Propuesta de filmes para ver (XI)

Esta es la décima primera propuesta de filmes. Como ya se dijo, las mismas saldrán cada dos o tres semanas en lo sucesivo.

El destino de un hombre (1959) de Serguei Bondarchuk, filme bélico-biográfico, sobre las vicisitudes de un soldado soviético durante la II Guerra Mundial. Protagonizado por Sergei Bondarchuk, Pavel Boriskin, Zinaida Kiriyenko, Pavel Volkov, Yuri Averin y Kirill Alekseyev. Filme de producción soviética.

Suite Habana (2003) de Fernando Pérez, documental que muestra con claridad la vida de los habaneros, no hay dialogo en el filme, solo las evidencias de lo que se vive, se sufre o se disfruta. Filme de producción cubana.

Domingo, maldito domingo (1971) de John Schlesinger, drama sobre un triángulo amoroso de un joven, el cual es deseado por una dama y a su vez por un médico de mediana edad. El filme muestra como los adversarios luchan por el amor y posesión del joven. Protagonizado por Peter Finch, Glenda Jackson y Murray Head. Filme de producción británica.

Superman (1978) de Richard Donner, filme de ficción sobre el famoso héroe de los comics, esta vez interpretado por Christopher Reeve, siempre luchando contra el mal encarnado por el terrible Luthor (Gene Hackman). La película tuvo excelentes efectos especiales. Filme de producción americana.

Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese, drama sobre la enajenación de un ex- soldado en Vietnam, obsesionado con una rubia, que mira y observa todo lo que se desarrolla a su alrededor, sobre todo violencia, hasta que decide por si mismo entrar en acción. Protagonizado por Robert De Niro, Jodie Foster y Harvey Keitel. Filme de producción americana.

El Señor de los Anillos: La comunidad del Anillo (2001) de Peter Jackson, filme fantástico y de aventura, sobre el anillo único con poder de esclavizar toda la Tierra, por lo cual un grupo de jóvenes emprende la misión de encontrarlo y destruirlo. Protagonizado por Elijah Wood, Viggo Mortensen, Orlando Bloom, Cate Blanchett y Christopher Lee. Filme de producción americana.

El tercer hombre (1949) de Carol Reed, drama sobre la visita de un hombre a Austria para ver un amigo, al cual lo encuentra muerto y la policía le da detalles de la forma en que murió, pero que él no se lo cree y entiende que hubo un tercer hombre en un sospechado asesinato. Protagonizado por Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard y Orson Welles. Filme de producción británica.

Titanic (1997) de James Cameron, drama romántico sobre un pasaje amoroso de una pareja a bordo del famoso buque que se hundió. Tal parece una versión de Romeo y Julietta bien adaptada, él un golfo viajando a EEUU y ella de clase media pero prometida de un hombre rico. Protagonizado por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates y Billy Zane. Filme de producción americana.

Tombstone: la leyenda de Wyatt Earp (1993) de George P. Cosmatos, oeste muy logrado sobre la vida del famoso justiciero y de su duelo en OK Corral con la colaboración de Doc Holliday, así como la persecución implacable de varios bandoleros de esos lares. Protagonizado por Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott y Bill Paxton.  Filme de producción americana.

Afiches de El destino de un hombre, Suite Habana, Domingo-Maldito Domingo, Superman, Taxi Driver, El Señor de los Anillos, El tercer hombre, Tombstone-la leyenda de Wyatt Earp

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Tootsie (1982) de Sydney Pollack, drama-comedia sobre un actor que decide lograr éxitos representando a una mujer en la TV pero que a su vez logra la simpatía de una dama, todo lo cual le trae varios problemas. Protagonizado por Dustin Hoffman, Jessica Lange, Bill Murray y Charles Durning. Filme de producción americana.

La trampa (1966) de Sidney Hayers, drama-filme de aventura sobre un cazador de pieles, quien vive aislado del mundo y un buen día compra una muda para que le sirva de compañía, a la que maltrata sin misericordia hasta un buen día que se da cuenta de su error. Protagonizado por Oliver Reed y Rita Tushingham. Filme de producción canadiense.

El tesoro de Sierra Madre (1948) de John Huston, filme de aventura sobre un trío de buscavidas que deciden irse a Tampico a buscar un tesoro escondido. Las buenas relaciones terminan pronto dentro de este viaje, lo que trae algunas consecuencias. Protagonizado por Humphrey Bogart, Tim Holt, Bruce Bennett y el padre de John Huston, Walter Huston. Filme de producción americana.

Tristana (1970) de Luis Buñuel, drama sobre un anciano que acoge en su hogar a una bella mujer, de la cual se enamora, mientras que ella conoce un apuesto pintor. Las complicaciones entre esas tres vidas y su desenlace final se ven en este filme de Buñuel.  Protagonizado por Catherine Deneuve, Fernando Rey y Franco Nero. Filme co- producción  hispano-franco-italiana.

12 hombres en pugna (en España se llama 12 hombres sin piedad 1957) de Sidney Lumet , drama sobre cómo un jurado intentaba condenar a un adolescente sin entrar en un análisis de la verdadera culpabilidad del supuesto reo. La película se desarrolla en una habitación casi todo el tiempo. Protagonizado por Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, Martin Balsam, E.G. Marshall entre otros. Filme de producción americana.

Los intocables de Eliot Ness (1987) de Brian De Palma, drama-filme de crimen sobre cómo un grupo de agentes federales deciden liquidar las actividades subversivas de Al Capone y su banda en Chicago. Protagonizado por Kevin Costner, Sean Connery, Robert De Niro y Andy García. Filme de producción americana.

Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock, suspense y joya fílmica de Hitchcock sobre un agente al que se le solicita sus servicios como detective y seguir a una mujer casada, la que vive una obsesión con su pasado. Protagonizado por James Stewart y Kim Novak. Filme de producción americana.

Los vikingos (1958) de Richard Fleischer, filme de aventura sobre la historia de un enfrentamiento entre dos valientes vikingos (Kirk Douglas y Tony Curtis), los que ignoraban que eran medios hermanos, y que buscaban rescatar a la amada Morgana (Janet Leigh). Filme de producción americana.

Afiches de Tootsie, La trampa, El tesoro de Sierra Madre, Tristana, 12 hombres en pugna, Los intocables de Eliot Ness, Vértigo, Los Vikingos

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La vida es bella (1997) de Roberto Benigni, comedia de cómo un matrimonio sufre al ser internado en un campo de concentración, donde Guido (Benigni) hace lo imposible para educar a su hijo. La película tiene un poco de fantasía para adecuar su argumento, no obstante es buen mensaje para la paz. Protagonizado además por Nicoletta Braschi, Marisa Paredes, Giorgio Cantarini. Filme de  producción italiana.

Volavérunt (1999) de Bigas Luna, drama sobre la fiesta organizada por la Duquesa de Alba y cómo al siguiente día aparece muerta, cuyas circunstancias fueron todo un misterio. Protagonizado por Aitana Sánchez Gijón, Penélope Cruz, Jordi Mollà y el cubano Jorge Perugorría en el papel del pintor Goya. Filme de co-producción franco-española.

Afiches La vida es bella, Titanic, Volavérunt, Guerra y Paz-I Andrei Bolkonskiy

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Guerra y Paz I: Andrey Bolkonskiy (1965) de Serguei Bondarchuk, filme basado en la novela homónima de León Tolstoy, cuyo primer filme contempla la vida del príncipe Andréi Bolkonsky (Viacheslav Tikhonov), el idealista Pierre Bezukhov (Serguei Bondarchuk) y la joven Natacha Rostova (Liudmila Saveleva). Filme de producción soviética, cuyo colorido y filmación supera a la versión anterior norteamericana.

Preparado por Esteban Hernández (28 marzo de 2016)

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No dejes de ver el filme: “Trumbo: La lista negra de Hollywood”

Todo el mundo parece estar hablando de la democracia.

No lo entiendo. Cuando pienso en ella,

la democracia no es como un traje de domingo para ser llevado

y usado sólo para los desfiles.

Es la clase de vida que un hombre decente conduce,

es un motivo para vivir y para morir”.

Dalton Trumbo

Uno de los guionistas más productivos de Hollywood fue Dalton Trumbo, quien adolecía de un defecto para su época, era afiliado al partido comunista desde 1943, y como era de esperar, cayó junto con una lista de diez cineastas de Hollywood en desgracia cuando la lamentable caza de brujas implementada por el senador Joseph McCarthy.

Los diez en cuestión fueron el guionista Alvah Bessie, el guionista y director Herbert Biberman, los guionistas Lester Cole, Ring Lardner Jr. John Howard Lawson y Samuel Ornitz, el famoso escritor y guionista Albert Maltz, el productor y guionista Adrian Scott, el director Edward Dmytryk y el novelista, guionista y director Dalton Trumbo. Todos ellos fueron encarcelados y despedidos de sus empleos indefinidamente hasta que declarasen y demostrasen no ser comunistas. Todos ellos se negaron a declarar ante el corrupto de John Parnell Thomas, quien poco después cayó en prisión por no declarar sus ingresos al fisco americano.

 Las acusaciones contra los diez fueron discursos preparados y luego leídos por actores como Gary Cooper, Robert Taylor, Robert Montgomery, Ronald Reagan, Adolphe Menjou entre otros. Los supuestos reos se acogieron a la primera enmienda de la Constitución, que aseguraba la libertad de asociación y de expresión. A su vez un grupo de actores, actrices y directores protestaron contra los ataques indiscriminados a Hollywood y sus integrantes. Entre esos estaban Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Henry Fonda, Gene Kelly, John Garfield, Edward G. Robinson, Judy Garland, Katharine Hepburn, Ira Gershwin, William Wyler, Lucillle Ball, Sterling Hayden, Groucho Marx o Frank Sinatra. Lamentablemente y aunque en la película esto se muestra parcialmente, algunos de los de esta lista fueron igualmente incriminados, como fue el caso de Edward G. Robinson y Sterling Hayden.

Yendo al caso concreto de Trumbo, se trataba de un guionista con la capacidad de redactar un guión en tres días, capaz de llevarse en el acto el deseo del director de turno, un hombre fuera de serie, que después de cumplir prisión siguió escribiendo con otros pseudónimos y ganó Oscar en más de una ocasión de esta forma. Él era de la idea que la maldad se destruye con trabajo de calidad y que nada podía contra ello. Al final su trabajo se impuso hasta que un buen día se le volvió a reconocer en los créditos de las películas, para las cuales escribió guión.

Afiche de Trumbo - La Lista Negra de Hollywood

Afiche de “Trumbo – La Lista Negra de Hollywood”

Trumbo tuvo el apoyo de su familia y sus verdaderos compañeros, que nunca le dieron la espalda. En un momento las productoras rechazaron la censura impuesta a su persona.

Trumbo y su esposa en el estreno de un filme premiado por su guión

Trumbo (Bryan Cranston) y su esposa Cleo (Diane Lane) en el estreno de un filme premiado por su guión y no acreditado con su nombre

El mundo está lleno de violaciones de los derechos humanos, no ha faltado quien haya querido callar una idea con la censura más severa al extremo de encarcelar a todo aquel que piense distinto a aquel que gobierna. Este filme es una buena muestra de lo que no debe suceder, es una muestra que el hombre tiene derecho a pensar y expresar libremente su pensamiento, que no se puede sancionar a nadie por esa razón, que no se puede encarcelar a nadie y considerarlo preso político por el solo hecho de pensar y expresarse distinto a la moda establecida.

Las violaciones de los derechos humanos abundan, hay gobernantes que creen que estos derechos son gomas de mascar que se les puede dar la forma que se le antoje. La caza de brujas fue un mal ejemplo, que luego se pudo enmendar o se pudo encaminar de otra forma, de lo contrario hubiera sido impensable un filme de esta naturaleza.

La película de 2015, dirigida por Jay Roach, está protagonizada por Bryan Cranston en el papel de Trumbo, Diane Lane como su esposa Cleo, Helen Mirren en el papel de la perversa periodista y mediocre actriz Hedda Hopper (su nombre real era Elda Furry), una verdadera miseria de persona en Hollywood; John Goodman en el papel del productor Frank King, y Michael Stuhlbarg como Edward G. Robinson entre otros.

Helen Mirren es la perversa Hedda Hopper

Helen Mirren es la perversa Hedda Hopper

Su estreno en España está previsto para finales de abril de 2016, es de suponer que aún se esté haciendo su doblaje, ya que la única versión disponible en español es con sub-títulos.

Preparado por Esteban Hernández (1  abril de 2016)

Propuesta de filmes para ver (X)

Esta es la décima propuesta de filmes para ver, un total de 200 películas recomendadas. Muchos son de épocas anteriores, pero no por eso carecen de calidad, entiéndase belleza en el contenido de sus tramas.

A pleno sol (1960) de René Clement, film de crimen, primera historia fílmica de la novela “El talento de Mr. Ripley” de la escritora Patricia Highsmith. Un joven norteamericano llega a Europa para visitar a un amigo rico, el que disfruta todo el tiempo humillándole delante de todos al extremo de crear un odio que se traduce en lo peor. El filme tiene buenas vistas de Roma y del sur de Italia. Protagonizada por Alain Delon, Maurice Ronet y Marie Laforêt. Filme de producción francesa.

Cenizas y diamantes (1958) de Andrzej Wajda, drama-film de crimen sobre dos ex-soldados del ejército nacional polaco que reciben una encomienda de asesinar a un comisario comunista. El filme es atrevido al mostrar los privilegios de los oficiales soviéticos dentro de la Polonia recién liberada de los nazis, a su vez muestra las contradicciones mentales del ex-soldado Maciek. Protagonizado por Zbigniew Cybulski, Ewa Krzyżewska, Wacław Zastrzeżyński y Adam Pawliskowski. Filme de producción polaca.

El cartero siempre llama dos veces (1981) de Bob Rafelson, drama-film de crimen sobre la relación de un hombre que vagabundea y se queda a trabajar en un bar-cafetería de un griego casado con la joven Cora, de donde surgen pasiones y ambiciones. Protagonizado por Jack Nicholson, Jessica Lange y John Colicos. Filme de producción americana.

Pretty Woman (1990) de Garry Marshall, comedia sobre un romance de una prostituta con un hombre rico de una noche, pero que después el rico quiere prolongar hasta una semana. Protagonizado por Richard Gere, Julia Roberts y Héctor Elizondo. Filme de producción americana.

Psicosis (1960) de Alfred Hichtcock, film de crimen con ese acento de suspense que le pone Hichtcock. Se trata de unas de las películas más vistas en el cine de todos los tiempos sobre el joven Norman Bates, propietario de un hotel en las afueras de una ciudad, una huésped que llega y en la noche sucede lo imprevisto. Protagonizado por Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin y Vera Miles. Filme de producción americana.

El enemigo público (1931) de William A. Wellman, film de crimen sobre la vida de un hombre que desde joven comete fechorías y que con la ley seca las intensifica. El filme hace una radiografía de lo que es un delincuente y cuáles son sus verdaderos amores. Protagonizado por James Cagney, Jean Harlow y Joan Blondell. Filme de producción americana.

Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino, filme de acción- crimen, con una trama bien enredada y original, donde las escenas van de delante a atrás en ocasiones, por lo que no puede separarse del filme mientras se esté mostrando, caso contrario perderá el hilo. Protagonizado por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel y Ving Rhames entre otros. Filme de producción americana.

Los cuatrocientos golpes (1959) de François Truffaut, drama sobre la vida de un joven de nombre Antoine Donel, quien soporta la severidad de un maestro de escuela y descubre cosas inconcebibles de su familia, todo esto hace que Antoine decida tomar un nuevo rumbo. Protagonizado por Jean-Pierre Léaud y Claire Maurier. Filme de producción francesa.

Afiches de A pleno sol, Cenizas y diamantes, El cartero siempre llama dos veces, Pretty Woman, Psicosis, El enemigo público, Pulp Fiction, Los cuatrocientos golpes

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La chica de Bube (1963) de Luigi Comencini, drama sobre una joven que se enamora de otro joven de afiliación comunista, el que ha matado a un policía y por lo cual es condenado a 14 años de prisión. El filme muestra la fidelidad de la chica y cómo ella cree en la inocencia de su prometido. Protagonizado por Claudia Cardinales y George Chakiris. Filme de producción italo-francesa.

Toro salvaje (1980) de Martin Scorsese, drama sobre la vida del boxeador y campeón mundial Jake La Motta, sus problemas familiares y de matrimonio, y su violencia incluso fuera del ring. Protagonizado por Robert DeNiro, Joe Pesci y Cathy Moriarty. Filme de producción americana.

Rain Man (1988) de Barry Levinson, drama sobre la vida de un joven autista, quien hereda toda la fortuna de su padre, y tiene un hermano, pero ninguno de los dos lo sabe ni se conocen. El asunto de la herencia los hace encontrar y ahí comienza una relación interesante entre ambos. Protagonizado por Dustin Hoffman y Tom Cruise. Filme de producción americana.

Rashômon (1950) de Akira Kurosawa, drama sobre un asesinato ocurrido en Kyoto en el siglo XII, y cómo se tergiversan los hechos al ser contados por tres personas distintas. Protagonizado por Toshiro Mifune y Machiko Kyo entre otros. Filme de producción japonesa.

La ventana indiscreta (1954) de Alfred Hichtcock, suspense con adornos de comedia en algunos momentos sobre la vida de un hombre con una pierna fracturada y en reposo, que dedica el día a mirar por su ventana hasta descubrir a un supuesto criminal. Protagonizado por James Stewart, Grace Kelly, Thelma Ritter y Raymond Burr. Filme de producción americana.

Rebelde sin causa (1955) de Nicholas Ray, drama sobre tres jóvenes, cada uno de ellos con serios problemas a nivel familiar, los que al final se conocen y nace entre ellos una amistad profunda. Protagonizado por James Dean, Nathalie Wood y Sal Mineo. Filme de producción americana.

Richard III (1955) de Laurence Olivier, drama sobre la vida del monarca de referencia, las guerras en el siglo XV en Inglaterra, donde el deforme Ricardo juega un papel oscuro en todos esos eventos. Protagonizado por Laurence Olivier y Ralph Richardson. Filme de producción británica.

Rocco y sus hermanos (1960) de Luchino Visconti, drama sobre una familia del sur de Italia que emigra a Milán. Cada hermano busca y encuentra empleo, pero dos de ellos compiten por el amor de una prostituta. Protagonizado por Alain Delon, Renato Salvatori y Annie Girardot entre otros. Filme de producción italiana.

Afiches de La chica de Bube, Toro Salvaje, Rain Man, Rashomon, La ventana indiscreta, Rebelde sin causa, Richard III, Rocco y sus hermanos

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Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rossellini, drama sobre la Italia durante la II Guerra Mundial, donde un ingeniero comunista es perseguido por la Gestapo y encuentra cobjija en casa de un camarada que estaba por casarse con una viuda. En la causa participa un cura muy colaborativo con los guerrilleros que combaten a los nazis. Protagonizado por Anna Magnani, Aldo Fabrizi y Marcello Pagliero. Filme de producción italiana.

Vacaciones en Roma (1953) de William Wyler, comedia muy refrescante, agradable, con vistas excelentes de Roma, sobre una princesa que decide escapar del palacio donde están albergados y logra conocer Roma conjuntamente con un periodista americano, de cuya relación nace el amor. Protagonizado por Gregory Peck, Audrey Hepburn y Eddie Albert. Filme de producción americana.

Afiches de Roma ciudad abierta, Vacaciones en Roma, La hija de Ryan, Sabrina

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La hija de Ryan (1970) de David Lean, drama sobre la historia de una joven que se encapricha en casarse con un hombre mucho más viejo que ella, lo que logra al final, pero que con el tiempo se da cuenta de su error, el cual le hace cometer otro más, este imperdonable para los habitantes de su pueblo, muy católico. Protagonizado por Sarah Miles, Robert Mitchum y Trevor Howard. Filme de producción británica.

Sabrina (1954) de Billy Wilder, comedia sobre un triángulo amoroso que se crea entre dos hermanos de familia muy pudiente y una joven encantadora, hija de un chofer, la que después de un viaje a París regresa cambiada y atrayente. Protagonizado por Humphrey Bogart, Audrey Hepburn y William Holden. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (7 marzo 2016)

Propuesta de filmes para ver (IX)

Con esta la novena propuesta de  filmes.

Salvador (1986) de Oliver Stone, drama histórico sobre la guerra interna en Salvador en los años 80. Protagonizado por James Woods y James Belushi. Filme de producción americana.

El samurai (en España se le conoce como “El silencio de un hombre”) (1967) de Jean-Pierre Melville, film de cine negro- crimen, donde se presenta a un asesino de sangre fría de nombre Jef Costello interpretado por Alain Delon. También protagonizado por Cathy Rosier y Nathalie Delon. Filme de producción francesa.

Sayonara (1957) de Joshua Logan, drama sobre la historia de un militar americano que se enamora de una mujer japonesa y la lucha del primero contra los prejuicios existentes en sus filas. Protagonizado por Marlon Brando, Miiko Taka y James Garner. Filme de producción americana.

La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg, drama histórico sobre cómo un hombre de negocios, Oskar Schindler, logra emplear a miles de prisioneros judíos en una fábrica en Cracovia. Protagonizado por Liam Neeson, Ralph Fiennes y Ben Kingsley. Filme de producción americana.

Seducida y abandonada (1964) de Pietro Germi, drama sobre las vicisitudes de una joven siciliana, la que es seducida y dejada encinta por un joven que ya tenía otro compromiso. Protagonizada por la muy joven entonces Stefania Sandrelli, Saro Urzi y Aldo Puglisi. Filme de producción italiana.

Mesas separadas (1958) de Delbert Mann, drama que describe la vida y los conflictos de varios huéspedes en un hotel, y cómo se puede llegar solventar esos problemas sentimentales que los agobian. Protagonizado por Deborah Kerr, David Niven, Burt Lancaster y Rita Hayworth. Filme de producción americana.

El sirviente (1963) de Joseph Losey, drama sobre la vida de un hombre opulento que toma a un sirviente, quien poco a poco se va adueñando de todo en la casa incluyendo la voluntad del dueño. Protagonizado por Dick Bogarde, Sarah Miles y James Fox. Filme de producción británica.

Las siete maravillas del mundo (1956) de Tay Garnett, documental sobre las maravillas del mundo antiguo, realizado en formato panorámico. Filme de producción americana. Lamentablemente de este filme no hay DVD en venta.

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El cielo protector (en italiano se traduce como “El té en el desierto”) (1990) de Bernardo Bertolucci, drama sobre el viaje a África de unos norteamericanos deseosos de aventuras en ambientes exóticos. Las aventuras son de todo tipo y algunas trágicas. Protagonizado por Debra Winger y John Malkovich. Filme de producción británica.

Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa, filme épico en ambiente del siglo XVI en Japón cuando un número de campesinos estaban indefensos del ataque de forajidos, por lo que deciden hacerse de los servicios de un grupo de samuráis y así hacerle frente a estos ataques. Protagonizado por Toshiro Mifune, Takashi Shimura y Yoshio Inaba. Filme de producción japonesa.

El silencio de los corderos (1991) de Jonathan Demme, filme de crimen-suspense, sobre la relación entre una especialista de psicopatía la que interroga al criminal Hannibal Lecter, único que puede ayudar a detener a otro asesino buscado por el FBI. Protagonizado por Jodie Foster y Anthony Hopkins. Filme de producción americana.

La muerte se llama Engelchen (1963) de Jan Kadar, filme bélico en que un guerrillero herido y hospitalizado recuerda los combates y peripecias ocurridas durante la guerra, y de un criminal de apellido Engelchen. Protagonizado por Jan Kacer, Eva Poláková y Martin Ruzek. Filme de producción checoslovaca.

Nido de Víboras (1948) de Anatole Litvak, filme de misterio sobre una escritora que muestra síntomas de locura y es ingresada para tratamiento, lo que al final se traduce en el agravamiento de su estado mental. Protagonizada por Olivia De Havilland, Mark Stevens y Leo Genn. Filme de producción americana.

Las nieves de Kilimanjaro (1952) de Henry King, drama basado en la novela homónima del escritor Ernest Hemingway, que es parte de su autobiografía y sus andanzas en la España en guerra civil y luego en África. Protagonizado por Gregory Peck, Ava Gardner y Susan Hayward. Filme de producción americana.

Algunos prefieren quemarse (en España se titula “Con faldas y a lo loco”) (1959) de Billy Wilder, comedia sobre dos músicos que presencian la famosa matanza de San Valentine y que huyen para no ser descubiertos, por lo que deciden hacerse pasar como mujeres. Una comedia divertida desde el inicio hasta el final. Protagonizada por Tony Curtis, Marilyn Monroe y Jack Lemmon. Filme de producción americana.

Voces de muerte (1948) de Anatole Litvak, suspense-filme de crimen sobre una mujer hipocondriaca que se ve acosada continuamente con llamadas telefónicas en ausencia de su esposo. Protagonizado por Barbara Stanwyck y Burt Lancaster. Filme de producción americana.

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Espartaco (1960) de Stanley Kubrick, versión libre sobre la vida del famoso combatiente y líder de los gladiadores rebeldes y esclavos en la antigua Roma. Protagonizado por Kirk Douglas, Jean Simmons, Laurence Olivier, Tony Curtis, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, John Ireland y John Gavin. Filme de producción americana

Ha nacido una estrella (1954) de George Cukor, drama sobre un artista adicto a la bebida, quien descubre a una nueva cantante, con la cual se casa. En la medida que ella avanza en sus éxitos, él decae por días. Protagonizado por Judy Garland y James Mason. Filme de producción americana.

Afiches de Espartaco, Ha nacido una estrella, Guerra de las Galaxias- una nueva esperanza, Un tranvía llamado deseo

Afiches de Espartaco, Ha nacido una estrella, Guerra de las Galaxias- una nueva esperanza, Un tranvía llamado deseo

La guerra de las galaxias, Episodio IV: Una nueva esperanza (1977) de George Lucas, filme de ciencia ficción sobre la reinstauración de una república en la galaxia, y que deben enfrentarse a fuerzas malignas opositoras. Esta película es parte de toda una serie de filmes que duran hasta nuestros días. Protagonizado por Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness y Peter Cushing. Filme de producción americana.

Un tranvía llamado deseo (1951) de Elia Kazan, drama basado en la novela homónima de Tennessee Williams y que versa sobre una pareja que recibe la visita de la hermana de la mujer, que padece de trastornos y con su actitud provoca serios problemas en el seno de la familia. Protagonizado por Marlon Brando, Vivien Leigh, Kim Hunter y Karl Malden. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (10 marzo de 2016)

Propuesta de filmes para ver (VIII)

Otra nueva propuesta de películas de calidad, de distintos géneros y de varios países.

Nipon tanjo o Los Tres Tesoros (1959) de Hiroshi Inagaki, film que es una verdadera leyenda sobre Japón, lleno de ficción y escenas mágicas. Protagonizada por Toshiro Mifune, Yoko Tsukasa y Akihiko Hirata. Filme de producción japonesa.

Un rayo de luz (1950) de Joseph L. Mankiewicz, drama sobre el racismo, donde un paciente blanco-preso común, se niega a ser atendido por un médico negro. Protagonizado por Richard Widmark, Sidney Poitier y Linda Darnell. Filme de producción americana.

Norma Rae (1979) de Martin Ritt, drama basado en hechos reales de una mujer que adquiere conciencia política y se convierte en una luchadora sindical. Protagonizado por Sally Field y Beau Bridges. Filme de producción americana.

No serás un extraño (1955) de Stanley Kramer, drama sobre la relación de un estudiante de medicina con su esposa, donde sus estudios priman ante todo lo demás. Por otro lado, su esposa se cierra en su mundo y no es capaz de conversar de sus problemas ni con sus amigos. Protagonizado por Robert Mitchum, Olivia De Havilland, Frank Sinatra, Broderick Crawford y Gloria Grahame. Filme de producción americana.

Encadenados (1946) de Alfred Hitchcock, drama-suspense sobre la persecución de un agente nazi, para lo cual un oficial americano encubierto entra en contacto con la hija de un oficial nazi condenado. Protagonizado por Cary Grant e Ingrid Bergman. Filme de producción americana.

El cuchillo en el agua (1962) de Roman Polanski, drama sobre una pareja que aborda su yate para un paseo, pero que se tropieza con un hombre más joven que el marido de la mujer, lo que finalmente deriva en celos y malentendidos. Protagonizado por Leon Niemczyk, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. Filme de producción polaca.

Historia de una monja (1959) de William Wyler, drama una joven monja belga que es enviada en misión al Congo, pero que al llegar, ve que el hospital donde trabajará es solo para blancos. Protagonizado por Audrey Hepburn y Peter Finch. Filme de producción americana.

El fascismo cotidiano (1965) de Mikhail Romm, documental que analiza el desarrollo del fascismo y como se basa en métodos populistas, el efecto de los medios de propaganda y como un ser humano se convierte en una máquina de matar. Filme de producción soviética.

Tres tesoros, Un rayo de luz, Norma Rae, No serás un extraño, Encadenados, El cuchillo en el agua, Historia de una monja y Fascismo cotidiano

Afiches de Tres tesoros, Un rayo de luz, Norma Rae, No serás un extraño, Encadenados, El cuchillo en el agua, Historia de una monja y Fascismo cotidiano

Nido de ratas (en España se llama La ley del silencio) (1954) de Elia Kazan, drama sobre la corrupción de un sindicato portuario y cómo maneja a sus secuaces, muy parecido al de las mafias. Protagonizado por Marlon Brando, Lee J. Cobb, Karl Malden y Eva Marie Saint. Filme de producción americana.

Érase una vez en América (1984) de Sergio Leone, drama-film de crimen sobre la asociación de dos jóvenes judíos que prosperan y erigen todo un imperio mafioso. Protagonizado por Robert De Niro, James Woods, Joe Pesci, Danny Aiello y Elizabeth McGovern. Filme de producción americana.

Liberación (o La Batalla de Berlín) (1969) de Yuri Ozerov y Julius Kun, film bélico en cinco partes que aborda la guerra de la URSS contra Alemania y sus principales batallas hasta llegar a la toma de Berlín. Protagonizado por Vladimir Samojlov, Jan Englert, Fritz Diez, Barbara Bryslká. Filme de producción soviética.

Nuestro hombre en La Habana (1959) de Carol Reed, comedia sobre un comerciante inglés en la Habana que es reclutado como agente del servicio británico y que viendo que no daba la talla en esa función, se inventaba los informes a sus superiores. Protagonizado por Alec Guinness y Maureen O’Hara. En la pelí aparecen escenas con Enrique Almirante como una especie de gigoló cubano. Filme de producción británica.

África mía (En España Memorias de África) (1985) de Sydney Pollack, drama sobre la vida de una pareja europea que se establece en Kenya, donde el matrimonio se desintegra debido a la infidelidad del marido y al amor de su mujer por otro hombre más romántico. Protagonizado por Meryl Streep, Robert Redford y Klaus María Brandauer. Filme de producción americana.

Retorno al pasado (1947) de Jacques Tourneur, filme de cine negro, que aborda la vida de un hombre que decide vivir en paz, pero que un buen día recibe la visita de un ente que le ordena ir a ver su anterior jefe. Protagonizado por Robert Mitchum, Jane Greer y Kirk Douglas. Filme de producción americana.

Los paraguas de Cherburgo (1964) de Jacques Demy, musical sobre una historia de amor en Cherburgo. Protagonizado por Catherine Deneuve y Anne Vernon. Filme de producción francesa.

Philadelphia (1993) de Jonathan Demme, drama sobre la discriminación con aquellos que enferman de SIDA, lo cual deriva en una demanda judicial. Protagonizado por Tom Hanks, Denzel Washington y Antonio Banderas. Filme de producción americana.

Afiches de Nido de ratas, Érase una vez en América, Liberación, Nuestro hombre en la Habana, Memorias de África, Retorno al pasado, Los paraguas de Cherburgo, Philadelphia

Afiches de Nido de ratas, Érase una vez en América, Liberación, Nuestro hombre en la Habana, Memorias de África, Retorno al pasado, Los paraguas de Cherburgo, y Philadelphia

El pianista (2002) de Roman Polanski, drama sobre la barbarie nazi con los judíos en la Varsovia ocupada, donde uno de los perseguidos huye y se mantiene escondido hasta el final de la guerra en Polonia. Protagonizado por Adrien Brody y Thomas Kretschmann. Filme de producción británica.

Picnic (1955) de Joshua Logan, drama sobre una joven de familia pobre que su madre se empeña en casarla con un joven de familia adinerada. El compromiso se rompe con la llegada de un aventurero del cual la joven se enamora. Protagonizado por William Holden, Kim Novak y Cliff Robertson. Filme de producción americana.

Afiches El Pianista, Picnic, Ambiciones que matan, Platoon

Afiches de El Pianista, Picnic, Ambiciones que matan, y Platoon

Ambiciones que matan (En España Un lugar en el Sol) (1951) de George Stevens, drama con trama de la segunda parte de la obra “Una tragedia americana” del escritor Theodore Dreiser, que versa sobre la vida de un joven, George Eastman que logra empleo en la fábrica de su tío, Charles Eastman, pero donde conoce a una obrera con la que establece relaciones, las que se rompen cuando conoce a su prima, de la que se enamora. Filme de producción americana.

Platoon (1986) de Oliver Stone, film bélico que se desarrolla durante la guerra en Vietnam y que relata la vida de un soldado, el que sufre de la guerra y de la crueldad de algunos de sus superiores y compañeros. Protagonizada por Tom Berenger, Charlie Sheen y Willen Dafoe. Filme de producción americana.

Preparado por Esteban Hernández (3 marzo de 2016)

Propuesta de filmes para ver (VII)

Esta es la séptima propuesta de filmes para ver:

Lawrence de Arabia (1962) de David Lean, drama biográfico sobre la vida de un oficial británico, T.E. Lawrence interpretado por Peter O’Toole, además de su amigo árabe Sherif Alí encarnado por Omar Sharif en una campaña de de apoyo a los árabes contra la ocupación otomana. A Lawrence los locales lo llegaron a adorar. Co-protagonizan Anthony Quinn, Alec Guinness, Claude Rains, Arthur Kennedy y José Ferrer. Filme de producción británica.

Pequeño Gran Hombre (1970) de Arthur Penn, drama sobre la vida de un anciano que sobrevivió la matanza de indios del General Custer, que a su vez fue siempre un defensor de la causa de los verdaderos dueños de las tierras de Norteamérica. Protagonizado por Dustin Hoffman, Faye Dunaway y Martin Balsam. Filme de producción americana.

Hampa Dorada (1931) de Mervyn LeRoy, film de crimen sobre un poderoso jefe mafioso, de nombre Rico (probablemente Al Capone), donde se pone de relieve las formas utilizadas para asesinar y para poder dominar todo el ambiente político y económico. Protagonizado por Edward G. Robinson y Douglas Fairbanks Jr. Filme de producción americana.

La ley del sobreviente (1967) de José Giovanni, película de crimen-suspense, cuya trama se desarrolla en Córcega, donde un aventurero se enamora de una dama de un pasado nada claro y relacionado con supuestos elementos mafiosos, que en realidad había sido una red de resistencia durante la II Guerra Mundial. Protagonizada por Michel Constantin y Alexandra Stewart. Filme de producción francesa.

El loco del pelo rojo (1956) de Vincente Minnelli, drama biográfico sobre la vida del pintor Van Gogh interpretado por Kirk Douglas, además de Anthony Quinn. Filme de producción americana.

El hombre del brazo de Oro (1955) de Otto Preminger, drama sobre un hombre que sale de la cárcel, había dejado el vicio de la droga y trata, a través de su arte, de abrirse paso en la sociedad que lo discrimina. Protagonizado por Frank Sinatra, Eleanor Parker y Kim Novak. Filme de producción americana.

El Halcón Maltés (1941) de John Huston, film negro sobre el destino de una estatuilla que la Orden de Malta había regalado a Carlos I, pero nunca llegó a su destino por el robo cometido por algunos piratas. Cuatro siglos después se trata de conocer dónde estaba la estatuilla, la que al parecer había pasado de manos en manos. Protagonizado por Humphrey Bogart, Mary Astor, Sidney Greenstreet y Peter Lorre. Filme de producción americana.

Mandabi (1968) de Ousmane Sembene, drama llamado en español “El giro”, sobre las peripecias en el envío de un dinero de un extracomunitario senegalés que trabaja en París. El dinero llega a Senegal pero nunca va a manos de sus destinatarios. Protagonizado por Makhouredia Gueye e Ynousse N’Diaye. Filme de producción senegalesa.

El marqués del Grillo (1981) de Mario Monicelli, comedia sobre los placeres mundanos del marqués de referencia durante parte del siglo XIX. Protagonizado por Alberto Sordi y el mismo Mario Monicelli. Filme de producción italiana.

Afiches de Lawrence de Arabia, Pequeño Gran Hombre, Hampa Dorada, la Ley del sobreviviente, El hombre del brazo de oro, El Halcón Maltés, El Giro y El Marqués del Grillo

Máscara (1985) de Peter Bogdanovich, drama sobre la vida de una madre drogadicta que tiene un hijo con un rostro realmente horrible, el que trata de sobrevivir en un medio que le resulta adverso por mucha gente rechazar relacionarse con él. Protagonizado por Cher, Eric Stoltz y Sam Elliott. Filme de producción americana.

Matrimonio a a la italiana (1964) de Vittorio De Sica, drama sobre la vida de una prostituta napolitana, Filomena Maturano, quien de alguna forma enlaza su vida con el pudiente Doménico Soriano. Protagonizado por Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Filme de producción italiana.

Cowboy de medianoche (1969) de John Schlesinger, excelente drama de un tejano llegado a Nueva York que se junta con un buscavida discapacitado, quien le muestra al fornido cowboy que la ciudad que él soñaba no existe. Protagonizado por Jon Voight y Dustin Hoffman. Filme de producción americana.

Desaparecido (1982) de Costa Gavras, drama sobre un joven desaparecido americano durante el golpe de Augusto Pinochet en Chile. El filme muestra la confabulación americana en el golpe y las nefastas consecuencias del mismo sobre muchos perseguidos injustamente. Protagonizado por Jack Lemmon y Sissy Spacek. Filme de producción americana.

La misión (1986) de Roland Joffé, drama histórico sobre una misión Jesuita en las cataratas de Iguazú en el siglo XVIII que defiende el derecho de los indígenas del lugar. Protagonizado por Robert DeNiro, Jeremy Irons y el entonces joven Liam Neeson. Filme de producción británica.

Arde Mississippi (1988) de Alan Parker, film que se desarrolla en un pueblo del sur de EEUU, donde el KKK hace de las suyas cometiendo crimenes en pro de preservar el racismo existente, y al cual se enfrentan unos agentes federales. Protagonizado por Gene Hackman y Willen Dafoe. Filme de producción americana.

Tiempos Modernos (1936) dirigido y protagonizado por Charles Chaplin, comedia sobre el desarrollo tecnológico y como un hombre pierde la razón, es hospitalizado, luego ya curado participa en una manifestación y es encarcelado, así sucesivamente, una continua lucha por la sobrevivencia y por hacer el bien. Protagonizado también por Paulette Godard. Filme de producción americana.

Afiches de El loco del pelo rojo, Máscara, Matrimonio a la italiana, Cowboy de medianoche, Desaparecido, La misión, Arde Mississippi, Tiempos Modernos

Afiches de El loco del pelo rojo, Máscara, Matrimonio a la italiana, Cowboy de medianoche, Desaparecido, La misión, Arde Mississippi, Tiempos Modernos

Monster’s ball (2001) de Marc Foster, drama de cómo un hombre educado en las peores tradiciones conservadoras, logra evadir esas ideas a la vez que se enamora de una bella joven afroamericana. Protagonizado por Billy Bob Thornton y Halle Berry. Filme de producción americana.

Asesinato en el Orient Express (1974) de Sidney Lumet, film de crimen basado en una novela de Agatha Christie, donde un asesinato cometido sobre el tren que viaje al lejano Oriente es investigado por el siempre eficiente inspector Hercules Poirot. El reparto del filme es impresionante, con Vanessa Redgrave, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Anthony Perkins, Jacqueline Bisset, Richard Widmark, Sean Connery, John Gielgud, Martin Balsam, y Albert Finney en el papel de inspector Poirot. Filme de producción americana.

La Caja de Música (1989) de Costa Gavras, drama sobre la vida de una familia húngara emigrante en EEUU, a quien se le acusa de ser criminal de la II Guerra Mundial, y que su hija, convencida de su inocencia, decide como abogada defender. Protagonizado por Jessica Lange y Armin Mueller-Stahl. Filme de producción americana.

Mi pie izquierdo (1989) de Jim Sheridan, drama autobiográfico sobre cómo el pintor y escritor irlandés Christy Brown, afectado de parálisis cerebral, logró, con el apoyo de su madre, imponerse para así poder realmente integrarse a la sociedad. Protagonizado por Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker y Ray McAnally. Filme de producción irlandesa.

Afiches de Monster's ball, Asesinato en el Orient Express, La Caja de Música, Mi Pie Izquierdo

Afiches de Monster’s ball, Asesinato en el Orient Express, La Caja de Música, Mi Pie Izquierdo

 

Preparado por Esteban Hernández (25 febrero de 2016)

Propuesta de filmes para ver (VI)

Esta es la sexta propuesta, con lo cual se han llegado a sugerir 120 filmes, muchos de ellos de nacionalidades distintas a la americana. La sugerencia lleva implícita la calidad de la trama de cada película.

La herencia del viento (1960) de Stanley Kramer, drama en un pueblo del estado de Tenessee sobre la disputa entre un abogado y un ultraconservador, ambos profesores, uno a favor de la teoría de la evolución y el otro aferrado a las leyendas. Con Spencer Tracy y Frederich March. Film de producción norteamericana.

En el calor de la noche (1967) de Norman Jewison, drama-film de crimen, sobre cómo la odisea de un agente federal negro en una investigación criminal y todos los obstáculos que se interponen para llegar a la verdad. Con Sidney Poitier y Rod Steiger. Filme de producción norteamericana.

Irma la Dulce (1963) de Billy Wilder, comedia sobre el amor de un hombre por una mujer de diversión, por la que deja todo a cambio de su amor. Con Jack Lemmon y Shirley MacLaine. Filme de producción norteamericana.

Qué bello es vivir! (1946) de Frank Capra, drama con buena dosis de fantasía, sobre un hombre que en medio de la desgracia le llega su salvación. Con James Stewart, Donna Reed y Lionel Barrymore. Filme de producción norteamericana.

Juana de Arco (1948) de Victor Fleming, historia sobre la famosa heroína de la Guerra de los 100 años entre Inglaterra y Francia. Con Ingrid Bergman, José Ferrer y Ward Bond. Filme de producción norteamericana.

Johnny Belinda (1948) de Jean Negulesco, drama sobre la vida de una sorda, considerada igualmente como tonta, la que logra rebasar los prejuicios existentes gracias a la ayuda del médico del pueblo. Con Jane Wyman, Lew Ayres y Charles Bickford. Filme de producción norteamericana.

Johnny Guitar (1954) de Nicholas Ray, oeste-drama sobre la relación sentimental de una mujer de fuerte carácter con un avezado vaquero, y las dificultades por las que atraviesa ese romance. Con Joan Crawford, Sterling Hayden, Scott Brady y Mercedes McCambridge. Filme de producción norteamericana.

Juana la Loca (2001) de Vicente Aranda, sobre las peripecias del matrimonio de Juana, hija de Isabel y Fernando, reyes católicos de España, con Felipe el Hermoso. Con Pilar López de Ayala y Daniele Liotti. Filme de producción española.

Afiches de La herencia del viento, En el calor de la noche, Irma la dulce, Qué bello es vivir!, Juana de Arco, Johnny Belinda, Johnny Guitar, Juana la Loca

Afiches de La herencia del viento, En el calor de la noche, Irma la dulce, Qué bello es vivir!, Juana de Arco, Johnny Belinda, Johnny Guitar, Juana la Loca

¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg) (1961) de Stanley Kramer, drama histórico sobre el juicio a connotados criminales del régimen nazi. Con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Marlene Dietrich, Judy Garland, Maximilian Schell, Montgomery Clift, Richard Widmark y William Shatner. Filme de producción norteamericana.

Julia (1977) de Fred Zinnemann, drama sobre la amistad entre una famosa escritora judío-americana y otra norteamericana, que coinciden en el torbellino del inicio de la II Guerra Mundial. Con Jane Fonda, Vanessa Redgrave, Jason Robard y el casi debut en el cine de Meryl Streep. Filme de producción norteamericana.

El manantial de la doncella (1960) (En Cuba le llamaron La Fuente de la Virgen) de Ingmar Bergman, drama ambientado en la Suecia del siglo XIV sobre la tragedia de una doncella que se encaminaba a realizar ofrenda de velas en el altar de la Virgen. Con Max Von Sydow y Birgitta Valberg. Filme de producción sueca.

Kapò (1959) de Gillo Pontecorvo, drama sobre cómo una prisionera judía logra sobrevivir en un campo de concentración y se presta a servir a sus carceleros alemanes. Con Susan Strasberg y Laurent Terzieff. Filme de co-producción italo-francesa.

Cayo Largo (1948) de John Huston, film de crimen-cine negro sobre la huída de un grupo mafioso que se encaminaba a Cuba a través de la Florida. Con Humphrey Bogart, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore y Claire Trevor. Filme de producción norteamericana.

Kid Galahad (1937) de Michael Curtiz protagonizada por Edward G. Robinson, Bette Davis y Humphrey Bogart, con trama sobre los negocios sucios en el boxeo profesional. Filme de producción norteamericana.

Forajidos (1947) de Robert Siodmak, filme de cine negro-crimen, sobre las dificultades de un ex soldado de la II Guerra Mundial para encontrar empleo y reincorporarse a la vida civil. Protagonizado por Burt Lancaster, Ava Gardner y Edmond O’Brien. Filme de producción norteamericana.

A Köszívü ember fiai (1965) (Los hijos del hombre de corazón de piedra) de Zoltán Várkonyi, drama histórico, con trama basada en la novela del escritor Mor Jokai, que describe la lucha de una familia durante la revolución de 1848 contra el imperio de los Habsburgo en Hungría. Protagonizado por Mária Sulyok, Vera Szemere y Tibor Bitskey. Filme de producción húngara, existe versión en DVD subtitulada en inglés, pero se puede ver en línea subtitulado en español.

Afiches de Vencidos o Vencedores, Julia, El Manantial de la Doncella, Kapò, Cayo Largo, Kid Galahad, Forajidos, Los hijos del hombre de corazón de piedra

Afiches de Vencidos o Vencedores, Julia, El Manantial de la Doncella, Kapò, Cayo Largo, Kid Galahad, Forajidos, Los hijos del hombre de corazón de piedra

Kramer contra Kramer (1979) de Robert Benton, drama sobre la vida de un hombre, cuya esposa le abandona y lo deja al cuidado igualmente de su único hijo, por lo que al final él se convierte en padre y madre a la vez. Protagonizado por Dustin Hoffman, Meryl Streep, Jane Alexander y JoBeth Williams. Filme de producción norteamericana.

L.A. Confidential (1997) de Curtis Hanson, filme de cine negro-crimen, que aborda una interesante trama en el mundo del cine, que atrapa a tres agentes de policía, los que giran alrededor de una connotada actriz. Protagonizado por Guy Pearce, Kim Basinger, Russell Crowe, Kevin Spacey y Danny DeVito. Filme de producción norteamericana.

Afiches de Kramer contra Kramer, L.A. Confidential, Ladrón de bicicletas, El último emperador

Afiches de Kramer contra Kramer, L.A. Confidential, Ladrón de bicicletas, El último emperador

Ladrón de bicicletas (1948) de Vittorio De Sica, drama en la Italia de pos-guerra, cuando un hombre le roban la bicicleta, medio importante para ganarse la vida, la que trata de recuperar precisamente para sobrevivir. Protagonizado por Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola y Lianella Carell. Filme de producción italiana

El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci, drama sobre la vida de Pu Yi, el niño que sería el último emperador de China, el que sufre las vicisitudes del dominio Manchú, luego la ocupación japonesa hasta la llegada de los comunistas al poder en 1949. Protagonizado por John Lone, Peter O’Toole y Joan Chen. Filme de producción británica.

Preparado por Esteban Hernández

Propuesta de filmes para ver (V)

Hoy es viernes 12 de febrero de 2016, aquí les va la quinta propuesta de filmes para ver.

Una jornada particular (1977) de Ettore Scola, drama sobre la visita de Hitler a Italia en mayo de 1938, donde una vecina conoce a otro perseguido por las fuerzas de represión de Mussolini debido a su inclinación sexual. Protagonizado por Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Film de producción italiana.

El Gladiador (2000) de Ridley Scott, drama sobre un alto oficial del imperio que por razones adversas se tiene que convertir en gladiador para luego lidiar directamente con aquel que lo llevó a la tragedia. Protagonizado por Russell Crowe y Joaquin Phoenyx. Film de producción norteamericana.

La pequeña tierra de Dios (1958) de Anthony Mann, drama basado en la novela homónima de Erskine Caldwell sobre un campesino que diariamente les habla a sus hijos de un tesoro escondido. Protagonizado por Robert Ryan y Aldo Ray. Film de producción norteamericana.

El padrino (1972) de Francis Ford Coppola, drama-film de crimen basado en la novela de Mario Puzo sobre la vida de una familia poderosa mafiosa instalada en Nueva York. Protagonizado por Marlon Brando, Al Pacino y James Caan. Film de producción norteamericana.

El padrino: Parte II (1974) de Francis Ford Coppola, secuela de la primera parte que continúa con la historia de la familia mafiosa una vez su jefe inicial muere. Protagonizado por Al Pacino y Diane Keaton. Film de producción norteamericana.

Lo que el viento se llevó (1939) de Victor Fleming, primer filme a colores que narra la vida de la pareja Scarlett O’Hara y el apuesto Rhett Butler durante la guerra de secesión. Protagonizado por Clark Gable, Vivien Leigh, Olivia de Havilland y Leslie Howard. Film de producción norteamericana.

Uno de los nuestros (1990) de Martin Scorsese, drama sobre la vida de los mafiosos y cómo uno de ellos comienza a trabajar para la policía en calidad de informante. Protagonizado por Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci. Film de producción norteamericana.

Gorilas en la niebla (1988) de Michael Apted , drama sobre la vida de Diana Fossey, que se convierte en defensora de la vida de los gorilas en la reserva del norte de Ruanda. Protagonizado por Sigourney Weaver. Film de producción norteamericana.

Afiches de Una Jornada Particular, El Gladiador, La Pequeña Tierra de Dios, Lo que el viento se llevó, El Padrino I y II, Uno de los Nuestros, Gorilas en la niebla

Afiches de Una Jornada Particular, El Gladiador, La Pequeña Tierra de Dios, Lo que el viento se llevó, El Padrino I y II, Uno de los Nuestros, Gorilas en la niebla

El graduado (1967) de Mike Nichols, sobre la relación de un joven estudiante con una dama que lo convierte en su amante. Protagonizado por Dustin Hoffman y Anne Bancroft. Film de producción norteamericana.

El gran dictador (1940) de Charles Chaplin, comedia que ilustra a un dictador, en este caso Adolfo Hitler, y se burla de sus sueños y forma de actuar. Protagonizada por Charles Chaplin y Paulette Goddard. Filme de producción norteamericana.

La gran esperanza blanca (1970) de Martin Ritt, drama sobre la vida de Jack Jefferson, el primer púgil negro que gana el título mundial de los pesos pesados, y su vida y vicisitudes al lado de su mujer blanca. Protagonizado por James Earl Jones y Jane Alexander. Filme de producción norteamericana.

La milla verde (1999) de Frank Darabont, drama carcelario en plena depresión en EEUU, con un presidiario dotado de fuerza para curar y predecir fenómenos adversos, con Tom Hanks y Michael Clark Duncan. Filme de producción norteamericana.

Más dura sera la caída (1956) de Mark Robson, drama que asemeja algo la vida del boxeador italiano Primo Carnera y las malas prácticas de los magnates del boxeo en EEUU. Protagonizado por Humphrey Bogart y Rod Steiger. Filme de producción norteamericana.

Sólo Dios lo sabe (1957) de John Huston, film bélico-drama sobre un marine y una monja atrapados en una pequeña isla del Pacífico ocupada por las tropas japonesas. Protagonizado por Deborah Kerr y Robert Mitchum. Filme de producción norteamericana.

La heredera (1949) de William Wyler, drama sobre la relación de una mujer adinerada enamorada de un hombre más joven que ella, a cuya relación su padre se opone. Protagonizado por Olivia de Havilland y Montgomery Clift. Filme de producción norteamericana.

Un Hombre (1967) de Martin Ritt, drama sobre un hombre criado por los indios, a los que él respeta y que hereda una casa, para lo cual debe trasladarse en una diligencia, donde se ve la variedad de personajes e ideas existentes en EEUU y su carácter discriminatorio con  los indios. Protagonizado por Paul Newman y Fredrich March. Filme de producción norteamericana.

Afiches de El Graduado, El Gran Dictador, La Gran Esperanza Blanca, La Milla Verde, Más dura será la caída, Sólo Dios lo sabe, La Heredera, Un Hombre

Un hombre y una mujer (1966) de Claude Lelouch, drama sobre las relaciones de dos viudos, cada uno con sus prejuicios y recuerdos, donde al final triunfa el amor. Protagonizado por Anouk Aimée y Jean-Louis Tringtigant con excelente tema musical (soundtrack). Filme de producción francesa.

La casa de los espíritus (1993) de Bille August, drama con guión adaptado de la novela homónima de Laura Allende, donde se muestra la vida de una familia rica chilena y sus vivencias en los acontecimientos del país hasta el fatídico golpe de estado al presidente Salvador Allende. Filme de producción norteamericana.

¡Quiero vivir! (1958) de Robert Wise, drama trágico de cómo dos reos se salen con la suya y descargan sus culpas sobre otra persona supuesta delatora de los anteriores. Con Susan Hayward y Simon Oakland. Filme de producción norteamericana.

Indochina (1992) de Régis Wargnier, drama romántico que tiene por escenario el entonces cambiante Vietnam desde la ocupación colonial francesa hasta su completa liberación. Con Catherine Deneuve y Vincent Pérez. Filme de producción francesa.

Afiches de Un Hombre y Una Mujer, La casa de los espíritus, Quiero vivir!, Indochina

Afiches de Un Hombre y Una Mujer, La casa de los espíritus, ¡Quiero vivir!, Indochina

Preparado por Esteban Hernández

 

Actores y actrices cubanos o de origen cubano en el cine de Hollywood

Una nación no debe juzgarse por cómo trata
a sus ciudadanos con mejor posición,
sino por cómo trata a los que tienen poco o nada”.
Nelson Mandela

No son muchos los actores o actrices latinos que han logrado llegar a actuar en la meca del cine de Hollywood. México ha sido el país que mayores exponentes ha tenido. En muchos filmes hemos visto a actuar a Pedro Armendáriz padre en papeles secundarios, a Arturo de Córdoba protagonizando filme al lado de la experimentada Joan Fontaine, a Dolores del Río en los más variados, así como a Ricardo Montalbán y a Gilbert Roland en muchos filmes del oeste o de aventuras.

Puerto Rico ha tenido como su gran exponente a José Ferrer, hombre que es recordado por sus actuaciones en los filmes “Cyrano de Bergerac (1950)”, donde interpreta el papel principal, o en “El motín del Caine (1954)”, encarnando al teniente-fiscal Barney Greenwald en el juicio que se le hace al capitán y a los tripulantes de esa nave de guerra.

De otras nacionalidades, puede haberlos, pero no son muy conocidos o no han interpretado papeles incluso secundarios de importancia.

En lo referido a los cubanos, repasando un poco, sólo vemos al santiaguero Desi Arnaz (se llama Desiderio Alberto Arnaz y De Acha), quien actuó en 24 filmes entre 1940 y 1982. Su fama se debió cuando se casó con la famosa actriz Lucille Ball y juntos comenzaron a actuar en show. Desi salió a los 16 años de Cuba junto a sus padres, obligados por las circunstancias. Batista había dado su primer golpe de estado en 1933 y al padre de Desi le quitaron todas sus propiedades y fue llevado a prisión, de la cual pudo salir debido a que las autoridades norteamericanas intercedieron en su favor. Al llegar a los EEUU, se vio obligado a hacer trabajos de todo tipo. Se ganó la vida primeramente limpiando jaulas de canarios. No obstante, como era músico, logró formar su propia banda y luego fue contratado por Xavier Cugat, considerado entonces el rey de la música latina en EEUU., músico de origen catalán. Desi no estuvo mucho tiempo con él, volvió a crear su banda, muy famosa por sonar la conga con mucho ritmo en EEUU. Tuvo la suerte de ser contratado para actuar en una de las obras musicales de Broadway, que se titulaba “Too many girls” (Demasiadas chicas), que tuvo mucho éxito, por lo que fue después contratado por Hollywood para llevar la obra musical al cine con el mismo nombre en 1940. Fue entonces que conoció a la comediante Lucille Ball, con la cual se casó y finalmente, en 1951 lanzaron el famoso show “Te quiero, Lucy”, el que duró hasta 1957, fecha en la que se divorciaron. De hecho, Desi fue una figura destacada de la TV y no propiamente del cine. Su hijo Desi Arnaz Jr. si incursionó en el mundo del cine. Desi murió de complicaciones pulmonares en 1986.

Desi Arnaz

Desi Arnaz. Foto: Doctormacro.com

Pasaron años para que se viera a un cubano en pantalla de filmes norteamericanos. El año 1983 fue el agraciado cuando el habanero Andy García (nombre completo Andrés Arturo García Menéndez) debutó en papel de reparto de la comedia “Blue skies again” del director Richard Michaels. Andy había salido de Cuba muy niño- realmente no pudo conocer el país que le vio nacer- con su familia contraria al proceso iniciado en 1959 en Cuba. Su padre era abogado y su madre, maestra de inglés. Como actor comenzó a destacarse en obras de su escuela superior en Miami Beach, y de ahí estudió interpretación dramática en la Universidad Internacional de Florida. Por su labor durante más de 4 décadas en el cine, Andy puede ser considerado el mejor actor cubano en Hollywood de todos los tiempos. Una característica principal de Andy es la privacidad en su vida y la de su familia.

Andy García, foto S_Bukley

Andy García Foto S_Bukley

Hay una actriz cubana, nacida en Cienfuegos, Cuba, que conste, pero cuya niñez transcurrió todo el tiempo en Venezuela y llegó a ser Miss Universo Teenager (adolescente) en 1971 después de haber sido ganadora de Miss Venezuela. Me refiero a la bella María Conchita Alonso, quien debutó en el cine protagonizando el film de acción-aventura de producción Italo-Dominicano-Mexicano “Savana-Sesso e Diamanti (1978)” del director Guido Leoni. María Conchita se mantuvo inicialmente actuando en filmes latinoamericanos, y en 1984 debutó en Hollywood, en la comedia-drama “Un ruso en Nueva York”. Su labor no ha sido sólo en cine, sino que también ha actuado con éxito en Broadway.

María Conchita Alonso

María Conchita Alonso

El otro cubano, cuyo despegue fue muy prometedor en el cine, fue Steven Bauer, cuyo nombre real es Esteban Ernesto Echevarría, igualmente habanero como Andy García, e hijo de maestra y padre, piloto de Cubana de Aviación. Steven adoptó el Bauer como apellido de su abuelo por línea materna, el cual era judío refugiado de Alemania y se apellidaba Bauer. Inicialmente quiso ser músico, pero luego cambió de idea. Estudió interpretación un colegio de Miami-Dade, luego pasó al Departamento de Artes Teatrales de la Universidad de Miami, y en 1980 se trasladó a Nueva York para continuar sus estudios de interpretación bajo la guía de Stella Adler. Su debut en cine fue en el film de crimen “El precio del poder (1983)” del director Brian De Palma protagonizado por Al Pacino (Cara cortada) y Michelle Pfeiffer. La actuación de Bauer como Manolo Ribera fue realmente convincente.

Steven Bauer en El Precio del Poder

Steven Bauer en “El Precio del Poder”

Bauer luego protagonizó un drama-suspense “Ladrón de pasiones (1984)” de Douglas Day Stewart, donde nuevamente su actuación fue bien acogida. Para la TV protagonizó el film de acción “La espada de Gedeón (1986)” de Michael Anderson, donde interpreta el papel de un oficial joven israelí, a quien se le encomienda ajusticiar a todos aquellos palestinos implicados en la masacre de los deportistas israelís en los Juegos Olímpicos de Munich (1972). Sus actuaciones ocasionalmente pasan inadvertidas, son más bien en papeles de reparto y más que todo en películas de acción y crimen.

Ya hemos hablado anteriormente del reciente debut de la cubana Ana de Armas, y buscando no encuentro a otro actor o actriz cubana en el mundo del cine hollywoodense. También recientemente han tomado auge las actuaciones del actor cubano William Levy (William Gutiérrez Levy), quien por su segundo apellido se sabe que tiene ascendencia judía. William inicialmente se destacó en filmes y seriales para la TV y a partir del 2014 actúa en cine.

Daisy Fuentes nació en La Habana en 1966, y a los tres años abandonó Cuba junto con su familia. Vivió en España y luego en varias ciudades de los Estados Unidos. Actualmente radica en Nueva Jersey. Ha tenido una actuación en cine, la comedia-film de crimen “Tú asesina, que nosotros limpiamos la sangre (1996)” del director Reb Braddock, pero si ha actuado asiduamente en seriales para la TV americana desde 1983.

Actrices y actor cubanos, Daisy Fuentes, William Levy y Danay García

Actrices y actor cubanos, Daisy Fuentes, William Levy y Danay García

Danay García (Danay Aguilar García) es nacida en 1984 y criada también en la Habana. De Cuba salió en 2003 por vía ilegal. Danay estudiaba ballet en Cuba y fue entrenada incluso por el equipo del Teatro Bolshoi de Moscú. Debutó como actriz de cine en 2006 y hasta ahora ha actuado en 16 filmes. Actualmente radica en Los Ángeles.

No obstante, sí hay actores y actrices de origen cubano, pero algunos suelen ser confundidos. Es el caso de la familia de los Estevez, más conocidos como los Sheen. De ellos el más viejo es Martin Sheen (nombre real Ramón Antonio Gerard Estevez), padre de Charlie Sheen, Emilio Estevez, Renée Estevez y Ramón Estevez. Ellos no son cubanos, el padre de Martin, Francisco Estevez, era un inspector de maquinaria de fábricas, oriundo de Galicia, España, mientras que su madre era irlandesa. Todos los Sheen-Estevez nacieron en EEUU y se suele a veces confundir con que ellos sean cubanos o sus ancestros, debido a que Francisco trabajó en Cuba en algún momento.

Un actor que toda su vida dijo ser nieto del patriota cubano José Martí fue César Romero. César era hijo del comerciante cubano César Julio Romero y de la cantante, igualmente cubana, María Mantilla, de quien siempre se especuló que era hija de José Martí. Realmente no existe ninguna evidencia que confirme que Martí era su abuelo y a su vez padre de María, quien muy lejos de lo que siempre su hijo César dijo, negó toda posibilidad de que José Martí fuera su padre. César en la búsqueda de fama, nunca se cansó de afirmar lo contrario. Varios estudiosos de Martí han negado rotundamente la afirmación de César, destacado actor en una carrera que duró de 1933 a 1994, actuando en 202 filmes. César fue uno de los famosos Latin lovers de Hollywood, compitiendo con otros como los mexicanos Ricardo Montalbán y Gilbert Roland, luego interpretó el papel del justiciero Cisco Kid, el malvado Joker en una película de Batman de 1966, Lucky Luciano en 1964, el malvado Esteban de la Cruz en el serial del Zorro de 1959, y otros papeles más.

César Romero con Carmen Miranda (der.) y John Payne con Alice Faye (izq)

César Romero con Carmen Miranda (der.) y John Payne con Alice Faye (izq) Foto: Doctormacro.com

El otro actor de origen cubano es Mel Ferrer (Melchor Gastón Ferrer), de madre neoyorkina y padre cubano, cirujano de profesión. Ferrer se inició en el cine protagonizando el film sobre racismo “El color de la sangre (1949)”, luego co-protagonizó con Leslie Caron, la comedia-musical “Lili (1953)” del director Charles Walters, interpretó el papel del Príncipe Andrei Bolkonsky en el film “Guerra y Paz (1956)” de King Vidor, donde también actuaron Henry Fonda y Audrey Hepburn, quien ya en ese momento era su esposa y con la cual estuvo casado hasta 1967. Actuaciones relevantes Ferrer tuvo en el drama “El mundo, la carne y el diablo (1959)” del director Ranald MacDougall, con Harry Belafonte e Inger Stevens, película que nuevamente toca el tema del racismo, así como en el formidable “El diablo y los 10 mandamientos (1962)” de Julien Duvivier. Ferrer fue igualmente un buen director, entre sus realizaciones están “Furia secreta (1950)” protagonizado por Claudette Colbert, así como a su entonces esposa Audrey Hepburn en “Mansiones Verdes (1959)” y “Sola en la oscuridad (1967)”.

Mel Ferrer con Audrey Hepburn en Guerra y Paz (1956)

Mel Ferrer con Audrey Hepburn en “Guerra y Paz (1956)”. Foto: Doctormacro.com

En estos momentos el número de actores/actrices con ascendencia cubana es grande y personalmente pienso que seguirá creciendo en la misma medida que avance el actual éxodo de cubanos hacia EEUU.

Dos actrices son actualmente muy reconocidas, la primera es Cameron Díaz (Cameron Michelle Díaz), natural de San Diego, EEUU, hija de padre cubano y madre que es una mezcla de sajones variados. Ella no habla español, nunca ha ido a Cuba, aunque en la Isla están esperando por su visita. Cameron más de dos décadas en el cine y debutó en la comedia “La máscara (1994)” de Charles Russell y actuando conjuntamente con el comediante Jim Carrey.

Cameron Díaz, foto Nancy Kaszerman

Cameron Díaz Foto: Nancy Kaszerman

La otra actriz destacada es la exuberante Eva Mendes, nacida en Miami, pero criada en California, que debutó en cine en 1998. Ha tenido actuaciones sobresalientes al lado de actores afroamericanos como Will Smith y Denzel Washington.

Eva Mendes

Eva Mendes

Actualmente hay más de dos decenas de actores/actrices de origen cubano en Hollywood. Entre esos nombres están:

Laz Alonso es nacido en Washington DC, hijo de padres cubanos, quien además es graduado de la Universidad Howard en Comercio y especializado en mercadotecnia. Laz se hizo famoso con su actuación en el filme “Avatar (2009)” al interpretar el papel del combativo Tsu’tey.

Odette Annable nació en Los Ángeles, y se distingue por dominar el español muy bien. Ella afirma que esa es su primera lengua. Odette es de madre cubana y padre nacido en Colombia. En ocasiones ha sido acreditada como Odette Yustman. Ella ha sido asidua actriz en filmes y seriales para la TV. En cine su papel más destacado fue en el filme de acción “Monstruoso (2008)” del director Matt Reeves.

María Canals-Barrera es nacida en Miami, de padres cubanos. Se ha hecho famosa por sus actuaciones en “Los magos de Waverly Place (2007)”, “La Liga de la Justicia (2001)” y “Camp Rock (2008)”.

Bobby Cannavale, nacido en nueva Jersey, de madre cubana y creció en Broward, Florida, cerca de Miami. Desde 1996 actúa en cine, se le recuerda por sus actuaciones en los seriales “Will and Grace” y “Broadway Empire”.

Néstor Carbonell es oriundo de Nueva York, de padres cubanos. Como María Conchita, vivió en Venezuela varios años y luego se hizo famoso actuando en la serie “Lost” y en los filmes sobre Batman, “El caballero oscuro (2008)” y su secuela “El caballero oscuro: la leyenda renace (2012)” del director Christopher Nolan.

Matt Cedeño, hijo de padre cubano y madre anglo-irlandesa. Se hizo famoso por sus actuaciones en el serial “Days of Our Lives (1999-2006)”, la comedia “The suburbans (1999)” de Donald Lardner Ward, y el drama deportivo “Price of glory (2000)” de Carlos Ávila. Ha obtenido premio ALMA como latino sobresaliente.

Eddie Cibrián, oriundo de Burbank, California, de ascendencia cubana, Eddie se dio a conocer como Cole Deschanel en el serial “Sunset Beach (1997)”, y también actuó en los filmes “Turno de guardia (1999)” y “La caverna maldita (2005)”.

Valerie Cruz, nacida en Nueva Jersey, que se hizo famosa como actriz en las series “Nip/Tuck” y “Anatomía de Grey”.

Rosario Dawson (Rosario Isabel Dawson), oriunda de Nueva York, actriz y cantante de ascendencia cubana y puertorriqueña. En el cine actúa desde 1995.

Melissa Fumero, oriunda de Nueva Jersey, de padres cubanos. Famosa por su papel de Adriana Cramer en el serial “One Life to Live (1998-2011)” y por una breve actuación en otro serial, “Gossip Girl (2007-2010)”. Es más actriz de TV.

Dominik García-Lorido es oriunda de Miami e hija del actor-director cubano Andy García. Ella fue parte del reparto del drama “La ciudad perdida (2005)” y la comedia “Asuntos de familia (2009)”, así como el serial “Magic City”.

Josie Loren (Josie Loren López) es nacida en Miami, de padres cubanos, se hizo conocer en el serial “Make it or Brake It’” (2009-2012)” y la comedia “Noche de marcha (2013)” de los directores Jon Lucas y Scott Moore.

Christina Milián, de Nueva Jersey, de padres cubanos. Es actriz y cantante y sacó su primer y exitoso álbum a los 19 años. Debutó en cine, en la comedia “American Pie (1999)”.

Danny Pino, nacido en Miami, Florida, hijo de cubanos. Se dio a conocer con personajes en series como “Caso abierto (2003)”, “Ley y orden: Unidad de víctimas especiales (1999)”, y el film de Andy García, “La ciudad perdida (2005)”.

Adam Rodríguez es de padre descendiente de boricua y cubano, mientras su madre es boricua completamente. Adam espera un buen día visitar Cuba. Famoso fue su papel en el serial de crimen “CSI: Miami (2002-2012)”, por el cual obtuvo un premio ALMA. Luego se destacó en la comedia-drama “Magic Mike (2012)” del director Steven Soderbergh.

Génesis Rodríguez es hija del cantante venezolano José Luis Rodríguez “El Puma”, y su madre es una modelo cubana, de quien Génesis heredó su belleza. La actriz nació en Miami, habla inglés y español bien, actúa desde 2012 en cine.

Jamie-Lynn Sigler, oriunda de Jericho, Nueva York, se hizo famosa por su personaje en la serie “The Sopranos”. Actúa mayormente en seriales para la TV. Jamie-Lynn es madre cubana y su padre es greco-judío.

Bella Thorne es nacida en Pembroke Pines, Florida, hija de padre cubano y madre igualmente mezcla sajónica. Desde 2010 actúa en cine y ya ha obtenido premio ALMA como latina sobresaliente.

Bibliografía consultada

Anon. Los cubanos y cubanas más sexies de Hollywood. Telemundo. http://www.telemundo.com/entretenimiento/2013/09/05/los-cubanos-y-cubanas-mas-sexies-de-hollywood?image=3374771

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Actrices y actores (vols. I y II).
IMDB.com

Escrito por Esteban Hernández (1 de febrero de 2016)

Propuesta de filmes para ver (IV)

Esta la propuesta de filmes de hoy (5 de febrero 2016).

Doña Flor y sus dos maridos (1976) de Bruno Barreto, comedia sobre la vida de una mujer que se enamora de un hombre atractivo y provocador, que muere, pero luego vuelve mientras Doña Flor está nuevamente casada, con Sonia Braga, José Wilker y Mauro Mendoça. Film de producción brasileña.

Perdición (1944) de Billy Wilder, film de crimen-drama sobre un fraude de un agente de seguro que para lograr sus objetivos propone un asesinato a la mujer del asegurado, con Barbara Stanwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson. Film de producción norteamericana.

Al Este del Edén (1955) de Elia Kazan, drama alrededor de un joven que siente el poco amor de su padre y la predilección paterna por su hermano, con James Dean, Raymond Massey y Julie Harris, Film de producción norteamericana.

Ocho hombres (1988) de John Sayles, drama histórico sobre el famoso escándalo de la serie mundial de béisbol en 1919 cuando varios peloteros de los Medias Blancas vendieron sus juegos por dinero. Con John Cusack, Clifton James y Michael Lerner. Film de producción norteamericana.

El hombre elefante (1980) de David Lynch, drama sobre un cirujano que logra rescatar a un hombre con rostro todo desfigurado, protagonizado por Anthony Hopkins y John Hurt. Film de producción británica.

El pequeño salvaje (1970) de François Truffaut, drama sobre la vida de un niño criado en un ambiente silvestre y que se comporta como un simio de la selva, protagonizado por François Truffaut y Jean-Pierre Cargol. Film de producción francesa.

El paciente inglés (1996) de Anthony Minghella, drama sobre la vida de un oficial británico que se enamora de la mujer de uno de sus compañeros en la India ocupada por la Gran Bretaña, con Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kristin Scott-Thomas y Colin Firth. Film de producción británica.

Erin Brockovich (2000) de Steven Soderbergh, drama sobre una mujer que logra, trabajando para una compañía de seguros, descubrir el daño a la salud de miles de personas por los establecimientos de una compañía, con Julia Roberts y Albert Finney. Film de producción norteamericana.

Afiches Doña Flor-Perdición-Al Este del-8 Hombres-El hombre elefante-El pequeño salvaje-El paciente inglés-Etin Brockovich

Afiches de Doña Flor y sus dos maridos-Perdición-Al Este del Edén- Ocho Hombres-El hombre elefante-El pequeño salvaje-El paciente inglés-Erin Brockovich

Estado de sitio (1973) de Costa Gavras, drama-suspense con trama sobre los guerrilleros Tupamaros en Uruguay al acecho de un agente de la CIA, encargado de llevar a cabo la operación de desmantelamiento de la red guerrillera, con Yves Montand y Renato Salvatori. Film de producción francesa.

Fedra (1962) de Jules Dassin, drama trágico de la vida moderna basado en una historia del pasado griego, con Melina Mercouri, Anthony Perkins y Raf Vallone. Film de producción francesa.

Descubriendo Nunca Jamás (2004) de Marc Foster, drama biográfico sobre el autor de Peter Pan, cuyo estreno teatral fue en Nueva York, protagonizado por Johnny Depp, Dustin Hoffman y Kate Winslet. Film de producción norteamericana.

Por quién doblan las campanas (1943) de Sam Wood, drama histórico-romántico sobre la vida de un combatiente internacionalista en las filas de los rebeldes republicanos en España, trama basada en la obra homónima del escritor Ernest Hemighway, protagonizado por Gary Cooper e Ingrid Bergman. Film de producción norteamericana.

Forrest Gump (1994) de Robert Zemeckis, comedia-drama basada en una novela del escritor Winston Groom sobre una persona que sufre de ligero retraso mental y motor, pero que es a la vez testigo de momentos importantes en la historia de los Estados Unidos. Con Tom Hanks, Sally Field y Gary Sinise. Film de producción norteamericana.

Frances (1982) de Graeme Clifford, drama sobre la vida de la actriz Frances Farmer interpretada por Jessica Lange, toda una rebelde dentro del mundo hollywoodense. Film de producción norteamericana.

Fresa y Chocolate (1994) de Manuel Gutierrez Alea, comedia cubana sobre el homosexualismo y los prejuicios de la sociedad sobre este problema. Con Jorge Perugorría y Vladimir Cruz. Film de producción cubana.

Frida (2002) de Julie Taymor, drama biográfico sobre la famosa pintora izquierdista, sus vicisitudes y relaciones en sus amores hasta con el propio Trostky. Protagonizado por Salma Hayek y Alfred Molina. Film de producción norteamericana.

Estado de sitio-Fedra-Descubriendo nunca jamás-Por quién doblan las campanas-Forrest Gump-Frances-Fresa y chocolate-frida

Afiches de Estado de sitio-Fedra-Descubriendo nunca jamás-Por quién doblan las campanas-Forrest Gump-Frances-Fresa y chocolate-Frida

De aquí a la eternidad (1953) de Fred Zinnemann, drama histórico sobre las relaciones de un grupo de soldados en Pearl Harbor previo al ataque aéreo criminal perpetrado por Japón. Protagonizado por Burt Lancaster, Deborah Kerr, Montgomery Clift, Donna Reed, Frank Sinatra y Ernest Borgnine entre otros actores y actrices. Film de producción norteamericana.

Gandhi (1982) de Richard Attenborough, estupendo drama biográfico sobre el gran líder hindú y como llevó a cabo todo el proceso de oposición al yugo británico de forma pacífica. Protagonizado por Ben Kingsley, Martin Sheen, Candice Bergen entre otros. Film de producción Indo-británico.

De aquí a la eternidad-Gandhi-El gatopardo-Gigante

Afiches de De aquí a la eternidad-Gandhi-El gatopardo-Gigante

Il Gatopardo (1963) de Luchino Visconti, drama basado en una novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, que muestra la vida del Príncipe de Salina y de su familia durante la invasión de las tropas de Garibaldi en Sicilia, la convicción del Príncipe que el mundo estaba cambiando, muy a su pesar. Film de producción italiana.

Gigante (1956) de George Stevens, drama basado en la novela homónima de Edna Ferber, donde se muestra como la ganadería va cediendo finalmente a la extracción de petróleo en Texas, igualmente el filme muestra el racismo dentro de las familias blancas de ese estado. Protagonizado por Elizabeth Taylor, Rock Hudson y James Dean. Film de producción norteamericana.

Andrzej Wajda, padre del cine polaco

Toda censura es peligrosa porque detiene
el desarrollo cultural de un pueblo”.
Mercedes Sosa (1935-2009),
cantante argentina de música folclórica

Acostumbrados todos a ver películas norteamericanas predominantemente, ignoramos que existen otras películas de otros países con actores, actrices y directores muy capaces. Uno de esos realizadores es Andrzej Wajda (su apellido se pronuncia Vaida), quien ha realizado varios filmes relativos a la ocupación nazi en Polonia, su tierra natal, durante la Segunda Guerra, así como otros notables dramas de carácter histórico-biográfico, todos muy comprometidos con los problemas políticos y sociales de su país.

Los filmes de Wajda se caracterizan por una constante búsqueda en los temas referidos a la juventud y a los conflictos propios del ser humano. Wajda nació el 6 de marzo de 1926, en Suwalki, y participó en la resistencia a la ocupación nazi, su padre fue oficial de caballería y murió en esta misma contienda, mientras que su madre era maestra de escuela en Ucrania occidental, entonces territorio polaco.

Una vez terminada la segunda guerra, Wajda estudió pintura en la Academia de Artes de Cracovia, y luego dirección fílmica en el Teatro Estatal Leon Schiller y en la Academia Fílmica de Lodz. Inicialmente fue asistente del director polaco Aleksander Ford, luego realizó su primer trabajo de dirección, el corto “Zly chlopiec (1950)” (Muchacho feroz), al que le siguieron otros cortos/documentales hasta que realizó su primer largometraje, el drama-film bélico “Generación (1954)” con Tadeusz Lomnicki, el cual trata sobre la vida de la juventud polaca durante la ocupación nazi.

Andrzej Wajda junto a Jane Fonda

Andrzej Wajda junto a la actriz Jane Fonda en la 72da. premiación de los Oscar, 26/03/2000. Foto: Paul Smith / Featureflash/ImageCollect.com

A continuación, dirigió el film “Kanal (1957)” con Teresa Izewska, cuya trama es sobre los últimos días de la ocupación nazi en Polonia, y al año siguiente su primer gran éxito,
“Cenizas y diamantes (1958)” protagonizado por Zbigniew Cybulski, película muy recomendable a ver, que presenta complicaciones y peripecias ocurridas en la pos-guerra y la ocupación de Polonia por las tropas soviéticas. De hecho ese film fue todo un reto de Wajda a las autoridades políticas de su país. Las borracheras de los oficiales soviéticos se muestran, así como lo desencajada que estaba la juventud polaca. Habían salido de los nazis y ahora eran los soviéticos.

Afiches de Kanal, Cenizas y Diamantes

Afiches de Kanal, Cenizas y Diamantes

En la misma vertiente histórica, Wajda dirigió “Lotna (1959)” con Jerzy Pichelski, donde se describe cómo los polacos combatieron la ocupación alemana desde sus inicios, los atacantes con mejores armas y tanques, mientras que los polacos, menos tecnificados, y donde se destaca un caballo de nombre Lotna.

El drama “Niewinni czarodzieje (1960)” (Brujos inocentes) con Tadeusz Lomnicki nuevamente un film sobre la juventud, sus inquietudes, su desviación en una sociedad que ofrece un futuro incierto. Luego dirigió una película que puede catalogarse de noir, “Sibirska Ledi Magbet (1961)” (La dama Macbeth de la Siberia) con Olivera Markovic, sobre una dama adultera que va a parar a la Siberia, la trama transcurre en el siglo XIX.

Dirigió el segmento “Varsovia” del filme “El amor a los 20 años (1962)” protagonizado por Zbigniew Cybulski nuevamente. Este filme fue una colaboración de destacados directores, como Shintarô Ishihara y Marcel Ophüls entre otros.

Siempre tratando de reseñar parte de la historia de su país, Wajda dirigió “Popioly (1965)” (Cenizas) con Daniel Olbrychski, cuya trama transcurre durante el paso de Napoléon por Polonia en el siglo XIX. En la misma dirección “Gates to paradise (1968)” (Puertas al paraíso) con Lionel Stander y Ferdy Maine, que relata la victoria en 1212 de la toma de Jerusalem por niños de manos de los ocupantes turcos.

Su drama “Wszystko na sprzedaz (1969)” (Todo para venta) con Beata Tyszkiewicz, que fuera su primera esposa, tiene que ver con la desaparición de un actor y de su esposa, lo que me inclina a pensar que lo haya hecho pensando en la ya entonces figura desaparecida del actor Zbigniew Cybulski, que fuera de su preferencia en algunos de sus filmes.

“Paisaje después de la batalla (1970)” es un relato de lo que sucedió cuando la guerra terminó y cómo se desenvolvieron los miles de prisioneros en los campos de concentración.

Afiches Todo para venta y Paisaje después de la batalla

Afiches Todo para venta y Paisaje después de la batalla

Posteriormente dirigió un filme solidario con el movimiento político en su país, “El hombre de mármol (1977)” con Jerzy Radziwilowicz. Aquí Wajda muestra por primera vez públicamente sus simpatías por el movimiento sindical “Solidaridad” en Polonia, al cual se afilió en 1981. El drama “El hombre de hierro (1981)” con Radziwilowicz, fue otro filme sobre el movimiento Solidaridad, al extremo que la productora fílmica de Wajda fue ilegalizada por el gobierno polaco de aquel entonces. No obstante, su afición principal era mostrar filmes sobre la historia y no realmente sobre la política, aunque no es necio pensar en la censura a la que se sometía parte de sus obras.

Afiches El Hombre de Mármol y El Hombre de Hierro

Afiches El Hombre de Mármol y El Hombre de Hierro

Entre sus otros filmes a destacar están “La tierra de la gran promesa (1975)”, “Anestesia (1978)”, “El director de orquesta (1980)” con John Gielgud, “Danton (1983)” con Gérard Depardieu, “Kronika wypadków milosnych (1986)” (Crónica de amores accidentales) con Paulina Mlynarska, “Los poseídos (1988)” con Isabelle Huppert, “Korczak (1990)” con Wojciech Pszoniak, “Wielki tydzien (1995)” (Semana Santa) con Beata Fudalej, y “Pan Tadeusz (1999)” (El Sr. Tadeusz) con Boguslaw Linda y Daniel Olbrychski.

Entre sus filmes del nuevo milenio se destacan los dramas históricos “Katyn (2007)” con Andrzej Chyra y Maja Ostaszewska, que relata la masacre de oficiales polacos de mano de las tropas estalinistas en el bosque Katyn en 1940, y “Walesa, la esperanza de un pueblo (2013)” sobre la vida y obra del fundador del movimiento Solidaridad en Polonia e igualmente premio Nobel de la Paz, Lech Walesa.

Afiches Katyn, y Walesa, la esperanza de un pueblo

Afiches Katyn, y Walesa, la esperanza de un pueblo

Wajda ha dirigido un total de 56 filmes desde 1950 hasta la fecha, ha producido 4 y ha escrito 35 guiones.

En el año 2000 recibió un Oscar en honor a su carrera y ha sido premiado en distintos certámenes internacionales de cine.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Andrzej Wajda. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0906667/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Esteban Hernández (28 de enero de 2016)

Propuesta de filmes a ver (III)

Aquí les va la tercera propuesta con un par de decenas de películas más. Lamentablemente no todas ellas cuentan versión en DVD o más bien versión en DVD de calidad.

Casino (1995) de Martin Scorsese, drama-film de crimen con trama en las Vegas, que muestra los manejos de la mafia con los juegos al azar en esa ciudad, con Robert DeNiro, Sharon Stone y Joe Pesci. Film de producción norteamericana.

Hasta que llegó su hora (C´era una volta nel west, 1968) de Sergio Leone, oeste con muestras de carácteres diversos en film épico lleno de venganza, con Henry Fonda, Claudia Cardinale, Charles Bronson y Jason Robards. Film de producción italiana.

Ese oscuro objeto del deseo (1977) de Luis Buñuel, drama sobre los amores de un hombre de mediana edad con una mujer sumamente joven, con Fernando Rey, Carole Bouquet y Ángela Molina. Film franco-español.

Casino- la jauría humana-Ese oscuro objeto del deseo-Charada- la jauría humana-Calumnia

Afiches de Casino, Hasta que llegó su hora, Ese oscuro objeto del deseo, Charada, La jauría humana, Calumnia

Charada (1963) de Stanley Donnen, comedia-film de misterio, con trama llena de persecuciones, con Cary Grant y Audrey Hepburn. Film de producción norteamericana.

La jauría humana (1966) de Arthur Penn, drama sobre una historia en un poblado norteamericano y la discriminación de los ricos sobre los pobres, y de los blancos sobre los negros, con Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford. Film de producción norteamericana.

La calumnia (1961) de William Wyler, drama sobre la acusación a dos personas de ser lesbianas, algo insólito en aquel momento, con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine. Film de producción norteamericana.

Chinatown (1974) de Roman Polanski, drama-suspense sobre la historia de una mujer adinerada pero afectada por el trato de su padre, con Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. Film de producción norteamericana.

Cielo despejado (Chistoe nebo 1961) de Grigori Chukhrai, drama sobre un aviador ruso capturado prisionero en Alemania y quien a su regreso a su país, concluida la guerra, es acusado de traidor y expulsado del partido comunista, la única prueba es haber sobrevivido. Un film de denuncia al estalinismo imperante, con Evgeni Urbansky y Nina Drobysheva. Film de producción soviética.

El rey del juego (1965) de Norman Jewison, drama sobre un joven que intenta ganar a un experto en competencia de cartas, con Steve McQueen, Edward G. Robinson, Karl Malden y Ann-Margret. Film de producción norteamericana.

Chinatown-Cielo despejado-el rey del juego-Dos Mujeres-Ciudadano Kane-El Color Púrpura

Afiches de Chinatown, Cielo despejado, El rey del juego, Dos Mujeres, Ciudadano Kane, El Color Púrpura

Dos mujeres (La Ciociara 1960) de Vittorio De Sica, drama sobre la vida de una madre e hija a la deriva en un sitio rural al sur de Roma en el período previo a la conclusión de la II Guerra, con Sofía Loren, Jean-Paul Belmondo, Renato Salvatori y Eleonora Brown. Film de producción italo-francesa.

Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles, drama que hiciera famoso a Orson Welles como director y actor, sobre un magnate de la publicidad y el dominio de los medios masivos de comunicación, con Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore. Film de producción norteamericana.

El color púrpura (1985) de Steven Spielberg, drama que muestra las vicisitudes de una ciudadana negra y el maltrato a que se vio sometida por parte de su padre y otros, con Danny Glover, Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey. Film de producción norteamericana.

La leyenda del indomable (1967) de Stuart Rosenberg, drama sobre la vida de los presidiarios y como uno de ellos, Luke, trata de escapar de ese martirio, con Paul Newman y George Kennedy. Film de producción norteamericana.

Pena de muerte (1995) de Tim Robbins, drama sobre cómo una monja logra entrar en la vida de un convicto a muerte y de las familias afectadas, con Susan Sarandon y Sean Penn. Film de producción norteamericana.

El cazador (1978) de Michael Cimino, drama sobre las consecuencias de la Guerra en Vietnam, con Robert De Niro, Christopher Walken y Meryl Streep. Film de producción norteamericana.

La leyenda del indomable-Pena de muerte-El Cazador- Fugitivos-Dersu Uzala, el cazador-El diablo y los 10 mandamientos

Afiches de La leyenda del indomable, Pena de muerte, El Cazador, Fugitivos, Dersu Uzala- el cazador, El diablo y los 10 mandamientos

Fugitivos (también llamado Fuga en cadenas en Cuba, 1958) de Stanley Kramer, drama sobre la fuga de un hombre negro y otro blanco de un vehículo de prisión, ambos encadenados y cómo con el tiempo se forja la solidaridad entre ambos, con Tony Curtis y Sidney Poitier, film norteamericano.

Dersu Uzala-el cazador (1975) de Akira Kurosawa, historia sobre un oficial ruso enviado a la Siberia donde conoce a un cazador local, lleno de sabiduría, con Maksim Munzuk y Yuri Solomin. Film de co-producción soviética-nipona.

El diablo y los diez mandamientos (1962) de Julien Duvivier, filme con varias historias cortas, picantes, todas llenas de moraleja, con Michel Simon, Charles Aznavour, Alain Delon, Louis de Funes, Mel Ferrer y otros. Film de producción francesa.

Divorcio a la italiana-Doctor Zhivago

Afiches de Divorcio a la italiana, Doctor Zhivago

Divorcio a la italiana (1962) de Pietro Germi, comedia-drama de cómo un hombre de sociedad siciliano se enamora de su prima, lo qué hace para divorciarse y llegar a su amada prima, con Marcelo Mastroianni, Daniela Rocca y Stefania Sandrelli. Film de producción italiana.

Doctor Zhivago (1965) de David Lean, drama basado en la obra del escritor ruso Boris Pasternak, premio Nobel de la Literatura, sobre las vicisitudes de los rusos durante la Guerra Civil, con Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin y Rod Steiger. Film de producción norteamericana.

Escrito por Esteban Hernández (28 de enero de 2016)

El racismo en el cine

Todos los seres humanos nacen libres
e iguales en dignidad y derechos”.
Primer artículo de la Declaración Universal de los Derechos Humanos

El racismo es un fenómeno viejo de discriminación, el que no se elimina en ningún país por decreto. Las autoridades pueden y deben legislar de manera de propiciar que todos los ciudadanos tengan iguales deberes y derechos. No obstante, eliminar el racismo de la mente de las personas no es cosa sencilla, se requiere de mucha educación y persuasión. La educación no es solo para los que discriminan, es también importante para los discriminados. La educación ayuda a eliminar los rencores existentes y en ese contexto, el cine puede ser un medio efectivo.

Hollywood ha sido históricamente la meca del cine a nivel mundial y en buena medida representativa de desconocer el fenómeno del racismo, no tratarlo, ignorarlo o presentarlo como algo secundario, lo que fue usual en las primeras décadas del séptimo arte. Cuando lo trataba, no se escondía para mostrar todo su prejuicio racial.

En 1915 se estrenó la película “El nacimiento de una nación”, cuyo director fue el mismo padre del cine norteamericano, el Sr. D.W. Griffith y con el protagonismo de estrellas femeninas de entonces, como Lilian Gish y Mae Marsh. La película en video dura unos 125 minutos. Imagínense todo una superproducción en esa época, cuya trama era presentar al Ku Klux Kan como los salvadores de EEUU. El comentario del entonces presidente Woodrow Wilson sobre el film fue: “Lamentablemente todo eso es verdad”.

Escena con el KKK en acción del filme El nacimiento de una nación (1915)

Escena con el KKK en acción en el filme “El nacimiento de una nación (1915)”

El racismo no era sólo con las personas de raza negra, el asunto abordaba otras naciones. Por ejemplo, en 1921, Rodolfo Valentino encarnó el papel de árabe en el film “The Sheik” (El Caid), y luego en su secuela, “The Son of the Sheik (1926)” (El hijo del Caid), donde los árabes eran presentados como salvajes.

Afiches de los filmes El Caid y El hijo del Caid

Afiches de los filmes “El Caid” y “El hijo del Caid”

Los chinos y asiáticos no se salvaban de esta regla. Por un lado, aparecía un Charlie Chan buena gente, pero por el otro el malvado de Fu Manchú. Si han visto los seriales de Flash Gordon, primer héroe de los Comics, verán que el malvado no es otro que el Emperador Ming, o sea un apellido chino para un personaje extra-terrestre.

Demonización de los asiáticos, Christopher Lee como Fu Manchú y Charles Middleton como el emperador extraterrestre Ming

Demonización de los asiáticos, Christopher Lee como Fu Manchú y Charles Middleton como el emperador extraterrestre Ming

Se sabe que la atracción de muchos oestes era la de ver matar a muchos indios. Sutilmente nos hicieron ver que los indígenas eran los malos, mientras que los vaqueros (cowboys) blancos, eran los generosos. Este tema ya lo hemos tratado anteriormente, por lo que aquí no será objeto de debate.

En varios filmes británicos de la década de los 50, el famoso movimiento guerrillero de los Mau Mau que luchó por la independencia de Kenya, fue presentado como un movimiento de asesinos que mataban todo lo que fuera blanco. Una verdadera tergiversación de los hechos, pues si bien los Mau Mau desaparecieron en un momento previo a la liberación, su acción propició que las autoridades británicas razonaran sobre la conveniencia de otorgar la independencia a los kenianos.

Si uno se fija en las películas de las primeras seis décadas del cine, los actores y actrices negros sólo aparecían interpretando papeles muy secundarios, de sirvientes en mansiones de gente rica. Se trataba de papeles, donde el negro aparecía como tonto y cómico a la vez.

Con respecto a las mujeres, el asunto fue peor. Por mi cuenta, la pionera fue Ruby Dee, que ya en los 50 actuaba en papeles serios. Previamente hubo algunas actrices como Hattie McDaniel y Butterfly McQueen, pero usualmente interpretaban papeles de criadas, siempre con ese carácter bonachón, de ahí no pasaban. Hoy son mucho más, pero no tantas como debieran ser. Las más notables son Whoopy Goldberg, Oprah Winfrey, la mestiza Halle Berry, Vanessa Williams, Thandie Newton entre otras.

Hattie McDaniel, Butterfly McQueen y Ruby Dee

Hattie McDaniel, Butterfly McQueen y Ruby Dee

Whoopy Goldberg-Oprah Winfrey-Halle Berry-Vanessa Williams-Thandie Newton

Destacadas actrices Whoopy Goldberg-Oprah Winfrey-Halle Berry-Vanessa Williams-Thandie Newton

Esa tendencia comenzó a quebrarse en los inicios de los años 50 cuando debutó el gran Sidney Poitier, quien sí logró interpretar papeles de mayor responsabilidad en varias películas, de las que luego hablaremos. Una de sus primeras interpretaciones fue en el papel de médico en el drama “Un rayo de luz (1950)” de Joseph L. Mankiewicz, donde el herido Richard Widmark es un delincuente y a su vez un perro racista, que no acepta que un médico de color lo atienda. El film da una solución típica de un cuento de hadas, pero no deja de ser un film que pone sobre la mesa el problema. Luego el director Martin Ritt dirigió otro drama, donde además de exponer el problema de los trabajadores en los muelles norteamericanos, igualmente reseña el problema del racismo. Este drama se llama “Donde la ciudad termina (1957)”, que contó con el protagonismo de John Cassavetes, Sidney Poitier y un malvado bastante acertado de parte de Jack Warden. La película al final no da tampoco solución.

Afiches de películas protagonizadas por Sidney Poitier

Hattie McDaniel, Butterfly McQueen y Ruby Dee

Muy original fue el drama “Fuga en cadena (1958)” de Stanley Kramer, donde Sidney Poitier y Tony Curtis son dos prófugos encadenados que intentan escapar del régimen penitenciario a que estaban sometidos. Realmente muy inteligente poner a un blanco y a un negro a correr juntos y sufrir las mismas penas. La película muestra que al final se desarrolla una solidaridad entre los hombres. El director Norman Jewison realizó un film de crimen muy sugerente, “En el calor de la noche (1967)”, donde Sidney Poitier es un agente federal que persigue a un criminal en un pueblo del sur de EEUU, donde la policía local le obstruye su trabajo, más que todo por ser un agente negro.

Kramer también realizó una comedia muy sugerente “Adivina quién viene esta noche (1967)”, que contó con la interpretación de Spencer Tracy, Katharine Hepburn como padres de una joven blanca que se enamora del ciudadano negro encarnado por Sidney Poitier. Película que pone a más de un padre blanco a pensar.

El otro actor que rompió un poco la monotonía racista fue el también cantante Harry Belafonte, quien protagonizó algunos dramas que ponía algún acento en la cuestión racial, como fueron “El mundo, la carne y el diablo (1959)” de Ranald McDougall con Harry Belafonte, Inger Stevens y Mel Ferrer. Imagínense un mundo con sólo tres personas, dos blancos y un hombre negro, donde al final la mujer blanca se enamora del hombre negro. El otro fue “Apuestas contra el mañana (1959)” de Robert Wise, donde Robert Ryan es un delincuente y racista connotado, que debe realizar un atraco con ayuda de un personaje como Belafonte.

Afiches de películas protagonizadas por Harry Belafonte

Afiches de películas protagonizadas por Harry Belafonte

En la década de los 60 este asunto de actores negros en las películas fue promoviéndose más. Fue así que apareció Bill Cosby, sea en shows o seriales televisivos, como en algunas películas conjuntamente con Sidney Poitier o incluso Harry Belafonte. A este grupo se unió un actor muy capaz, como lo ha sido James Earl Jones, cuya interpretación en el drama “La gran esperanza blanca (1970)” de Martin Ritt fue una de las primeras veces que se vio a un actor negro acariciando o besando a una actriz blanca, en este caso Jane Alexander. El film abordó la historia real de un campeón de boxeo de los superpesados, quien en el esplendor de su vida, decidió casarse con una mujer blanca.

La Gran Esperanza Blanca

Afiche de “La Gran Esperanza Blanca (1970)”

Hoy día son decenas de actores negros, pero los primeros mencionados dieron el impulso para que otros llegaran. Sidney Poitier se sintió muy contento cuando vio que Denzel Washington y Halle Berry ganaban sendos Oscar hace unos años. Fue realmente un logro. No obstante, no creo que por este hecho, ya Poitier piense que este asunto de inclusión de actores y actrices negros esté resuelto el asunto del racismo en el cine y la sociedad norteamericana.

La no inclusión de actores de otras razas en el cine fue una tradición desde su creación. De este hecho no se salva ni el propio cine europeo. Un ejemplo claro es el cine francés, y no se puede pensar que el problema ya esté resuelto.

En Francia y Europa, lo que más se abordó en igual período fue el asunto del antisemitismo y las secuelas de la política hitleriana durante la Guerra.

Europa ha sido albergue de millones de judíos, dentro de los cuales hay muchos actores/actrices y directores, los que comenzaron a sufrir de la discriminación tan pronto Hitler se hizo del poder en Alemania y comenzó su expansión a otros territorios vecinos. Muchos artistas judíos no tuvieron más remedio que emigrar e incluso muchos realizadores europeos por estar casados con ciudadanas o ciudadanos judíos tuvieron que hacer algo similar.

Entre las películas europeas que sitúo en un lugar preferencial con respecto al asunto del racismo o el antisemitismo, están “Professor Mamlock (1938)” de Konrad Wolf con Wolfgang Heinz, la que relata como un renombrado profesor judío es discriminado sin piedad en la Alemania nazi. Esta película tuvo un remake años (1960) después en la entonces Alemania Oriental.

El director italiano realizó el drama “Kapò (1960)” protagonizado por Susan Strasberg, cuya trama relata las vicisitudes de una judía, la que para sobrevivir se hace Kapò, que es un prisionero que se le dan algunos privilegios a cambio de vigilar a los otros presos en el campo de concentración. Ella se adapta al crimen de sus carceleros hasta que se enamora de un prisionero ruso.

El drama “El otro Sr. Klein (1976)” de Joseph Losey con Alain Delon y Jeanne Moreau es otro filme que demuestra la locura nazi con respecto a los judíos. Bastaba tener un apellido común entre los judíos para que lo tomaran como tal.

Afiches de filmes sobre el antisemitismo

Afiches de filmes sobre el antisemitismo

Muy convincente fue la historia plasmada en el drama “La lista de Schindler (1997)” de Steven Spielberg con Liam Neeson y Ralph Fiennes, filme con trama basado en un hecho real. Polanski realizó “El pianista (2002)” protagonizada por Adrien Brody, una película que muestra las salvajadas con los judíos de parte de los nazis en la Polonia ocupada.

Este tema del antisemitismo y el racismo a la vez lo trató el director Costa-Gavras en el contexto de EEUU, con la película “El sendero de la traición (1988)” protagonizada por Debra Winger y Tom Berenger.

La realización de películas que tratan el asunto de la discriminación racial ha sido algo no muy abordado en el pasado en Hollywood. Por el contrario la industria fílmica británica dio un paso adelante cuando en 1930 realizó el film silente “Borderline” (Límite), cuya trama versa sobre un hombre blanco y casado, que tiene relaciones con una ciudadana negra. Su esposa al enterarse de este adulterio, termina loca y provoca la fobia contra la comunidad negra del lugar. La película fue protagonizada por el cantante y actor negro Paul Robeson.

Afiche del filme británico Bordeline (1930)

Afiche del filme británico “Bordeline (1930)”

Algo antes que Poitier y Belafonte irrumpieran en el cine con las películas que ellos protagonizaron, Hollywood realizó unas pocas relacionadas con el racismo. Una de las primeras fue “Pinky (1949)” de Elia Kazan y John Ford con Ethel Barrymore, el cual aborda el tema racial y donde Jeanne Crain interpreta el papel de la enfermera mestiza Pinky Johnson, la que reniega de su madre negra.

Afiches de los filmes El color de la sangre y Pinky

Afiches de los filmes “El color de la sangre” y “Pinky”, ambos de 1949

En el mismo 1949, el actor Mel Ferrer, de origen cubano por línea paterna, debutaría protagonizando el drama “El color de la sangre” del director Alfred L. Werker, donde una familia de mestizos que pasan como blancos, van a residir a un pueblo de New Hampshire. Allí Ferrer se convierte en el médico bien querido de todo el pueblo hasta que un día se descubre que él, su esposa e hijos no son de “sangre azul”. La solución del problema es para que uno se lo imagine, Hollywood nunca ha sido muy fan de finales trágicos.

En la década de los 60, a destacar los dramas “Matar un ruiseñor (1962)” de Robert Mulligan con Gregory Peck, en película donde se inculpa a un hombre negro de un supuesto asesinato de una mujer blanca y que fue objeto hasta hoy día de la crítica de los sectores más conservadores de los EEUU. Se le acusaba sin pruebas convincentes, el color de su piel era suficiente. El otro es “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn y protagonizado por Marlon Brando, Jane Fonda y Robert Redford, la que muestra el racismo bestial de un pueblo de EEUU.

Afiches de películas sobre racismo en EEUU

Afiches de películas sobre racismo en EEUU

En 1977 se estrenó el serial televisivo “Raíces” basado en la obra homónima de Alex Haley sobre la esclavitud en EEUU. Haley escribió su novela obteniendo relatos de sus parientes africanos en Gambia. La novela pone de relieve la brutalidad con la que se cazaban a los negros por parte de los europeos, y cómo luego eran transportados a América y tratados en esos lares. Personalmente pienso que esta novela fue la que finalmente abrió las puertas a tratar el problema racial más abiertamente en los filmes norteamericanos. En esa misma vertiente, Stephen Spielberg dirigió el magnífico drama “El color púrpura (1985)”, que contara con la actuación de notables interpretes afroamericanos, como Danny Glover, Whoopy Goldberg y Oprah Winfrey entre otros.

El film de crimen-drama “Arde Mississippi (1988)” de Alan Parker con Gene Hackman y Willen Dafoe, puso al descubierto la acción malvada y despiadada del Ku Klux Klan. “Tiempos de gloria (1989)” de Edward Zwick con Morgan Freeman, Denzel Washington y Mathew Broderick, es un filme que relata cómo un grupo de soldados afroamericanos luchan en la guerra de secesión al lado de las tropas del Norte.

El drama “Fantasmas del pasado (1996)” de Rob Reiner con Whoopy Goldberg y Alec Baldwin gira con un argumento similar a “Matar un ruiseñor”. El drama “American history X (1998)” de Tony Kaye con Edward Norton es realmente una película muy convincente de cómo se puede vencer el racismo aún en los seres más recalcitrantes.

Las películas sobre figuras importantes afroamericanas se han producido en las últimas décadas, unos dedicados enteramente a las vidas de esas personas o pasajes importantes sobre los mismos. Así están “Rosewood (1997)” de John Singleton con Don Cheadle, Jon Voight, Ving Rhames; “Malcolm X (1992)” de Spike Lee con Denzel Washington; y “Selma (2014)” de Ada DuVernay con David Oyelowo, Carmen Ejogo, que aborda algo de la vida del ilustre Martin Luther King.

Afiches de filmes sobre racismo en EEUU (II)

Afiches de filmes sobre racismo en EEUU (II)

Ya ahora se puede ver a un afroamericano teniendo amor con una blanca o viceversa en distintos filmes. Así están las películas: “Fiebre salvaje (1991)” de Spike Lee con Wesley Snipes y Annabella Sciorra, la relación de un joven arquitecto negro con su secretaria, de origen italiano; “Por encima de todo (1992)” de Jonathan Kaplan con Michelle Pfeiffer y Dennis Haysbert; “Monster’s ball (2001)” de Marc Foster con Billy Bob Thornton y Halle Berry; y “Lejos del cielo (2002)” de Todd Haynes con Julianne Moore, Dennis Quaid y Dennis Haysbert.

Afiches de filmes de amor de mujeres blancas con hombres negros o viceversa

Afiches de filmes de amor de mujeres blancas con hombres negros y viceversa

Otras películas recomendables a ver el asunto del racismo en EEUU son:

• “Paseando a Miss Daisy (1989)” de Bruce Beresford con Jessica Tandy y Morgan Freeman, de cómo una anciana pierde su desconfianza en su chofer negro
• “Una árida estación blanca (1989)” de Euzhen Palcy con Donald Sutherland, Susan Sarandon, Marlon Brando, sobre un incidente ocurrido en la Sudáfrica del apartheid
• “Instinto maternal (1995)” de Stephen Gyllenhaal con Jessica Lange y Halle Berry, una madre negra se ve privada de la custodia de su hijo que pasa en adopción por una familia blanca
• “Beloved (1998)” de Jonathan Demme con Oprah Winfrey y Danny Glover, sobre las vicisitudes de una familia negra ocho años después de terminada la guerra de secesión
• “La milla verde (1999)” de Frank Darabont con Tom Hanks y Michael Clark Duncan, sobre un presidiario negro con dones sobrenaturales
• “12 años de esclavitud (2013)” de Steve McQueen con Chiwetel Ejiofor y Brad Pitt, sobre un hecho real de cómo un músico negro que residía en el norte de EEUU es apresado por esclavistas y llevado al sur para trabajar como una bestia
• “Crash (2004)” de Paul Haggis con Don Cheadle, Thandie Newton, Sandra Bullock, Matt Dillon, Terrence Howard, film muy original donde se entrecruzan la vida de varios implicados en un accidente de tráfico
• “The great debaters (2007)” dirigido y protagonizado por Denzel Washington, y Forest Whitaker, que narra la historia de Melvin B. Tolson, profesor del Wiley College de Texas
• “El mayordomo (2013)” de Lee Daniels con Forest Whitaker y Oprah Winfrey, sobre la vida de un hombre negro que trabaja en la Casa Blanca, donde ve claramente la evolución de las políticas, incluidas las del racismo en EEUU
• “42 (2013)” de Brian Helgeland con Chadwick Boseman y Harrison Ford, sobre cómo el pelotero Jackie Robinson rompió la barrera racial en la MLB en 1947

Igualmente se han realizado filmes que han abordado otros temas de racismo dentro de los EEUU. Entre estas sobresale el drama “Alamo Bay (1985)” (La bahía del odio) de Louis Malle con Ed Harris y Amy Madigan, que aborda el problema racial en un pueblo portuario norteamericano con población de origen vietnamita.

Bibliografía consultada

Anon. Cine y racismo. Biblioteca pública Ciudad Real. http://reddebibliotecas.jccm.es/portal/images/BPE-CR/documentos/guias%20lecturas/Cine%20racismo.pdf

Filmaffinity.com

IMDB.com

Rubio Moraga Ángel L. Evolución del racismo en el cine norteamericano- de D.W. Griffith a John Singleton y Spike Lee. 12 p. .http://pendientedemigracion.ucm.es/info/hcs/angel/articulos/racismoenelcine.pdf

Escrito por Esteban Hernández (25 de enero de 2016)

Propuesta de filmes para ver (II)

Aquí les van 20 películas más como segunda propuesta de filmes.

Ataque (1956) de Robert Aldrich, film bélico sobre un episodio durante la II Guerra Mundial en Bélgica, no es un film de guerra más, es de lo mejor que en este género se pueda haber producido. Con Jack Palance y Eddie Albert. Film de producción norteamericana.

La aventura (1960) de Michelangelo Antonioni, drama de una atracción afectiva después de una desaparición de la persona que los separaba. Con Monica Vitti y Gabriele Ferzetti. Film de producción italiana

Conspiración de silencio (1955) de John Sturges, drama sobre un agente federal en su investigación sobre un ciudadano japonés desaparecido en California durante la II Guerra Mundial. Con Spencer Tracy, Robert Ryan, Lee Marvin y Ernest Borgnine. Film de producción norteamericana.

La condesa descalza (1954) de Joseph L. Mankiewicz, drama sobre la vida de una bailarina famosa y su romance con un hombre rico, del cual ella se enamora. Con Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O’Brien y Rossano Brazzi. Film italo-norteamericano.

Barry Lyndon (1975) de Stanley Kubrick, drama basado en la novela de William Makepeace Thackeray sobre un hombre que logra un extraordinario poder y fortuna en la Inglaterra del siglo XVIII. Con Ryan O’Neal y Marisa Berenson. Film de producción británica.

La batalla de Argel (1966) de Gillo Pontecorvo, film histórico sobre cómo Argelia pudo independizarse del dominio francés. Con Brahim Hadjadj y Jean Martin, film italo-argelino.

Ataque-La Aventura- Conspiración del-La condesa-Barry L-Argel

Afiches de los filmes Ataque, La Aventura, Conspiración del silencio, La condesa descalza, Barry Lindon y La Batalla de Argel

Una mente maravillosa (2001) de Ron Howard, drama sobre un matemático y su obsesión con su ciencia. Con Russell Crowe, Richard Harris y Christopher Plummer, film norteamericano. Film de producción norteamericana.

Becket (1964) de Peter Glenville, drama histórico sobre la vida del hombre, Thomas Becket que se opuso a los manejos de su amigo y rey, Enrique II. Con Richard Burton y Peter O’Toole. Film de producción británica.

La bella y la bestia (1946) de Jean Cocteau y René Clement, film de fantasía basado en la famosa historia de un amor entre lo horrible y lo bello. Con Jean Marais y Josette Day. Film de producción francesa

La podadora (The Big Knife 1955) de Robert Aldrich, drama sobre la tragedia de un actor de cine en Hollywood. Con Jack Palance, Ida Lupino y Rod Steiger. Film de producción norteamericana.

El hombre de Alcatraz (1962) de John Frankenheimer, sobre la vida de un hombre condenado a cadena perpetua que llega a convertirse en un genio de la ornitología. Con Burt Lancaster, Karl Malden y Edmond O´Brien. Film de producción norteamericana.

Semilla de Maldad (1955) de Richard Brooks, drama sobre la delincuencia escolar en EEUU. Con Glenn Ford y Sidney Poitier. Film de producción norteamericana.

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Afiches de los filmes Una mente maravillosa, Becket, La Bella y la Bestia, La Podadora, El hombre de Alcatraz y Semilla de Maldad

El ángel azul (1930) de Josef Von Sternberg, drama de un amor fatal de un profesor por una cantante al visitar una taberna. Con Emil Jannings y Marlene Dietrich. Film de producción alemana.

La Felicidad (1965) de Agnès Varda, drama sobre un triángulo normal de amor entre un hombre y dos buenas mujeres, con Jean-Claude Drouot, Claire Drouot, Olivier Drouot, Sandrine Drouot, Marie-France Boyer, los dos primeros están casados y los otros dos son sus hijos en la vida real y en la película, la Boyer es la que resulta ser la amante de Jean-Claude. Film de producción francesa.

El puente sobre rel Río Kwai (1957) de David Lean, drama-film de guerra sobre la historia de la construcción del puente sobre el Río Kwai por parte de prisioneros de guerra de EEUU y Gran Bretaña. Con Alec Guinness y William Holden. Film de producción norteamericana.

El crucero Potemkin (1925) de Sergei M. Eisenstein, film histórico sobre la rebelión de la tripulación del famoso crucero en Odessa, en junio de 1905, y la masacre policial. Con Aleksandr Antonov y Vladimir Barsky. Film de producción soviética.

El motín del Caine (1954) de Edward Dmytryk, film bélico-drama sobre la rebelión de la tripulación del Caine contra su capitán, un hombre con serios problemas psíquicos, protagonizada por Humphrey Bogart, Van Johnson, Fred MacMurray y José Ferrer. Film de producción norteamericana.

El Cabo del terror (1962) de J. Lee Thompson, drama-suspense sobre un ex presidiario que desea cobrársela a su juez y a su familia por la condena anteriormente recibida. Con Gregory Peck y Robert Mitchum. Film de producción norteamericana.

Ángel Azul-Felicidad-Río Kwai-Potemkin-Motín Caine-Cabo del terror

Afiches de los filmes El Ángel Azul, La Felicidad, El Puente sobre el Río Kwai, El Crucero del Potemkin, El Motín del Caine y El Cabo del Terror

Carne trémula (1997) de Pedro Almodóvar, drama muy original de cómo se entrecruzan las vidas después de un accidente fatal. Con Javier Bardem, Francesca Neri y Liberto Rabal. Film de producción española.

Casablanca (1942) de Michael Curtiz, drama inolvidable que se desarrolla en la ciudad de referencia durante la II Guerra Mundial. Con Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Claude Raine. Film de producción norteamericana.

Carne trémula-Casablanca

Afiches de los filmes Carne trémula y Casablanca

 

Escrito por Esteban Hernández (20 de enero de 2016)

 

¿Quién fue Stanislavsky?

La juventud no debe sólo asimilar los frutos de la cultura de sus padres,
sino que debe elevar la cultura a nuevas cimas,
a las que no llegan las gentes de las anteriores generaciones
Konstantin Stanilavsky

A cada rato los actores/actrices y directores del cine evocan de alguna manera la figura de un director teatral de nombre Stanislavsky. Lo dicen como si todo el mundo tuviera que conocerlo. Es cierto que dentro del mundo del teatro y del cine, Stanislavski es una referencia obligada. Tratemos de saber quién fue y qué hizo para ser tan famoso.

Su nombre real es Konstantin Sergeyevich Alekseyev nacido el 5 de enero de 1863 en Moscú. Hombre de familia acomodada y aristocrática, la que hablaba francés en casa y ruso en la calle. Kostya (diminutivo de Konstantín) se adentró inicialmente en el mundo de los negocios, pero nunca dejó su afición por el arte, se convirtió en director teatral, y con su capital, logró fundar el teatro de artes de Moscú en 1898.

Desde niño sintió una gran afición por el teatro y las artes, había estudiado canto y piano, actuó en grupos teatrales de aficionados, en fin hizo de todo un poco en el mundo de las artes, algo que le venía genéticamente, pues su abuela había sido actriz teatral. Estudió economía y lenguas en el Instituto Lasarevsky de Moscú, y como era rico, pudo viajar a varios países, donde visitó bibliotecas y museos. Al regreso a Moscú, trabajó en la administración de la fábrica de su padre, algo que hizo bien, su fortuna personal creció y ganó medalla de oro en una exposición internacional en París. En realidad trabajaba por el día en los negocios y la noche la dedicaba a la interpretación teatral y trabajos de dirección.

Stanislavsky

Konstantin Sergeyevich Alekseyev alias Stanislavsky

El mérito de Kostya fue el de haber desarrollado un sistema de interpretación asimilado luego por famosos actores de teatro y cine. El método se basa en el uso de métodos similares al yoga y también basados en la psicología de comportamiento desarrollada por Pavlov, la que con buena disciplina de los actores/actrices, a través de ensayos y técnicas de relajación, y un análisis de los personajes a interpretar, se consigue mejores conexiones espirituales entre los actores. El método produce una actitud menos rígida de los intérpretes, lo que facilita su actuación. Stanislavski solía llamar a su método, realismo espiritual.

Paralelamente Kostya creó la sociedad de artes y literatura en su ciudad natal. No satisfecho, creó el teatro del arte de Moscú, que fuera conocido internacionalmente y muy productivo en obras adaptadas de la literatura universal.

Llegada la revolución de octubre, todas las propiedades de Stanislavsky fueron confiscadas, pero este gran emprendedor permaneció en su casa y continuó escribiendo guiones y dirigiendo obras teatrales como director del teatro que él lograra fundar años antes.

En 1924 se publicó su obra “Mi vida en el arte” en EEUU, lo que ocurrió inmediatamente después de visitar a este país en unión de un grupo teatral ruso. Dicha obra se publicó dos años después en la URSS.

Ya en 1928 el realizador se encontraba con una salud muy desmejorada y los médicos le indicaron que no saliera más en escena o que se retirase, algo que él no aceptó y continuó con su labor como siempre.

En los últimos años de su vida, Stanislavsky escribió el libro “Un actor se prepara consigo mismo”, donde él aparece como instructor de un estudiante imaginario de nombre Arkadi Nikolaevich. Los expertos coinciden en que la influencia de Stanislavski en el teatro contemporáneo es insuperable. El material tuvo una buena acogida de parte del gran Charles Chaplin, quien afirmó que el mismo ayuda a los intérpretes a lograr un arte dramático de gran envergadura. Grandes directores y actores del cine de todos los tiempos, como Elia Kazan, Lee Strasberg, Marlon Brando, Paul Newman y James Dean, entre otros, adoptaron el método de Stanislavski como práctica normal. Los interesados pueden descargar este trabajo en su original en ruso en línea.

La mansión donde vivió Stanislavsky está en el centro de Moscú y es hoy día un museo y centro de investigaciones, donde se expone una colección de obras teatrales originales. Los libros de propiedad de Stanislavsky son parte de este museo.

Stanislavsky jamás abandonó su país y murió el 7 de agosto de 1938 en la misma ciudad que lo vio nacer, Moscú.

Bibliografía consultada

Anon. Konstantin Stanislavski. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stanislavski.htm

Anon. Биография Константина Станиславского (biografía Konstantin Stanislavsky)

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores.

Orgaz Conesa María Concepción. El método Stanilavski. Red Teatral. http://www.redteatral.net/noticias-el-m-todo-stanislavski-118

Stanislavski K.S. Работа актера над собой (Часть I) (Trabajo del actor consigo mismo, parte I). http://www.e-reading.club/book.php?book=101744

Escrito por Esteban Hernández (13 enero de 2016)

Propuesta de filmes para ver (I)

Hoy (15 enero 2016) y en las próximas semanas les daremos una lista de filmes que valen la pena ver. Si ya los vio, con no verlos otra vez basta. Si no lo has visto, no te lo pierdas. Atención, muchos son filmes viejos y en blanco y negro, no van a ver gente hablando con móviles, carros de último modelo, ni nada por el estilo en muchos de ellos, pero la calidad no va en la técnica, sino en la trama, dirección e interpretación de sus protagonistas.

El orden dado obedecía inicialmente a los títulos originales, que se pierde al traducirlos al español. Muchas de estas películas están disponibles en DVD o se pueden bajar en línea, otras no aparecen o habría que buscarlas en sus países de origen.

Accattone (1961) de Pier Paolo Passolini, drama sobre la vida de los romanos en los años 50-60, con Franco Citti y Franca Pasut. Film de producción italiana.

Adua y sus amigas (1960) de Antonio Pietrangeli, drama sobre la prostitución, con Simone Signoret y Marcelo Mastroianni. Film de producción italiana.

El político (1949) de Robert Rossen, drama sobre cómo un hombre llega al poder y cómo luego se corrompe, con Broderick Crawford, film norteamericano. El típico populista, promete mucho y luego es el más corrupto de los gobernantes.

Todos los hombres del presidente (1976) de Alan J. Pakula, drama sobre cómo se descubre el Watergate durante el proceso de elecciones en EEUU, protagonizado por Dustin Hoffman y Robert Redford, film norteamericano.

Amadeus (1984) de Milos Forman, drama sobre la vida del famoso músico, con Tom Hulce y F. Murray Abraham, film norteamericano.

American Beauty (1999) de Sam Mendes, drama sobre la frustración matrimonial, con Kevin Spacey y Annete Benning, film norteamericano.

Accatone-Adua-El Político-Todos los Hombres-Amadeus-American Beauty

Afiches de Accatone, Adua y sus amigas, El Político, Todos los Hombres del Presidente, Amadeus y American Beauty

Amistad (1997) de Steven Spielberg, drama sobre la trata de esclavos en EEUU en el siglo XIX, con Mathew McConaughey, Anthony Hopkins y Morgan Freeman, film norteamericano.

Amores perros (2000) de Alejandro González Iñárritu, drama muy original que entrelaza tres historias, con Emilio Echeverría y Gael García Bernal, film de producción mexicana.

Ana y los Lobos (1973) de Carlos Saura, drama sobre la tragedia de una institutriz que viaje a una residencia rural, con Geraldine Chaplin y Fernando Fernán Gómez, filme de producción española

Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminger, drama-film de crimen sobre un proceso de asesinato, trama muy original, con James Stewart y Lee Remick, film norteamericano.

Ángeles con caras sucias (1938) de Michael Curtiz, drama-film de crimen sobre cómo un sacerdote logra detener la actividad de un gánster, amigo de él desde la infancia, con James Cagney, Pat O’Brien, Humphrey Bogart y Ann Sheridan, film norteamericano.

Anna Karenina (1967) de Aleksandr Zarkhy, enésima versión sobre la famosa novela de León Tolstoi llevada al cine, con Tatiana Somoloiva y Nikolai Gritsenko, film de producción soviética, muy fiel al libro de Tolstoi.

Amistad-Amores Perros- Ana y los lobos-Anatomía de un asesinato-Ángeles con caras sucias-Anna Karenina

Afiches de Amistad, Amores Perros, Ana y los lobos, Anatomía de un asesinato, Ángeles con caras sucias y Anna Karenina

El rostro (1958) de Ingmar Bergman, comedia-drama con algo de superstición, con Max Von Sydow e Ingrid Thulin, film de producción sueca.

El Apartamento (1960) de Billy Wilder con Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray, comedia sobre las complicaciones al poner su apartamento dentro de sus negocios, film norteamericano.

Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola, film bélico-drama sobre la misión de un oficial de ir a Cambodia para matar a un oficial norteamericano renegado, con Marlon Brando, Martin Sheen y Robert Duvall, film norteamericano.

La vuelta al mundo en 80 días (1956) de Michael Anderson, comedia basada en la obra homónima de Julio Vernes, con Cantinflas, David Niven y muchos actores/actrices más, film norteamericano.

La jungla de asfalto (1950) de John Huston, film de cine negro-crimen-drama sobre los manejos sucios de bandas criminales, con Sterling Hayden, Louis Calhern, Jean Hagen, Sam Jaffe y Marilyn Monroe, film norteamericano.

Afiches de El Rostro, El Apartamento, Apocalypse Now, La vuelta al mundo en 80 días, La Jungla de Asfalto y Atlantic City

Afiches de El Rostro, El Apartamento, Apocalypse Now, La vuelta al mundo en 80 días, La Jungla de Asfalto y Atlantic City

Atentado (1964) de Jirí Sequens, film sobre el atentado AL oficial nazi Reinhard Heydrich, con Radoslva Brzobohatý, Rudolf Jelínek y Ladislav Mrkvička entre otros, film de producción checa. Este es el único filme que no le hemos encontrado en DVD con subtítulos en idiomas como el inglés y español.

Imagen de escena de Atentado

Escena de “Atentado (1964)”

Atlantic City (1980) de Louis Malle, film de crimen-drama sobre cómo dos desviados, un hombre y una mujer joven, se encuentran enlazados por amor, dinero y droga, con Burt Lancaster y Susan Sarandon, film de producción canadiense-francés.

La próxima semana habrá otra nueva propuesta.

Cine de calidad, realizador Ousmane Sembene

Si la pobreza es la madre de los crímenes,
la falta de espíritu es su padre
Jean de la Bruyere, escritor y ensayista francés del siglo XVII

El desarrollo del cine en África ha sido lento realmente, muy pocas producciones fílmicas nos llegan de ese continente, donde la pobreza heredada del colonialismo dejó secuelas de incultura e ignorancia, hambre, desnutrición, deforestación, aridez ambiental y otras desgracias más.

Sin embargo, hubo un director-escritor que supo poner sobre el celuloide muchos de estos problemas con suficiente nitidez, donde además de mostrar lo que había dejado el colonialismo, fue capaz de criticar a algunos nuevos gobernantes en temas básicos de sobrevivencia que no eran atendidos.

Ese hombre, a mi entender, fue el director y escritor senegalés Ousmane Sembene, quien nació el 1 de enero de 1923 en Ziguinchor, Casamance, Senegal en el seno de una familia humilde. Siendo su país colonia de Francia, Sembene trabajó como mecánico en la metrópoli, luego sirvió en el ejército francés durante la Segunda Guerra Mundial. Desmovilizado, trabajó de albañil y estibador, donde conoció del trabajo y las luchas de los sindicatos.

Ousmane Sembene

Ousmane Sembene

Fueron estas vivencias como trabajador explotado, las que le incentivaron a escribir. Su primera obra se tituló “Le docket noir” (El estibador negro). Luego descubrió el cine, medio que vio útil para reflejar en pantalla mucho de lo visto y sufrido en su vida. Pasó escuela de cine en Gorky, territorio de la desaparecida Unión Soviética y a su regreso a Senegal, realizó su primer material fílmico, el documental “L‘Empire Songhai (1963)” (El imperio Sonhrai), que describe algo de la vida anterior de este imperio asentado en el actual territorio de Mali. Luego dirigió el drama “La noire de…(1966)” (La negra de... ) con Mbissine Thérèse Diop, que muestra las vicisitudes de una mujer de Senegal que trabaja como sirvienta en casa de una familia francesa. Realizó otro documental-corto, “Borom sarret (1966)” (El dueño de la carreta), que versa sobre la vida de un carretero en Dakar y muy ilustrativo de la pobreza existente en Senegal.

Afiche La noire de....

Afiche de “La noire de…. (1966)”

Vine a conocer de este director cuando el crítico y comentarista cubano de cine, Mario Rodríguez Alemán, presentó el drama “Mandabi (1968)” (El Giro), el cual muestra la vida de los emigrantes africanos en Francia, como mienten a su familia sobre su supuesto bienestar, cuando en realidad se ven obligados a barrer calles y hacer aquellos trabajos más difíciles y sucios, que los franceses no hacen. Al final hacen sus ahorros para mandar dinero a su familia, pero aquellos que los deben recibir, se tropiezan con verdaderos gánster en las esferas de poder de sus países que roban ese dinero sin que les llegue un centavo a ellos. Les digo que esa película me impresionó por su argumento real, de hecho la veo como una joya del cine del Tercer Mundo.

Afiche de El Giro (1968)

Afiche de “El Giro (1968)”

Otros filmes dirigidos por Sembene fueron “Emitaï (1971)” (El Dios del relámpago) sobre un conflicto entre franceses y mujeres de la etnia Diola en África occidental; la comedia “Xala (1975)” (Impotencia), sobre el inicio del período inicial de Senegal libre en teoría del yugo francés, pero que aún gobierna en las esferas económicas. El drama “Ceddo (1978)” (Los foráneos) con Tabata Ndiaye, película sobre los conflictos con el ejército colonial en Africa occidental en el siglo XVII y que fuera prohibida durante siete años en Senegal. Otro, tan impresionante como Mandabi lo es “Moolaadé (2004)”, que fuera su último film y que versa sobre la mutilación de las mujeres en África.

Afiche Moolaadé (2004)

Afiche de “Moolaadé (2004)”

Sembene murió el 9 de junio de 2007, en Dakar, Senegal. En su carrera como director realizó 14 filmes entre 1963 y 2004, produjo 2 y actuó en otros dos. Lamentablemente no es fácil encontrar DVD con filmes de este autor, los que serían de mucha utilidad a la población del mundo en general, y así familiarizarse y lograr conciencia sobre el aspecto de la pobreza en muchos países africanos, la necesidad de apoyo externo, donde parte de los problemas se debe también a la poca atención prestada por las autoridades locales en algunos de estos países.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine de todos los tiempos-directores.

Ousmane Sembene. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0783733/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Esteban Hernández (6 de enero de 2015)

Historia del cine homofóbico y de homosexualidad

En sí, la homosexualidad está tan limitada como la heterosexualidad:
lo ideal sería ser capaz de amar a una mujer o a un hombre,
a cualquier ser humano, sin sentir miedo, inhibición u obligación.”
Simone de Beauvoir
escritora, profesora y filósofa francesa

Por Esteban Hernández

Como cambian los tiempos, hace unas décadas hablar o tan solo presentar homosexuales en la pantalla era un verdadero problema, y no era solo en el cine sino en la TV igualmente.

Cuando era niño, en Cuba, había un personaje llamado “Mamacusa Alambrito”, aparecía un programa de televisión que salía todos los lunes en la noche. El actor Luis Echegoyen era quien interpretaba este personaje femenino. Toda Cuba veía el programa, era realmente cómico, hasta que un buen día el gobierno de turno en la década de los 50, a través de su ministro de educación, prohibió que en la TV aparecieran hombres interpretando personajes femeninos y viceversa.

La educación que hemos recibido de siempre es que la homosexualidad es una patología corregible. No quiero adentrarme mucho en el tema, pues entonces nos desviaríamos del interés del artículo, que es la historia de este problema en el cine.

El cine americano, el más poderoso económicamente de todos los tiempos en el mundo, trató el homosexualismo como a una plaga en el pasado. El corto “Lot in Sodom (1933)” de los directores James Sibley Watson y Melville Webber fue un ejemplo de cómo se mostraban entonces a los homosexuales. En ese filme los homosexuales eran sencillamente entes satíricos y deseosos de sexo. Ya en otros cortos de inicio del siglo XX se mostraban a los homosexuales de forma leve, a veces con carácter humorístico, algo que persistió durante años.

De hecho en EEUU existió el código Hays, formulado por William H. Hays, primer presidente de la MPPDA (Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de América). El objetivo del código era censurar todo aquello que se entendiera indecente, que en este caso quedaban incluidos los homosexuales. No se permitían escenas de desnudos, temas sobre aborto o prostitución u otros. Este código obligó a muchos guionistas y directores a cambiar las tramas originales en muchos filmes.

Por ejemplo, la historia del filme “La reina Cristina de Suecia (1933)” que protagonizara Greta Garbo, hubo de ser cambiada, ya que la reina en la vida real había sido lesbiana. En el filme la relación de la monarca con su sirviente se mostraba levemente.

El otro caso fue el del filme de cine negro “El Halcón Maltés (1941)” de John Huston, en el que el personaje interpretado por Peter Lorre en la novela original era homosexual y en el filme hubo que presentarlo tan solo como hombre débil y cobarde. Así pasó con “Rebelde sin causa (1956)” de Nicholas Ray, “La gata sobre el tejado de zinc (1958)” de Richard Brooks, “De repente el último verano (1959) de Joseph L. Mankiewicz, “Espartaco (1960)” de Stanley Kubrick, todos filmes, cuyas historias originales abordaban el tema del homosexualismo y que debido a la censura hubo que cambiar los originales.

En el drama “La calumnia (1962)” de William Wyler, Shirley MacLaine es la homosexual y a su vez la malvada de la historia.

Afiche del filme "La calumnia (1962)"

Afiche del filme “La calumnia (1962)”

La descatalogación de la homosexualidad como delito en el Código Penal británico tuvo lugar en 1967, fue así que Stanley Donen dirigió “La escalera (1969)”, protagonizado por los estelares Richard Burton y Rex Harrison, los que interpretaban a un par de peluqueros homosexuales, envueltos en problemas por sus condiciones y que al final terminan acusados de escándalo a la moral. Naturalmente el filme en algunos lugares, donde la iglesia tenía buena influencia, no pudo ser mostrado.

John Schlesinger después dirigió en Inglaterra, el drama “Domingo, Maldito Domingo (1971)”, en inglés se llama “Sunday, Bloody Sunday” protagonizado por Peter Finch y Glenda Jackson, donde la historia tiene que ver con un triángulo amoroso creado alrededor de un hombre llamado Bob Elkin interpretado por el apuesto Murray Head, quien servía de novio a Glenda y de amante a Finch. Personalmente fue la primera vez que vi en cine beso en la boca de dos hombres. El filme es realmente original y vale la pena que se vea.

Peter Finch (izq.), Murray Head (centro) y Glenda Jackson, protagonistas de Domingo, Maldito Domingo (1971)

Peter Finch (izq.), Murray Head (centro) y Glenda Jackson, protagonistas de “Domingo, Maldito Domingo (1971)”

Posteriormente comenzaron a aparecer películas, donde los homosexuales se presentaban claramente. Recuerdo a Cher interpretando el papel de lesbiana en el drama “Silkwood (1983)” de Mike Nichols, o a Sharon Stone como bisexual en el film de crimen “Instinto Básico (1992)” de Paul Verhoeven.

Afiche "Silkwood (1983)"

Afiche “Silkwood (1983)”

La película “Filadelfia (1993)” tuvo el mérito de abordar el tema del SIDA y el homosexualismo. En este filme hubo escenas atrevidas que rompían con la tradición moralista de siempre, Cuatro años después apareció una comedia que tocaba de lleno el asunto del homosexualismo, lo interesante es que en el mismo participaron actores considerados puro macho, como es el caso de Tom Selleck, Klevin Kline y Matt Dillon, me refiero a “In & Out (1997)” de Frank Oz, que contó con escenas de besos en la boca entre Selleck y Kline.

Afiche filme Filadelfia (1993)

Afiche filme “Filadelfia (1993)”

Afiche In & Out (1997)

Afiche “In & Out (1997)”

Una cinta muy original, no americana, que aborda el tema del homosexualismo con mucha excelencia, es la comedia cubana “Fresa y chocolate (1993)” de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, donde Jorge Perugorría interpreta el papel de homosexual reprimido en la sociedad en que vive. Lo interesante es que la película enseña que esos homosexuales poseen más cultura y educación que los “duros”.

Afiche Fresa y Chocolate (1993)

Afiche “Fresa y Chocolate (1993)”

Llegó el siglo XXI y con ello el primer filme de Hollywood que abiertamente trata el tema de la relación homosexual entre dos hombres, hablo de “Brokeback mountain (2005)” del director taiwanés Ang Lee, quien escogió a otro par de machos para interpretar los papeles de homosexual, ellos fueron el difunto Heath Ledger y Jake Gyllenhaal.

Escena de Brokeback Mountain (2005)

Escena de “Brokeback Mountain (2005)”

Fuera de EEUU, ha habido prohibición, pero el tema ha sido abordado más abiertamente antes que en Norteamérica.

En Italia los directores más dados a tocar este tema han sido el gran Luchino Visconti y Pier Paolo Pasolini. El primero era un bisexual, que sutilmente tocó el tema de la homosexualidad en muchas de sus películas más famosas. El ejemplo más evidente lo encontramos en “Muerte en Venecia (1971)”, donde un compositor musical se enamora de un chaval italiano. Pasolini era un hombre que se oponía abiertamente a los prejuicios establecidos en la sociedad, por lo que la homosexualidad era parte de lo cotidiano y como tal lo tocó en varios de sus filmes, como fueron “Teorema (1968)”, “El Decamerón (1971)”, y el más fuerte de todos “Saló o los 120 días de Sodoma (1976)”, que incluye escenas de violación, humillación y tortura durante la época fascista en Italia.

Afiche Salò o los 120 días de Sodoma (1976)

Afiche “Salò o los 120 días de Sodoma (1976)”

En Francia la homosexualidad ha estado presente en filmes de varios realizadores, entre ellos, el más notable, André Téchiné. No se puede dejar de mencionar el drama “Les amitiés particulières (1964)” de Jean Delannoy, donde la trama gira alrededor de un adolescente y su relación con otro mayor que él en una escuela interna católica. Actualmente el director francés más dado a abordar la homosexualidad es François Ozon.

De Inglaterra ya hemos hablado de filmes que tocan el tema mucho antes que en Hollywood.

En España, Pedro Almodóvar ha tratado este tema varias veces. “Laberinto de pasiones (1982)” fue el primer filme español que trata el tema de la homosexualidad, donde aparece una pareja que busca un entorno diferente para estar juntos. Luego dirigió “Entre tinieblas (1983)”, donde un cantante busca refugio con una monja lesbiana. Luego realizó “La ley del deseo (1987), y “La mala educación (2004)” que, a mi entender, fue un bombazo en el cine de la homosexualidad, Aquí el mexicano Gael García Bernal es el escogido para interpretar el papel del homosexual. Sin embargo, el propio Almodóvar reconoce como su filme más gay a “Los amantes pasajeros (2013)”.

Afiche La Mala Educación

Afiche “La Mala Educación (2004)”

Sería muy necio no hablar que previamente el español Luis Buñuel trató el tema de la homosexualidad en algunos de sus filmes. Así tenemos el drama mexicano “El (1953)” con Arturo de Córdova, o “Belle de jour (1967)”, filme de producción franco-italiano, donde se ven escenas de lesbianismo.

Escena de Belle de Jour (1967)

Escena del filme “Belle de Jour (1967)”

No obstante, han existido muchos filmes con carácter homofóbico, donde creo que Alemania, más que ningún otro país ha sido el que más insistido en el tema. La llegada del nacional-socialismo al poder en este país hizo enorme daño en el cine, y casi todas las películas anteriores que trataban el tema de la homosexualidad abiertamente, como fueron “Mädchen in uniform (1931)” (Muchachas en uniforme) de Leontine Sagan, y “Anna y Elisabeth (1933)” de Frank Wysbar fueron prohibidas.

El ejemplo más claro de cine homofóbico alemán es el drama “El tercer sexo (1957)”, (título original Anders als Du und Ich) dirigido por Veit Harlan, realizador que abrazó la causa neonazi en su país y que dirigió varios filmes con propaganda nazi. Harlan había dirigido en 1940 el drama “El judío Suss”, una de las películas más antisemitas que se hayan producido. Condenado al término de la segunda guerra, luego la justicia le pasó la mano y lo soltó en 1950.

Volviendo a “El tercer sexo (1957)”, recuerdo que en Cuba se estrenó en 1959 y que solo se admitían a personas mayores de 16 años para ver el film. Por suerte, hace unos años la conseguí subtitulada en inglés y pude ver la película en cuestión. Harlan había realizado esta película en un momento que en la Alemania Federal se ratificaban las leyes, previamente aprobadas por el régimen nazi, que penalizaban la homosexualidad, por lo que el filme venía como anillo al dedo para justificar la legislación nuevamente aprobada.  Como había señalado previamente, el homosexual se presenta como un enfermo curable. El valor de esta película es para que se vea cuán prejuiciada estaba la sociedad con este asunto de la homosexualidad.

Escena de El tercer sexo (1957)

Escena de “El tercer sexo (1957)”

Se ha avanzado mucho en la aceptación de los homosexuales, sin embargo, algunos directores de cine son reacios a tocar el tema, algo que, a mi entender, se debe respetar. Ahora no es para imponer criterios a otros de lo que algunos quieren. Claro está, no se pueden aceptar filmes que inciten a la violencia contra los homosexuales, eso no se puede permitir.

Ahora surgen quejas, la organización GLAAD (Gay and Lesbian Alliance Against Defamation), surgida en 1985, analizó 114 películas y encontró que sólo en 20 se incluyen personajes homosexuales o bisexuales, mientras que los trasvesti brillan por su ausencia. Pienso que esto debe ser un proceso que se irá superando año tras año. Hay muchos temas, como el de la pobreza, que casi no se aborda en la filmografía de la mayoría de los países grandes productores de filmes, y la pobreza es sumamente importante, pues toca a miles de millones de personas en todo el planeta. Los regímenes dictatoriales abundan y es tema que no se toca tanto en la filmografía existente. Así que debemos empeñarnos a eliminar los prejuicios, pero igualmente abordar la más amplia gama de temas que nos afectan y que puedan ayudar a crear conciencia.

El tema es actual y sus comentarios serán bienvenidos.

Bibliografía consultada

Anon. 2014. La homofobia que ahoga a Hollywood.SModa, El País, 31 julio. http://smoda.elpais.com/moda/la-homofobia-que-ahoga-a-hollywood/

Anon. Garuyo. Pedro Almodóvar y el cine gay. http://www.garuyo.com/cine/pedro-almodovar-y-el-cine-gay

García Yago. 2015. Ridley Scott y Michael Bay, los más homófobos de Hollywood. El País, Cinemanía. 19 abril. http://www.cinemania.es/noticias/ridley-scott-y-michael-bay-los-mas-homofobos-de-hollywood/

Anon. Les amitiés particulières. IMDB.com. http://www.imdb.com/title/tt0057842/?ref_=nm_flmg_dr_19

Anon. Luis Buñuel. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0000320/?ref_=nv_sr_1

Anon. Pedro Almodóvar. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0000264/?ref_=nv_sr_1

Anon. Pier Paolo Pasolini. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0001596/?ref_=nv_sr_2

Anon. Veit Harlan. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0363235/bio?ref_=nm_ov_bio_sm

Anon. 2011. La homosexualidad en el cine Americano. Zinéfilaz. http://zinefilaz.blogspot.com.es/2011/11/la-homosexualidad-en-el-cine-americano.html

La caracterización de un delincuente de nombre Ho

La educación es la vacuna contra la violencia
Edward James Olmos
Actor y director mexicano-estadounidense

Por Esteban Hernández

Hace unos días veía, creo, que por tercera vez el film de crimen “Ho!” (1969)” del director Roberto Enrico y con argumento de José Giovanni, el escritor-director, maestro de las tramas para películas de crimen y cine negro. El anti-héroe del filme lo encarna Jean-Paul Belmondo, algo que para él no era nada nuevo. Acompañaron al actor francés, la canadiense Joanna Shimkus, la misma que en 1976 se casara con el actor Sidney Poitier, además de Paul Crauchet, quien interpreta el papel de un periodista ávido de tener siempre la última.

El título del filme al inicio hace uno pensar que se trata de algún vietnamita, ya que Ho es nombre en ese país del sudeste asiático, que fuera inicialmente colonizado por Francia. La película es una co-producción franco-italiana.

Afiche de Ho!

Afiche de Ho!

Cualquiera con razón puede decir que es un filme de crimen más. Sin embargo, me llamó la atención que en esta historia, Ho, que es la abreviatura de François Holin, se describe como el típico delincuente narcisista, algo que ha sido muy común en casi todos los gánster, y que refleja un complejo de inferioridad que trata de sobresalir con actos y posturas de macho cruel e implacable, o sea entes carentes de sentimientos y de piedad. El periodista George Briand en el film, o sea Crauchet, dibuja la figura de este delincuente de papel con mucha sutileza. Cuando la policía le pregunta por la forma de actuar de Ho, Briand le responde que no es lo que ellos se imaginan. Ho se creó una imagen que ni los mismos criminales asociados se la creían.

Recordaba viendo el film, que algunos pasajes guardan alguna similitud con escenas de otro film de crimen, “Ángeles con caras sucias (1938)” de Michael Curtiz, donde el protagonista principal, James Cagney en el papel del delincuente Rocky Sullivan, adopta una actitud muy similar a la de Ho. En el fondo son personas de extracción pobre, que nunca tuvieron nada, se desarrollaron primero como rateros en su niñez y adolescencia, la prisión los tuvo por un tiempo, luego, ya hombres, salen libres y quieren entonces ser importantes, vestir bien es esencial en ese caso, Ho adoraba coleccionar corbatas, la forma de caminar, de conducirse rudamente con el supuesto enemigo, usar el arma con la rapidez de un vaquero, son todas posturas estudiadas para impactar en la población que los observa. Es una manera de quererse deificar, por no decir, parecer lo que no son en realidad.

Afiche "Ángeles con caras sucias"

Afiche “Ángeles con caras sucias”

El delincuente puede tener sentimientos y no siempre resulta ser un asesino nato. En “Ho” es evidente que la policía con tal de lograr méritos, se encarga de crear una leyenda del delincuente irreal. Es probable que en muchos casos de la vida real que el delincuente no sea hombre de matar, mientras que algún que otro agente de la policía, por sus propios intereses, sea capaz de matar para hacer aparecer una víctima que no fue obra del delincuente. Eso se ha visto en varios filmes.

Lo que no queda la menor duda es que estos gánster buscan la forma de tener súbditos incondicionales para poder cometer sus robos o atracos. Lo mismo en “Ángeles con caras sucias (1938)” como en “Ho”, se ve cómo lo mismo Rocky Sullivan que Ho buscan elementos jóvenes, inexpertos, que se subordinen a sus ideas y propósitos, a veces solamente por un asunto de publicidad y de mantener a la gente a la expectativa de lo que ellos puedan realizar.

Pienso que el comportamiento de Ho puede tener similitud con muchos de los procederes de connotados criminales en su fase inicial, como lo fueron Al Capone, Lucky Luciano y Meyer Lansky entre otros. Probablemente José Giovanni en su argumento se haya inspirado en hechos ocurridos con anterioridad y así haya creado a su anti-héroe Ho. No obstante, los gánster mencionados fueron hombres de negocios, algo bien reflejado por Mario Puzo en “El Padrino”, por lo que Ho como Rocky Sullivan no pasaron de ser delincuentes habituados al robo y a los atracos, pero no de desarrollar una mentalidad de negocio, ya sea ilícito, que le pudiera dar dividendos de manera sostenible.

Les invito a que vean este filme, así como el viejo “Ángeles con caras sucias (1938)” y si les parece, opinen al respecto. Si ya han visto estas pelis, pues mejor aún, me agradaría ver sus comentarios.

Grandes directores del cine iberoamericano

Con un buen guión puedes hacer una película buena o una película mala.
Con un mal guión sólo tendrás películas malas”.

Akira Kurosawa

El presente artículo es un extracto de partes del libro (en preparación) “Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores” del autor.

Por Esteban Hernández

La filmografía iberoamericana es realmente extensa, países como España, México y Argentina han sido de los que más filmes han realizado hablados en español. No obstante, varios países han comenzado posteriormente a aportar en este campo, sobre todo con películas que abordan los problemas socio-económicos de sus países y a veces realizados con pocos recursos. Algunos de ellos han sido censurados, ya que a algunos gobiernos de turno no les agrada que se ponga en evidencia sus deficiencias. Veamos varios de los directores destacados iberoamericanos.

A Pedro Almodóvar (1949) se le puede considerar el director español de cine más reconocido mundialmente después de Luis Buñuel. Sus filmes rompen por completo el tabú de la moralidad, casi siempre más dudosa que real. Por primera vez, la vida y peripecias de los homosexuales es bien reflejada, así como la de gente de pueblo y los habituales maleantes. El costumbrismo en el cine muere en las manos de Almodóvar, donde lo tradicional es agredido con lo real. Entre sus filmes están:

– Las comedias “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)” con Carmen Maura y Félix Rotaeta,
– “Laberinto de pasiones (1982)” con Cecilia Roth e Imanol Arias
– El drama-suspense “Matador (1986)” con Assumpta Serna y Antonio Banderas
– Las comedias-dramas “La ley del deseo (1987)” con Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas,
– “Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)” con Carmen Maura y Banderas nuevamente
– El drama-film de crimen “¡Átame! (1990)” con Victoria Abril y Banderas una vez más
– Los dramas “La flor de mi secreto (1995)” con Marisa Paredes y Juan Echanove,
– “Carne trémula (1997)” con Javier Bardem y Francesca Neri,
– “Todo sobre mi madre (1999)” con Cecilia Roth y Marisa Paredes
– El drama “Hable con ella (2002)” con Javier Cámara y Darío Grandinetti
– El drama-suspense “La mala educación (2004)” con Gael García Bernal y Fele Martínez, donde el tema del homosexualismo se presenta de forma natural
– La comedia-film de crimen “Volver (2006) con Penélope Cruz y Carmen Maura, película que a este autor hace recordar algo la forma de narrar de un Víctor Hugo o un Gabriel García Márquez
– El drama “Los abrazos rotos (2009)” con la Cruz nuevamente y Lluís Homar.

at the Golden Globe Foreign-Language Nominees Seminar, Egyptian Theater, Hollywood, CA 01-14-12

Pedro Almodóvar Foto: S_Bukley, ImageCollect. com

Luis César Amadori (1903-1977), nacido en Italia, pero con desarrollo en Argentina, fue director de filmes que contenían alguna carga social mostrando los marginados en la sociedad, pero no puede considerarse que su objetivo haya sido abordar a plenitud estos temas. Más bien buscaba el entretenimiento y daba algún que otro mensaje como moraleja o de carácter social de forma poco pronunciada o sutil. Sus filmes más destacados fueron:

– El musical “Madreselva (1938)” con Libertad Lamarque y Hugo del Carril
– Las comedias “Soñar no cuesta nada (1941)” con Mirtha Legrand,
– “La mentirosa (1942)”,
– “Una mujer sin cabeza (1947)”, en éstas dos últimas con Niní Marshall
– El drama “Dios se lo pague (1948)” con Arturo de Córdova, película considerada como la obra maestra de su carrera
– Los dramas “La pasión desnuda (1953)” con María Félix,
– “El grito sagrado (1954)” con Fanny Navarro y Carlos Cores,
– “El amor nunca muere (1955)” con Zully Moreno y Mirtha Legrand
– Los famosos musicales-dramas protagonizados por Sarita Montiel, como “La violetera (1958)” con Raf Vallone,
– “Mi último tango (1960)” con Maurice Ronet,
– “Pecado de amor (1961)” con Rafael Alfonso

Vicente Aranda considerado uno de los mejores directores de cine de España, quien se ha caracterizado por realizar filmes con fuerte carga sexual. En 1952 emigró a Venezuela y en 1964 regresó a su natal España, donde estableció su propia compañía productora. Aranda es un director que gusta de abordar el comportamiento de las mujeres, sus deseos, sus ambiciones y sus sufrimientos. No es extraño que en muchas de sus películas las protagonistas principales sean mujeres. Filmes de su dirección son:

– Los dramas “Tiempo de Silencio (1986)” con Imanol Arias,
– “El Lute: camina o revienta (1987)” con Arias y Victoria Abril,
– “El Lute II: mañana seré libre (1988)” con Arias y Jorge Sanz.
– “Amantes (1991)” con Jorge Sanz
– “El amante bilingüe (1993)” con Imanol Arias y Ornella Muti
– La comedia de horror “Intruso (1993)” con Arias y Victoria Abril nuevamente
– El drama “La pasión turca (1995)” con Ana Belén
– El drama-film bélico “Libertarias (1996)” con Ana Belén y Victoria Abril, donde se abordan los desastres de la guerra civil en España a través de un grupo de milicianas
– Los dramas “La mirada del otro (1998)” con Laura Morante,
– “Celos (1999)” con Aitana Sánchez-Gijón,
– El histórico “Juana la Loca (2001)” con Pilar López de Ayala.
– El drama romántico “Carmen” (2003) con Paz Vega y Leonardo Sbaraglia
– el drama-documental “¡Hay motivo! (2004)” con Laura Aparicio

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Vicente Aranda Foto: Jeff Spicer/ALPHA/GLOBE PHOTOS, INC

Bruno Barreto (1955) es uno de los realizadores brasileños, quien vive desde 1991 en los EE.UU al estar casado con la actriz Amy Irving. A pesar de la distancia, sus filmes guardan el sabor brasileño del dolor por los años vividos de dictadura como el de la alegría natural de su pueblo. Entre sus filmes están:

– La comedia-drama “Doña Flor y sus dos maridos (1978)” con Sonia Braga y José Wilker, film inspirado en la obra del mismo nombre del escritor Jorge Amado y que fuera todo un éxito para Barreto
– El drama-suspense “Amor bandido (1979)” con Paulo Gracindo y Cristina Aché
– La comedia “Gabriela (1983)” con Sonia Braga y Marcello Mastroianni
– El drama “Romance da empregada (1988)” con Betty Faria y Stela Freitas, film donde se relata la vida de mujeres
– El drama-suspense “Bajo otra bandera (1990)” con Amy Irving y Andy García, film que aborda la trama policíaca en un hecho ocurrido en Puerto Rico con los nacionalistas de este país
– “Cuatro días en septiembre (1997)” con Alan Arkin y Fernanda Torre, película que relata una acción del grupo MR 8 contra la dictadura militar brasileña, película, quizás, uno de las más vistas de la obra de Barreto
– La comedia romántica “Bossa Nova (2000)” con Amy Irving y Antônio Fagundes
– El film biográfico “Flores raras (2013)” con Glória Pires y Miranda Otto, film que aborda la relación trágica entre la poetiza americana Elizabeth Bishop y el arquitecto brasileño Lota de Macedo Soares

Bruno Barreto

Foto: Denis Makarenko

A Luis Buñuel (1900-1983) se le considera el padre del surrealismo cinematográfico y uno de los directores más originales de la historia del cine. Con estilo muy proprio, combativo con la injusticia social, también muy dado a un exquisito erotismo, era reconocido como sincero y carente de convencionalismos. Su carrera transcurrió en su natal España, Francia, EE.UU. y México. Entre sus filmes dirigidos están:

– El corto “Un perro andaluz (1929)”, que con gran éxito muestra imágenes impresionantes
– Los dramas “La edad de oro (1930)” con Gaston Modot, que atacaba sin piedad a la iglesia y a la clase media por interferir en el amor de un hombre y una mujer
– “Una mujer sin amor (1952)” con Tito Junco y Elda Peralta,
– “El bruto (1953)” con Pedro Armendáriz y Katy Jurado,
– “El (1953)” con Arturo de Córdova,
– “Abismos de pasión (1954)” con Jorge Mistral
– El film de aventura-drama “La muerte en el jardín (1956)” con Simone Signoret y Michel Piccoli
– El entonces escandaloso drama “Nazarín (1959)” con Francisco Rabal y Marga López, realizado en España y que versa sobre la vida de un curaç
– Los dramas “La joven (1960)” con Zachary Scott y Bernie Hamilton, rodado en Acapulco, México
– “Viridiana (1961)” con Silvia Pinal y Francisco Rabal, que tuviera buena acogida y fuera prohibido por la dictadura franquista,
– “El ángel exterminador (1962)” con la Pinal nuevamente y Enrique Rambal, donde nuevamente Buñuel muestra su carácter anticlerical,
– “Diario de una mucama (1964)” con Jeanne Moreau y George Géret, filmado en Francia,
– “Simón del desierto (1965)” con Silvia Pinal y Claudio Brook,
– “Belle de jour (1967)” con Catherine Deneuve y Jean Sorel
– “Tristana (1970)” con Catherine Deneuve nuevamente, Francisco Rabal y Franco Nero
– “El fantasma de la libertad (1974)” con Adriana Asti y Julien Bertheau,
– “El discreto encanto de la burguesía (1973)” con Paul Frankeur,
– “Ese oscuro objeto de deseo (1977)” con Carole Bouquet, en estos dos últimos con Fernando Rey como principal protagonista

Luis Buñuel

Luis Buñuel

Mario Camus es director español de éxitos en la realización de varios dramas, muy originales, pero también de películas de otros géneros. Su realización en la década de los 80 fue muy valiosa, ya que fueron dramas basados en notables obras literarias, entre ellos:

– El drama corto “El borracho (1962)” con Sergio Mendizábal y Esmeralda Adam García
– El drama drama “Los farsantes (1963)” con Amapola García y Fernando León
– El film de acción “Con el viento solano (1967)” con Antonio Gades
– El drama “Volver a vivir (1967)” con Lea Massari y Raf Vallone
– El oeste “La collera del vento (1971)” con Terence Hill
– Los dramas “La colmena (1982)” con Victoria Abril,
– “Sombras en una batalla (1993)” con Carmen Maura,
– “Amor propio (1994)” con Verónica Forqué,
– “Adosados (1996)”
– La comedia “El color de las nubes (1997)”, en estos dos últimos filmes con Antonio Valero
– Los seriales televisivos “Curro Jiménez (1976)” con Sancho Gracia,
– “Fortunata y Jacinta (1980)” con Ana Belén

Mario Camus

Mario Camus

Tito Davison (1912-1985) fue uno de los directores latinoamericanos más conocidos, quien se inició en el cine como actor en películas cómicas en español en Hollywood, mientras que como director debutó con el drama argentino “Murió el sargento Laprida (1937)” con Alberto de Mendoza. Su carrera de director se desarrolló en otros países, como México y España. Entres sus películas están:

– El drama “Un cuerpo de mujer (1949)” con la cubana María Antonieta Pons
– El drama- musical “Curvas peligrosas (1950)” con Lupe Sosa y Gloria Alonso
– Los dramas “Doña Diabla (1950)” con María Félix y Víctor Junco,
– “Te sigo esperando (1951)” con Arturo de Córdova y Libertad Lamarque
– El drama-musical “Las tres alegres comadres (1952)” con Jorge Negrete
– Los dramas “Nunca es tarde para amar (1953)” con Lamarque una vez más
– “Bodas de oro (1955)” con el dúo de Córdova- Lamarque
– “La dulce enemiga (1957)” con Silvia Pinal
– “El derecho de nacer (1966)” con Julio Alemán y Aurora Bautista
– El drama-film de aventura “Corazón salvaje (1968)” con Alemán y Angélica María

Fernando de Fuentes (1894-1958) fue un conocido y destacado realizador del cine mexicano, quien realizó filmes considerados como clásicos de la cinemateca de ese país y fuera pionero del cine sonoro en México. De Fuentes, además de dramas y comedias, supo incursionar bien en el género de horror, pionero en esta modalidad en México. Entre sus mejores filmes están:

– El film de aventura “Cruz Diablo (1934)” con Ramón Pereda, que versa sobre una especie de Zorro vengador en España
– El drama-film de guerra “Vámonos con Pancho Villa (1936)” con Domingo Soler en el papel del temible revolucionario mexicano, considerado como su tercer gran clásico
– Los dramas “La zandunga (1938)” con Lupe Velez y Rafael Falcón
– “Así se quiere en Jalisco (1942)” con Jorge Negrete, que fuera la primera película mexicana a colores
– “Doña Bárbara (1943)” con María Félix y Julián Soler, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Rómulo Gallegos
– “La mujer sin alma (1944)” con Andrés Soler y María Félix
– El film de aventura “La selva de fuego (1945)” con Dolores del Río y Arturo De Córdova
– Los dramas “La devoradora (1946)” con María Félix nuevamente
– “Crimen y castigo (1951)” con Roberto Cañedo, film con adaptación a las condiciones de México de la novela del mismo nombre del escritor Dostoievski
– La comedia-drama “Los hijos de María Morales (1952)” con Pedro Infante
– El drama “Canción de cuna (1953)” con Fernando Cortés
– El film de crimen-drama “Tres citas con el destino (1954)” con Jorge Mistral y Fernando Cortés.

Fernando de Fuentes

Fernando de Fuentes

Lucas de Mare (1910-1981) fue director de filmes que incursionaban en la vida de la clase media y, de forma solapada, los problemas asociados con el peronismo en su natal Argentina, pero como muchos realizadores latinoamericanos de los 40-50, Demare padecía de realizar melodramas en exceso. Sus mejores filmes fueron:

– Los dramas “El cura gaucho (1941)” con René Múgica,
– “La guerra gaucha (1942)” con Carlos Campagnale, film que relata la lucha de los guerrilleros gauchos contra las fuerzas realistas en el siglo XIX,
– “Su mejor alumno (1944)” con Enrique Muiño,
– “Pampa bárbara (1945)” con Luisa Vehil y Francisco Petrone
– “El último perro (1956)” con Domingo Sapelli y Hugo del Carril,
– “Después del silencio (1956)” con Lucía Barause y Teresa Blasco.
– “La sed (1961)” con Francisco Rabal y su propia actuación
– El drama a color “Hombres de mar (1977)” realizado en Venezuela.

Emilio “Indio” Fernández (1904-1986) fue un reconocido actor-director del cine mexicano, creador de bellas imágenes del paisaje mexicano, donde se combinan las vistas de haciendas, tunas y cielos de variadas tonalidades. El Indio era hijo de madre india, de ahí su apodo, y de padre español. De Emilio se dice que participó en la Revolución mexicana, fue apresado y condenado a 20 años de prisión, pero logró escapar y huir a EE.UU. Su obra como cineasta recibió fuerte influencia de varios realizadores entre ellos Eisenstein. Entre sus tantos filmes podemos mencionar:

– Los dramas “La isla de la pasión (1942)” con David Silva,
– “Flor silvestre (1943)”,
– “María Candelaria (1944)”,
– “Las abandonadas (1945)”,
– “Bugambilia (1945)”, todos con Dolores del Río y Armendáriz
– La comedia “Enamorada (1946)” con María Félix y Armendáriz
– Los dramas “Río Escondido (1948)” con María Félix y Domingo Soler,
– El film de aventura “La perla (1947)” con Armendáriz y María Elena Marqués
– Los dramas “Maclovia (1948)”,
– “La malquerida (1949)”, en estos dos últimos con el dúo del Río- Armendáriz
– “Pueblerina (1949)” con Columba Domínguez y Roberto Cañedo
– “Siempre tuya (1952)” con Jorge Negrete y Gloria Marín
– La comedia “Reportaje (1953)” con Arturo de Córdova
– El drama-film de aventura “La rebelión de los colgados (1954)” con Armendáriz
– El film de aventura “El Dorado de Pancho Villa (1967)”, que él mismo protagonizó
– El drama-suspense “Erótica (1979)” con Jorge Rivero

Indio Fernández

Emilio “Indio” Fernández

Alejandro Galindo (1906-1999) fue uno de los mejores directores de la Época de Oro del cine mexicano, cuyos filmes eran firmes reflejos de la vida de sus personajes en un México en desarrollo. Su obra con el tiempo fue adoptando un estilo propio que luego fuera reconocido por su nombre. Galindo usaba de ambientes y diálogos reales reflejo del mundo en el que se vive. De esa forma, él presentaba lo mismo una vida de un chofer que la de un individuo de la clase media o alta del país. Tampoco dejó de abordar el tema de la emigración mexicana a EE.UU. Entre sus filmes están:

– El drama-film de misterio “Mientras México duerme (1938)” con Arturo de Córdova
– El film de misterio “El monje loco (1940)” con Miguel Inclán
– La comedia “Ni sangre, ni arena (1941)” con Pedro Armendáriz y Cantinflas
– El drama “Divorciadas (1943)” con Blanca de Castejón y Chiquita Escobar
– El film de acción “Campeón sin corona (1946)” con David Silva
– Los dramas “¡Esquina bajan! (1948)” con Silva nuevamente,
– “Una familia de tantas (1949)” con Fernando Soler y Silva
– “Doña Perfecta (1951)” con Dolores del Río, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Benito Pérez Galdós,
– “Y mañana serán mujeres (1954)” con Roberto Cañedo
– El drama-film de crimen “Los Fernández de Peralvillo (1954)”
– El drama-suspense “Espaldas mojadas (1955)”, con David Silva, donde se aborda el problema del trasiego de ilegales a territorio de EE.UU.
– Los dramas “Esposa te doy (1957)”, éstos tres últimos con David Silva nuevamente,
– “Tu hijo debe nacer (1958)” con Marga López
– “Lázaro Cárdenas (1985)”, que fuera su último film.

Roberto Gavaldón (1909-1986) fue otro de los directores más reconocidos durante la llamada época de oro del cine mexicano, quien siempre se caracterizó por la búsqueda de la perfección artística y de la estética visual. Sus imágenes son consideradas como las más elegantes dentro de la filmografía de su país. Gavaldón sintió particular inclinación por temas relativos a personas con problemas psicológicos, lo cual quedó demostrado en varias de sus películas en los inicios de la década de los 50. Filmes a destacar son:

– El film de aventura “El Conde de Montecristo (1942)”, que fuera co-dirigido por Chano Urueta y protagonizado por De Córdova
– Junto con Celestino Gorostiza, co-dirigió el drama “Nana (1944)” con Lupe Velez, film basado en la novela del escritor Emile Zola
– Los dramas “La diosa arrodillada (1947)” con María Félix y Arturo De Córdova,
– “Rosauro Castro (1950)” con Armendáriz,
– “La casa chica (1949)” con Roberto Cañedo y Dolores del Río
– “Deseada (1951)” con Dolores del Río y Jorge Mistral,
– “La noche avanza (1951)” con Pedro Armendáriz y Rebeca Iturbide
– El oeste “El rebozo de soledad (1952)” con Armendáriz y De Córdova
– La comedia-drama “Las tres perfectas casadas (1953)” con De Córdova
– El drama “Sombra verde (1954)” con Ricardo Montalbán
– El drama-oeste “La escondida (1956)” con María Félix y Armendáriz
– El famoso drama “Flor de mayo (1959)” con María Félix, Jack Palance y Pedro Armendáriz
– El drama-film de misterio “Macario (1960)” con Ignacio López y Pina Pellicer
– El drama-suspense “Rosa Blanca (1961)” con Ignacio López, que relata la vida de un indígena viviendo en la zona del Golfo de México, película que fuera entonces prohibida por el gobierno mexicano, ya que abordaba los problemas sociales derivados de la explotación del petróleo
– Los dramas “El gallo de oro (1964)” nuevamente con Ignacio López,
– “Río Blanco (1967)” con Dolores del Río

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Roberto Gavaldón

Tomás Gutiérrez Alea (1928- 1996) es considerado el director cubano más pródigo a partir de 1959, cuya obra abarca películas de distintos géneros pero con contenido acorde con el proceso político iniciado en 1959. Cuando no se asignaban recursos para hacer cine, Gutiérrez Alea encontraba la manera de hacerlo. Filmes muy recordados son:

– El drama “Historias de la Revolución (1960)” con Reynaldo Miravalles y Eduardo Moure
– Las divertidas comedias “Las doce sillas (1962)” con Idalberto Delgado, Enrique Santiesteban y Miravalles, film con adaptación a la Cuba de 1960 basado en una novela de Yevgeni Petrov,
– “La muerte de un burócrata (1966)” con Salvador Wood y Silvia Plana, crítica despiadada al burocratismo y cuyo argumento no ha perdido actualidad
– El drama “Memorias del subdesarrollo (1968)” con Sergio Corrieri y Daisy Granados, para cuyo guión sirvió una novela de Edmundo Desnoes. Todas estas películas reflejan aspectos de la Cuba de los primeros años de la década de los 60.
– El drama-comedia “Los sobrevivientes (1979)” con Miravalles, Germán Pinelli, Carlos Monctezuma y Santiesteban, que describe como una familia rica se aisla y trata de sobrevivir en la Cuba post 1959
– Los dramas- comedias “Fresa y Chocolate (1993)” con Jorge Perugorría, Vladimir Pérez, Mirta Ibarra y Francisco Gattorno, film que aborda los problemas de la discriminación del homosexual en Cuba,
– “Guantanamera (1994)” con Jorge Perugorría y Mirta Ibarra, que centra su atención una vez más sobre el problema de la burocracia potenciada por el llamado período especial

Tomás Gutiérrez Alea

Tomás Gutiérrez Alea

Arturo Ripstein (1943) es un director mexicano reconocido internacionalmente, que se caracteriza por dirigir filmes llenos de depresión. Ripstein se inició en el cine como asistente de dirección del gran Luis Buñuel. Entre sus filmes encontramos:

– Los dramas “Tiempo de morir (1965)” con Marga López, film basado en una obra del mismo nombre del escritor Gabriel García Márquez,
– “La hora de los niños (1969)” con Carlos Nieto y Carlos Savage
– El film de acción-guerra “Los recuerdos del porvenir (1969)” con Pedro Armendáriz Jr.
– Los dramas “El castillo de la pureza (1973)” con Claudio Brook,
– “El santo oficio (1974)” con Jorge Luke y Diana Bracho
– El film de aventura-drama “Foxtrot (1976)” con Peter O’Toole, Max Von Sydow y Jorge Luke entre otros actores, que versa sobre las aventuras de la fuga de un noble rumano (O’Toole) de Europa a áreas tropicales de América. Este film trata de enseñar que la violencia va implícita en los hombres que la desencadenan y que la pueden transportar consigo mismo a otros lugares pacíficos
– El drama “La viuda negra (1977)” con Isela Vega
– El film de acción-crimen “Cadena perpetua (1979)” con Pedro Armendáriz Jr., sobre la vida de un hombre que quiere abandonar su vida anterior de criminal
– Los dramas “El imperio de la fortuna (1986)” con Ernesto Gómez Cruz,
– “Mentiras piadosas (1987)” con Delia Casanova,
– “La mujer del puerto (1991)” con Damián Alcázar,
– “Principio y fin (1993)” con Ernesto Laguardia

Arturo Ripstein

Arturo Ripstein

Glauber Rocha (1938-1981) fue un destacado director del cine del Brasil y de la América Latina, cuyas inquietudes políticas y preocupaciones por el desarrollo nefasto de las dictaduras en la región lo llevaron a realizar diversos filmes con énfasis en la problemática de los países latinoamericanos durante la década de los 60. Con el golpe de estado al gobierno legítimo de Joao Goulart, Rocha se vio forzado a emigrar a Europa. Sus filmes más notables fueron:

– Los dramas “Barravento (1962)” con Edmundo Albuquerque, que trata sobre aspectos políticos del Brasil,
– “Dios y el diablo en la tierra del Sol (1964)” con Othon Bastos
– Los documentales “Amazonas, Amazonas (1965)”,
– “Maranhão 66 (1966)”,
– Los dramas “Terra en transe (1967)” con Jardel Filho, film que nuevamente se adentra en los problemas políticos de América Latina
– “Antonio de las Muertes (1969)” con Mauricio Do Valle, sobre un hombre contratado para matar por un terrateniente,
– “O dragão da maldade contra o Santo Guerreiro (1969)” (El dragón de la maldad contra Santo Guerreiro) con Maurício do Valle, film que viene a ser secuela de “Dios y el diablo en la tierra del Sol (1964)”
– Los documentales “História do Brasil (1973)”,
– “Di Cavalcanti (1977)”,
– “Jorge Amado no Cinema (1979)”

Glauber Rocha

Glauber Rocha

Jorge Sanjinés (1936) es uno de los directores más destacados de América Latina, quien se ha encargado de llevar a la pantalla tramas y argumentos relativos a la realidad de su país. Toda la obra de Sanjinés hasta 1995 es una muestra documental de la explotación, discriminación y desprecio, con el que se han tratado a las comunidades indígenas de América. Es una filmografía valiente y que hoy en día es harto difícil de encontrar:

– Los dramas “Ukamau (1966)” (Así es) con Benedicta Mendoza y Néstor Peredo, film sobre la venganza de un indio Ayamara, cuya esposa fuera asesinada. Este filme fue censurado por el gobierno de aquel entonces y el Instituto cinematográfico fue cerrado por esta razón,
– “Yawar Mallku (1969)” (Sangre de cóndor) con Marcelino Yanahuaya, película hablada en quechua y que muestra la situación de los indígenas en Bolivia y la labor que desarrollaban los llamados Cuerpos de Paz en aquel entonces
– “El coraje del pueblo (1971)” con Domitila de Chungara, que se inscribe en el mismo contexto de denuncias sobre el estado imperante en su país, donde el tema es el de las masacres de mineros,
– “El enemigo principal (1974)”, película que aborda esta vez la situación en el vecino Perú,
– “Llocsi Caimanta, fuera de aquí (1977)”, film que relata la rebelión de los indígenas contra el genocidio planificado de estas comunidades, la cual fue realizada en Ecuador, pues Sanjinés tuvo que emigrar a este país al terminar “El enemigo principal”.
– En Ecuador también realizó “Las banderas del amanecer (1984)”,
– Luego regresó a Bolivia donde dirigió el drama “La nación clandestina (1989)” con Orlando Huanca y Delfina Madani.
– Sus películas más recientes, el drama “Para recibir el canto de los pájaros (1995)” con Geraldine Chaplin
– El suspense “Los hijos del último jardín (2004)” con Víctor Salinas.

Jorge Sanjinés

Jorge Sanjinés

Carlos Saura (1932) es uno de los directores más destacados del nuevo cine español, quien ha logrado combinar y perfeccionar prácticas y métodos del cine italiano y francés, para luego adaptarlas al ambiente español. También es un realizador incansable y muy apegado al folclore iberoamericano, que gusta de abordar el cine político, aunque con estilo algo anárquico, revelador de su postura inconformista, y es todo un aficionado al género musical. Entre su extensa filmografía cabe destacar:

– El corto “Cuenca (1958)”
– El drama “La caza (1966)” con Ismael Merlo
– El estupendo drama- comedia “Peppermint Frappé (1967)” con Geraldine Chaplin, su actriz preferida
– Los dramas “La prima Angelica (1973)” con Lina Canalejas,
– “Ana y los lobos (1973)”,
– “Cría cuervos (1976)”,
– “Elisa, vida mía (1977)”, en estos tres últimos con la Chaplin
– Los famosos dramas- musicales “Bodas de sangre (1981)”,
– “Carmen (1984)”,
– “El amor brujo (1985)”, en estos con Antonio Gades
– El documental “Sevillanas (1992)” con un reparto impresionante de artistas españoles encabezado por Lola Flores y Rocío Jurado
– El drama “Taxi” (1996)” con Ingrid Rubio,
– El drama-musical “Tango (1998)” con Cecilia Narova
– El drama “Goya en Burdeos (1999)” con Francisco Rabal
– El film de aventura-fantasía “Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) con Pere Arquillué
– El musical “Fardo (2007)” con Chico Buarque de Hollanda, Camané y Carlos do Carmo

Carlos Saura

Carlos Saura en el estreno de “Don Juan” en el 4to Festival de Cine de Roma. Foto Massimo Valichia

Fernando Rodríguez Trueba (1955) es uno de los directores más activos en España. Ha dirigido una buena cantidad de filmes, cuya calidad es indiscutible. Así ha dirigido:

– Las comedias “Ópera prima (1980)” con Ladoire y Paula Molina, film que se considera va por los cauces habituales de la comedia madrileña y que viene a ser su primer éxito,
– “Sé infiel y no mires con quién (1985)” con Ana Belén y Carmen Maura, film con adaptación al cine de la obra de John Ray Chapman,
– “El año de las luces (1986)” con Jorge Sanz y Maribel Verdú, película basada en anécdotas de Manuel Huete
– El suspense-film de misterio “El sueño del mono loco (1989)” con Jeff Goldblum y Miranda Richardson, película filmada en lugares de París y con diálogos en inglés
– La comedia-romance “Belle époque (1992)” con Penélope Cruz y Miriam Díaz Aroca, película que tuvo mejor suerte con la crítica que “El sueño del mono loco” y que aborda los problemas de iniciación sexual de los jóvenes en los años 30
– La aceptable comedia “Two much (1993)” con Antonio Banderas, Melanie Griffith y Daryl Hannah
– la comedia “La niña de tus ojos (1998)” con Penélope Cruz, film que fuera rodado en Praga, en un ambiente de la época del nazismo alemán, con protagonistas impensables como los Goebbels
– El documental musical “Calle 54 (2000)” sobre el jazz latino El Documental por “El milagro de Candeal (2004)”
– El drama “El artista y la modelo (2012)” con Jean Rochefort, Aida Folch y Claudia Cardinale

60th San Sebastian Film Festival: 'El artista y la modelo' photocall

Fernando Rodríguez Trueba en San Sebastián, 2012 Foto: Jack Abuin/ZUMAPRESS.com

Dassin y Losey: Una tragedia común

Una injusticia hecha al individuo es una
amenaza hecha a toda la sociedad.
Montesquieu

Esteban Hernández

Existe una página negra en la historia del cine de Hollywood, negra no solo por la persecución implantada sino por lo que se derivó después entre delaciones y falsas acusaciones, me refiero al llamado macartismo o caza de brujas, que se desarrolló entre 1950 y 1956 en EEUU, proceso liderado por un individuo ambicioso, carente de escrúpulos, que utilizó todos los medios para destruir a actores/actrices, directores, productores y cuanta gente se le pintara roja o de izquierda. Pienso que esas son cosas de sociedades poco democráticas, de dictaduras, pero que en el ámbito norteamericano nunca debió haber tenido lugar. Las técnicas del macartismo se basaban en incriminar falsamente a los acusados, con hechos jamás comprobados, o incluir a determinados grupos en la lista de organizaciones pro-comunistas, sin que estos lo fueran. Se le llamó caza de brujas por su parecido con un proceso similar en el Medioevo, pues los acusados no tenían forma de demostrar su inocencia. Ese tipo de maraña, por llamarlo de alguna manera, no ha sido exclusivo del macartismo, quiero aclarar. Como dije las dictaduras son ejemplo de ello, no permiten hablar y basta que alguien lo haga, para que los de arriba acusen y los jueces servilmente acaten los elementos falsos para luego condenar sin piedad. El macartismo tuvo buena cobertura de la prensa y los elementos contrarios a este proceso fueron también de carácter público. Por suerte, ya antes que finalizara la década de los 50 y antes de la muerte de McCarthy, este proceso se vino abajo, aunque como ya dije, sus heridas ahí han quedado hasta hoy día.

Joseph McCarthy como persona era poco cosa, me imagino que un ser mentalmente enfermizo, quien terminó su vida alcoholizado en 1957. La justicia de la naturaleza se lo llevó definitivamente, pero él lesionó a muchos artistas y al arte del cine en sí. Aquí quiero referirme a dos grandes directores norteamericanos, muy distintos de Elia Kazan, que habló hasta por los codos cuando compareció ante el Comité de Actividades Anti-Norteamericanas, uno es Joseph Losey y el otro Jules Dassin, los que fueron víctimas de la caza de brujas y no acataron las ordenes de ir a testificar y optaron por el exilio.

Joseph Losey se inició como director en cine en 1943, pero fue llamado a servicio militar y no regresó al cine hasta 1945. Entre sus primeras realizaciones como director están el documental educativo, “A gun in his hands (1945)” (Un arma en sus manos) y el film “Galileo Galilei (1947)”. Su gran éxito llegó con el film “El muchacho de los cabellos verdes (1948)”, película que va contra el racismo.

Joseph Losey

Joseph Losey

A continuación dirigió algunos suspenses, entre ellos el remake de “M (1951)”, que Fritz Lang había dirigido en décadas anteriores en Alemania, y “El merodeador (1951)” protagonizado por Van Heflin, película filmada en Italia. Durante esta filmación se acusó a Losey de comunista por parte del Comité de actividades anti-americanas, ya que él había cursado estudios teatrales en Kiev, Moscú y Leningrado con anterioridad y mantenía contactos con los profesionales del arte de la Unión Soviética. Losey no compareció a declarar ante el comité ya mencionado, optó por exilarse en Inglaterra y realizó filmes bajo varios pseudónimos, tales como Andrea Forzano, Victor Hanbury y Joseph Walton. No tenía otra forma que esconderse para poder continuar su obra.

Van Heflin y Evelyn Keyes en una escena de El Merodeador (1951)

Van Heflin y Evelyn Keyes en una escena de “El merodeador (1951). Losey recibión notificación del Comité de actividades antiamericanas durante el rodaje de este film en Italia. Foto: doctormacro.com

En Gran Bretaña gozó de completa libertad desde 1954. Entre sus filmes más destacados entonces están:

– Los estupendos dramas “Eva (1962)” con Jeanne Moureau y Stanley Baker
– “El sirviente (1963)” con Bogarde y James Fox, que logró realizar acreditado con su verdadero nombre
– El drama –film de guerra “Rey y patria (1964)” con Bogarde, uno de sus mejores filmes en su carrera
– La comedia -suspense “Modesty Blaise (1966)” con Monica Vitti y Bogarde
– Los dramas “Accidente (1967)” con Bogarde y Stanley Baker,
– “La mujer maldita (1968)” con Elizabeth Taylor y Richard Burton,
– “El mensajero (1970)” con Allan Bates y Julie Christie
– El film de acción “Caza humana (1970) con Robert Shaw.
– Los dramas “El asesinato de Trotsky (1972)” con Richard Burton, Alain Delon y Rommy Schneider,
– “Galileo (1975)” con Topol,
– “El otro señor Klein (1976)” con Alain Delon y Jeanne Moreau, film que muestra la salvaje actitud de los nazis con todo aquello que pudiera parecer judío,
– “Don Giovanni (1979)” con Ruggero Raimondi,
– “La truite (1982)” (La trucha) con Isabelle Huppert y Jeanne Moreau,
– Su último film, “Los baños turcos (1985)” con Vanessa Redgrave, Diana Dors y Sarah Miles.

Afiche del film Rey y Patria de Joseph Losey

Afiche del film “Rey y Patria (1964)” de Joseph Losey

A pesar de que el Comité de actividades antiamericanas levantó las sanciones a Losey, este director jamás regresó a su natal EE.UU.

Jules Dassin fue un destacado director judío-americano de dramas y películas de crimen, quien en sus inicios dentro del séptimo arte intentó convertirse en actor, algo de lo que desistió al poco tiempo, para luego convertirse en director y guionista.

Jules Dassin

Jules Dassin

Dassin se crió en Harlem, Nueva York y una vez terminado sus estudios de escuela superior en 1929, se marchó a Europa para recibir clases de interpretación. A su regreso a Nueva York comenzó a actuar en obras del ARTEF Players habladas en yidish. A finales de la década de los 30, se sabe que Dassin se enroló en el partido comunista de los EE UU., membresía que abandonó una vez conoció del tratado Molotov- Ribbentrop firmado entre la URSS y la Alemania nazi. Casi al mismo tiempo, Dassin se trasladó a Hollywood, donde sirvió de discípulo- asistente de Hitchcok y Garson Kanin. Logró su primer gran éxito con el drama “Fuerza bruta (1947)” con Burt Lancaster, que se desarrolla en una cárcel con un cruel régimen penitenciario, al que le siguieron:

– El film de crimen “La ciudad desnuda (1948)” con Barry Fitzgerald
– Los filmes de cine negro “Mercado de ladrones (1949)” con Richard Conte, sobre un camionero que no cede ante la presión y chantaje de la mafia,
– “Noche en la ciudad (1950)” con Richard Widmark y Gene Tierney, film de los mejores realizados por Dassin, que se desarrolla en Londres con un Widmark convertido en un farsante que al final se quema en su propia salsa

Mientras Dassin desarrollaba su actividad como realizador, le llegaba una citación a declarar en el comité de actividades antiamericanas por su pasada afiliación al partido comunista y ser acusado como tal por los directores Edward Dmytryk y Frank Tuttle. Dassin se negó a testificar y abandonó los EE UU en 1953, trasladándose a París, donde realizó, con muchas dificultades financieras, el estupendo film de crimen “Rififi (1955)” con Jean Servais y Carl Möhner, y donde él también actuó, película que gira alrededor de un gran robo de joyas por parte de un grupo mafioso que se ve luego acosado por otro clan más poderoso. Para sorpresa del propio Dassin, por “Rififi” recibió el premio de mejor director en el festival de Cannes de 1955.

Luego Jules contrajo matrimonio con la actriz griega Melina Mercouri, la misma que llegara a ser Ministra de Cultura de su país. Jules y Melina establecieron una buena colaboración, el primero dirigiendo y la segunda protagonizando interesantes películas como:

– El film de cine negro- crimen “La ley (1958)” con un reparto de actores y actrices impresionante, que incluyó además a Gina Lollobrigida, Marcello Mastroianni, Yves Montand y Serge Reggiani, película que se desarrolla en un ambiente de un pueblo meridional y mafioso
– La comedia-drama “Nunca en domingo (1960)”, donde se recrea algo de la vida en Grecia
– El famoso drama “Fedra (1962)”, también protagonizado por Anthony Perkins y Raf Vallone, película con un argumento sumamente excitante
– El film de aventuras “Topkapi (1964)” con Maximilian Schell y Peter Ustinov, película sobre un robo muy tecnificado en Turquía, donde Melina tuvo una buena interpretación
– Los dramas “Promesa al amanecer (1970)” con Assi Dayan,
– “I dokimi (1974)” (El ensayo) con Mikis Theodorakis, Olympia Dukakis, entre otros, película que es una fuerte acusación al régimen de opresión impuesto por la dictadura en Grecia en los 60,
– “Kravgi gynaikon (1978)” (Un sueño de pasión) con Ellen Burstyn, en todos estos filmes con Melina Mercouri.

Dassin y Melina Mercouri en Nunca en domingo (1960)

Melina Mercouri y Jules Dassin en una escena de “Nunca en domingo (1960)”

Dassin murió el 31 de marzo de 2008 en Atenas, Grecia, como Losey, jamás volvió a su natal EEUU.

Bibliografía

Anon. Joseph McCarthy 1912-1957. Historiassiglo20.org. http://www.historiasiglo20.org/BIO/mccarthy.htm

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine italiano II

El mundo es redondo y
el que no flota se va al fondo
Dino Risi

Esteban Hernández

Alberto Lattuada (1913-2005)
Director perteneciente al movimiento neorrealista del cine italiano, quien en los años 30 se desempeñaba como arquitecto y fotógrafo sin perder su devoción por el cine. Su primer trabajo como director fue con el drama “Giacomo l’idealista (1943)” con Massimo Serato, al que le siguió el documental “La nostra guerra (1945)”. Terminada la Segunda Guerra, Lattuada comenzó a realizar filmes dentro de la corriente neorrealista prevaleciente en la Italia de aquel tiempo. Entre sus mejores filmes están:

– El drama-film de crimen “Il bandito (1947)” con Anna Magnani y Amedeo Nazzari
– Los dramas “El delito de Giovanni Episcopo (1947)” con Aldo Fabrizi y Roldano Lupi,
– “Senza pietà (1948)” (Sin piedad) con Carla Del Poggio.
– “Ana (1951)” con Raf Vallone y Vittorio Gassman,
– “La lupa (1952)” (La loba) con Kerima y Ettore Manni
– Las comedias-dramas “El alcalde, el escribano y su abrigo (1952)” con Renato Rascel, que viene a ser un relato adaptado del escritor Nikolai Gogol,
– “La playa (1954)” con Mario Carotenuto, film que con vehemencia muestra la hipocresía y la ambición por el dinero
– La comedia “Guendalina (1957)” con Jacqueline Sassard
– El film de aventura “La tempestad (1958)” con Silvana Mangano y Van Heflin
– El drama “Dulces engaños (1960)” con Catherine Spaak y Jean Sorel.
– el film de crimen-drama “L’imprevisto (1961)” con Anouk Aimée y Tomas Milian
– El film de aventura “La steppa (1962)” con Charles Vanel y Marina Vlady
– La comedia “Mafioso (1962)” con Alberto Sordi
– Los dramas “Corazón de perro (1975)” con Max Von Sydow y Eleonora Giorgi,
– “Así como eres (1978)” con Marcello Mastroianni y Nastassja Kinski,
– el serial de cuatro episodios “Cristoforo Colombo (1985)”.

Alberto Lattuada

Alberto Lattuada

Sergio Leone (1929-1989)
Uno de los realizadores más brillantes de Europa, quien no se destacó por realizar un número grande de filmes, pero si de calidad. Leone fue el director no americano más destacado de oestes. También acreditado en algunos filmes con el nombre de Bob Robertson, era hijo de Vincenzo Leone, uno de los pioneros del cine silente italiano y de la actriz Francesca Bertini, por lo que desde niño sintió inclinación por el cine. Entres sus filmes más destacados están:

– Los filmes épicos-históricos “El coloso de Rodas (1961)” con Rory Calhoun y Lea Massari
– “Los últimos días de Pompeya (1960)” con Steve Reeves
– Los oestes “Por un puñado de dólares (1964)” con el entonces joven Clint Eastwood y Gian Maria Volonté, film que no es más que una adaptación del “Yojimbo, el bravo (1961)” de Akira Kurosawa
– “El bueno, el feo y el malo (1966)” con Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef
– “El magnífico extranjero” (1967) con Lloyd Corrigan
– El muy logrado “Hasta que llegó su hora (1968)” con un extenso reparto encabezado por Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards y Charles Bronson
– El oeste-comedia “Agáchate, ¡maldito! (1971)” con James Coburn y Rod Steiger

Sergio Leone

Sergio Leone

Mario Monicelli (1915-2010)
Uno de los mejores exponentes de la comedia italiana, hijo del crítico teatral y periodista Tommaso, licenciado en historia y filosofía, que desde 1932 ejerció como crítico de cine y luego se adentró en la dirección fílmica. A destacar son los siguientes filmes:

— El drama “Proibito” (1954) con Mel Ferrer, Amedeo Nazzari y Lea Massari
– Las comedias “Toto e Carolina (1955)” con Totò,
– “Padri e figli (1957)” (Padres e hijos) con Vittorio De Sica y Marcello Mastroianni
– La comedia-film de crimen “Rufufú (1958)” con Vittorio Gassman y Renato Salvatori, film considerado entre los mejores realizados por Monicelli
– La comedia-drama “La gran guerra (1959)” con Alberto Sordi y Gassman nuevamente.
– El film de crimen-drama “I compagni (1963)” (Los compañeros) con Mastroianni y Salvatori
– El drama-comedia “Casanova ’70 (1965)” con Mastroianni y Virna Lisi
– El film de aventura-comedia “L’armata Brancaleone (1965)” con Gassman y Catherine Spaak, y su secuela “Brancaleone alle crociate (1970)” (Brancaleone a las cruzadas) con Gassman y Stefania Sandrelli
– La comedia-drama “La ragazza con la pistola (1968)” (La chica con la pistola) con Monica Vitti
– Las comedias “Amici miei (1975)” (Mis amigos) con Ugo Tognazzi, film basado en una idea de Pietro Germi,
– Las comedias “Il Marchese del Grillo (1981)” (El marqués de Grillo) con Sordi, película considerada como todo un clásico de la comedia italiana,
– “Bertoldo, Bertoldino e Cacasenno (1984)” con Ugo Tognazzi,
– “Le due vite di Mattia Pascal (1985)” (Las dos vidas de Mattia Pascal) con Mastroianni y Senta Berger,
– “Speriamo che sia femmina (1986)” (Esperamos que sea hembra) con Liv Ullmann, Catherine Deneuve y Stefania Sandrelli nuevamente
– La comedia-drama “Il male oscuro (1990)” con Giancarlo Giannini, Emmanuelle Seigner y Stefania Sandrelli nuevamente
– El drama-musical “Rossini Rossini” (1991) con Philippe Noiret y Sergio Castellitto
– La comedia “Cari fottutissimi amici (1994)” con Paolo Villaggio

Italian Screenwriter Suso Cecchi D'Amico (1914 - 2010) Funeral

Mario Monicelli (Foto: Evandro Inetti/ZUMApress.com)

Pier Paolo Pasolini (1922-1975)
Destacado poeta y escritor, el que más tarde se involucró en el mundo del cine, primero como guionista, a partir de 1954, y luego como director. El arte de los poemas le vino desde temprano, ya que a los siete años compuso su primera poesía, luego a la edad de diez años compuso otra en la lengua local de Frulia, que era del dominio de su madre. Sus primeras novelas fueron “Ragazzi di vita (1955)” (Chicos de la vida) y “Una vida violenta (1959)”. Sus escritos eran críticos y nada comprometidos con el orden social existente en la Italia de post- guerra. Su forma de pensar le valió incluso su expulsión de las filas del Partido Comunista Italiano por considerarla deletérea, y estar bajo la influencia de otros pensadores como Gide y Sartre. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “Mamma Roma (1962)” con Anna Magnani y Ettore Garofolo
– “El evangelio según Mateo (1964)” con Enrique Irazoqui y Margherita Caruso, película que presenta el nacimiento de Jesús de forma real y que le valió elogios en general.
– La comedia “Pajaritos y pajarracos (1966)” con Totò y Ninetto Davoli
– Los dramas “Edipo rey (1967)” con Silvana Mangano y Franco Citti
– “Pocilga (1969)” protagonizado por Ugo Tognazzi,
– “Medea (1969)” con Maria Callas y Giuseppe Gentile
– El escandoloso “El Decamerón (1971)” con Franco Citti y Ninetto Davoli, en el que se narran tres historias adaptadas libremente de la famosa obra literaria, casi todas habladas en el dialecto de la localidad de realización,
– “Los cuentos de Canterbury (1972)” con Hugh Griffith y Laura Betti, en drama que relata cuentos, con buena carga de ironía, sobre el peregrinaje a Canterbury,
– “Las mil y una noche (1974)” con Davoli y Citti nuevamente, donde Pasolini cambia toda la historia y la relata a su manera de forma atrevida
– Su último film, el drama-film de terror “Salò o los 120 días de Sodoma (1975)” con Paolo Bonacelli y Giorgio Cataldi, película que viene a ser un híbrido de los horrores del fascismo italiano con la historia del Marqués de Sade, obra esta última prohibida en muchas partes del mundo, incluida Italia.

Pasolini un buen día amaneció asesinado y aún nadie sabe quién fue el autor del crimen.

Pier Paolo Pasolini

Pier Paolo Pasolini

Giovanni Pastrone (1883-1959)
Uno de los fundadores del cine italiano, quien en su juventud se caracterizó por su temperamento y habilidad creativa, de quien se dice también que llegó a construir algunos instrumentos musicales y siempre trataba de llegar al final de sus obras. En 1909 comenzó a trabajar con la compañía Italia Film, donde se inició como productor y luego como director. Sus filmes fueron:

– “Giordano Bruno eroe di Valmy (1908)” (Giordano Bruno, héroe de Valmy),
– “Giulio Cesare (1909)”, “Padre (1912)”,
– “La caduta di Troia (1912)” (La caída de Troya)
– Su gran éxito, el film de aventura-drama “Cabiria (1914)” con Lidia Quaranta en el papel de Cabiria, película que recuerda las guerras púnicas
– El film de aventura “Maciste (1915)” con un ex –estibador, Bartolomeo Pagano, en el rol de Maciste
– “Il fuoco (1915)” (El fuego)
– El drama “Tigre reale (1916)” con Pina Menichelli
– El film de acción “Maciste alpino (1916)” con Pagano
– El film animado “La guerra è il sogno di Momi (1916)” (La guerra es el sueño de Momi),
– “Maciste atleta (1917)” con Pagano nuevamente
– Un nuevo animado “Outwiting the hun (1918)” (Venciendo a los hunos),
– “Hedda Gabler (1919)”
– Su último film, “Povere bimbe (1923)” (Pobres niñas).

Giovanni Pastrone

Giovanni Pastrone

Antonio Pietrangeli (1919-1968)
Director de comedias y algunos dramas, en los que gustaba de tocar los temas que más aquejaban a las mujeres. Además de haber sido médico, era crítico de cine, cuyos escritos aparecían en la revista antifascista “Cinema” o en “Bianco e nero”. Sus mejores filmes fueron:

– El drama “Il sole negli occhi (1953)” (El sol en los ojos) con Gabriele Ferzetti, con una trama sumamente melancólica que relata las peripecias de una camarera
– Las comedias “El soltero (1955)” con Alberto Sordi y Sandra Milo, que fuera su actriz predilecta,
– “Nacida en marzo (1957)” con Jacqueline Sassard y Gabriele Ferzetti
– El estupendo drama-comedia “Adua y sus amigas (1960)” con Simone Signoret, Marcello Mastroianni y Sandra Milo, film que aborda el problema entonces existente de la prostitución ilegal en Italia y como era manejado por los círculos más influyentes de esa sociedad.
– Las comedias “La parmigiana (1963)” con Nino Manfredi y Catherine Spaak, film que describe la vida de un sitio rural, donde se distinguen las costumbres sencillas, a veces vulgares del lugar,
– “Celos a la italiana (1964)” con Gian Maria Volonté y Claudia Cardinale, film satírico basado en una adaptación de la novela de Crommelynck
– El drama “Yo la conocía bien (1965)” con Nino Manfredi y Stefania Sandrelli, película que presenta las ilusiones de una mujer joven, que busca el bienestar y la celebridad, y que en un momento dado se da cuenta de su fracaso y error

Antonio Pietrangeli

Antonio Pietrangeli

Gillo Pontecorvo (1919-2006)
Realizador de pocas obras, pero todas con contenido histórico veraz. Inicialmente dirigió un par de documentales y luego varios filmes de carácter histórico, entre ellos:

– Los dramas “Prisionero del mar (1957)” con Yves Montand y Alida Valli, que relata la vida de un pescador italiano,
– El formidable “Kapò (1959)” con Susan Strasberg, que aborda las peripecias de una joven judía en el campo de concentración de Auschwitz en Alemania
– Su gran obra, el histórico “La batalla de Argel (1965)” con Brahim Haggiag, que trata sobre la guerra de liberación de ese país magrebino
– Otro histórico “Queimada! (1969)” con Marlon Brando, que describe la colonización y saqueo de una isla imaginaria del Caribe durante el siglo XIX
– El suspense, histórico también, “Operación Ogro (1979)” con Gian Maria Volonté, que relata un hecho real de la lucha del pueblo español contra el franquismo.

Gillo Pontecorvo

Gillo Pontecorvo

Dino Risi (1917-2008)
Uno de los directores más productivos del cine italiano, quien se inscribe como uno de los mejores exponentes de la comedia social, de mucha creatividad y siempre alejado de los convencionalismos establecidos. Dicen que Risi entró en el mundo del cine por casualidad, ya que el director Alberto Lattuada le pidió que fuera su asistente para el film “Piccolo mondo antico (1941)” (Pequeño mundo antiguo). Risi aceptó la invitación más por curiosidad que por interés personal.

– La comedia-drama, bastante llena de tristeza y amargura “El signo de Venus (1955)” con Sofía Loren, Vittorio De Sica y Raf Vallone
– Las comedias “Sabella (1957)” con Sylva Koscina, Peppino De Filippo y Renato Salvatori
– “El estafador (1960)” con Vittorio Gassman, que fue su actor predilecto
– El drama-comedia “La escapada (1962)” con Gassman y Catherine Spaak
– Las comedias “Arreglo de cuentas en San Genaro (1966)” con con Ugo Tognazzi y Senta Berger
– “Il tigre (1967)” con Gassman y Ann-Margret
– El film de crimen-suspense “En nombre del pueblo italiano (1971)” con Gassman y Tognazzi, película sobre un asesinato del que se culpa a un industrial
– Los dramas-comedias “La mujer del cura (1971)” con Sofía Loren y Marcello Mastroianni, film donde un cura se tiene que alejar de la mujer que ama y a la que había prometido matrimonio por dictamen de la propia iglesia
– “Perfume de mujer (1974)”,
– “Querido papá (1979)”, en estos dos últimos con Gassman
– La comedia “Scemo di guerra (1985)” (Tonto de guerra) con Coluche

Dino Risi

Dino Risi

Roberto Rossellini (1906-1977)
Uno de los pioneros del neorrealismo en el cine italiano, quien se inició en el mundo de la gran pantalla en plena segunda guerra mundial. Su estilo neorrealista tuvo una notable influencia en el desarrollo ulterior del cine italiano y de algunos talentos, entre ellos Federico Fellini. También sus obras eran un testimonio de los crimenes de los nazis y fascistas en Italia:

– El drama “L’uomo della crocce (1942)” (El hombre de la cruz) con Alberto Tavazzi
– Sus dos grandes obras, los dramas-filmes de guerra “Roma, ciudad abierta (1945)” con Anna Magnani,
– “Camarada (1946)” con Carmela Sazio, considerados como los primeros filmes dentro del cine neorrealista italiano. Ambas películas tratan sobre la Italia durante el período de guerra.
– Los dramas “Alemania, año cero (1947)” con Edmund Moeschke
– “Europa ’51 (1952)” con Ingrid Bergman,
– El segmento “Envidia” del drama “Los siete pecados capitales (1952)” con Andrée Debar,
– “Viaje por Italia (1953)” con Bergman y George Sanders
– El segmento “Ingrid Bergman” de la comedia “Siamo donne (1953)” (Somos mujeres) con su hijo Renzo Rossellini
– “Dov’è la libertà…? (1954)” (¿Dónde está la libertad?) con Totò,
– “Ya no creo en el amor (1954)”
– El musical “Giovanna d’Arco al rogo (1954)” (Juana de Arco a la hoguera), estos dos últimos filmes protagonizados por Ingrid Bergman
– Los dramas “El general de la Rovere (1959)” con Vittorio De Sica, que aborda el tema de la resistencia
– “Viva Italia (1961)” con Renzo Ricci

Roberto Rossellini con Ingrid Bergman

Ingrid Bergman con su entonces esposo Roberto Rossellini (GLOBE PHOTOS, INC.)

Ettore Scola (1931)
Excelente director-guionista italiano, realizador de estupendos dramas y comedias, todos ellos con mensajes claros y argumentos sólidos a través de una aguda sátira. Entre sus filmes encontramos:

– La comedia-drama “El demonio de los celos (1970)” con Marcello Mastroianni y Monica Vitti.
– La comedia “Nos habíamos amado tanto (1974)” con Gassman, Nino Manfredi y Stefania Sandrelli, que describe la historia italiana ocurrida en los últimos 30 años
– La comedia-drama “Brutos, sucios y malos (1976)” con Francesco Anniballi, film considerado entre los mejores de Scola en su carrera
– El famoso drama “Una jornada particular (1977)” con Mastroianni y Sofía Loren, que reseña el encuentro de una pareja, una mujer casada mussolinista y un homosexual despedido de su trabajo por esa condición, en Roma el día de la visita de Hitler a Roma en 1938
– Los dramas “Entre el amor y la muerte (1981)” con Bernard Giraudeau,
– “La noche de Varennes (1982)” con Jean-Louis Barrault y Mastroianni
– El musical “La sala de baile (1983)”, que reseña el movimiento de los géneros musicales en Europa
– La comedia-drama “Macarrones (1985)” con Jack Lemmon y Mastroianni
– Los dramas “La familia (1987)” con Gassman y Stefania Sandrelli, film que muestra la evolución de una familia italiana en los últimos tiempos,
– “Splendor (1989)” con Mastroianni y Massimo Troisi
– La comedia “El viaje de Capitán Fracassa (1990)” con Vincent Perez, Emmanuelle Béart, Massimo Troisi y Ornella Muti
– El drama “Romanzo di un giovane povero (1995)” (Romance de un pobre joven) con Alberto Sordi

Ettore Scola

Ettore Scola

Mario Soldati (1906-1999)
Destacado escritor italiano, quien igualmente logró éxitos en su carrera como guionista-director de cine. Entre sus mejores filmes:

– Los dramas “Pequeño mundo antiguo (1941)” con Alida Valli,
– “Tragica notte (1942)” (Noche trágica) con Doris Duranti
– “Eugenia Grandet (1947)” con Alida Valli, film basado en la famosa obra del escritor Onore de Balzac,
– “Fuga en Francia (1948)” con Pietro Germi
– “La provinciana (1953)” con Gina Lollobrigida y Gabriele Ferzetti,
– “La chica del río (1955)” con Sofía Loren y Gérard Oury,
– La comedia “Sous le ciel de Provence (1956)” (Bajo el cielo de Provence) con Fernandel

Mario Soldati

Portada del Libro de Mario Soldati, Romances y cuentos cortos

Steno (1915-1988)
Gran realizador italiano, otro grande de la comedia, aunque también dirigió películas de otros géneros con mucho acierto. Entres sus tantos filmes, cabe destacar:

– La comedia “L’uomo, la bestia e la virtù (1953)” (El hombre, la bestia y la virtud) con Totò nuevamente,
– El drama-comedia “Un giorno in pretura (1954)” (Un día en tribunal de distrito) con Silvana Pampanini y Peppino De Filippo
– Las comedias “Un americano de…. Roma (1954)” con Alberto Sordi,
– “Le avventure di Giacomo Casanova (1955)” con Gabriele Ferzetti,
– “Mi hijo Nerón (1956)” con Sordi y Vittorio De Sica,
– “Letto a tre piazze (1960)” (Cama de tres puestos) con Totò
– “El trasplante (1970)” con Carlo Giuffrè
– El film de crimen-drama “La polizia ringrazia (1972)” (La policía agradece) con Enrico Maria Salerno
– Los filmes de acción-comedia “Piedone lo sbirro (1974)”,
– “Piedone a Hong Kong (1975)”, en ambos con Bud Spencer, que fue otro actor predilecto de Steno

Steno

Steno

Luchino Visconti (1906-1976)
Uno de los directores más destacados del cine italiano de post-guerra, muy próximo al neorrealismo, quien gustaba realizar filmes basados en grandes obras de la literatura. Para recordar son sus filmes:

– Los dramas “Las noches blancas (1957)” con Maria Schell y Marcello Mastroianni, film basado en una obra del escritor Dostoievski
– El famoso “Rocco y sus hermanos (1960)” con Alain Delon y Renato Salvatori, película que muestra los problemas de una familia del sur italiano que emigra al norte del país en la búsqueda de empleo y un mejor estandar de vida.
– “El gatopardo (1962)” con Burt Lancaster, Alain Delon y Claudia Cardinale, film con adaptación de la novela del mismo nombre de Tomasi di Lampedusa, donde la trama deja ver que lo viejo da paso a lo moderno con nuevos intereses y aspiraciones
– El drama-film de guerra “La caída de los dioses (1969)” con Dirk Bogarde, película que aborda aspectos del nazismo
– Los dramas “Muerte en Venecia (1971)” con Bogarde nuevamente, con trama tomada de la novela de Thomas Mann,
– Confidencias (1974)” con Lancaster, Helmut Berger y Silvana Mangano

Luchino Visconti

Luchino Visconti

Lina Wertmuller (1928)
Directora de cine italiano, de mucho éxito como realizadora en la década de los 70, sobre todo de películas con héroes anarquistas o feministas, cuyos títulos de sus películas son los más largos que se hayan registrado en el cine de todos los tiempos. Entre sus mejores filmes:

– La comedia “Questa volta parliamo di uomini (1965)” (Esta vez hablamos de hombres) con Nino Manfredi
– El drama “Amor y anarquía (1973)”
– Las comedias-dramas “Insólita aventura de verano (1974)”,
– “Pascualino, siete bellezas (1976)” con Fernando Rey
– El suspense “Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova – si sospettano moventi politici (1978)” (Hecho de sangres entre dos hombres por causa de una viuda- se sospechan movimientos políticos) protagonizado por el dúo de Sofía Loren y Marcello Mastroianni
– Los dramas “La fine del mondo nel nostro solito letto in una notte piena di pioggia (1978)” (El fin del mundo, en nuestro lecho acostumbrado, en una noche de abundante lluvia) con Candice Bergen, film que fuera realizado en inglés,
– “Francesca e Nunziata (2001)” con la Loren y Raoul Bova
– La comedia-drama “Sotto… sotto… strapazzato da anomala passione (1984)” (Bajo, bajo, roto de una anormal pasión) con Enrique Montesano
– Las comedias “Sabato, domenica e lunedi (1990)” (Sábado, domingo y lunes) con Sofía Loren
– “Mi querido profesor (1993)” con Paolo Villaggio

lina-wertmuller

Lina Wertmuller (Foto: Adam Scull/PHOTOