchell,
– “Siete pecadores (1940)” de Tay Garnett con Marlene Dietrich y Broderick Crawford,
– “Piratas del mar Caribe (1942)” de Cecil B. De Mille con Ray Milland,
– “Regreso a Bataan (1945)” de Edward Dmytryk con Anthony Quinn,
– “No eran imprescindibles (1945)” de Ford con Robert Montgomery y Donna Reed,              – “Arenas sangrientas (1949)” de Allan Dwan con John Agar,
– “Infierno en las nubes (1951)” de Nicholas Ray con Robert Ryan,
– “Escrito en el cielo (1954)” de William Wellman con Claire Trevor nuevamente,
– “Hatari! (1962)” de Howard Hawks con Hardy Krüger,
– “El conquistador de Mongolia (1956)” de Dick Powell con Susan Hayward y Pedro Armendáriz
– “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton con Eddie Albert y Paul Anka entre otros,
– “Boinas verdes (1968)” de su propia dirección

Entre sus pocas interpretaciones en dramas y comedias, las más notables fueron en:

– La comedia “Sucedió en el tren (1946)” de Mervyn LeRoy con Claudette Colbert
– El drama “El hombre tranquilo (1952)” con Maureen O’ Hara una vez más
– La comedia “La taberna del irlandés (1963)” con Lee Marvin, ambos filmes de Ford

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Además de otros oestes, como:

– “Chisum (1970)” de Andrew V. McLaglen con Forrest Tucker, Ben Johnson y Christopher George
– “Los cowboys (1972)” de Mark Rydell, oeste en el que el actor Bruce Dern da muerte al    personaje de Wil Andersen, interpretado por Wayne. Fue la única vez que moría en película matado por alguien.
– “La soga de la horca (1973)” de McLaglen con George Kennedy
– “El rifle y la biblia (1975)” de Stuart Millar con Katharine Hepburn
– Su última aparición en la gran pantalla, en “El último pistolero (1976)” de Don Siegel con Lauren Bacall y James Stewart.

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “Arenas sangrientas (1949)” y obtuvo OSCAR en igual categoría por “Valor de ley (1969)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama-acción por “Valor de ley (1969)”. En 1953 fue seleccionado el actor masculino del año y en 1966 recibió el Cecil B. DeMille.

Obtuvo varias nominaciones y premios Laurel, y premio del Photoplay por su actuación en “Arenas sangrientas (1949)”.

En su vida real, Wayne llegó a sostener ideas de ultraderecha, algo que no era secreto en Hollywood. Su posición con respecto a la guerra en Vietnam fue lamentable cuando condenó a Gran Bretaña por no haberse unido a EE.UU. Sin embargo, se sabe que este actor no se ofreció de voluntario cuando la segunda guerra mundial, ya que sabía que esas actividades pondrían en peligro su carrera. Por esa razón, la familia del General Patton siempre se opuso a que Wayne interpretara el papel de este famoso militar.

En California se propuso la fecha del 26 de mayo declararla como día de John Wayne, algo que fue rechazado por buena parte de la Asamblea Estatal, la que votó 36 en contra y 19 votos a favor. Los legisladores en contra hicieron saber que las declaraciones en su entrevista de mayo de 1971 con la revista “Playboy”, fueron racistas.

En resumen actuó en 177 películas entre 1926 y 1976, en casi todas como protagonista principal, todo un record, director de 5 y productor de 25 películas. Murió el 11 de junio de 1979 a causa de cáncer en las vías digestivas y paro respiratorio.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Gary Cooper

El único logro, del que me enorgullezco verdaderamente,
es el de haber hecho muchas amistades en esta comunidad
”.
Gary Cooper

Gary Cooper

Gary Cooper cortesía doctormacro.com

Actor que se caracterizaba por interpretar papeles de estadounidense flemático, de carácter fuerte cuando era necesario, y de caminar diligente y elegante. Por todas esas cualidades, unido a su estatura y físico, fue actor predilecto de muchos directores. Frank James Cooper nació el 7 de mayo de 1901 en Helena, Montana, su padre era abogado y llegó a formar parte de la Corte Suprema del Estado de Montana, donde pudo hacerse de una fortuna que le permitió comprarse un rancho. Su madre enfermó y los médicos le aconsejaron cambiar de aires, por lo que toda la familia emigró a Inglaterra, donde Gary pudo estudiar durante siete años. Su familia regresó a EE.UU. siete años después coincidentemente con el inicio de la primera guerra mundial, luego trabajó en el rancho de su padre y estudió en colegio de Iowa, donde dio también sus primeros pasos en la interpretación. Igualmente era dibujante y trabajó inicialmente en la realización de dibujos animados.

Su primera actuación en el cine fue como extra en el film de aventura “Dick Turpin (1925)” de John G. Blystone y protagonizado por Tom Mix. Como extra continuó actuando en varias películas silentes de la segunda mitad de los años 20. Su primer papel protagónico en el cine silente fue en el oeste “Arizona bound (1927)” (Atado en Arizona) de John Waters, mientras que en el sonoro fue también en un oeste, “El virginiano (1929)” de Victor Fleming con Walter Huston, a los que le siguieron:

  • El oeste “Todo un hombre (1930)” (El tejano) de John Cromwell con Fray Wray
  • El drama- film de guerra “Vidas opuestas (1930)” de Rowland V. Lee con June Collyer
  • El romance “Marruecos (1930)” de Josef von Sternberg con la entonces joven diva Marlene Dietrich
  • El film de crimen “Las calles de la ciudad (1931)” de Rouben Mamoulian con Sylvia Sidney.

Gary Cooper afiche

Desde ese entonces, Cooper actuaba en películas de cualquier género, mientras que a mediados de los 30 se consolidó como toda una estrella de Hollywood.

En ese período de los 30, su mayor éxito fue actuando en la comedia “El secreto de vivir (1936)” de Frank Capra con Jean Arthur. Poco después interpretó el papel de Marco Polo en el film de aventura “Las aventuras de Marco Polo (1938)” de Archie Mayo y John Cromwell con Basil Rathbone. A continuación protagonizó:

  • La comedia-oeste “El vaquero y la dama (1938)” de H.C. Potter con Merle Oberon
  • El film de aventura-acción “Beau Geste (1939)” de William A. Wellman con Ray Milland
  • El film de acción-guerra “La jungla en armas (1939)” de Henry Hathaway con David Niven.

Gary Cooper afiche 2

Cooper tuvo una gran cooperación de trabajo con el actor Walter Brennan a partir del drama “Noche nupcial (1935)” de King Vidor, que se extendió hasta la película de guerra “Puente de mando (1949)” de Delmer Daves. Actuaron juntos en un total de siete películas, entre ellas:

  • El oeste “El forastero (1940)” de William Wyler
  • La comedia “Juan Nadie (1941)” de Frank Capra con Barbara Stanwyck
  • El drama-film de guerra “El sargento York (1941)” de Howard Hawks
  • El drama “El orgullo de los Yankees (1942)” de San Wood con Teresa Wright, film en el que Cooper interpreta el papel del famoso pelotero Lou Gehrig.

En la década de los 40, Cooper protagonizó:

  • La comedia “Bola de fuego (1941)” de Hawks con Barbara Stanwyck nuevamente
  • El drama “Por quién doblan las campanas (1943)” de Wood con Ingrid Bergman, basado en la obra de Hemingway del mismo título
  • La comedia-oeste “El caballero del oeste (1945)” de Stuart Heisler con Loretta Young
  • El romance-film de aventura “Clandestino y caballero (1946)” de Fritz Lang con Lili Palmer
  • La comedia “El buen Sam (1948)” de Leo McCarey con Ann Sheridan
  • El drama “El manantial (1949)” de King Vidor con Patricia Neal.

Gary Cooper afiche 3

En la década de los 50 y hasta el final de su carrera, Cooper continuó su labor artística, así protagonizó:

  • Los oestes “Sólo ante el peligro (1952)” de Fred Zinnemann con Grace Kelly y Katy Jurado,
  • “Vera Cruz (1954)” de Robert Aldrich con Burt Lancaster y Sarita Montiel
  • El drama “La gran prueba (1956)” de William Wyler con Dorothy McGuire y Anthony Perkins
  • La comedia romántica “Ariane (1957)” de Billy Wilder con Audrey Hepburn
  • Los oestes “El hombre del Oeste (1958)” de Anthony Mann con Lee J. Cobb y Julie London
  • El fenomenal “El árbol de la horca (1959)” de Delmer Daves y Karl Malden, con Maria Schell y el propio Malden,
  • “Llegaron a Cordura (1959)” de Robert Rossen con Rita Hayworth y Van Heflin
  • Su última aparición en la gran pantalla, el suspense “Sombras de sospecha (1961)” de Michael Anderson con Deborah Kerr.

Gary Cooper afiche 4

Nominado para OSCAR como mejor actor por “El secreto de vivir (1936), “El orgullo de los Yankees (1942)” y “Por quién doblan las campanas (1943)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El sargento York (1941)” y “Sólo ante el peligro (1952)”. Obtuvo OSCAR por su carrera artística en 1961. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor por “Sólo ante el peligro (1952)”. Por este mismo film obtuvo premio de Photoplay como la estrella masculina más popular.

Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “El sargento York (1941)”. Obtuvo Laureles de oro como mejor actuación por “El árbol de la horca (1959)” y “Llegaron a Cordura (1959)”.

De Cooper se ha hablado mucho sobre su afiliación política y su conducta durante la caza de brujas en Hollywood. Los que le conocieron directamente afirman que el actor era republicano pero no un conservador extremo, incluso siempre se lamentó de las leves denuncias que pudo haber realizado a algún cineasta por haber sido simpatizante de izquierda o comunista. Por esa misma razón, como productor, siempre procuró darle trabajo a cualquiera de esas personas afectadas por ese penoso proceso en el cine de Hollywood.

A pesar de su amistad con los actores John Wayne y James Stewart, no existe película de Cooper con alguno de ellos.

En resumen actuó en 117 filmes entre 1923 y 1961, y productor de dos. Murió de cáncer el 13 de mayo de 1961 en Los Ángeles, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.

Luchino Visconti

El único director capaz de decir algo realmente
nuevo e interesante es Luis Buñuel”.
Luchino Visconti

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Si hay un director que es del gusto del que suscribe, ese es Luchino Visconti, uno de los realizadores más destacados del cine italiano de post-guerra, muy próximo al neorrealismo, el que gustaba realizar filmes basados en grandes obras de la literatura. Don Luchino Visconti di Modrone nació el 2 de noviembre de 1906, en Milán, Italia, era de origen aristocrático, con una educación que incluyó las artes, entre ellas la pintura, la música, el teatro y llegó a tocar el violonchelo, así como la cría de caballos de carrera. A pesar de toda esa educación, su conducta en la niñez fue rebelde. Se llegó a escapar de su casa cuatro veces y al final su padre lo internó en una escuela militar. Más tarde se inició en las artes como asistente de Renoir, introducido por Coco Chanel, la diseñadora de alta costura francesa, en la década de los 30. En los años 40, dirigió su primera película, fue el drama-film de crimen “Obsesión (1943)” con Clara Calamar y Massimo Girotti, que no fuera aceptada por el régimen de Mussolini. Este primer filme se inscribe dentro del ya mencionado neorrealismo que Visconti siempre trató de desarrollar en sus películas. El filme no fue del agrado de la dictadura, por lo que fue detenido y condenado a muerte. Su salvación llegó con la entrada de las tropas norteamericanas en Italia.

A continuación, co-dirigió, con Giuseppe De Santis y Mario Serandrei, el documental “Giorni di gloria (1945)” (Días de gloria), el cual muestra las realidades del final de la segunda guerra en Italia. Luego realizó el drama “La Terra trema: episodio del mare (1948)” (La tierra tiembla: episodio del mar) con protagonismo del propio Visconti y de Antonio Pietrangeli.

Luchino Visconti afiche

En la siguiente década, dirigió:

– Los dramas “Bellissima (1951)” con Anna Magnani y Walter Chiari,
– “Senso (1954)” (Sentido) con Alida Valli,
– “Las noches blancas (1957)” con Maria Schell y Marcello Mastroianni, film basado en una obra del escritor Fiodor Dostoievsky,
– El famoso “Rocco y sus hermanos (1960)” con Alain Delon y Renato Salvatori, película que muestra los problemas de una familia del sur italiano que emigra al norte del país en la búsqueda de empleo y un mejor estándar de vida.

Luchino Visconti afiche 2

En lo sucesivo y hasta el final de su carrera, dirigió:

– El segmento “Trabajo” en la comedia “Bocaccio’ 70 (1962)”, con Rommhy Schneider y Tomás Milian
– Los dramas “El gatopardo (1962)” con Burt Lancaster, Alain Delon y Claudia Cardinale, filme con adaptación de la novela del mismo nombre de Tomasi di Lampedusa, donde la trama, que se desarrolla en Sicilia, deja ver que lo viejo da paso a lo moderno con nuevos intereses y aspiraciones,
– “Sandra (1965)” con la Cardinale y Jean Sorel,
– “El extranjero (1967)” con Mastroianni y Anna Karina, adaptación de la novela de igual título de Albert Camus, y que algunos críticos consideran como el mejor filme realizado por Visconti
– El drama-film de guerra “La caída de los dioses (1969)” con Dirk Bogarde, película que aborda aspectos del nazismo
– Los dramas “Muerte en Venecia (1971)” con Bogarde nuevamente, con trama tomada de la novela de Thomas Mann,
– “Luis II de Baviera, el rey loco (1972)” con Helmut Berger, Trevor Howard y Silvana Mangano, película que describe la vida de Ludwig, rey de Bavaria,
– “Confidencias (1974)” con Lancaster, Helmut Berger y la Mangano nuevamente, y
– “El inocente (1976)” con Giancarlo Giannini y Laura Antonelli, último film de Visconti basado en una novela de Gabrielle d´Annunzio.

El inocente

Nominado para OSCAR como mejor guión y montaje por “La caída de los dioses (1969)”.

Nominado para BAFTA como mejor director por “Muerte en Venecia (1971)”. Obtuvo premio Bodil como mejor film europeo por “Rocco y sus hermanos (1960)” y “Muerte en Venecia (1971)”.

Nominado para Palma de Oro en el Festival de Cannes por “Muerte en Venecia (1971)”. Por este film obtuvo premio 25 Aniversario Recibió Palma de Oro por “El gatopardo (1963)”. Obtuvo premio de la crítica del Sindicato de Críticos de Cine de Francia como mejor film extranjero por “Muerte en Venecia (1971)”.

Nominado para León de Oro en el Festival de Venecia por “La Terra trema: episodio del mare (1948)”, “Senso (1954)”, “Las noches blancas (1957)”, “Rocco y sus hermanos (1960)” y “El extranjero (1967)”. Obtuvo León de Plata por “Las noches blancas (1957)”; premio FIPRESCI y premio especial por “Rocco y sus hermanos (1960)”; y León de Oro por “Sandra (1965)”. Obtuvo premio David en el David di Donatello como mejor director por “Muerte en Venecia (1971)” y “Luis II de Baviera, el rey loco (1972)”. Recibió cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director por “La caída de los dioses (1969)”, “Muerte en Venecia (1971)” y “Confidencias (1974)”; y como mejor director y montaje por “Rocco y sus hermanos (1960)”.

Recibió premio Kinema Junpo como mejor film en lengua extranjera por “Confidencias (1974)”; y como mejor director y mejor film en lengua extranjera por “Muerte en Venecia (1971)”.

En resumen dirigió 21 filmes entre 1943 y 1976, guionista de 18, productor de uno y actor en otro. Murió el 17 de marzo de 1976 en Roma.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 8 abril de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Frank Capra

Mi consejo para los jóvenes realizadores es este:
no sigas las tendencias. ¡Empiézalas!

Frank Capra

Frank Capra en el rodaje de Mr. Smith Goes to Washington (Ann)

Frank Capra en el rodaje de Mr. Smith Goes to Washington. Cortesía doctormacro.com

Uno de los directores norteamericanos más destacados en las tres primeras décadas del cine sonoro lo fue Frank Capra, quien dirigió películas de variados géneros, como dramas, comedias, filmes de aventura y otros más. El sentido de Capra en sus películas fue el de estimular la iniciativa individual de cada ser, pues cada uno tiene siempre algo que aportar. Sus realizaciones se caracterizaron por los valores que les imprimió, además de reflejar un futuro mejor para aquellos que se ven en una situación económica realmente penosa. Igualmente se caracterizó por ser un promotor de la belleza en el quehacer cotidiano. Los filmes de Capra llevaban un sello inconfundible: un hombre sencillo que trata de combatir la corrupción en la sociedad.

Frank Russell Capra nació el 18 de mayo de 1897 en Bisacquino, Sicilia, en una familia de siete hermanos. En Sicilia se crió hasta que tuvo seis años, entonces su familia, en busca de mejoras de vida, emigró a los EE.UU. en viaje que fue toda una pesadilla desde Alemania a Nueva York, según relató el mismo Capra. Más tarde se establecieron en Los Ángeles, California. Allí estudió ingeniería, no sin antes haber tenido que estudiar y trabajar. El futuro director de cine vendió mucho periódico. También tocó a dúo para ganar un dólar por noche de actuación. Debido a la situación económica, su madre le exigió que dejara los estudios y se dedicara a trabajar, a lo cual se negó. Estaba seguro de cumplir su sueño pero con educación. Fue así que entró a estudiar ingeniería química en el Throop College of Technology, el que más tarde se convirtiera en el Instituto de Tecnología de California. Aunque su inclinación inicial fue técnica, en ese centro descubrió la poesía, las artes, de las que se enamoró por entero. Sus padres le ayudaron, pero al morir su padre, Capra se vio obligado a trabajar en una tintorería. Su graduación llegó en setiembre de 1918, pero entonces fue reclutado por el servicio militar del país, ocurría la I guerra. Capra fue demovilizado meses después debido al padecer fuerte enfermedad gripal. De regreso a los Ángeles hizo algunos trabajos de extra en cine. Más tarde y con mucho esfuerzo, se estrenó como guionista para el cine silente, sobre todo de películas cómicas. Su primer trabajo de dirección fue en la comedia-corto “Fultah Fisher’s boarding house (1922)” (La pensión de Fultah Fisher) con Mildred Owens, a la que siguieron otras diez películas silentes, entre ellas las comedias “El hombre cañón (1926)” y “Sus primeros pantalones (1927)” protagonizadas por Harry Langdon.

Sus primeros trabajos de dirección en el cine sonoro fueron:

  • Los dramas “The younger generation (1929)” (La generación más joven) con Jean Hersholt, film que aborda la asimilación de los judíos en EE.UU.,
  • “La mujer milagro (1931)” con Barbara Stanwyck, cuya trama trata sobre la fe religiosa,
  • “La amargura del general Yen (1932)” con la Stanwyck nuevamente, filme sobre las peripecias de una joven americana en China,
  • “La locura del dólar (1932)” con Walter Huston y Pat O’Brien, donde se refleja los fraudes de un banco en Norteamérica.
  • Las comedias “Dama por un día (1933)” con Warren William,
  • “Sucedió una noche (1934)” con Clark Gable y Claudette Colbert, una de las cintas más originales de Capra y probablemente su mejor realización,
  • “Estrictamente confidencial (1934)” con Warner Baxter y Myrna Loy,
  • “El secreto de vivir (1936)” con Gary Cooper y Jean Arthur, película que trata las peripecias de un joven que hereda una fortuna
  • El fabuloso film de aventura “Horizontes perdidos (1937)” con Ronald Colman
  • La comedia romántica “Vive como quieras (1938)” con Jean Arthur y Lionel Barrymore
  • El drama-comedia “Caballero sin espada (1939)” con James Stewart y Jean Arthur, filme sobre un joven que se inicia trabajando en el senado de EE.UU., donde finalmente se rebela contra el estado existente.

Frank Capra afiches

Capra continuó su labor con iguales bríos en la década de los 40, así dirigió:

  • El drama-comedia “Juan Nadie (1941)” con Gary Cooper y Barbara Stanwyck
  • La muy cómica comedia “Arsénico por compasión (1944)” con Cary Grant y Raymond Massey entre otros actores
  • El romance “¡Qué bello es vivir! (1946)” con James Stewart y Donna Reed, donde Capra imprime belleza y optimismo en su mensaje fílmico
  • El drama “Estado de la Unión (1948)” con Spencer Tracy y Katharine Hepburn
  • La comedia “Así lo quiso la suerte (1950)” con Bing Crosby, película que viene a ser un remake de su anterior comedia “Estrictamente confidencial (1934)”.

Frank Capra afiches 2

En los 50 y 60, sus mejores realizaciones fueron:

  • Las comedias-musicales “Aquí viene el novio (1951)” con Crosby nuevamente y Jane Wyman,
  • “Millonario de ilusiones (1959)” con Frank Sinatra, Edward G. Robinson y Eleanor Parker
  • Su último largometraje, la comedia-drama “Un gángster para un milagro (1961)” con Bette Davis y Glenn Ford, también remake de su comedia anterior “Dama por un día (1933)”.

Su biografía aparece descrita en las obras: “Frank Capra” (1973) y  “Frank Capra’s American dream (1997) (TV)”. Según se sabe, Capra, a pesar de cooperar con muchos realizadores y cineastas de izquierda, fue de siempre republicano, admiraba a Mussolini y a Franco. Durante la caza de brujas de McCarthy sirvió de agente encubierto para el FBI.

Nominado para OSCAR como mejor director por “Dama por un día (1932-33)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Qué bello es vivir! (1946)”; como mejor filme por “El secreto de vivir (1936)”, “Horizontes perdidos (1937)”, “Caballero sin espada (1939)” y “¡Qué bello es vivir! (1946)”. Obtuvo Oscar como mejor director por “Sucedió una noche (1934)”, “Secreto de vivir (1936)” y “Vive como quieras (1938)”, así como mejor film por esta última película.

Obtuvo Globo de Oro como mejor director por “¡Qué bello es vivir! (1946)”.  Nominado para DGA como mejor director por “Millonario de ilusiones (1959)” y “Un gánster para un milagro (1961)”.

Nominado para premio en el Festival de Venecia por “Sucedió una noche (1934)” y “El secreto de vivir (1936)”, por igual film obtuvo recomendación especial. Obtuvo galardones por su carrera del Instituto Fílmico Americano en 1982, y del sindicato de directores de América en 1941 y 1959,  así como el León de Oro en el Festival de Venecia en 1982.

En resumen, Capra dirigió 57 filmes entre 1922 y 1964, guionista de 48, productor de 45 y  actuó en dos películas. Murió el  3 de septiembre de 1991 en La Quinta, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 27 marzo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Hedy Lamarr

Yo era la mejor pagada y más importante estrella
femenina en Hollywood, algo que fue difícil
“.
Hedy Lamarr

 

Hedy Lamarr

Hedy Lamarr. Cortesía doctormacro.com

Actriz sumamente bella, atractiva, de talento e inteligencia sobresaliente, nacida el 9 de noviembre de 1913 en Viena, Austria, con el nombre de Hedwig Eva Maria Kiesler, hija de padre banquero judío, oriundo de la actual ciudad Lvov en Ucrania (antes Lember durante el imperio austro-húngaro) y de madre pianista, igualmente judía, nacida en Budapest, Hungría. Su formación artística tuvo lugar  en la escuela germánica teatral Max Reinhardt. Luego actuó en teatros de Checoslovaquia y Alemania, así como en el cine de este último país, donde debutó, en el romance “Geld auf der strasse (1930)” (Dinero en la calle) del director Georg Jacoby. Al inicio aparecía acreditada con el nombre Hedwig Kiesler, y luego como Hedy Kiesler. Su interpretación más notable en este período fue en el drama romántico “Extasis (1933)” de Gustav Machatý, donde Hedy posa desnuda como toda una Eva moderna. Aunque esta película fue prohibida en EE.UU., la misma le ayudó a llegar a Hollywood.

No obstante, antes de llegar a Hollywood, un vendedor de armas alemán, Friedrich ‘Fritz’ Mandl, pro-nazi, vio “Extasis” y quedó muy impresionado con la belleza de Hedy al extremo que obligó a sus padres a entregarla en matrimonio, a la vez que compraba todas las copias posibles de la película para sacarla de circulación. Se sabía que el dictador italiano, Benito Mussolini, tenía una copia, la cual se negó a vender a Mandl cuando éste se la pidió. El vendedor de armas encerró a Hedy en su casa, solo podía salir fuera cuando él la llevara a teatros o recepciones. En ese cautiverio, Hedy hizo estudios de ingeniería y obtenía información sobre tecnología de armamentos de aquel momento. Todo eso duró hasta que un día logró escapar por una ventana rumbo a París, donde los guardaespaldas de Mandl no lograron darle alcance. De ahí, Hedy se trasladó a Londres, donde vendió sus joyas para poder seguir camino para los Estados Unidos junto con el realizador Louis B. Mayer de la Metro Goldwyn Mayer. Durante esta travesía fue que surgió el apellido Lamarr dado por el mismo Mayer.

En Hollywood, ya con el nombre de Hedy Lamarr, debutó  en otro drama romántico, “Argel (1938)” del director John Cromwell con Charles Boyer, que interpreta el papel de Pepe le Moko. No obstante, como buena ingeniera, continuó inclinada a hacer algo en este campo de la tecnología, y junto con el compositor George Antheil, al comienzo de la segunda guerra mundial, inventaron una radio que trasmitiría en 88 frecuencias, equivalentes a las teclas del piano. Esta radio era capaz de hacer saltar señales de transmisión entre las frecuencias del espectro magnético y que podía generar un sistema de guías de torpedos usados durante esta confragración.  Lamarr y Antheil ofrecieron gratuitamente este invento patentado al Departamento de Defensa de EE.UU., el cual guardó el secreto sin llegar a utilizarlo. Cosas de la vida, la patente venció en 1942 y el invento pasó a ser patente de dominio público, pero sirvió como ha demostrado ser la solución de la comunicación secreta vía radio y compartir el número de canales de radio ocupados. También hizo posible la transmisión de señales secretas sin interferencias, algo que Estados Unidos utilizó por primera vez en 1962 durante la crisis de octubre y los misiles soviéticos en Cuba. Más tarde esta tecnología sirvió de base para el desarrollo de las técnicas de defensa antimisiles, y en fechas más recientes ha sido la  precursora de la tecnología utilizada en la actualidad en las comunicaciones inalámbricas de los teléfonos móviles, los sistemas GPS y la tecnología wifi.

Los aportes de Lamarr y Antheil fueron reconocidos cuando ambos fueron exaltados en 2014 al Salón de la Fama de los Inventores Nacionales. Sin embargo, ninguno de los dos recibió un centavo por su invención.

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Hedy continuó su trabajo en cine actuando en:

  • Otro romance, “Lady of the tropics (1939)” (La dama de los trópicos) de Jack Conway con Robert Taylor
  • Los dramas “Esta mujer es mía (1940)” de W.S. Van Dyke con Spencer Tracy,
  • El salpicado de aventura, “Fruto dorado (1940)” de Conway con Tracy de nuevo, Clark Gable y Claudette Colbert
  • La comedia “Camarada X (1940)” de King Vidor con Gable y Oskar Homolka
  • La comedia romántica “No puedo vivir sin tí (1941)” de Clarence Brown con James Stewart
  • El drama musical “Las chicas de Ziegfeld (1941)” de Robert Z. Leonard con Stewart, Judy Garland y Lana Turner
  • Los dramas “La vida es así (1942)” de Victor Fleming con Spencer Tracy y John Garfield,
  • “White cargo (1942)” (Carga blanca) de Richard Thorpe con Walter Pidgeon,
  • “Crossroads (1942)” (Encrucijadas) de Conway con William Powell y Claire Trevor

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Su actividad durante y después el período de la Segunda Guerra Mundial no se detuvo, así protagonizó:

  • La comedia “Mundo celestial (1944)” de Alexander Hall con Powell
  • El drama “The conspirators (1944)” de Jean Negulesco con Paul Henreid
  • La comedia “Her highness and the bellboy (1945)” (Su alteza y el botón) de Richard Thorpe con Robert Walker y June Allyson
  • El drama “La extraña mujer (1946)” de Edgar G. Ulmer con George Sanders
  • El film de crimen “Pasión que redime (1947)” de Robert Stevenson con Dennis O’Keefe
  • El inolvidable drama “Sansón y Dalila (1949)” de Cecil B. DeMille con Victor Mature, George Sanders y Angela Lansbury, donde Hedy interpreta el papel de Dalila
  • El oeste “El desfiladero del cobre (1950)” de John Farrow con Ray Milland

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En la década de los 50, sus actuaciones se redujeron, las más destacadas entonces fueron en:

  • La comedia “Mi espía favorita (1951)” de Norman Z. McLeod con Bob Hope
  • Los dramas “La manzana de la discordia (1954)” de Marc Allègret y Edgar G. Ulmer con Massimo Serato,
  • “La historia de la humanidad (1957)” de Irwin Allen con Ronald Colman,
  • “La mujer del gato (1957)” de Harry Keller con Jane Powell, que fuera su último film

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Hedy fue solo nominada para premio de Picturegoer como mejor actriz por “Sansón y Dalila (1949)”. En resumen actuó en 35 filmes entre 1930 y 1958, y productora de dos películas. Murió el 19 de enero del 2000 en Altamonte Springs, Florida, a la edad de 85 años.

 

Nota: Gran parte de la información sobre la labor técnica de Hedy Lamarr fue extraída del artículo “Hedy Lamarr: la estrella de cine que inventó la tecnología precursora del wifi” de Maite Garrido Courel, Diario Turing, 3 de diciembre de 2012, http://www.eldiario.es/turing/Hedy_Lamarr-WiFi-dia_del_inventor_0_220828581.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 28 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Sidney Poitier

Decidí en mi vida que no haría nada que no
reflejara positivamente la vida de mi padre
”.
Sidney Poitier

Sidney Poitier

Los actores negros en el cine de Hollywood siempre fueron los que interpretaban papeles de graciosos sirvientes, generalmente torpes en su quehacer y cómicos al hablar. Esta fue siempre una forma muy sutil de encubrir el racismo existente en la meca del cine durante las décadas de los 30 y los 40, situación que comenzó a cambiar con el debut del actor Sidney Poitier. Se trata de un hijo de familia bahamesa muy pobre, que nació casualmente en Miami, Florida, el 20 de febrero de 1924, durante un viaje de sus padres al país vecino. Sidney creció inicialmente en la Isla Gato de las Bahamas, pero poco después fue enviado por sus padres a Florida, donde vivía su hermano. En EE UU tuvo sus confrontaciones debido a la segregación racial, luego fue alistado por el ejército del país y al ser liberado del servicio se trasladó a Harlem, Nueva York, donde dio sus primeros pasos en la interpretación. Inicialmente actuó en el teatro negro de esta ciudad y luego en Broadway.

Poitier debutó en cine, en el drama “El odio es ciego (1950)”, también conocida como “Rayo de luz” de Joseph L. Mankiewicz, que aborda con claridad el problema del racismo. Aquí Poitier es un médico que debe atender a un enfermo (Richard Widmark) y bandido a la vez, quien se niega a que el médico negro le dé sus buenos servicios. Entonces Poitier tenía 22 años, edad que encubrió, pues le dijo a Mankiewicz tener 27. A esta interpretación le siguieron otras:

  • El drama “Llanto por la tierra amada (1951)” de Zoltan Korda, donde se denuncia el entonces apartheid imperante en Sudáfrica
  • No menos impresionante fue su interpretación de joven algo descarriado en los dramas “Semilla de maldad (1955)” de Richard Brooks con Glenn Ford,
  • “Donde la ciudad termina (1957)” de Martin Ritt con John Cassavetes y Jack Warden, donde el racismo imperante es presentado con bastante nitidez
  • La comedia “Porgy y Bess (1959)” de Otto Preminger y Rouben Mamoulian con Dorothy Dandridge y Sammy Davis Jr.
  • Formidable interpretación en el drama “Fuga en cadenas (1958)”, también conocido como “Fugitivos” de Stanley Kramer junto a Tony Curtis, con quien formó un dúo excepcional de dos presidiarios en fuga y confrontados por el problema del color de la piel de ambos
  • Actuaciones meritorias también en los dramas “Un lunar en el sol (1961)” de Daniel Petrie con Claudia McNeil,
  • “Los lirios del valle (1963)” de Ralph Nelson con Lilia Skala, film que posee un argumento interesante sobre los aportes voluntarios de una persona para edificar una iglesia católica en un poblado

Sidney Poitier afiches

  • El drama “Un retazo azul (1965)” de Guy Green con Shelley Winters, donde de nuevo se ve la relación de una blanca ciega ayudada por un hombre negro
  • El oeste “Duelo en Diablo (1966)” de Ralph Nelson con James Garner
  • Las comedias “Un hombre para Ivy (1968)” de Daniel Mann con Abbey Lincoln y Beau Bridges,
  • “Adivina quién viene a cena (1967)” de Stanley Kramer con Spencer Tracy, Katharine Hepburn y Katharine Houghton, donde se aborda el prejuicio racial a nivel familiar de una joven blanca con un novio negro
  • El drama “En el calor de la noche (1967)” de Norman Jewison con un rabioso sheriff interpretado por Rod Steiger y donde Poitier es el inspector Tibbs, rol que interpretó dos veces más,
  • “¡Ahora me llaman Sr. Tibbs! (1970)” de Gordon Douglas con Martin Landau,
  • “El inspector Tibbs contra la organización (1971)” de Don Medford con Barbara McNair

Sidney Poitier afiches 2

En la década de los 70, Poitier comenzó a actuar más espaciadamente y también se dedicó a dirigir sus propias películas, algunas de ellas con la participación de otros actores negros como Harry Belafonte, Bill Cosby y Richard Pryor. Entre estas películas se encuentran:

  • El oeste “Buck y el farsante (1972)” de su dirección, co-protagonizado por Harry Belafonte
  • Las comedias “Uptown saturday night (1974)” (Sucedió un sábado) con Belafonte nuevamente, Bill Cosby y Richard Pryor,
  • “Dos tramposos con suerte (1975)” con Cosby,
  • “A piece of the action (1977)” (Una pieza de acción) con Cosby y James Earl Jones
  • El drama “Mandela and de Klerk (1997)” de Joseph Sargent con Michael Caine en el papel de de Klerk, y Poitier como Mandela, film que describe la vida de ambos estadistas

Sidney Poitier afiches 3

A nivel de la pequeña pantalla, también ha tenido excelentes actuaciones como en:

  • El drama “Diferentes pero iguales (1991)” de George Stevens Jr. con Burt Lancaster
  • El oeste “Los hijos de la llanura (1995)” de David Greene con Michael Moriarty

Entre sus últimas interpretaciones en cine están:

  • El drama “Espías sin identidad (1988)” de Richard Benjamin con River Phoenix
  • Los filmes de acción “Dispara a matar (1988)” de Roger Spottiswoode con Tom Berenger y Kirstie Alley,
  • “Los fisgones (1992)” de Phil Alden Robinson con Robert Redford,
  • “Chacal (1997)” de Michael Caton-Jones con Bruce Willis y Richard Gere

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Fuga en cadenas (1958)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Lilies of the Field” (1963), el primero de esta categoría recibido por un actor negro. En 1992 obtuvo un OSCAR por su carrera artística y en el 2002 un premio a su carrera por su extraordinaria conducta y presencia en la pantalla, que ha realizado con dignidad, estilo e inteligencia.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Fuga en cadenas (1958)”, “Un lugar en el sol (1961)”, “Un retazo azul (1965)”, y “En el calor de la noche (1967)”; como mejor actor en comedia/musical por “Porgy y Bess (1959)”, y como mejor actor en miniseries por “Diferentes pero iguales (1991) (TV)”. Obtuvo este premio como mejor actor por “Los lirios del valle (1963)”. Fue premiado como el Actor favorito del Año en 1969 por parte de Globo de Oro. Obtuvo el premio Cecil B. DeMille en 1982.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Donde la ciudad termina (1957)”, “Un lugar en el sol (1961)”, “Los lirios del valle (1963)”, “Un retazo azul (1965)” y “En el calor de la noche (1967)”. Obtuvo este premio por por “Fuga en cadenas(1958)”.

En 1994 obtuvo premio por su carrera del National Board Review. En 2000 premio similar del Screen Actors Guild. Nominado para Emmy y para premio SAG como mejor actor en mini-series para la TV por “Mandela and de Klerk (1997) (TV)”.

Obtuvo Oso de plata del festival de Berlín como mejor actor por “Fuga en cadenas (1958)” y “Lilies of the Field” (1963). Obtuvo premio San Sebastián en el festival del mismo nombre como mejor actor por “Un hombre para Ivy (1968)”. Nominado para premio Imagen como mejor actor de mini-series por “Mandela and de Klerk (1997)” y “Los hijos de la llanura (1995)”.

En 2005 la revista Premiere le situó entre los primeros 20 Grandes Actores de Cine de Todos los Tiempos. Poitier tiene doctorado honorífico de la Universidad Shippensburg de Pensilvania, y habla fluentemente el ruso. Su biografía ha sido escrita en varios libros por diversos autores.

En resumen, Sidney L. Poitier ha actuado en 54 filmes entre 1950 y 2001, director de 9, productor de 3 y guionista de una película.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Peter Ustinov

La vida es injusta, pero recuerda
que es injusta a tu favor.

Peter Ustinov

 

Peter Ustinov como Lentulus Batiatus en Espartaco (1960)

Peter Ustinov en el papel de Lentulus Batiatus en “Espartaco (1960)”. Foto: cortesía Doctormacro.com

Cuando se hable de excelencia en la interpretación, Peter Ustinov debe aparecer en esa lista, quien nació, con el nombre de Peter Alexander Freiherr von Ustinov, el 16 de abril de 1921 en Londres, Inglaterra, hijo de familia rusa. Su padre era mitad judío-polaco y otra mitad ruso, era piloto y participó en la I Guerra de la parte de los alemanes, mientras que su madre era actriz rusa con antecedentes franco-italianos. La unión de los progenitores ocurrió en 1919 en St Petersburgo y la emigración ocurrió algo antes del nacimiento de Pete, el que en su niñez se desenvolvió en un ambiente multilingüe, fue así que a temprana edad ya hablaba ruso, inglés, francés, italiano y alemán.

Su formación como actor la tuvo en Londres, y en el teatro debutó en 1939 interpretando breves papeles, cuyos guiones él mismo escribía. Su actividad artística se vio interrumpida cuando sirvió como soldado en las fuerzas del regimiento real de Sussex en el período de 1942 a 1946. Previo a este servicio, Ustinov produjo “Home of regrets (1942)” (El hogar de los lamentos), se reconoce como su primera gran obra escrita para el teatro “The love of four colonels (1951)” (El amor de cuatro coroneles), a la que le siguió “Romanoff y Julieta (1956)”, que fue más tarde llevada a la gran pantalla bajo su dirección. En 1967 logró tener en teatros de Hollywood dos de sus obras al mismo tiempo, estas fueron “The unknown soldier and his wife” (El soldado desconocido y su esposa) y “Halfway up the tree” (A medio camino arriba del árbol).

La excelencia artística de Ustinov puede ser sencillamente comparada con la de otro grande como lo fue Orson Welles. El gran cineasta británico fue, además de excelente actor, guionista y director de varias de sus películas.

Como actor de teatro debutó a los 17 años, mientras que en el cine lo hizo en el documental de guerra “The true glory (1945)” (La gloria verdadera)  de Garson Kanin. Dirigió su primera película a los 25 años, que fue el film de guerra “School for secrets (1946)” (Escuela para secretos), y como actor obtuvo triunfos casi de inmediato, el primero de ellos fue en un papel de reparto del film épico- histórico “Quo Vadis? (1951)” de Mervin LeRoy con Robert Taylor y Deborah Kerr, donde Ustinov encarnó magistralmente el papel de Nerón. A continuación:

  • Interpretó el papel de príncipe de Gran Bretaña en el drama “El árbitro de la elegancia (1954)” de Curtis Bernhardt con Stewart Granger y Elizabeth Taylor
  • En papeles de reparto de los dramas históricos “Sinuhé el egipcio (1954)” de Michael Curtiz con Victor Mature y Jean Simmons,
  • “Espartaco (1960)” de Stanley Kubrick, donde interpretó el papel del cínico Lentulus Batiatus
  • Del drama “Tres vidas errantes (1960)” de Fred Zinnemann con Deborah Kerr y Robert Mitchum
  • La comedia “Romanoff y Julieta (1961)” dirigida y protagonizada por él mismo con Sandra Dee
  • El film de aventura “La fragata infernal (1962)” dirigida, producida, escrita y protagonizada por él mismo y co-protagonizada por Robert Ryan, film basado en una novela del escritor norteamericano Herman Melville
  • Inolvidable fue su actuación en el film de aventura “Topkapi (1964)” de Jules Dassin con Melina Mercouri y Maximilian Schell
  • De su dirección es también la comedia “Lady L (1967)”, que cuenta con su actuación, la de Paul Newman y Sofía Loren
  • Co-protagonizó con Maggie Smith la comedia “Un cerebro millonario (1968)” de Eric Till
  • Dirigió y actuó en la comedia-drama “Pacto con el diablo (1972)” con Elizabeth Taylor y Richard Burton
  • Ustinov interpretó también el papel del famoso héroe de las novelas de misterios de Agatha Christie, el detective belga Hercules Poirot, en los filmes “Muerte en el Nilo (1978)” de John Guillermin,
  • “Muerte bajo el sol (1982)” de Guy Hamilton,
  • “Cita con la muerte (1988)” de Michael Winner con Lauren Bacall

Peter Ustinov afiches

Igualmente protagonizó el film de aventuras “Ébano (1979)” de Richard Fleischer con Michael Caine, y actuó en los dramas, “Lorenzo’s oil: el aceite de la vida (1992)” de George Miller con Nick Nolte y Susan Sarandon, donde Ustinov interpretó el papel de médico.

Peter Ustinov afiches 2

Este ilustre actor también puso su voz al servicio de la realización de filmes animados, entre ellos “Robin Hood (1973)” de producción Disney, “The mouse and his child (1977)” (El ratón y su hijo) y “Grendel, Grendel, Grendel, Grendel (1980)”.

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Tuvo también actuaciones para la TV, sobre todo narrando sus viajes en Rusia. Una actuación destacada tuvo en el episodio televisivo “Barefoot in Athens (1966) TV” (Descalzos en Atenas) de George Schaefer con Geraldine Page. Realizó otros trabajos como embajador de la UNICEF. El incansable Ustinov escribió varias novelas y breves recuentos, así como dos autobiografías,  “Dear me (1977)” (Mi querido) y “My Russia (1983)”. A Ustinov se le otorgó la condición de Caballero de la Gran Bretaña en 1990.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Quo Vadis? (1951)”, y como mejor libreto,  montaje y guión por “Un cerebro millonario (1968)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor de reparto por “Espartaco (1960)” y “Topkapi (1964)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Topkapi (1964)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor de reparto por “Quo Vadis? (1951)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor cinedrama por “La fragata infernal (1962)” y como mejor actor por “Muerte en el Nilo (1978)”. En 1993 obtuvo el premio Britannia por su excelencia en el cine. Nominado para Oso de Oro plata en el festival de Berlín por “Romanoff y Julieta (1961)” y “Pacto con el diablo (1972)”. Obtuvo Oso de Plata especial por la originalidad de su trabajo artístico.

Nominado para premio del Writers Guild of America como mejor guionista de comedia americana por “Un cerebro millonario (1968)” y como mejor guionista de drama americano por “La fragata infernal (1962)”. Obtuvo Emmy por mejor actuación masculina en drama por “Barefoot in Athens (1966) TV”.

En 1984 obtuvo la Nuez de Oro en el festival de Giffoni. En 1998 recibió el Joseph Plateau a su carrera en el festival de Flanders. En 2001 recibió el Golden Camera del certamen de dicho nombre en Alemania. En 1990 fue condecorado como Caballero en ocasión del cumpleaños de la Reina Isabel. En 1998 recibió un premio en honor a su carrera del Ministro-presidente de Bavaria, y en 2004 obtuvo premio similar de parte del Bavarian Film Awards.

En resumen, Ustinov actuó en 102 filmes entre 1940 y 2003, director de 9, guionista de 38 y productor de seis películas. Murió el 28 de marzo de 2004 en Genolier, Vaud, Suiza.

 

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Akira Kurosawa

Una película nunca es realmente buena a menos
que la cámara sea un ojo en la cabeza de un poeta.

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Un coloso de la gran pantalla, no hay otra forma de llamar a este estupendo realizador japonés, que responde al nombre de Akira Kurosawa, realizador que llevó al cine filmes de distintos géneros, todos con un mensaje muy definido de paz y humanismo.  Sus conocimientos de la literatura universal, la pintura y el arte en general le ayudaron extraordinariamente a realizar las películas que cuentan en su repertorio. Algunos argumentos de sus películas sirvieron para luego ser adaptados a nuevas películas en un ambiente occidental. Los filmes de Kurosawa realmente dieron a conocer muchas de las leyendas y costumbres del país del sol naciente en occidente.

El gran director nació el 23 de marzo de 1910 en Tokyo, Japón, y se inició artísticamente como pintor. No obstante, su familia afirmó que Kurosawa no tenía otra cosa en mente desde su niñez que el cine. En 1936 comenzó a trabajar en la industria fílmica como asistente de dirección hasta que se estrenó como guionista-director con el drama “Uma (1941)” co-dirigido con Kajiro Yamamoto; al que le siguieron:

  • Los filmes de aventura “La leyenda del judo (1943)”,
  • “La nueva leyenda del gran judo (1945)” con Denjirô Ôkôchi, todos estos filmes alrededor de cómo nació y se desarrolló el judo.
  • El drama- romance “No añoro mi juventud (1947)” con Isao Numasaki
  • El drama-suspense “El perro ambulante (1948)” con el entonces joven Toshirô Mifune, actor predilecto de Kurosawa y con quien se estableciera casi una simbiosis artística entre ambos. Aunque no se puede omitir la figura de Takashi Shimura, con el que igualmente colaborara estrecha y largamente.
  • El film de crimen “El ángel ebrio (1948)” con Shimura y Mifune
  • Terminó esta década con el drama “Rashômon (1950)” con Mifune, excelente film basado en las historias del escritor Ryunosuke Akutagawa, donde se demuestra como un hecho puede ser deformado por distintas fuentes

Kurosawa afiches

En la siguiente década dirigió:

  • Los dramas “El idiota (1951)” con Setsuko Hara, film que se basa en la gran obra del mismo nombre de Fiodor Dostoyevski,
  • “Vivir (1952)” con Takashi Shimura, película que versa sobre el tema de la muerte
  • El film épico “Los siete samurais (1954)” con Mifune, un clásico de todos los tiempos que cuenta la historia de siete valientes samurais que luchan por defender la causa de un grupo de campesinos pobres
  • El film de guerra-acción “Trono de sangre (1957)”, film con adaptación de la obra “Macbeth” llevada a la vida del Japón medieval
  • El film de acción “La fortaleza escondida (1958)”
  • El drama-suspense “Los malos duermen bien (1960)”, todos protagonizados por Mifune

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En lo sucesivo, sus mejores realizaciones fueron:

  • Los filmes de acción “Yojimbo, el bravo (1961)”,
  • “Sanjuro, el camelias (1962)”,
  • El drama-suspense “Infierno del odio (1963)”
  • Los dramas “Barbarroja (1965), todos éstos protagonizados por Mifune
  • “Dodeskaden (1970)” (El camino de la vida) con Yoshitaka Zushi y Kin Sugai, que aborda la vida de la gente pobre en Tokyo

Kurosawa tuvo una pausa como director, posteriormente dirigió:

  • El estupendo film de aventura “Dersu Uzala (1974)” con Maksim Munzuk, film de co-producción nipona-rusa que demoró dos años su filmación en Siberia y que trata sobre la vida de un cazador siberiano, película llena de moraleja
  • El film épico “Kagemusha (1980)” con Tatsuya Nakadai, que contó con la co-producción de Francis Ford Coppola y George Lucas, film sobre como un ladrón suplanta a un señor feudal todopoderoso del Japón
  • El drama-film de acción “Ran (1985)” con Tatsuya Nakadai, sobre la tragedia de un señor feudal y la herencia que reparte entre sus tres hijos
  • El drama fantástico “Los sueños de Akira Kurosawa (1990)” con Akira Terao
  • Los dramas “Rapsodia en agosto (1991)” con Sachiko Murase y Richard Gere, que trata sobre el bombardeo de Nagasaki y los puntos de vista de la sociedad japonesa sobre estos hechos,
  • “Madadayo (1993)” con Tatsuo Matsumura,
  • El montaje de “Ame agaru (1999)” (Después de la lluvia) del director Takashi Koizumi, que fuera su último trabajo para la gran pantalla

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Kurosawa también realizó el montaje de varios filmes occidentales, como fueron:

  • Los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges, que no es más que una versión de “Los siete samurais”,
  • “Por un puñado de dólares (1964)” de Sergio Leone, versión de “Yojimbo, el bravo”,
  • “Cuatro confesiones (1964)” de Martin Ritt, versión de “Rashomon”.

Nominado para OSCAR por “Ran (1985)”. En 1990 recibió OSCAR en honor a su carrera. Nominado para DGA como mejor director por “Rashômon (1950)”. En 1986 recibió el premio especial Golden Jubilee, y en 1992 el premio a su carrera en este certamen. Recibió premio del National Board Review como mejor director por “Rashômon (1950)” y “Ran” (1985).

Nominado para BAFTA como mejor director y film por “Kagemusha (1980)”; como mejor montaje por “Ran (1985)”. Por este mismo film obtuvo premio como mejor película extranjera. Recibió premio como director del año del Círculo de Críticos de Cine de Londres por “Ran (1985)”.

Nominado para Oso de Oro en el festival de Berlín por “La fortaleza escondida (1958)” y “Los malos duermen bien (1960)”. Obtuvo premio FIPRESCI y Oso de Plata como mejor director por “La fortaleza escondida (1958)”.

Nominado para César como mejor film extranjero por “Ran (1985)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Kagemusha (1980)”.  Obtuvo Palma de Oro en el festival de Cannes por “Kagemusha (1980)”.

Obtuvo David en el David di Donatello como mejor director por “Dersu Uzala (1975)”, “Kagemusha (1980)” y “Ran (1985)”. Nominado para León de Oro en el Festival de Venecia  por “Los siete samurais (1954)”, “Trono de sangre (1957)”, “Yojimbo, el bravo (1961)”, “Infierno del odio (1963)” y “Barbarroja (1965)”. Obtuvo este premio por “Rashomon (1950)”;  León de Plata por “Los siete samurais (1954)”, premio OCIC por “Barbarroja (1965)”, y León de Oro por su carrera en 1982. Recibió cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor director de películas extranjeras por “Dersu Uzala (1975)” y “Kagemusha (1980)”

Obtuvo premios Kinema Junpo como mejor film por “El ángel ebrio (1948)” y “Vivir (1952)”; y como mejor film y director por “Barbarroja (1965)”. Nominado por la Academia de Cine Japonesa  como mejor director por “Los sueños de Akira Kurosawa (1990)”; y como mejor director y montaje por “Rapsodia en agosto (1991)”. Obtuvo premio como mejor montaje por “Ame agaru (1999)”, y premio a su carrera en 1999.

Obtuvo premio OCIC en el festival de San Sebastián por “Ran (1985)”. Recibió premio FIPRESCI y premio de Oro en el festival de Moscú por “Dersu Uzala (1975)”. Recibió premio Bodil como mejor film europeo por “Ran (1985)”.

En 1984 recibió honores de la Legión Francesa de Honor. En 2005 la revista británica Empire lo catalogó como el sexto entre los mejores directores de cine de todos los tiempos. Fue nombrado Colega (Fellow) del Instituto Fílmico Británico como reconocimiento a su sobresaliente contribución en el cine.

En resumen, dirigió 33 filmes entre 1941 y 1993, guionista de 76 y productor de once películas. Murió el 6 de septiembre de 1998 en Tokyo, Japón.

 

Escrito por Esteban Hernández, 13 febrero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Cary Grant

Todo el mundo quiere ser Cary Grant,
incluso yo quiero serlo también
.”
Cary Grant.

Cary Grant

Considerado como uno de los más grandes comediantes en la historia del cine, capaz también de protagonizar con acierto filmes dramáticos y de suspense, Cary Grant fue igualmente actor  preferido de directores como Alfred Hitchcock y Howard Hawks. Archibald Alec Leach nació el 18 de enero de 1904 en Bristol, Reino Unido, en el seno de una familia de obreros. A la edad de nueve años, su madre fue internada en un centro psiquiátrico, algo que él ignoró hasta que cumplió los 20 años de edad. Abandonó sus estudios escolares cuando solo tenía 14 años y se unió a un grupo ambulante de comediantes. Dentro de este colectivo de espectáculos, Grant actuó como bailarín y acróbata,  viajó a los EE.UU. en 1920 y actuó en Broadway. Allí Grant se quedó y continuó actuando en el mismo Broadway. Su nombre artístico lo compuso tomando las iniciales del ya famoso actor Gary Cooper a la inversa, o sea C.G.

A Hollywood se trasladó en 1931 y debutó en la gran pantalla como actor de reparto de la comedia “Esta es la noche (1932)” de Frank Tuttle con Lili Damita, al que le siguió el drama “La rubia Venus (1932)” Josef von Sternberg con Herbert Marshall y la entonces joven Marlene Dietrich.  Grant obtuvo su primera oportunidad como actor principal en la comedia “La gran aventura de Silvia (1935)” de George Cukor junto a Katharine Hepburn, película donde su actuación tuvo una buena acogida del público y de la crítica. Le siguieron:

  • El drama “Suzy (1936)” de George Fitzmaurice con Jean Harlow
  • La comedia “Wedding present (1936)” (Regalo de boda) de Richard Wallace con Joan Bennett
  • El romance “When you are in love (1937)” (Cuando estás enamorado) de Robert Riskin y Harry Lachman con Grace Moore
  • La comedia-film de misterio “Una pareja invisible (1937)” de Norman Z. McLeod con Constance Bennett
  • Protagonizó la comedia romántica “La pícara puritana (1937)” de Leo McCarey con Irenne Dunne y Ralph Bellamy, que le valiera otra buena acogida de la crítica.

Afiche Cary Grant

De aquí en lo adelante, cada película protagonizada por Grant era prácticamente un éxito, como fue:

  • En la comedia “La fiera de mi niña (1938)” de Howard Hawks con Katharine Hepburn, donde Grant interpretó el papel de un paleontólogo
  • El film de aventura “Gunga Din (1939)” de George Stevens con Victor McLaglen y Douglas Fairbanks Jr.
  • El drama “Solo los ángeles tienen alas (1939)” de Hawks con Jean Arthur
  • Las comedias “Mi mujer favorita (1940)” de Garson Kanin con Irenne Dunne y el joven Randolph Scott, muy amigo de Grant y que vivieron juntos por buen tiempo, lo que provocó especulaciones sobre la posible homosexualidad de ambos,
  • “Historias de Filadelfia (1940)” de George Cukor con Katharine Hepburn nuevamente y el entonces casi debutante James Stewart, filme de los más famosos que Grant haya protagonizado

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En la década de los 40:

  • Protagonizó el drama romántico “Serenata nostálgica (1941)” de Stevens con Irene Dunne una vez más
  • El film de cine negro “Sospecha (1941)” con Joan Fontaine
  • El suspense “Encadenados (1946)” con Ingrid Bergman y Claude Rains, estos dos últimos dirigidos por Alfred Hitchcock
  • La comedia “Arsénico por compasión (1944)” de Frank Capra con Priscilla Lane, Peter Lorre y Jack Carson, filme con una trama divertida de horror
  • El drama “Un corazón en peligro (1944)” de Clifford Odets con Ethel Barrymore
  • La comedia “La novia era él (1949)” de Howard Hawks con Ann Sheridan
  • El drama “Crisis (1950)” de Richard Brooks con José Ferrer.

Entre sus actuaciones más notables de las décadas de los 50 y los 60 están:

  • El drama “Murmullos en la ciudad (1951)” de Joseph L. Mankiewicz con Jeanne Crain
  • La comedia “Me siento rejuvenecer (1952)” de Hawks con Ginger Rogers y Marilyn Monroe
  • El suspense “Atrapa a un ladrón (1955)” de Hitchcock con Grace Kelly
  • El romance “Tú y yo (1957) de Leo McCarey con Deborah Kerr, un melodrama que pasó ser todo un clásico del cine de todos los tiempos
  • El drama-film de guerra “Orgullo y pasión (1957)” de Stanley Kramer con Frank Sinatra y Sofia Loren
  • Las comedias “Indiscreta (1958)” con Ingrid Bergman nuevamente,
  • “Operación Pacífico (1959)” de Blake Edwards con Tony Curtis,
  • “Página en blanco (1960)” con Deborah Kerr, Jean Simmons y Robert Mitchum, estas dos últimas de Stanley Donen

Afiche Cary Grant 3

Sus últimas actuaciones en la gran pantalla fueron en las comedias:

  • “Suave como el visón (1962)” de Delbert Mann con Doris Day,
  • “Charada (1963)” de Donen con Audrey Hepburn, Walter Matthau, George Kennedy y James Coburn, comedia salpicada de suspense y crimen
  • “Apartamento para tres (1966)” de Charles Walters con Samantha Eggar

Afiche Cary Grant 4

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Serenata nostálgica (1941)” y “Un corazón en peligro (1944)”.  En 1969 la Academia de Cine le otorgó un OSCAR en honor a su carrera. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Indiscreta (1958)”, “Operación Pacífico (1959)”, “Suave como el visón (1962)” y “Charada (1963)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Charada (1963)”. En 1942 obtuvo Manzana de Oro como actor más cooperativo. En 1999 fue escogido por el Instituto Fílmico Americano como la segunda figura masculina más grande de la Edad de oro del Cine de Hollywood, solo superado por Humphrey Bogart.

En resumen Grant actuó en 77 filmes entre 1932 y 1966. Murió de hemorragia cerebral el 29 de noviembre de 1986 en Davenport, EE.UU.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 6 enero de 2018, con información extraida de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”

 

 

Max von Sydow

Disfruto mucho de mi trabajo cuando es interesante
y, afortunadamente, ha sido muy interesante
.”
Max von Sydow

Max von Sydow

Si hay actor con estilo propio, muy profesional y de actuaciones de calidad, Max von Sydow es un buen ejemplo de esa clase de interpretes. Max Carl Adolf von Sydow nació el 10 de abril de 1929 en Lund, Suecia, en el seno de una familia adinerada. Su padre era etnólogo y profesor universitario, mientras su madre era baronesa. Desde temprana edad sintió vocación por la interpretación teatral, para lo cual cursó estudios en la Escuela Real de Teatro Drámatico en Estocolmo durante el período de 1948-51, donde coincidió con la que fuera después actriz y co-protagonista en varios filmes, Ingrid Thulin.

Su debut en cine fue en papel de reparto del drama “Bara en Mor (1949)” (Solo una madre) del director Alf Sjöberg. En lo sucesivo continuó actuando en teatros y regresó al cine en 1951 cuando volvió a trabajar en otro papel secundario para Sjöberg en ¨Fröken Julie” (Srta. Julie).

Max von Sydow afiches

Sus mejores actuaciones llegaron cuando comenzó a actuar bajo la dirección del director Ingmar Bergman en los dramas:

  • “El séptimo sello (1957)” con Gunnar Björnstrand,
  • “Fresas silvestres (1957)” con Victor Sjöström,
  • “El rostro (1958)” con Ingrid Thulin,
  • “Nära Livet (1958)” (Tan cerca de la vida) con Eva Dahlbeck e Ingrid Thulin,
  • “La fuente de la virgen (1960)” con Birgitta Valberg, una película que describe algo de la vida en la Suecia medieval a la vez que refleja una tragedia.
  • El film de horror “La hora del lobo (1968)” con Liv Ullmann
  • Los dramas “Pasión (1969)” con Bibi Andersson,
  • “Beröringen (1971)” (El toque) con Elliott Gould y Bibi Andersson nuevamente

Max von Sydow afiches 2

En la década de los 60, Von Sydow hizo sus primeras incursiones en la cinematografía occidental. Así actuó en:

  • Los dramas “La historia más grande jamás contada (1965)” de George Stevens y David Lean con Michael Anderson Jr. y Carroll Baker, donde interpretó el papel de Jesús,
  • “Hawaii (1966)” de George Roy Hill con Julie Andrews
  • El drama-filme de crimen “Conspiración en Berlín (1966)” de Michael Anderson con George Segal y Alec Guinness.

Max von Sydow afiches 3

En las décadas de los 70-80, Von Sydow se le vio más activo en Hollywood, así actuó en:

  • El film de horror “El exorcista (1973)” de William Friedkin con Ellen Burstyn, donde hizo el papel del Padre Merrin
  • El suspense “Tres días del Cóndor (1975)” de Sydney Pollack con Robert Redford y Faye Dunaway, donde interpreta el papel de un extraño agente
  • El drama “El viaje de los malditos (1976)” de Stuart Rosenberg con Faye Dunaway y Oskar Werner, donde hace el papel de un capitán de barco con una ética apartada de la política nazi de la Alemania de aquel entonces
  • El film de ciencia ficción “Flash Gordon (1980)” de Mike Hodges con Sam Jones, donde encarnó el papel del cruel emperador Ming
  • El épico “Conan, el bárbaro (1982)” de John Milius con Arnold Schwarzenegger, en el que interpretó el papel del Rey Osric
  • El film de aventura “Ingenjör Andrées luftfärd (1982)” (El vuelo del águila) de Jan Troell con Sverre Anker Ousdal
  • El film de acción “Nunca digas nunca jamás (1983)” de Irvin Kershner con Sean Connery y Klaus María Brandauer
  • Co-protagonizó con Pelle Hvenegaard, el drama “Pelle el conquistador (1987)” de Bille August, que le valió el reconocimiento de la crítica
  • El drama “Father (1989/I)” (Padre) de John Power con Carol Drinkwater

Max von Sydow afiches 4

En la siguiente década y en lo sucesivo se le ha visto actuar en:

  • El drama-film de ciencia ficción “Bis ans ende der welt (1991)” (Hasta el final del mundo) de Wim Wenders con Solveig Dommartin
  • El film de horror “La tienda de Stephen King (1993)” de Fraser Clarke Heston con Ed Harris, donde Sydow interpretó el papel del diablo (Satanás)
  • Los dramas “El toque silencioso (1993)” de Krzysztof Zanussi con Lothaire Bluteau,
  • “Time is money (1994)” (El tiempo es dinero) de Paolo Barzman con Charlotte Rampling
  • El film de misterio “Ciudadano X (1995)” (TV) de Chris Gerolmo con Stephen Rea y Donald Sutherland
  • Los dramas “Hamsun (1996)” de Jan Troell con Ghita Nørby,
  • “Jerusalem (1996)” de Bille August con Maria Bonnevie
  • El film de acción-ciencia ficción “Minority report (2002)” de Steven Spielberg con Tom Cruise
  • El drama “Aritmética emocional (2007)” de Paolo Barzman con Susan Sarandon y Christopher Plummer
  • El drama-film de acción “Extremely loud & Incredibly lose (2011)” (Extremadamente alto e increíblemente perdido) de Stephen Daldry con Tom Hanks y Sandra Bullock

Max von Sydow afiches 5

Von Sydow es actualmente muy activo protagonizando filmes para la TV.  Dirigió el drama “Ved vejen (1988)” (El ancho camino) protagonizado por Tammi Øst y Ole Ernst.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Pelle el conquistador (1987)”. Por igual film en igual categoría, obtuvo premio del European Film Award. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Hawaii (1966)”, y como mejor actor de reparto por “El exorcista (1973)”. Nominado para premio Saturn como mejor actor de reparto por “Minority report (2002)”.

Obtuvo premio del Instituto australiano fílmico como mejor actor por “Father (1989/I)”.  Obtuvo el premio de India Catalina de Oro en el festival de Cartagena como mejor actor por “Tres días del Condor (1975)”. Obtuvo el trofeo Marshall en el festival de Napierville como mejor actor por “Flash Gordon (1980)”. Obtuvo premio en el festival de Valladolid como mejor actor por “Hamsun (1996)”. Obtuvo premio en el festival de Tokyo como mejor actor por “El toque silencioso (1993)”.

Recibió el premio Pasinetti en el festival de Venecia como mejor actor por “Ingenjör Andrées luftfärd (1982)”. Obtuvo premios Bodil y Guldbagge como mejor actor por “Pelle el conquistador (1987)” y “Hamsun (1996)”, así como premio Guldbage como mejor director por “Ved vejen (1988).

Desde 1949 hasta el 2017 ha actuado en 161 filmes y ha dirigido una película.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 enero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Maximilian Schell

Dirigir satisface más que actuar, pero las
críticas hieren más que cuando se actúa
.”
Maximilian Schell

Maximilian Schell

Probablemente el actor germanohablante más popular en el mundo en el cine ha sido Maximilian Schell. Esa popularidad sobrepasó la conseguida en su época por el alemán Emil Jannings, con la diferencia que este último actor fue un ente pronazi mientras que Schell siempre se destacó por sus posiciones contrarias a esa ideología.  Comparado con Curd Jürgens, Schell igualmente le sobrepasa ligeramente, al haber sido un actor consistente sea en Hollywood como en los escenarios de la Europa occidental. Constantemente a Maximilian se le vio actuar en películas relativas a los horrores de la Segunda Guerra Mundial y sus problemas posteriores. Maximilian, como su hermana María, gustaban de participar en ese tipo de filmes de carácter histórico o político, siempre evidenciando los desmanes y atropellos del nazismo.

Maximilian Schell nació el 8 de diciembre de 1930 en Viena, Austria, pero criado y educado en Zurich, Suiza durante la Segunda Guerra. Su debut en el mundo de la interpretación comenzó en 1952, luego actuó en varios programas y filmes televisivos en idioma alemán. En Hollywood debutó en importante papel de reparto del drama bélico “El baile de los malditos (1958)” de Edward Dmytryk, junto con Marlon Brando, Montgomery Clift y Dean Martin. Años después interpretaría a un defensor de altos oficiales nazis acusados durante el proceso de Nuremberg en el drama “Vencedores o vencidos (1961)” de Stanley Kramer y co-protagonizado por Spencer Tracy y Burt Lancaster entre otros. Se puede decir que la actuación de Schell, como abogado defensor reaccionario y al servicio de los nazis, fue realmente excelente. En lo sucesivo actuó:

  • En el film de aventura-crimen “Topkapi (1964)” de Jules Dassin con Melina Mercouri y Peter Ustinov
  • Protagonizó otra película de guerra, “Una tumba al amanecer (1968)” de Ralph Nelson con Charlton Heston, donde encarnó el papel de otro alto oficial nazi
  • Interpretó el papel de Simón Bolívar en el film del mismo nombre, de 1969, dirigido por Alessandro Blasetti

Maximilian Schell afiche

En la década de los 70, Max fue muy activo, así actuó en:

  • El drama “El hombre de la cabina de cristal (1975)” de Arthur Hiller con Lois Nettleton
  • El épico “Un puente lejano (1977)” de Richard Attenborough con Dirk Bogarde, Michael Caine y James Caan, en film donde de nuevo interpretó el papel de oficial nazi
  • El drama “Julia (1977)” de Fred Zinnemann con Jane Fonda y Vanessa Redgrave, en el que encarnó el rol de una persona que lucha en la clandestinidad contra el régimen imperante en Alemania durante la Segunda Guerra
  • Como oficial nazi de origen aristocrático en el film bélico “La cruz de hierro (1977)” de Sam Peckinpagh con James Coburn y James Mason
  • Secundó a su hermana María y a Jon Voight, en el film de suspense “Odessa (1974)” de Ronald Neame

Schell se ha interesado en protagonizar algunos filmes basados en obras importantes, como han sido:

  • Los dramas “Das schloß (1968)” (El castillo) de Rudolf Noelte, film en adaptación de una obra de Kafka,
  • “Primer amor (1970)” con John Moulder-Brown, drama basado en la novela del mismo nombre del escritor ruso Serguey Turgenev,
  • “Der fußgänger (1973)” (El pedestre), estos dos últimos filmes escritos, producidos y dirigidos por el propio Schell
  • “Der richter und sein henker (1975)” (Asesinato sobre el puente, también llamado en inglés “End of the game”) de su dirección con Jon Voight y Jacqueline Bisset
  • Max junto a Rod Steiger protagonizaron el drama “Los elegidos (1981)” de Jeremy Kagan
  • Dedicado a su amiga y compañera de trabajo, Marlene Dietrich, realizó el documental “Marlene (1984)”
  • También el documental “Mi hermana María (2002)”, sobre la vida de su hermana y sus relaciones en familia.

Maximilian Schell afiche2

Entre sus más recordadas interpretaciones para la TV están las de:

  • Pedro I en la miniserie para la TV “Pedro el Grande (1986)” de Marvin J. Chomsky y Lawrence Schiller
  • Federico el Grande en el drama para la TV “Young Catherine (1991)” de Michael Anderson con Vanessa Redgrave y Julia Ormond
  • Lenin en el film para la TV “Stalin (1992)” de Ivan Passer protagonizado por Robert Duvall
  • Actuó en el drama para la TV, “Juana de Arco (1999/I)” de Christian Duguay con Leelee Sobieski y Jacqueline Bisset

Su trabajo solía alternarse entre el cine y la TV en Alemania, EE.UU. y otros países de la Europa occidental. Una de sus últimas interpretaciones fue la del científico Albert Einstein en el drama para la TV “Giganten: Albert Einstein (2006)” de Gero von Boehm con Hannah Schröder.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “El hombre de la cabina de cristal (1975)” y como mejor actor de reparto por “Julia (1977)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Vencedores o vencidos (1961)”.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “El hombre de la cabina de cristal (1975)” y como mejor actor de reparto por “Julia (1977)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “Vencedores o vencidos (1961)” y como mejor actor de reparto en mini-series para la TV por “Stalin (1992)”. Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actor por “Vencedores o vencidos (1961)”, y como mejor actor de reparto por “Julia (1977)”.  En 2000 obtuvo el premio Mary Pickford del Satélite dorado. En 2002 recibió premio Bambi por su carrera.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Vencedores o vencidos (1961)”. Obtuvo Concha de plata del festival de San Sebastián por “Primer amor (1970)” y “Der richter und sein henker (1975)”. En 1990 obtuvo premio a su carrera del German Film Awards. En 1999 premio a su carrera del Method Fest, y el Platin Romin del Romy Gala de Austria.

En resumen actuó en 112 filmes entre 1955 y 2015, director de 9, productor de 8 y guionista de nueve películas. Murió el 1 de febrero de 2014 en Innsbruck, Austria.

 

Escrito por Esteban Hernández, 14 enero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

Toshiro Mifune

No siempre soy grande en pantalla, pero
sí siempre sincero con mi espíritu japonés
”.
Toshiro Mifune

Toshiro Mifune Rashomon

Quizás el mejor actor japonés de todos los tiempos, a quien el director Akira Kurosawa,  en su autobiografía, consideraba que poseía un talento sin igual, veloz en entender las orientaciones y realizarlas cabalmente. Según Kurosawa, otros actores necesitan más interpretaciones para aprender, Toshiro no era el caso.

Sanchuan Minlang (su nombre chino), también llamado El Lobo o Shogun, nació el 1 de abril de 1920 en Tsingtao, China, hijo de misionarios japoneses que trabajaban en China, donde Toshiro creció y se desarrolló. Toshiro hablaba sin dificultad el mandarín. Después de terminada la escuela en el gigante asiático, estudió fotografía y cuando cumplió 20 años fue reclutado por el ejército de su país para rendir servicio en la fuerza aérea durante la Segunda Guerra Mundial. En setiembre de 1945, fue desmovilizado y buscó empleo como fotógrafo; en 1946, se presentó a concurso para trabajar como camarógrafo de cine. Poco después le llamaron para hacer esee trabajo, pero se encontró que le pedían reírse o enfadarse y él desconocía que en realidad le estaban haciendo una prueba para actor.

Su debut en la gran pantalla fue en el drama-film de acción “Ginrei no hate (1947)” (Sendero de nieve o Al final de las montañas plateadas) del director Senkichi Taniguchi con Takashi Shimura. Más adelante Toshiro estableció una gran colaboración con el director Kurosawa, quien le guió en 16 filmes. Toshiro de hecho fue el actor predilecto del mencionado director para protagonizar algunas adaptaciones de clásicos en el cine y otros, entre los que se encuentran:

  • Los dramas “El ángel ebrio (1948)” con Takashi Shimura, donde Toshiro interpretó el papel de gánsgter
  • El estupendo “Rashomon (1950)” con Shimura y Machiko Kyô, film que muestra como una verdad cambia según quien la cuente
  • “El idiota (1951)” con Setsuko Hara, film basado en la novela homónima del escritor Fiodor Dostoeivski
  • El inolvidable drama –film de acción “Los siete samurais (1954)” con Yoshio Inaba y Shimura, donde Mifune hizo alarde de todo su poder interpretativo en el papel del campesino Kikuchiyo, que trató al inicio de hacerse pasar por samurái
  • El drama “Crónica de un ser vivo (1955)” con Shimura,
  • El drama de guerra medieval “Trono de sangre (1957)” con Shimura nuevamente e Isuzu Yamada, film basado en la obra “Macbeth” de Shakespeare,
  • “Bajos fondos (1957)” con Yamada, film basado en la obra “Las bajas profundidades” de Máximo Gorky
  • El suspense “Los malos duermen en paz (1960)”con Masayuki Mori

Toshiro Mifune afiche

En la década de los 60 protagonizó:

  • El drama- film de acción “Yojimbo (1961)” con Tatsuya Nakadai, con excelente interpretación de Mifune como Ronin justiciero.
  • El suspense-film de crimen “El paraíso y el infierno (1963)” con Nakadai
  • El drama “Barbarroja (1965)” con Yuzo Kayama, sobre la vida de un médico en un pueblo del Japón. Todos estos filmes dirigidos por Kurosawa

Toshiro también apareció en filmes de otros directores, como fueron en:

  • El drama “La vida de Oharu (1952)” de Kenji Mizoguchi con Kinuyo Tanaka
  • El film de acción “Samurai (1954)” de Hiroshi Inagaki con Rentaro Mikuni
  • Protagonizó el film de acción “La saga de los vagabundos (1959)” o también llamado “Los diablos rojos” con Koji Tsuruta
  • Los dramas-filmes épicos “Los tres tesoros (1959)” con Yôko Tsukasa, maravilloso film sobre la leyenda japonesa de como se creó la tierra
  • “47 Ronin (1962)”, éstos dos últimos de Inagaki
  • El drama “Rebelión (1967)” con Tsukasa nuevamente

Toshiro Mifune afiche 2

En filmes de guerra apareció, interpretando casi siempre al Almirante Isoroku Yamamoto en:

  • “Almirante Yamamoto (1968)” de Seiji Maruyama,
  • “La batalla de Midway (1976)” de Jack Smith con Charlton Heston, Henry Fonda y otros actores norteamericanos

También actuó en algunos filmes de producción occidental, como fue en:

  • Los dramas “Ánimas Trujano: el hombre importante (1961)” de Ismael Rodríguez con Columba Domínguez, que le obligó a memorizar algunas oraciones y frases en castellano,
  • “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer con James Garner e Yves Montand, film que le obligó a aprender inglés, aunque por lo regular su voz era doblada al inglés.
  • La película de acción “Infierno en el Pacífico (1968)” de John Boorman con Lee Marvin
  • El mediocre oeste “Sol rojo (1971)” de Terence Young con Charles Bronson y Alain Delon
  • El estupendo serial para la TV “Shogun (1980)” de Jerry London con Richard Chamberlain
  • La película de acción “La sombra del lobo (1991)” de Jacques Dorfmann con Donald Sutherland

Toshiro Mifune afiche 3

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Siete samurais (1954)”. Obtuvo Copa de Zorros en el festival de Venecia como mejor actor por “Yojimbo (1961)” y “Barbarroja (1965)”.

Nominado para Emmy como mejor actor en series de la TV por “Shogun (1980)”. En 1985 obtuvo el Grand Prix en el festival de Montreal por su contribución al conocimiento del cine japonés en el mundo occidental.

En resumen actuó en 183 filmes entre 1947 y 1995, productor de 15 y director de una película. Murió el 24 de diciembre de 1997 en Tokyo, Japón.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 4 enero 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Elizabeth Taylor

El éxito es un gran desodorante,
le quita a uno los olores pasados
”.
Elizabeth Taylor

Elizabeth Taylor en La senda de los elefantes (1954)

Elizabeth Taylor en “La senda de los elefantes (1954)”. Cortesía doctormacro.com

Entre las actrices más notables y bellas del cine de todos los tiempos encontramos a Elizabeth Taylor, la que nació el 27 de febrero de 1932 en Londres, Inglaterra, hija de  padres estadounidenses dedicados al comercio del arte en Londres. Sus padres regresaron a los EE.UU. casi al inicio de la Segunda Guerra Mundial y se establecieron en Los Ángeles. Allí Liz, incentivada por su madre, que había sido una modesta actriz teatral, comenzó a practicar interpretación a la edad de 10 años e hizo su debut en el cine, en papel de reparto de la comedia “There’s one born every minute (1942)” (Nace uno cada minuto) de Harold Young con Hugh Herbert.

Liz Taylor afiches

Poco después la MGM firmaría a Liz, la que se estrenó también como actriz de reparto en el film de entretenimiento “Lassie, la cadena invisible (1943)” de Fred M. Wilcox con Roddy McDowall. Luego co-protagonizó con Mickey Rooney un film similar “Fuego de juventud (1944)” de Clarence Brown, película que fuera su primer gran éxito en el cine y la hizo popular desde entonces. Con la perrita Lassie volvió en “El coraje de Lassie (1946)” de Wilcox con Frank Morgan, al que le siguieron:

  • Las comedias “Cynthia (1947)” de Robert Z. Leonard con George Murphy,
  • “Vivir con papá (1947)” de Michael Curtiz con William Powell e Irene Dunne.
  • “Julia se porta mal (1948)” de Jack Conway con Greer Garson
  • El remake del drama “Mujercitas (1949)” de Mervyn LeRoy con June Allyson y Janet Leigh entre otras
  • “Traición (1949)” de Victor Saville con Robert Taylor

Liz Taylor afiches 2

En la década de los 50, Liz era una actriz conocida y consolidada, por lo que contratos le sobraron en distintas películas como protagonista principal. Así actuó en:

  • Las comedias “El padre de la novia (1950)” de Vincente Minneli con Spencer Tracy y Joan Bennett, y su secuela, “El padre es abuelo (1951)”, con igual dirección y equipo de trabajo
  • El drama “Un lugar en el Sol (1951)” de George Stevens con el amigo de Liz, Montgomery Clift,, y Shelley Winters, película basada en una adaptación de una novela del escritor Theodore Dreiser
  • El épico “Ivanhoe (1952)” de Richard Thorpe con Richard Taylor y Joan Fontaine, donde aparece como una judía en la Inglaterra medieval
  • Los dramas “Rapsodia (1954)” de Charles Vidor con Vittorio Gassman,
  • “La senda de los elefantes (1954)” de William Dieterle con Dana Andrews y Peter Finch,
  • “El árbitro de la elegancia (1954)”, también llamado “Beau Brummel” de Curtis Bernhardt con Stewart Granger y Peter Ustinov,

Liz Taylor afiches 3

  • “La última vez que vi París (1954)” de Richard Brooks con Van Johnson
  • Su interpretación en la superproducción “Gigante (1956)” de George Stevens con Rock Hudson y James Dean, film que relata como el petróleo se convirtió en un gran negocio en Texas
  • Nuevamente con Montgomery Clift en el drama “El árbol de la vida (1957)” de Edward Dmytryk
  • Con la estrella entonces ascendente, Paul Newman, en el drama “La gata sobre el tejado de zinc (1958)” de Brooks
  • Otro drama, esta vez de Joseph L. Mankiewicz, “De repente el último verano (1959)” con Katharine Hepburn y Montgomery Clift una vez más
  • El drama “Una mujer marcada (1960)” co-protagonizado por Laurence Harvey y Eddie Fisher

En la década de los 60, Liz actuó en:

  • El film histórico “Cleopatra (1963)” de Mankiewicz, junto a Richard Burton, quien posteriormente sería su cónyuge, y Rex Harrison
  • Con Burton compartiría interpretación en varios otros filmes, como los dramas “Hotel Internacional (1963)” de Anthony Asquith,
  • “Castillos de arena (1965)” de Minnelli,
  • “¿Quién teme a Virginia Woolf ? (1966)” de Mike Nichols,
  • “La fierecilla indomable (1967)” de Franco Zefirelli,
  • “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville,
  • “Doctor Faustus (1968)” del propio Burton y Nevill Coghill,
  • “Boom (1968)” de Joseph Losey,
  • “Pacto con el diablo (1972)” dirigida y también protagonizada por Peter Ustinov,
  • “Divorce his- Divorce her (1973) TV” (Divorciate y divorcialo) de Waris Hussein,
  • La comedia “Bajo el bosque lácteo (1973)” de Andrew Sinclair

Richard Burton Afiches 2

Aparte de estas actuaciones con Burton, Liz protagonizó algunas películas con otros destacados actores como:

  • Con Robert Mitchum en los dramas “Ceremonia secreta (1968)” de Losey,
  • “Norte y sur (1985)” de Richard T. Heffron
  • Con Marlon Brando en el drama “Reflejos en un ojo dorado (1967)” de John Huston
  • Con Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Dreyfuss y Anthony Hopkins en el film de acción “Victoria en Entebbe (1976) TV” de Marvin J. Chomsky
  • Con Henry Fonda en el drama “Miércoles de ceniza (1973)” de Larry Peerce, cuya interpretación puede considerarse como el último gran éxito de Liz en la gran pantalla

Liz Taylor afiches 4

En las décadas de los 70, 80 y los 90, Liz se dedicó a actuar más para la TV. Su belleza ya menguante no le restó brillo a muchas de sus últimas actuaciones. Para el cine sus últimas interpretaciones fueron en:

  • El drama “Zingara (1988)” de Zefirelli con C. Thomas Howell, actor que interpreta el papel de Arturo Toscanini
  • La pálida comedia “Los picapiedra (1994)” de Brian Levant con John Goodman
  • La comedia “Esas chicas fabulosas (2001)” de Matthew Diamond con Shirley MacLaine, Joan Collins y Debbie Reynolds

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “El árbol de la vida (1957)”, “La gata sobre el tejado de zinc (1958)” y “De repente el último verano (1959)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Una mujer marcada (1960)” y “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)”. En 1993 obtuvo el premio Jean Hersholt. Nominada para Globo de Oro como mejor actriz por “Miércoles de ceniza (1973)”.  Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz por “De repente el último verano (1959)”; como la actriz femenina favorita por “Miércoles de ceniza (1973)”, y en 1957 por su consistente labor como actriz. En 1985 obtuvo el premio Cecil B. DeMille. Obtuvo premio del National Board Review y del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)”.

Nominada para premio BAFTA como mejor actriz extranjera por “Cat on a Hot Tin Roof” (1958) y “La fierecilla indomable (1967)”. Obtuvo este premio por ““¿Quién teme a Virginia Woolf ?  (1966)”. También el premio Academy Fellowship en 1999. Obtuvo Oso de plata del festival de Berlín como mejor actriz por “Pacto con el diablo (1972)”.En 1977 fue declarada Mujer del Año por el Hasty Pudding Theatricals. En 1985 recibió el premio Crystal. En 1986 obtuvo el Gala Tribute del centro de la sociedad fílmica Lincoln. En 1993 obtuvo premio a su carrera del Instituto fílmico americano. En 1998 recibió premio SAG por su carrera artística.

Nominada para premio frambuesa como peor actriz por “Los picapiedra (1994)”.  En 2001 recibió el premio Maverick del festival Taos Talking Picture. En honor a su carrera, Liz fue nombrada Dama del Imperio Británico en 1999.

En su carrera actuó en 78 películas entre 1942 y 2001, y productora de tres filmes. Murió el 23 de marzo de 2011 en Los Ángeles.

 

Escrito por Esteban Hernández, 29 diciembre de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Charles Laughton

Hollywood es un lugar ridículo, pero me gusta”.
Charles Laughton

Charles Laughton

Charles Laughton. Cortesía: doctormacro.com

Uno de los actores más convincentes en el cine de todos los tiempos ha sido Charles Laughton, quien se destacó por su versatilidad y maestría en cada uno de los papeles que interpretó. Lo mismo era el villano o el sabio bonachón de la peli. No era de esos actores encasillados, los papeles que recibía los interpretaba cabalmente.

Laughton nació el 1 de julio de 1899 en Scarborough, Yorskhire, Inglaterra, hijo de padre inglés, dueño de hotel, y de madre católica descendiente de irlandeses. Su niñez la pasó como cualquier niño. Sus padres tenían la esperanza que él se hiciera cargo de la propiedad y negocio que poseían, no sucedió nada de eso, desde que tenía 16 años sintió vocación por la interpretación. Participó en la primera guerra mundial, y en 1925 comenzó estudios en la Academia Real de Arte Dramático, donde tuvo un desarrollo precoz, ya que debutó en obra teatral en 1926. Luego debutó en cine, en los cortos “Blue Bottles (1928)” (Botellas azules) y “Daydreams (1928)” (Día de sueños), ambos de Ivor Montagu. Fue entonces que conoció a la actriz Elsa Lanchester, que fuera su esposa hasta su fallecimiento.

Su siguiente actuación en cine fue en papel de reparto del film de crimen “Piccadilly (1929)” de Arnold Bennett con Gilda Gray y Anna May Wong.

Su primera actuación importante en cine fue como protagonista del film de crimen “Wolves (1930)” (Lobos) de Albert de Courville con Dorothy Gish. A continuación actuó en papel de reparto de otra película similar, “Down River (1931)” (Río abajo) de Peter Godfrey con Jane Baxter y Arthur Goullet.

Laughton llegó a Hollywood en los inicios de la época del cine sonoro, debutando en papel de reparto del film de horror “El caserón de las sombras (1932)” de James Whale con Boris Karloff y Melvyn Douglas. A continuación:

  • Co-protagonizó con Gary Cooper el drama-comedia “Si yo tuviera un millón (1932)” de James Cruze y H. Bruce Humberstone
  • Interpretó el papel del Dr Moreau en el film de aventura-horror “La isla del Dr. Moreau (1933)” de Erle C. Kenton con Richard Arlen
  • Los dramas “La vida privada de Enrique VIII (1933)” de Alexander Korda con Robert Donat, en el que interpreta el papel del Rey Enrique VIII,
  • “Rebelión a bordo (1935)” de Frank Lloyd con Clark Gable, donde interpretó el papel del malvado capitán William Bligh,
  • Una versión de “Les miserables (1935)” de Richard Boleslawski con Fredric March, donde Laughton encarna al inspector Javert,
  • “Rembrandt (1936)” de Korda con Gertrude Lawrence, film donde interpretó la figura del famoso pintor,
  • En el papel de Claudio emperador en el drama “I, Claudius (1937)” (Yo, Claudio) de Denis Kavanagh y Josef von Sternberg con Flora Robson
  • Volvió a interpretar el papel de Enrique VIII en el drama “La reina virgen (1953)” de George Sidney con Stewart Granger, Deborah Kerr y Jean Simmons
  • Interpretó el papel del jorobado Quasimodo en el drama “El jorobado de Notre Dame (1939)” de William Dieterle con Maureen O’Hara y Edmond O’Brien.

Charles Laughton afiches

En las siguientes décadas tuvo interpretaciones siempre recordadas, como fueron en:

  • La comedia-fantasía “El fantasma de Canterville (1944)” de Jules Dassin y Norman Taurog con Robert Young
  • El film de acción “El Capitán Kidd (1945)” de Rowland V. Lee con Randolph Scott, donde encarna al temerario pirata
  • Los dramas “El proceso Paradine (1947)” de Alfred Hitchcock con Gregory Peck,
  • “Arco de Triunfo (1948)” de Lewis Milestone con Ingrid Bergman y Charles Boyer
  • Siguiendo la ruta de otros sitios de París, interpretó el rol del detective Maigret en el film de misterio “The man on the Eiffel Tower (1950)” (El hombre en la Torre de Eiffel) co-dirigida por Burgess Meredith, Irving Allen y él mismo

Charles Laughton afiches II

Laughton se deleitaba actuando en filmes épicos o históricos, algo que mantuvo hasta el final de su carrera con sus interpretaciones de:

  • El Rey Herodes en el drama “Salomé (1953)” de Dieterle con Stewart Granger y Rita Hayworth
  • De Graco en “Espartaco (1960)” de Stanley Kubrick con Kirk Douglas y Laurence Olivier
  • Igualmente como detective en el drama-suspense “Testigo de cargo (1957)” de Billy Wilder con Tyrone Power y Marlene Dietrich
  • Su última aparición en la gran pantalla, en papel de reparto del drama “Tempestad sobre Washington (1962)” de Otto Preminger con Franchot Tone, Lew Ayres, Henry Fonda y Walter Pidgeon, donde interpreta el papel de un influyente político en el senado americano.

Charles Laughton afiches III

Laughton dirigió otra película, el film de cine negro- suspense “La noche del cazador (1955)” protagonizado por Robert Mitchum y Lillian Gish.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Rebelión a bordo (1935)” y “Testigo de cargo (1957)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “La vida privada de Enrique VII (1933)”. Obtuvo premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York  por su actuación en “Rebelión a bordo (1935)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Testigo de cargo (1957)” y “Tempestad sobre Washington (1962)”.

En resumen, Laughton actuó en 65 filmes entre 1928 y 1962, director de 2, productor de 3 y guionista de seis filmes. Murió el 15 de diciembre de 1962 en Hollywood.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 10 diciembre de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Deborah Kerr

Siempre pienso en Audrey Hepburn como la
princesa, pero en Deborah Kerr como la reina
”.
William Wyler (1902-1981, director de cine)

Deborah Kerr

Dentro de las grandes actrices del cine se encuentra la escocesa Deborah Kerr, la que brilló en el cine del Reino Unido como el de Hollywood, siempre por sus habilidades histriónicas más que por su belleza, la que no era para competir con otras agraciadas como Ava Gardner o Rita Hayworth, por solo mencionar dos de las grandes divas del cine. Deborah siempre imprimió atracción a cada uno de los personajes que interpretó en la gran pantalla. Podía encarnar el rol de una monja, o el de una mujer muy enamorada, o sacrificada, despreciada u odiada, lo que fuera del interés del director de turno, Deborah lo hacía todo con excelencia y verdaderamente marcó una época con su arte en los filmes en que intervino.

Deborah Jane Kerr-Trimmer, también llamada la Rosa Inglesa, nació el 30 de setiembre de 1921 en Helensburgh, Escocia, hija de un soldado veterano de la primera guerra mundial. Sus estudios transcurrieron en la Casa Northumberland, Clifton, Bristol. Su debut en teatro fue en una obra en el Open Air del  Parque Regent de Londres. Luego actuó en Oxford, Cambridge y otros lugares de Inglaterra en el período de 1939-40. Luego lo hizo igualmente en Francia, Bélgica y Países Bajos, además del servicio de entretenimiento del Ejército Británico.

Sus actuaciones teatrales fueron de buen nivel y no pasaron inadvertidas para algunos expertos, como el director Gabriel Pascal, quien la incluyó en el reparto de su comedia “Major Barbara (1941)” protagonizada por Rex Harrison y Wendy Hiller. Luego actuó en:

  • Como protagonista del drama “Love on the dole (1941)” (Amor en el paro) de John Baxter y co-protagonizado por Clifford Evans.
  • En papel de reparto del drama “Vida y muerte del coronel Blimp (1943)” de Michael Powell y Emeric Pressburger con James McKechnie y Neville Mapp
  • Co-protagonizó los dramas “Separación peligrosa (1945)” de Alexander Korda con Robert Donat,
  • “I see a dark stranger (1946)” (Veo un extraño oscuro) de Frank Launder con Trevor Howard,
  • “Narciso negro (1947)” del propio Powell, film en el que Deborah interpretó el papel de monja por primera vez. La trama de la película se desarrolla en el Himalaya y es co-protagonizada por Sabú

Deborah Kerr afiches

Después del último film mencionado, Deborah se trasladó a Hollywood para allí debutar en el drama “Mercaderes de ilusiones (1947)” de Jack Conway con Clark Gable, al que le siguieron:

  • El drama “Eduardo, hijo mío (1949)” de George Cukor con Spencer Tracy
  • El film de aventura “Las minas del rey Salomón (1950)” de Andrew Marton y Compton Bennett con Stewart Granger
  • Con el propio Granger en los filmes épicos o históricos “El prisionero de Zenda (1952)” de Richard Thorpe,
  • “La reina virgen (1953)” de George Sidney, también co-protagonizada por Jean Simmons
  • Los históricos “Quo Vadis (1951)” de Mervyn LeRoy con Robert Taylor,
  • “Julio César (1953)” de Joseph L. Mankiewicz con Marlon Brando, James Mason y Greer Garson entre otros
  • Los dramas “De aquí a la eternidad (1953)” de Fred Zinnemann con Burt Lancaster y Montgomery Clift,
  • “Vivir un gran amor (1955)” de Edward Dmytryk con Van Johnson,
  • “Sólo Dios lo sabe, Mr Allison (1957)” de John Huston con Robert Mitchum, donde de nuevo Deborah intepreta el papel de monja,
  • “Buenos días, tristeza (1958)” de Otto Preminger,
  • “Mesas separadas (1958)” de Delbert Mann, en estos dos últimos junto a David Niven
  • Las comedias o musicales “El rey y yo (1956)” de Walter Lang con Yul Brynner,
  • “Té y simpatía (1956)” de Vincente Minnelli con John Kerr
  • Co-protagonizó con Yul Brynner el drama “Rojo Atardecer (1959)” de Anatole Litvak, filme cuya trama se desarrolla durante la ocupación soviética en Hungría (1956).

Deborah Kerr afiches II

En el género de comedias su mayor colaboración la tuvo con Cary Grant en los filmes:

  • “La mujer soñada (1953)” de Sidney Sheldon,
  • “Tú y yo (1957)” de McCarey,
  • Un nuevo éxito, en el drama “Tres vidas errantes (1960)” de Fred Zinneman con Robert Mitchum
  • La comedia “Página en blanco (1960)” de Stanley Donen, donde se crea un triángulo amoroso con Grant y Mitchum

Deborah Kerr afiches III

En la siguiente década actuó en:

  • El suspense “Sombras de sospecha (1961)” de Michael Anderson con Gary Cooper
  • El film de horror “Suspense (1961)” de Jack Clayton con Peter Wyngarde
  • Los dramas “La noche de la iguana (1964)” de John Huston con Richard Burton y Ava Gardner,
  • “Mujer sin pasado (1964)” de Ronald Neame con Hayley Mills,
  • “El compromiso (1969)” de Elia Kazan, donde nuevamente se ve en otro triangulo de amor, éste más trágico, con Kirk Douglas y Faye Dunaway
  • “Los temerarios del aire (1969)” de John Frankenheimer con Burt Lancaster y Gene Hackman, film en el que Deborah es una mujer casada que queda por segunda vez seducida en pantalla por el valiente Burt Lancaster. La primera vez fue en “De aquí a la eternidad”. Se sabe que en la vida real ella sentía gran atracción por este actor.

Deborah Kerr afiches IV

Después de estas actuaciones, Deborah decidió dedicarse más al teatro y a la TV. En esta última tuvo una notable interpretación de reparto en el serial dramático “Toda una mujer (1983)” de Don Sharp con Jenny Seagrove y Barry Bostwick.

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Eduardo, hijo mío (1949)”, “De aquí a la  eternidad  (1953)”, “El rey y yo (1956)”, “Sólo Dios lo sabe, Mr. Allison (1957)”, “Mesas separadas (1958)” y “Tres vidas errantes (1960)”. En 1994 obtuvo OSCAR en honor a su carrera artística. Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz en comedia/musical por “El rey y yo (1956)”. En 1959 obtuvo un Globo de Oro como Actriz Favorita a nivel Mundial.

Nominada para premios BAFTA como mejor actriz británica por “Vivir un gran amor (1955)”, “Té y simpatía (1956)”, “Tres vidas errantes (1960)” y “Mujer sin pasado (1964)”. Obtuvo BAFTA por su carrera en 1991.

Nominada para Emmy como mejor actriz de reparto en miniseries por “Toda una mujer (1983)”. Obtuvo premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “Narciso negro (1947)”, “Sólo Dios lo sabe, Mr. Allison (1957)” y “Tres vidas errantes (1960)”. En 1957 Photoplay la declaró la actriz más popular del año.

En resumen, Deborah actuó en 53 filmes entre 1941 y 1986. Murió el 6 de octubre de 2007 en Suffolk, Inglaterra, debido a complicaciones con el Mal de Parkinson que padecía.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 diciembre de 2017, con información tomada de su obra inédita, “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

James Stewart

Yo no actúo, reacciono.”
James Stewart

James Stewart

James Stewart Cortesía doctormacro.com

Considerado como uno de los mejores actores de Hollywood de todos los tiempos, se puede decir que por su rostro de persona generosa y sus actuaciones en idénticos roles, Stewart ganó rápidamente la  simpatía del público.

El alto Jimmy (medía 191 cm) nació el 20 de mayo de 1908 en Indiana, Pensilvania en el seno de una familia que poseía su propia tienda. Terminada la escuela primaria y media, donde se destacó como deportista, pasó a estudiar arquitectura en la Universidad de Princeton, donde igualmente se destacó como actor  en grupos teatrales y músico, que lo llevó a una gira por el norte de su país después de su graduación  En ese grupo también estaba el actor Henry Fonda. Vino la depresión económica y Stewart se vio desempleado, por lo que continuó con sus empeños artísticos tal y como lo hacía Fonda hasta que logró entrar en el mundo del cine.

Sus primeras interpretaciones fueron en papeles de reparto, hasta que protagonizó, junto a Margaret Sullavan, el musical “Cuando volvamos a amarnos (1936)” de Van Dyke. Luego actuó en:

  • La comedia “Vive como quieras (1938)” de Frank Capra con Jean Arthur y Lionel Barrymore
  • Su primer oeste, “Arizona (1939)” de George Marshall con Marlene Dietrich,
  • La comedia-drama “El lazo sagrado (1939)” de John Cromwell con Carole Lombard
  • La comedia-drama de Capra, “Caballero sin espada (1939)” con Jean Arthur, donde interpretó el papel de un incansable joven senador y resultó un verdadero éxito
  • El drama-film de guerra “Tormenta mortal (1940)” de Frank Borzage con Margaret Sullavan y Robert Young
  • El romance “El bazar de las sorpresas (1940)” de Ernst Lubitsch con la Sullavan nuevamente
  • El famoso “Historias de Filadelfia (1940)” de George Cukor con Cary Grant y Katharine Hepburn, que fuera un éxito rotundo para Stewart

James Stewart I Afiches

En la década de los 40, Stewart actuó en:

  • La comedia “No puedo vivir sin tí (1941)” de Clarence Brown con Hedy Lamarr
  • El musical “Las chicas de Ziegfeld (1941)” de Robert Z. Leonard con Judy Garland, Hedy Lamarr y Lana Turner

En 1940 se enroló en el ejército de su país. Faltó poco para que no lo reclutaran, pues pesaba 5 libras por debajo del peso mínimo requerido. Su servicio en el ejército fue brillante, el cual concluyó con honores y alto grado militar, y regresó a la gran pantalla para actuar en:

  • El drama “Qué bello es vivir! (1946)” de Capra con Donna Reed y Lionel Barrymore, film que le valió un nuevo éxito de la crítica y el público en general
  • El suspense “La soga (1948)” de Hitchcock con John Dall
  • La comedia “Yo creo en tí (1948)” de H.C. Potter con Joan Fontaine
  • Los oestes “Flecha rota (1950)” de Delmer Daves con Jeff Chandler y Debra Paget,
  • “Winchester 73 (1950)” de Anthony Mann con Shelley Winters y Dan Duryea
  • La comedia-drama “El invisible Harvey (1950)” de Henry Koster con Josephine Hull

James Stewart II Afiches

En la década de los 50, continuó su labor y sus filmes más notables en este período fueron en:

  • El oeste “Horizontes lejanos (1952)” con Arthur Kennedy y Rock Hudson
  • El drama “Música y lágrimas (1953) con June Allyson, donde interpreta el papel del famoso músico Glenn Miller
  • El oeste “Colorado Jim (1953)” con Janet Leigh y Robert Ryan, estos tres filmes de Anthony Mann
  • El suspense “La ventana indiscreta (1954)” de Hitchcock con Grace Kelly y Raymond Burr, película que fuera famosa en todo el mundo
  • El oeste “El hombre de Laramie (1955)” de Mann nuevamente con Arthur Kennedy
  • Los famosos suspenses de Hitchcock, “El hombre que sabía demasiado (1956)” con Doris Day,
  • “Vertigo (1958)” con Kim Novak, que fuera un éxito en los cinco continentes
  • Otro film de misterio, “Anatomía de un asesinato (1959)” de Otto Preminger con Lee Remick, donde Stewart interpretó el papel de un abogado que realiza una buena defensa en un juicio

el-invisible-harvey-cartel

En los 60 y 70, protagonizó:

  • La comedia “Un optimista de vacaciones (1962)” de Koster con Maureen O’Hara
  • El drama-film de misterio para la TV “Hawkins (1973)” de Jeff Corey y Jud Taylor con Strother Martin

James Stewart III Afiches

Se puede afimar que Stewart actuó en casi todos los géneros de películas, desde el suspense hasta la comedia pasando por los dramas y los oestes. En oestes,  Stewart fue otro destacado y colaborador del director John Ford, sobre todo en películas como:

  • “Dos cabalgan juntos (1961)” con Richard Widmark y Shirley Jones,
  • “El hombre que mató a Liberty Valance (1962)” con John Wayne y Lee Marvin, donde Stewart es el hombre que un día halla el coraje
  • “La conquista del oeste (1962)” junto a un extenso reparto de destacados actores,
  • “El gran combate (1964)” con Widmark nuevamente, Sal Mineo y Karl Malden
  • Otros oestes de ese período fueron “Los malvados de Firecreek (1968)” de Vincent McEveety con Henry Fonda,
  • “Bandolero! (1968)” de Andrew V. McLaglen con Dean Martin

En las siguientes décadas su actividad lógicamente decreció, la que combinó con actuaciones en cine y la TV. Sus mejores interpretaciones en cine, casi todas en papeles de reparto, de ese período fueron en:

  • El oeste “El último pistolero (1976)” de Don Siegel con John Wayne y Lauren Bacall
  • El film de acción “Aeropuerto ’77 (1977)” de Jerry Jameson con Jack Lemmon y Lee Grant
  • El remake del film de crimen “Detective privado (1978)” de Michael Winner con Robert Mitchum y Sarah Miles
  • El film de fantasía “La magia de Lassie (1978)” de Don Chaffey con Mickey Rooney, que fuera su última aparición en la gran pantalla

James Stewart IV Afiches

Para la TV, notable fue su actuación junto a Bette Davis en el drama “Derecho a elegir (1983)” de George Schaefer.  Stewart fue además autor de una interesante colección de poemas.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Caballero sin espada (1939)”, “Qué bello es vivir! (1946)”, “El invisible Harvey (1950)” y “Anatomía de un asesinato (1985)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Historias de Filadelfia (1940)”. En 1985, la Academia de Premios le concedió un galardón por sus cincuenta años de servicio y éxitos en el cine.  Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “El invisible Harvey (1950)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama para la TV por “Hawkins (1973)”. En 1965 se le otorgó el premio Cecil B. DeMille.

En 1962 obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlin como mejor actor por “Mr Hobbs takes a vacation (1962)”. Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Música y lágrimas (1953)” y “Anatomía de un asesinato (1959)”. Obtuvo Copa de Zorros en el festival de Venecia como mejor actor por “Anatomía de un asesinato (1959)”.

En resumen, James Stewart actuó en 97 filmes entre 1934 y 1986, director de 3 y productor de 2 filmes. Compuso además un total de 11 bandas sonoras. Stewart fue otro actor que se mantuvo fiel en su matrimonio con Gloria Stewart hasta el final de su vida. Murió el 2 de julio de 1997 en Los Ángeles. Sus última palabras fueron: “ahora volveré a juntarme con Gloria”.

 

Escrito por Esteban Hernández, 6 noviembre de 2017,  con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

Robert Mitchum

La única diferencia con mis compañeros
actores es que yo pasé más tiempo en cárcel
.”
Robert Mitchum

Robert Mitchum

Robert Mitchum Cortesía Doctormacro.com

Notable actor del cine americano de todos los tiempos, muy eficaz protagonizando dramas, suspenses, filmes de guerra-acción, oestes y comedias, que puede ser catalogado entre los mejores actores de Hollywood de todos los tiempos. Mitchum, con un temperamento frío, era capaz de interpretar papeles de criminal sádico, amante desvergonzado, detective integro, vaquero despiadado, en fin, los más variados roles, interpretados con suma eficiencia. Sin embargo, sus problemas personales y los prejuicios de la sociedad en que vivió no le permitió alcanzar más méritos como el gran actor de la pantalla que él fue.

Robert Charles Durman Mitchum nació el 6 de agosto de 1917 en Bridgeport, Connecticut, en el seno de una familia humilde y de escasos recursos económicos. Su padre era trabajador de ferrovías y murió cuando el actor tenía tan solo 2 años. En esa situación Mitchum fue criado por su madre y su padrastro, un oficial del ejército británico como representante para los estados de Connecticut, Nueva York y Delaware. La autoridad del padrastro Mitchum no la reconoció, escapó de casa, vagabundeó y en una ocasión fue condenado a prisión de menores, de la cual pudo escapar. Luego trabajó en varios oficios hasta que se interesó por la interpretación una vez llegó a Long Beach, California, la que practicó y pudo ejercer como aficionado inicialmente en teatro.

Debutó en el cine como actor de reparto, en el oeste “Hoppy serves a writ (1943)” (Hoppy asiste en un decreto judicial) de George Archainbaud con William Boyd (Hopalong Cassidy), en lo sucesivo Mitchum fue un villano más en oestes, siempre combatido por el héroe de Cassidy. En estos roles de malvado hizo un total de siete películas, todas en 1943, como fueron “Bar 20”, “Border patrol” (Patrulla de frontera), “Colt Comrades” (Compañeros Colt), todas dirigidas pos Lesley Selander; “False colors” de Archainbaud, “The leather burners” (Los quemadores de cuero) de Joseph Henabery, y “Riders of the deadline” (Jinetes del horario final) de Selander.

R Mitchum

El carácter de villano también lo interpretó en la comedia “The dancing masters (1943)” (Los maestros del baile) de Malcolm St. Clair con Oliver Hardy y Stan Laurel. A continuación actuó en:

  • Otro oeste, “West of the Pecos” (1945) (Al oeste de Pecos) de Edward Killy con Barbara Hale, donde Mitchum interpretó el rol de Pecos Smith
  • En papel de reparto del film de guerra “También somos seres humanos (1945)” de William Wellman con Burgess Meredith, donde tuvo su primera actuación reconocida por la crítica.

R Mitchum2

Por su notable interpretación en esta última película, obtuvo nuevos papeles protagónicos, sobre en todo en películas de crimen y de cine negro, como fueron:

  • “Encrucijada de odios (1947)” de Edward Dmytryk con Robert Ryan y Robert Young,
  • “Retorno al pasado (1947)” de Jacques Tourneur con el entonces joven Kirk Douglas y Jane Greer
  • “El gran robo (1949)” de Don Siegel con Jane Greer nuevamente

Posteriormente protagonizó algunos oestes, entre ellos:

  • “Perseguido (1947)” de Raoul Walsh con Teresa Wright,
  • “Sangre en la Luna (1948)” de Robert Wise con Barbara Bel Geddes y Walter Brennan.

R Mitchum 3

Ya casi en el estrellato, Mitchum tuvo problemas por el consumo de marihuana, por lo cual fue arrestado. Al parecer, él no prestó mucha atención a este fallo personal y continuó sus actividades de interpretación. No obstante, se sabe que hasta en la Casa Blanca el presidente Eisenhower prohibió desde ese entonces se exhibieran las pelis protagonizadas por Mitchum en lo sucesivo. La década de los 50 fue bastante fructífera al actuar en varios filmes importantes de esa época, como fueron:

  • Las películas de cine negro como “Las fronteras del crimen (1951)” de John Farrow y Richard Fleischer con Jane Russell,
  • “El soborno (1951)” de John Cromwell y Mel Ferrer con Lizabeth Scott y Robert Ryan
  • El oeste-drama “Hombres errantes (1952) de Nicholas Ray con Susan Hayward y Arthur Kennedy
  • El film de crimen “Perseguida (1953)” de Rudolph Maté, donde Mitchum es el héroe que aniquila al malvado de Jack Palance
  • El oeste “Río sin retorno (1954)” de Otto Preminger y Jean Negulesco con Marilyn Monroe
  • El drama “No serás un extraño (1955)” de Stanley Kramer con Olivia de Havilland y Frank Sinatra

R Mitchum 4

  • El suspense “Intriga extranjera (1956)” de Sheldon Reynolds con Geneviève Page
  • Tuvo el privilegio de protagonizar la única película, por cierto muy buena, que dirigiera Charles Laughton, se trata del drama-film de cine negro “La noche del cazador (1955)” con Shelley Winters
  • El oeste “Bandido (1956)” de Richard Fleischer con Gilbert Roland
  • El drama “Solo Dios lo sabe, Mr Allison (1957)” de John Huston con Deborah Kerr, con una excelente interpretación de soldado en territorio enemigo y acompañando a una monja
  • El film de guerra “Duelo en el Atlántico (1957)” de Dick Powell con Curd Jurgens
  • La comedia “Página en blanco (1960)” de Stanley Donen con Cary Grant y Deborah Kerr
  • El drama de Vincente Minnelli, “Con él llegó el escándalo (1960)” con Eleanor Parker y George Peppard

En la década de los 60, Mitchum siguió alternando entre filmes de variados géneros. Sus mejores performances fueron en:

  • El film de crimen “El cabo del terror (1962)” de J. Lee Thompson con Gregory Peck, película en la que Mitchum es el perfecto hombre sádico
  • El largometraje de guerra “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton, film que tuvo un extenso reparto de estrellas del cine, entre ellas Henry Fonda, Paul Anka entre otros
  • El drama-film de misterio “El último de la lista (1963)” de Huston con Tony Curtis y Burt Lancaster
  • La comedia “Ella y sus maridos (1964)” de Thompson con Shirley MacLaine
  • Los oestes “El Dorado (1967)” de Howard Hawks con John Wayne,
  • “El póker de la muerte (1968)” de Henry Hathaway con Dean Martin

R Mitchum 5

En la década de los 70 y en lo sucesivo, actuó en excelentes películas:

  • El drama “La hija de Ryan (1970)”de David Lean con Trevor Howard, donde él es un profesor casado con una mujer mucho más joven que él
  • El suspense “Adiós, muñeca (1975)” de Dick Richards con Charlotte Rampling, donde emuló con Bogart al interpretar el papel del detective Phillip Marlowe
  • Protagonizó la interesante película sobre la mafia en el Japón, “Yakuza (1975)” de Sidney Pollack con Ken Takakura
  • El drama “El último magnate (1976)” de Elia Kazan con Robert De Niro y Tony Curtis El film de guerra “La batalla de Midway (1976)” de Jack Smight con Charlton Heston y Henry Fonda entre otros actores
  • Volvió a interpretar el papel del detective Marlowe en el remake del film de crimen y misterio “Detective privado (1978)” de Michael Winner con James Stewart y Sarah Miles

R Mitchum 6

  • Fue parte del reparto del remake del film de horror “El cabo del miedo (1991)” de Martin Scorsese con Robert De Niro, Nick Nolte y el propio Gregory Peck
  • Puso su voz como narrador del oeste “Tombstone (1993)” de George P. Cosmatos
  • Co-protagonizó con Josh Mosby, la comedia “Backfire! (1995)” de A. Dean Bell
  • Fue parte de los repartos del oeste “Dead man (1995)” (Hombre muerto) de Jim Jarmusch con Johnny Depp
  • Del drama “James Dean (1997)” de Mardi Rustam con Casper Van Dien y su nieta, Carrie Mitchum, film que fuera su último de por vida

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “También somos seres humanos (1945)”. En 1992 obtuvo el premio Cecil B. DeMille.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “Solo Dios lo sabe, Mr. Allison (1957)”.

En 1978 obtuvo premio a su carrera artística dado por el ShoWest Convention. En 1980 obtuvo premios similares de la Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles, y en 1991 del National Board Review. En 1993 recibió el Donostia por su carrera en el festival de San Sebastián.  En 1994 obtuvo Bota de Oro.  Dos actuaciones como villano de Mitchum fueron catalogadas entre las 100 mejores de este tipo en el cine de todos los tiempos, fueron las de “La noche del cazador (1955)” y “El cabo del terror (1962)”.

A diferencia de otros actores de Hollywood, Mitchum mantuvo su matrimonio por espacio de 57 años ininterrumpidamente con su esposa de siempre, Dorothy, quien tuvo una sola actuación en el cine, fue en la película “El gran robo (1947)”. En esta unión tuvieron 3 hijos, del cual se derivaron 4 nietos actualmente actrices/actores de cine. Sus hermanos Julie y John igualmente fueron actriz y actor de cine, respectivamente.

En resumen, Mitchum actuó en 133 filmes entre 1942  y 1997, productor de 3 y guionista de otro filme. Murió el 1 de julio de 1997 en Santa Bárbara, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 28 octubre de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

 

James Cagney

Nunca te acomodes sobre tus talones, nunca te relajes para que la
audiencia tampoco se relaje, siempre piensa lo que vayas a decir
.”
James Cagney

James Cagney

James Cagney con Priscilla Lane en “Los violentos años 20 (1939)” Cortesía Doctormacro.com

Toda una leyenda en el cine de Hollywood y un virtuoso de la actuación dotado de habilidades artísticas para el baile, que le llevaron rápidamente al estrellato y le convirtieron, en un momento de su carrera, en el actor mejor pagado de Hollywood. Su arte, por cierto, no nació de estudios en escuelas dramáticas.

James Cagney nació el 17 de julio de 1899 en la parte baja del este de Manhattan, Nueva York, de madre empleada en bar y de padre boxeador. La crianza de Cagney fue en un ambiente muy judío, aunque él y su familia no lo eran, y eso le facilitó el haber aprendido a hablar yidish. Eso se supo años después cuando coincidió con actores judíos como Paul Muni y John Garfield, los que hablaban en yidish también con Cagney. En su juventud abandonó sus estudios en la Universidad de Columbia y se convirtió en el clásico “buscavida”. Actuó en vodevil y en los años 20 pudo hacer algunas actuaciones en shows de Broadway que le dieron el empujón requerido para llegar a obtener contrato en Hollywood en 1930. Allí debutó en papel de reparto del film de crimen “Sinners’ holiday (1930)” (Vacación de pecadores) de John G. Adolfi. En lo sucesivo, actuó en papeles secundarios de tres filmes hasta conseguir su primer papel protagónico en el drama de crimen “El enemigo público (1931)” de William A. Wellman con Jean Harlow y Joan Blondell, que fuera su primer éxito en su carrera.

Cagney continuó su labor de forma casi paralela a la del actor Edward G. Robinson, pues ambos se dedicaron fundamentalmente a hacer papeles de gánster. Ellos solo actuaron una vez juntos, fue en el drama de crimen “Dinero fácil (1931)” de Alfred E. Green, donde Robinson fue el protagonista principal. No obstante, entre unas y otras películas de crimen, Cagney no dejaba de protagonizar algún que otro film musical, como fue “Desfile de candilejas (1933)” de Lloyd Bacon con Joan Blondell, donde dio muestras de su destreza en la danza. Este género de película siempre estuvo presente en su repertorio, como fueron:

  • “Los peligros de la gloria (1937)” de Victor Schertzinger con Evelyn Daw,
  • “Yanqui Dandy (1942)” de Michael Curtiz con Joan Leslie, “Quiéreme o déjame (1955)” de Charles Vidor con Doris Day, y otras más

Pero su fuerte fue el de interpretar papeles de tipo duro o malvado con algunos sentimientos de piedad por el pobre prójimo en filmes de crimen. Así protagonizó:

  • “Ángeles con cara sucia (1938)” de Michael Curtiz con su amigo de siempre Pat O’Brien, Humphrey Bogart y Ann Sheridan, que fuera una obra maestra del género de crimen
  • “Los violentos años veinte (1939)” de Raoul Walsh con Bogart y Priscilla Lane,
  • “Each dawn I die (1940)” (Cada amanecer yo muero) de William Keighley con George Raft,
  • “Ciudad de conquista (1940)” de Anatole Litvak y Jean Negulesco con Ann Sheridan nuevamente
  • “Al rojo vivo (1949)” de Walsh con Virginia Mayo y Edmond O’Brien

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Cagney actuó en pocos oestes en su carrera, uno de ellos fue “El chico de Oklahoma (1939)” de Lloyd Bacon con Bogart, así como en “La ley de la horca (1956)” de Robert Wise con Irene Papas, pero si actuó en algunos filmes de guerra y de aventuras como fueron:

  • “Ceiling zero (1935)” (Cero techo) de Howard Hawks,
  • “Devil dogs of the air (1935)”(Perros diabólicos del aire) de Bacon,
  • “Torrid zone (1940)” de William Keighley con Ann Sheridan,
  • “The Fighting 69th (1940)” (La 69na. Combatiente) de Keighley, en todas estas películas con Pat O’Brien

En la década de los 40, protagonizó otros dramas, como fueron:

  • “Johnny come lately (1943)” (Johnny vino tardíamente) de William K. Howard con Grace George,
  • “Sangre sobre el sol (1945)” de Frank Lloyd con Sylvia Sidney, entre otros

Cagney II

Cagney interpretó también el papel del actor Lon Chaney al protagonizar el drama “El hombre de las mil caras (1957)” de Joseph Pevney con Dorothy Malone, y también protagonizó las comedias:

  • “Escala en Hawai (1955) de John Ford y Mervyn LeRoy con Henry Fonda y Jack Lemmon, donde interpreta el papel de un duro y cruel capitán de la marina
  • “Un, dos, tres (1961)” de Billy Wilder con Horst Buchholz

Como se ha visto, Cagney actuó regularmente con su compañero y amigo, Pat O’Brien, quien también le acompañó, además de las películas ya mencionadas, en las comedias:

  • “Here comes the navy (1934)” (Aquí llega la marina) con Gloria Stuart,
  • “The Irish in us (1935)” (El irlandés dentro de nosotros) con Olivia De Havilland,
  • “Boy meets girls (1938)” (El muchacho encuentra las muchachas) con Marie Wilson, todas de Lloyd Bacon
  • El drama “Ragtime (1981)” de Milos Forman, que fuera curiosamente la última película en las carreras de Cagney y Pat O’Brien

Cagney III

Doris Day fue de sus actrices preferidas, al mismo nivel que Ann Sheridan, como lo demuestra el haber trabajado junto en tres filmes:

  • El ya mencionado “Quiéreme o déjame (1955)” de Charles Vidor,
  • Los musicales “The West Point story (1950)” (La historia de West Point)
  • “Starlift (1951)”, ambos de Roy Del Ruth.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Ángeles con cara sucia (1938)” y “Quiéreme o déjame (1955)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Yanqui Dandy (1942)”.

En 1974 obtuvo premio por su carrera artística del Instituto Fílmico Americano. En 1978 obtuvo otro premio similar de parte del Screen Actors Guild Awards. En 1982 fue premiado como el hombre del año por el Hasty Pudding Theatricals. Cagney fue presidente del Screen Actors Guild.

En resumen, Cagney actuó en 70 filmes entre 1930 y 1984, productor de uno y director de otro film. Murió a la edad de 86 años el 30 de marzo de 1986 cerca de Millbrook, Nueva York.

  

Escrito por Esteban Hernández, el 20 octubre de 2017 con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Dimitri Tiomkin, gran compositor de bandas sonoras fílmicas

La banda sonora ayuda a recordar
al filme de su preferencia

Del autor del artículo

Dimitri Tiomkin

En mi niñez lejos estaba de saber que las bandas sonoras preferidas de varios filmes eran de un compositor ucraniano. Bueno, nacido en Ucrania, aunque su apellido es ruso. Se trata del gran Dimitri Tiomkin  (Дмитрий Зиновьевич Тёмкин en ruso). El día que comencé a ilustrarme en información sobre el cine fue que pude conocer este importante detalle e incluso diferenciar a aquellos compositores, cuyas bandas se me quedaban pegadas en el oído y hasta las tarareaba en mis ratos de ocio.

Tiomkin nació el 10 de mayo de 1894 en Kremenchuk, pueblo de la provincia de Poltava en Ucrania, uno de los graneros más importantes de Rusia y luego de la otrora Unión Soviética. En ese lugar el compositor permaneció algunos años de su niñez con su familia, pero más temprano que tarde emigró a San Petersburgo, donde estudió mucha música a partir de los nueve años de edad. De un golpe ingresó en conservatorio y allí fue enseñado por Isabel Vengerova y Félix Blumenfeld, más tarde la instrucción pasó a manos del famoso compositor Alexander Glazunov. Precisamente en San Petersburgo el joven Tiomkin debutó como compositor de bandas sonoras para filmes rusos y franceses silentes de la época. Igualmente puso música a las presentaciones del comediante Max Linder en visita a Rusia

La llegada la revolución de octubre de 1917 inducen a Tiomkin a tomar otro destino. De 1917 a 1921 fue compositor, creo que nada voluntario, del ejército rojo. Por lo que en 1921, en plena guerra civil en Rusia, se trasladó a Berlín, donde pudo aprender y colaborar con músicos ya consagrados como Ferrucio Busoni y Egon Petri, además del pianista Michael Karlton, con quien dio conciertos a dos pianos en varios lugares. Posteriormente viajó la pareja de pianistas a París, donde Tiomkin conoció al cantante ruso Fiodor Chaliapin, el que aconseja al joven Dima de viajar a EE.UU., donde ganaría mucho dinero. Finalmente en 1925 él se trasladó junto a Karlton a Nueva York, donde igualmente tuvieron éxito con su arte. En la Gran Manzana conoció a destacados compositores, uno de ellos el famoso George Gershwin. En 1929 fue invitado a Hollywood para asistir al estreno del filme “The Broadway melody (1929)”. Llegado a la meca del cine, decidió quedarse para comenzar a componer bandas sonoras, al inicio para la Metro Goldwyn, de donde pasó a la Paramount, pero luego se comportó como un agente libre y sin ningún contrato de larga duración con ningún estudio.

En Hollywood su primer éxito llegó con la banda sonora del filme “Alicia en el país de las maravillas (1931)” de Norman Z. McLeod. En 1935 puso su música en el drama musical “Marietta, la traviesa” de Robert Z. Leonard y W.S. Van Dyke. En 1937 comenzó su colaboración con el exitoso director fílmico Frank Capra. Tiomkin compuso la banda sonora del filme de aventura-drama “Horizontes perdidos (1937)” protagonizado por Ronald Colman y Jane Wyatt, que le valió la primera nominación a Oscar. Posteriormente con Capra trabajaron en tres filmes más, entre ellos el drama “Caballero sin espada (1939)” protagonizado por James Stewart y Jean Arthur, que le valió otra nominación a Oscar, así como el drama   “¡Qué bello es vivir! (1946)”   con James Stewart nuevamente y Donna Reed. Igualmente compuso las bandas sonoras del filme de aventura “Justicia corsa (1942)” de Gregory Rattoff con Douglas Fairbanks Jr. y Ruth Warrick, del Oeste “Duelo al sol (1946)” de King Vidor con el protagonismo de Gregory Peck y Jennifer Jones; y del drama romántico “El puente de San Luis Rey (1944)” de Rowland V. Lee con Lynn Bari y Akim Tamiroff, que significaron dos nuevas nominaciones de la Academia.

Tiomkin 1

Los éxitos de Tiomkin continuaron con nuevas nominaciones por el oeste “Río Rojo (1948)” de Howard Hawks, el drama “El ídolo de barro (1949)” de Mark Robson hasta llegar a su primer Oscar con la banda sonora de “Solo ante el peligro (1952)” de Fred Zinnemann.

Otra colaboración por un tiempo tuvo este compositor con el famoso Alfred Hitchcock. Fueron tres filmes de crimen: “Extraños en un tren (1951)” protagonizado por Farley Granger y Robert Walker, “Yo confieso (1953)” protagonizado por Montgomery Clift y Anne Baxter; y “Crimen perfecto (1954)” con Ray Milland y Grace Kelly, por el cual recibió otra nominación de la Academia.

Tiomkin 2

Su siguiente Oscar llegó con la banda del filme de acción-aventura “Escrito en el cielo (1954)” de William A. Wellman con John Wayne y Claire Trevor.

Independientemente que Tiomkin puso temas musicales para los más variados géneros fílmicos, no es menos cierto que su gran producción la dedicó en buena medida a los oestes, algunos de los cuales no obtuvieron nominaciones, pero si las de este autor. Entre esas están: “Duelo de titanes (1957)” con Burt Lancaster y Kirk Douglas; “El último tren de Gun-Hill (1958)” con Douglas y Anthony Quinn, ambos del director John Sturges; “Río Bravo (1959)” de Hawks con John Wayne y Dean Martin; “Los que no perdonan (1959)” de John Huston con Lancaster y Audrey Hepburn, banda musical que siempre he recordado con gratitud.

Tiomkin 3

En la década de los 50 tuvo otra nominación, la del dramaGigante (1956)” de George Stevens con Rock Hudson, James Dean y Liz Taylor; y otro Oscar por el drama “El viejo y el mar (1958)” de John Sturges y Henry King con el protagonismo de Spencer Tracy.

En la siguiente década su actividad continuó y entre sus mejores bandas sonoras están: el film histórico “El Álamo (1960)” dirigido y protagonizado por John Wayne, el filme de acción-aventuraLos cañones de Navarone (1961)” de J. Lee Thompson con Gregory Peck y Anthony Quinn, por ambos recibió nominaciones para Oscar; El filme histórico “Sodoma y Gomorra (1962)” de Robert Aldrich con Stewart Granger y Pier Angeli; el filme de acción-aventura55 días en Pekín (1963)” de Nicholas Ray y Guy Green con Charlton Heston y Ava Gardner; y otro filme histórico “La caída del imperio romano (1964)” de Anthony Mann con Sophia Loren y Stephen Boyd. Por estos dos últimos mencionados también fue nominado para Oscar; y el oeste “El oro de McKenna (1969)” de J. Lee Thompson con Peck y Omar Sharif, película de su propia producción.

Tiomkin 4

La última nominación que obtuvo fue por el filme de su propia producción “Chaykovskyi (1970)”, el cual se filmó en España y contó con la participación de notables actores soviéticos, entre ellos Kiril Lavrov, Alla Demidova, Evgenyi Leonov y la famosa bailarina Maya Plisetskaya.

Tiomkin fue nominado en quince ocasiones para premio Oscar, y lo obtuvo tres veces, además de ocho globos de oro.  Un total de 162 bandas sonoras logró poner en los más variados filmes en su carrera, que se extendió incluso hasta después de su muerte, la que ocurrió el 11 de noviembre de 1979 en Londres.

Fuentes

Anon. Las diez mejores bandas sonoras de Dimitri Tiomkin. Espinof. https://www.espinof.com/bandas-sonoras/las-diez-mejores-bandas-sonoras-de-dimitri-tiomkin

McClane John. 2009. Dimitri Tiomkin: uno de los compositores más exitosos en la historia del cine. Cinema Universe, 24 Agosto. http://cinemauniverse.blogspot.com.es/2009/08/dimitri-tiomkin-uno-de-los-compositores.html

IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0006323/?ref_=ttfc_fc_cr2

 

Escrito por Esteban Hernández, 16 octubre de 2017

 

Edward G. Robinson

Nunca coleccioné obras de artes, ellas me
coleccionaron a mí. Nunca encontré pinturas,
ellas me encontraron a mí. Nunca tuve posesión
de una obra de arte, ellas me poseían a mí
.”
Edward G. Robinson, también coleccionador
asiduo de obras de artes

Edward G. Robinson

Edward G. Robinson. Cortesía Doctormacro.com

Si Ud. quiere ver a un actor eficiente en películas de crimen, de suspense o filmes noir, Edward G. Robinson es la recomendación, todo un maestro protagonizando este tipo de películas. Robinson en estos filmes parecería que era el mismo diablo si interpretaba el papel de villano o el bonachón cuando era lo opuesto. El autor tiene a EG como a uno de sus preferidos, todo un maestro del arte de la interpretación, el cual era capaz igualmente de protagonizar dramas y comedias con eficiencia.

Emmanuel Goldenberg nació el 12 de diciembre de 1893 en Bucarest en el seno de una familia, que emigró a los EE.UU. cuando él tenía diez años. Desde joven quiso ser actor, aunque en familia se aspiraba a que el joven Emmanuel se hiciera abogado o rabino. No obstante, su voluntad se impuso, obtuvo beca y estudió en la Academia Americana de Artes Dramáticos. Debutó en teatro en 1913 con su nuevo nombre, sólo conservando la G de Goldenberg, inicialmente actuando en obras habladas en yidish, luego en Broadway en 1915.

Su debut en cine fue en un pequeño papel del drama “Arms and the woman (1916)” (Brazos y mujer) de George Fitzmaurice, y no volvió a actuar hasta su interpretación en papel de reparto del drama-film de aventura “The bright shawl (1923)” (El manto brillante) de John S. Robertson, y nuevamente volvió a desaparecer. Su retorno tuvo lugar durante la etapa inicial del cine sonoro, co-protagonizando con Claudette Colbert el drama-film de misterio “The hole in the wall (1929)” (El agujero en la pared) de Robert Florey.  Su primera interpretación importante fue en el papel del gángster Rico en el film “Hampa dorada (1931)” de Mervyn LeRoy con Douglas Fairbanks Jr., que le valió el reconocimiento del público. Normalmente cuando se menciona el nombre de este actor, los conocedores le recuerdan como Rico por su estupendo desenvolvimiento  en el film ya indicado.

Hampa dorada

A continuación actuó:

  • Junto a James Cagney, la única vez en la carrera de ambos, en el film de crimen “Dinero fácil (1931)” de Alfred E. Green
  • Otros filmes de crimen, “El hacha justiciera (1932)” de William Wellman con Loretta Young,
  • “Dos segundos (1932)” de LeRoy con Vivienne Osborne
  • El drama romántico “Pasto de tiburones (1932)” de Howard Hawks con Richard Arlen
  • Los filmes de crimen “Pasaporte a la fama (1935)” de John Ford con Jean Arthur, film donde hace el doble papel de hombre de bien y de bandolero,
  • “Balas o votos (1936)” de William Keighley con Joan Blondell y Humphrey Bogart,
  • “Campeón de nacimiento (1937)” de Michael Curtiz con un “depravado” Humphrey Bogart nuevamente, film que trata sobre el boxeo rentado y sus problemas,

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  • “El último gánster (1937)” de Edward Ludwig con James Stewart y Rose Stradner, donde se ve a un jerarca mafioso caer en prisión, y como su vida cambia y declina totalmente
  • La comedia-film de crimen “El sorprendente Dr. Clitterhouse (1938)” de Anatole Litvak con Claire Trevor y Bogart, donde E.G. es un médico que se convierte en criminal para ver de cerca la actitud de los delincuentes
  • El film de crimen “Yo soy la ley (1938)” de Alexander Hall con Barbara O’Neil
  • Los dramas “Confesiones de un espía nazi (1939)” de Litvak con Francis Lederer y George Sanders,
  • “El quinto jinete del apocalipsis (1940)” con Ruth Gordon, cuya trama es la de un médico que trata de encontrar una cura para la sífilis por cualquier vía, sea ética o no,
  • “Audacia (1940)” con Edna Best, film que narra cómo se creó la famosa red de noticias Reuters, estos dos filmes del director William Dieterle
  • La comedia-film de crimen “El hermano orquídea (1940)” de Lloyd Bacon con Ann Sothern y Bogart

La década de los 40 fue también muy fructífera para EG, así actuó en:

  • El film de crimen “El lobo de mar (1941)” de Michael Curtiz con John Garfield e Ida Lupino, film donde hizo el papel del malvado capitán de barco
  • El drama “Alta tensión (1941)” de Raoul Walsh con Marlene Dietrich y George Raft
  • La comedia “Seis destinos (1942)” de Julien Duvivier con Charles Boyer, Henry Fonda, Rita Hayworth, Ginger Rogers, Charles Laughton y Cesar Romero entre otros
  • El drama “Al margen de la vida (1943)” de Duvivier con Charles Boyer y Barbara Stanwyck
  • Los suspenses- filmes de cine negro “La mujer del cuadro (1944)” de Fritz Lang con Joan Bennett,
  • “Perdición (1944)” de Billy Wilder con Fred MacMurray y Barbara Stanwyck,

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  • “Perversidad (1945)” de Lang con Joan Bennett,
  • “La casa roja (1947)” de Delmer Daves con Lon McCallister,
  • “Cayo Largo (1948)” de John Huston, donde de nuevo Robinson interpretó el rol de un gánster perseguido y tiene, por quinta ocasión en su carrera, a un Bogart opuesto, pero esta vez de buenas intenciones y al servicio de la ley
  • Los dramas “El sol sale mañana (1945)” de Roy Rowland con Margaret O’Brien,
  • “El extraño (1946)” dirigida y co-protagonizada por Orson Welles, donde Robinson interpretó el papel de agente que descubre al espía Welles,
  • “Todos eran mis hijos (1949)” de Irving Reis con Burt Lancaster
  • El drama- film de cine negro “Odio entre hermanos (1949)” de Joseph L. Mankiewicz con Susan Hayward y Richard Conte

Las décadas de los 50 y 60 fueron de menos intensidad para EG, quien, no obstante, realizó buenas interpretaciones, sobre todo como actor de reparto en:

  • El drama sobre béisbol “El ídolo de las multitudes (1953)” de Robert Aldrich con Vera-Ellen
  • Los filmes de crimen “Ensayo dramático (1953)” de Jack Arnold con John Forsythe,
  • “Investigación criminal (1953)” de Arnold Lave con Paulette Godard, filme en el que E.G. es un eficiente jefe de investigaciones criminales
  • “Martes trágico (1954)” de Hugo Fregonese con Peter Graves
  • El drama “En un aprieto (1955)” de Phil Karlson con Ginger Rogers
  • El oeste “Hombres violentos (1955)” de Rudolph Maté con Glenn Ford y por cuarta vez con la Stanwyck
  • El film de cine negro “El regreso del gángster (1955)” de Lewis Allen con George Raft nuevamente
  • El film biblíco “Los 10 mandamientos (1956)”de Cecil B. De Mille con Charlton Heston y Yul Brynner
  • La comedia “Millonario de ilusiones (1958)” de Frank Capra con Frank Sinatra y Eleanor Parker

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En los 60 sus mejores interpretaciones fueron en:

  • El drama “Dos semanas en otra ciudad (1962)” de Vincente Minnelli con Kirk Douglas y Claire Trevor
  • El suspense “El premio (1963)”de Mark Robson con Paul Newman, nuevamente E.G. diserta en el papel de un hombre con doble personalidad
  • El oeste “El gran combate (1964)” de Ford con Richard Widmark y Caroll Baker
  • La comedia “Préstame tu marido (1964)” de David Swift con Jack Lemmon y Romy Schneider
  • El estupendo drama “El rey del juego (1965)” de Norman Jewison con Steve McQueen, otra magistral interpretación de E.G.
  • La comedia “Raquel y sus bribones (1968)”de Ken Annakin con Raquel Welch, Vittorio De Sica y Robert Wagner.

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Sus actuaciones continuarían en los 70, pero mucho más en el teatro y algo en la TV. Su última aparición en el cine fue en el film de ciencia ficción “Cuando el destino nos alcance (1973)” de Richard Fleischer con Charlton Heston.

EG fue también un extraordinario coleccionista de obras de cuadros de pintura, y tampoco pudo evadir la “justicia” de los años 50, al ser acusado de comunista y testificar que no lo era ante el comité de la caza de brujas de McCarthy.

Conociendo la calidad de interpretación de este actor, sus múltiples roles en películas, su trabajo a lo largo de casi cinco décadas, resulta muy difícil entender como Hollywood solo le concediera un OSCAR honorífico póstumo, sencillamente injusto e inexplicable.

Obtuvo premio en el Festival de Cannes como mejor actor por “Odio entre hermanos (1949)”.En 1970 obtuvo premio SAG en honor a su carrera artística.

Una curiosidad, EG odiaba las armas de fuego, las mismas que se vio obligado a usar en muchas de las películas que protagonizó.

En resumen actuó en 113 filmes entre 1916 y 1973, y guionista de una película. Murió el 26 de enero de 1976 en Hollywood, Los Ángeles.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 octubre de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

Spencer Tracy

La única cosa que un actor puede ofrecerle a un director
y finalmente a la audiencia es su instinto
.”
Spencer Tracy

Spencer Tracy

 

A pesar de ser una figura respetada en el cine estadounidense, Spencer Tracy en sus inicios no era muy considerado como actor. Se puede afirmar que su constancia y laboriosidad le permitieron con el tiempo mejorar ostensiblemente sus actuaciones y a la vez el reconocimiento de la crítica y de la audiencia. Tracy fue capaz de protagonizar filmes de los géneros más variados y siempre con un estilo muy propio de interpretación.

Spencer Bonaventure Tracy nació el 5 de abril de 1900 en Milwaukee, Wisconsin, en el seno de una familia humilde. Su padre era camionero. Tracy estudió en escuela junto con el futuro actor Pat O’Brien, y ambos se enrolaron poco después en la marina de su país al mismo inicio de la I Guerra Mundial. Finalizada esta conflagración, Tracy y O´Brien se fueron a Nueva York para estudiar en la Academia de Artes Dramáticos y compartieron piso en la Gran Manzana. En 1923 ambos actores debutaron en obra teatral. Poco después debutó en Broadway, donde el director John Ford le vio y le propuso protagonizar el drama-comedia “Río Arriba (1930)” con Claire Luce. A partir de ese entonces, Tracy no se cansó de actuar en cine, pero sus triunfos no llegaron de inmediato.  Su consolidación como actor comenzó en 1935 al firmar contrato con la MGM, y su primer éxito vino con el protagonismo del film de aventura “Capitanes intrépidos (1937)” del director Victor Fleming con la también actuación de Freddie Bartholomew y Lionel Barrymore. Bajo la dirección de Fleming continuó actuando en:

  • El drama “Piloto de pruebas (1938)” con Clark Gable y Mirna Loy
  • El film de horror “El extraño caso del Dr. Jekyll (1941)” con Ingrid Bergman y Lana Turner, donde Tracy hizo el doble papel de científico y bestia
  • El drama “La vida es así (1942)” con John Garfield y Hedi Lamarr

Spencer Tracy afiches

Bajo la dirección de  Raoul Walsh actuó en la comedia “Por mi chica y por mí (1932)” con Joan Bennet, mientras que para John Sturges lo hizo en dos ocasiones:

  • Los dramas “Conspiración de silencio (1955)” con Robert Ryan, Lee Marvin y Ernest Borgnine,
  • “El viejo y el mar (1958)” con Felipe Pazos, film basado en la famosa novela del mismo de título de Ernest Heminghway

Frank Borzage lo dirigió en el drama “Sangre joven (1932)” con Doris Kenyon y Ralph Bellamy, mientras que Michael Curtiz lo hizo en el drama “20 000 años en Sing Sing (1932)” con Bette Davis.

Otras interpretaciones destacadas en:

  • El drama- film de cine negro “Furia (1936)” de Fritz Lang con Sylvia Sidney
  • En papeles de reparto de la comedia “Una mujer difamada (1936)” de Jack Conway con Jean Harlow y William Powell
  • Del drama “San Francisco (1936)” de W.S. Van Dyke con Clark Gable
  • Protagonizó los dramas “El explorador perdido (1939)” de Henry King y Otto Brower con Nancy Kelly,
  • “Forja de hombres (1938)” de Norman Taurog con Mickey Rooney,
  • “Edison, el hombre (1940)” de Clarence Brown con Rita Johnson
  • El oeste “Paso al noroeste (1941)” de King Vidor y W.S. Van Dyke con Walter Brennan y Robert Young
  • El drama-film de guerra “Treinta segundos sobre Tokyo (1944)” de Leroy con Van Johnson
  • Los dramas “El padre de la novia (1950)” de Vincente Minnelli con Joan Bennett y Elizabeth Taylor,
  • “La actriz (1953)” de George Cukor con Jean Simmons y Anthony Perkins
  • El oeste “Lanza rota (1954)” de Edward Dmytryk con Robert Wagner y Richard Widmark
  • Los dramas “The mountain (1956)” (La montaña) de Edward Dmytryk con Wagner nuevamente,
  • “El último hurrá (1958)” de Ford con Jeffrey Hunter,
  • “La herencia del viento (1960)” con Fredric March y Gene Kelly;
  • “Vencedores o vencidos (1961)” con Burt Lancaster, Marlene Dietrich y Maximilian Schell entre otros actores/actrices, estos dos últimos de Stanley Kramer

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Tracy tuvo una extraordinaria cooperación artística con la actriz Katharine Hepburn, con quien actuó en once ocasiones y  conformó un dúo, que puede ser considerado como el mejor del cine moderno. Ellos actuaron juntos en:

  • La comedia “La mujer del año (1942)” de George Stevens
  • Los dramas “La llama sagrada (1942)” de Cukor,
  • “Sin amor (1945)” de Harold S. Bucquet,
  • “Mar de hierba (1947)” de Elia Kazan,
  • “El Estado de la Unión (1948)” de Frank Capra
  • Las comedias “La costilla de Adán (1949)”,
  • “La impetuosa (1952)”, éstas dos últimas de Cukor,
  • “Su otra esposa (1957)” de Walter Lang,
  • “Adivina quién viene esta noche (1967)” de Kramer con Sidney Poitier, que fuera la última aparición de Tracy en el cine

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Nominado para OSCAR como mejor actor por “San Francisco (1936)”, “El padre de la novia (1950)”, “Conspiración de silencio (1955)”, “El viejo y el mar (1959)”, “La herencia del viento (1960)”,   “Vencedores o vencidos (1961)” y “Adivina quién viene esta noche (1967)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Capitanes intrépidos (1937)” y “Forja de hombres (1938)”.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Adivina quién viene esta noche (1967)”. Obtuvo Globo de Oro en igual categoría por “La actriz (1953)”.

Nominado para premios BAFTA como mejor actor por  “La actriz (1953)”, “The Mountain (1956)”, “El último hurrá (1958)” y “La herencia del viento (1960)”. Obtuvo este premio por “Adivina quién viene esta noche (1967)”.

Obtuvo premio en el Festival de Cannes como mejor actor por “Conspiración de silencio (1955)”.

Nominado para premios Laurel como mejor actuación masculina por “La herencia del viento (1960)” y “Adivina quién viene esta noche (1967)”. Obtuvo premio del National Board of Review de EE.UU. por “El viejo y el mar (1959)”.

Entre 1930 y 1967 Tracy actuó en 79 películas, y murió el 10 de junio de 1967 en Los Ángeles, California producto de un infarto provocado por una congestión pulmonar.

Katharine Hepburn nunca vio el último filme, que ambos protagonizaron (Adivina quién viene esta noche), nunca tuvo el valor de hacerlo. Con el fallecimiento de su compañero, probablemente en todos los sentidos, ella dijo: “Es como un viejo roble, o el verano, o el viento. Pertenece a una era en la que los hombres eran hombres.”

Escrito por Esteban Hernández, el 18 setiembre de 2017, con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

 

Jerry Lewis

A mí me pagaban por las mismas
travesuras que a los niños les castigan

Jerry Lewis

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Uno de los grandes cómicos del cine de todos los tiempos lo fue el gran Jerry Lewis, cuyo nombre completo es Jerome Joseph Levitch, nacido el 16 de marzo de 1926 en Newark, Nueva Jersey, en el seno de una familia judía, padres actores de vodevil, de quienes logró aprender este difícil arte.

Jerry se caracterizaba por su forma de gesticular, mover la boca y sus ojos, en fin todo lo que le hicieron un gran cómico. Se dice que en su niñez fue expulsado de la escuela por haber golpeado a un estudiante que hizo una declaración antijudía, y de aquí decidió irse a trabajar en el vodevil. El nombre de Lewis lo tomó de su padre, quien se presentaba en teatro con ese apellido. A este actor se le conoce con un nombre distinto en varios países, en Italia le llaman Picchiatello (ligeramente loco), en Francia Le Roi du Crazy (el rey de la locura) y en los países anglófonos como The King of Comedy (El Rey de la Comedia).

Su debut en el cine fue en la comedia “My friend Irma (1949)” (Mi amiga Irma) de George Marshall con su entonces compañero, Dean Martin, con el cual hizo dúo cómico y se mantuvieron juntos en escena hasta 1956. En sus películas normalmente aparecían mujeres bellas, donde Dean  era el atractivo, mientras que Jerry hacía el papel del bobo o el ingenuo. Jerry y Dean actuaron como actores de reparto en el show “The Colgate comedy hour (1950)” (La hora de comedia Colgate) junto a los entonces consagrados Abbott y Costello. En total actuaron 17 veces juntos, como fue en las comedias:

  • “Mi amiga Irma va a Hollywood (1950)”
  • “At war with the army (1950)” (En guerra con el ejército),
  • “¡Vaya par de marinos! (1951)”,
  • “Ese es mi chico (1951)”
  • “Camino a Bali (1952)”, aunque no acreditados; todas éstas películas dirigidas por Hal Walker,
  • “El cantante loco (1951)”
  • “Dos caraduras en el ejército (1952)”,
  • “Qué par de golfantes (1953)”,
  • “Una herencia de miedo (1953)”,
  • “Viviendo su vida (1954)”
  • “Un fresco en apuros (1955)”,
  • “Juntos ante el peligro (1956)”, todas éstas de Norman Taurog,
  • “El rey del circo (1954)” de Joseph Pevney
  • “El jinete loco (1953)” de George Marshall
  • “Cómicos en París (1955)”,
  • “Loco por Anita (1956)” con Anita Ekberg, ambas de de Frank Tashlin,

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En 1956 se produjo la ruptura del dúo, Dean deseaba interpretar papeles serios en dramas y de otros géneros, lo que obligó a Jerry a actuar solo, preparar sus guiones y producciones, por lo que se convirtió en director, guionista y productor de muchos de sus filmes. Jerry nunca habló mal de su ex-compañero, incluso cuando Martin murió, dijo palabras muy sentidas y expresó su total admiración por su capacidad histriónica.

Ya solo Jerry protagonizó las comedias:

  • “El recluta (1957)” de George Marshall con David Wayne,
  • “Delicado delincuente (1957)” de Don McGuire,
  • “Yo soy el padre y la madre (1958)”,
  • “El ceniciento (1960)”,
  • “Que me importa el dinero (1962)” con Zachary Scott,
  • “Lío en los grandes almacenes (1963)”,
  • “Caso clínico en la clínica (1964)”, todas estas comedias dirigidas por Tashlin
  • “Boeing Boeing (1965)” de John Rich con Tony Curtis.
  • Además de “El rey de la comedia (1983)” de Martin Scorsese con el estelar Robert De Niro

Jerry Lewis afiches2

Las comedias dirigidas por Jerry fueron:

  • “El botones (1960)”,
  • “Un espía en Hollywood (1961)”,
  • “El terror de las chicas (1961)”,
  • “El profesor chiflado (1963)”,
  • “Jerry calamidad (1964)”,
  • “Las joyas de la familia (1965)”,
  • “Tres en un sofá (1966)” con Janet Leigh,
  • “La otra cara del gángster (1967)”,
  • “¿Dónde está el frente? (1970)”

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Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Boeing Boeing” (1965).

Nominado para premio BAFTA como mejor actor de reparto por “El rey de la comedia (1983)”. En 1999 obtuvo León de oro en el festival de Venecia en honor a su carrera.

En 1952 Nominado para Emmy como mejor comediante del año, Photoplay le dio igual premio en el mismo año. En 1998 recibió premio a su carrera artística de la Academia Americana de Comedias. Nominado para premio frambuesa como peor actor por “Slapstick (of another kind) (1983)”.

En resumen, actuó en 74 filmes entre 1948 y 2016, director de 23, guionista de 19 y productor de diecinueve filmes.

El gran actor murió el 20 de agosto de 2017 en las Vegas, Nevada.

 

Escrito por Esteban Hernández, 5 setiembre de 2017, con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

Orson Welles

El odio racial no es de naturaleza humana; el odio
racial es el abandono de la naturaleza humana”.
Orson Welles

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Cuando se hable de actores-directores de éxito en el cine, una obligada referencia es Orson Welles, hombre capaz de protagonizar películas llenas de misterio o suspense, y dramas, cuyas tramas resultan válidas para la sociedad en que vivía e incluso en la actualidad.

George Orson Welles, quien a veces aparecía en los créditos de las películas como O.W. Jeeves, nació el 6 de mayo de 1915, en Kenosha, Wiscounsin. Era hijo de padre profesional y madre pianista, por lo que desde pequeño mostró una gran afición por las artes. Aprendió a tocar el piano y el violín, así como a dibujar y pintar. Su madre murió cuando tenía 9 años, por lo que viajó gran parte del mundo junto a su padre, el que, a su vez, falleció, cuando Orson tenía 15 años. Luego estuvo bajo la tutela de un destacado profesional hasta que logró hacer su vida de forma independiente.

En su juventud estudió en el Instituto de Artes de Chicago y se graduó en la Escuela Todd de Woodstock, Illinois en 1931, año en el que hizo su debut en el Gate Theatre de Dublin, Irlanda, actuando en la obra “Hamlet”. En 1934 regresó a Chicago y continuó sus actuaciones teatrales. Poco después se trasladó a Nueva York, donde fundó el Teatro Mercury. En la Gran Manzana debutó en la radio como narrador de seriales e interpretando algunos papeles en los mismos. Tuvo su más notable interpretación en la famosa “Guerra de los mundos”, que simulaba un ataque de los marcianos a la Tierra. Su debut como director y actor en film fue protagonizando el corto “Corazones del tiempo (1934)” que él mismo co-dirigiera con William Vance, al que le siguió otro corto-comedia “Too much Johnson (1938)” (Demasiado Johnson) con Joseph Cotten, actor con quien estableciera una estrecha colaboración artística. Luego realizó el famoso drama  “Ciudadano Kane (1941)” protagonizado por él y Cotten, film muy famoso en su época, una verdadera joya del cine de todos los tiempos, relativo a un rico magnate de prensa.

Too much Johnson

Ciudadano Kane

En lo sucesivo actuó y dirigió:

  • El drama “El cuarto mandamiento (1942)” con Cotten y Dolores Costello
  • Los filmes de cine negro “El extraño (1946)” con Loretta Young y Edward G. Robinson,
  • “La dama de Shanghai (1947)” con Rita Hayworth, que fuera entonces su esposa. Ya en ese entonces estaban por separarse definitivamente.
  • El drama “Macbeth (1948)”, film con adaptación de la famosa obra de Shakespeare.

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También en ese período de los 40 actuó en:

  • El film de cine negro “Estambul (1943)” de su dirección con Norman Foster y protagonizado por Cotten y Dolores del Río
  • El drama “Alma rebelde (1944)” de Robert Stevenson con Joan Fontaine, film basado en la novela “Jane Eyre” de la escritora Charlotte Brontë, donde Welles interpretó el papel de Edward Rochester
  • El film de cine negro “El tercer hombre (1949)” de Carol Reed con Cotten y Alida Valli

En la década de los 50 Welles decidió trasladarse a Europa, donde realizó y protagonizó:

  • El drama “Otelo (1952)” con Micheál MacLiammóir
  • Co-protagonizó con Tòto la comedia “L’uomo, la bestia e la virtù (1953)” (El hombre, la bestia y la virtud) de Steno
  • Protagonizó el film de crimen “Tres casos de asesinato (1955)” de David Eady y George More O’Ferrall
  • Dirigió y actuó en el suspense “Mr. Arkadin (1955)” con Akim Tamiroff
  • Tuvo un pequeño rol en el film de aventura “Moby Dick (1956)” de John Huston con Gregory Peck
  • En papel de reparto del drama “El largo y cálido verano (1958)” de Martin Ritt con Paul Newman y Joanne Woodward
  • Dirigióy actuo como malvado en el film de crimen “Sed de mal (1958)” con Chalrton Heston y Janet Leigh
  • En otro papel de reparto del film de aventura “Las raíces del cielo (1958)” de Huston con Errol Flynn
  • Protagonizó el film de crimen “Impulso criminal (1959)” de Richard Fleischer

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Regresó a Hollywood, pero poco después volvió a Europa, entonces más empeñado en actuar en filmes de carácter histórico. Allí escribió los guiones, protagonizó y dirigió:

  • El drama “El proceso (1962)” con Anthony Perkins y Jeanne Moreau
  • La comedia-drama “Campanadas a medianoche (1966)” con Jeanne Moreau
  • En papeles de reparto del drama “Hotel Internacional (1963)” de Anthony Asquith con Elizabeth Taylor y Richard Burton
  • Del film de aventura “La fabuleuse aventure de Marco Polo (1965)” de Denys de La Patellière con Anthony Quinn y Akim Tamiroff
  • Del drama “Un hombre para la eternidad (1966)”de Fred Zinnemann
  • Formó parte del extenso reparto del film histórico de guerra “¿Arde París? (1966)” de René Clément
  • En papel secundario en la comedia “Casino Royale (1967)” de Val Guest y Ken Hughes con Peter Sellers
  • De los filmes históricos “La invasión de los bárbaros (1968)” y su secuela “La invasión de los bárbaros II, la traición (1969)” de Robert Siodmak y Andrew Marton, donde Welles interpreta el papel del emperador Justiniano
  • Dirigió y co-protagonizó con Jeanne Moreau el drama “Una historia inmortal (1968)”.
  • En papeles de reparto del film histórico de guerra “La batalla del río Neretva (1969)”de Veljko Bulajic con Serguei Bondarchuk
  • De la comedia-film de guerra “Trampa-22 (1970)” de Mike Nichols con Alan Arkin
  • Del film de guerra “Waterloo (1970/I)” de Serguei Bondarchuk, donde Welles es el rey Luis XVIII

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En las siguientes décadas:

  • Dirigió el documental “Fraude (1974)”
  • En papeles de reparto del drama “El viaje de los malditos (1976)” de Stuart Rosenberg con Faye Dunaway y Oskar Werner
  • Del drama “La marca de la mariposa (1982)” de Matt Cimber con Stacy Keach
  • Se dedicó a servir de narrador en varios filmes, algo que realmente nunca dejó de hacer en su carrera artística anterior
  • Su última interpretación, protagonizando la comedia “Alguien a quien amar (1987)” de Henry Jaglom

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Nominado para OSCAR como mejor director, film y actor por “Ciudadano Kane (1941)”; y como mejor film por “El cuarto mandamiento (1942)”. En 1971 obtuvo OSCAR en honor a su carrera artística y versatilidad en el cine.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor de reparto por “La marca de la mariposa (1981/I)”.

Nominado para BAFTA como mejor actor extranjero por “Campanadas a medianoche (1965)”.Nominado para Oso de Oro en el festival de Berlín por “Una historia inmortal (1968)”.

Nominado para Palma de Oro en el Festival de Cannes por “Campanadas a medianoche”(1965). Obtuvo Palma de Oro por “El cuarto mandamiento(1942)”, y gran premio del festival por “Otelo (1952)”; premio como mejor actor por “Impulso asesino(1959)”; y gran premio técnico y premio 20 Aniversario por “Campanadas a medianoche”(1965).

Obtuvo premio de la crítica del Sindicato de Críticos de Cine de Francia como mejor film por “El proceso (1962)”. Nominado para León de Oro en el festival de Venecia por “El extraño (1946)”. En 1970 recibió León de Oro por su carrera.

En 1975 obtuvo premio a su carrera del Instituto Fílmico Americano, otro similar de la Asociación de Críticos de Cine de Críticos de Cine de Los Angeles en 1978. Recibió el premio Luchino Visconti en el David di Donatello en 1983, premio a su carrera del DGA en 1984, y en 1985 premio similar del National Board Review. Posee dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una dada por el cine y la otra por la radio. Es uno de los pocos en el mundo del cine en recibir Oscar como actor y director por un mismo filme.

Nominado para premio frambuesa como peor actor de reparto por “La marca de la mariposa (1981/I)”. Increíble recibir una nominación para Globo de Oro por esta película y luego ser nominado por este mismo filme por lo contrario.

Welles fue promotor de muchas figuras en el cine a nivel universal, como fueron los casos de Agnes Moorehead, Edmond O’Brien y en parte de Jeanne Moreau. En su carrera actuó en 123 filmes entre 1934 y 1987, director de 48, guionista de 54 y productor de 22 películas.

Murió el 10 de octubre de 1985 en Los Angeles de un infarto. Después de su juventud se convirtió en un hombre obeso, llegó a pesar más de 160 kg.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 20 agosto de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos.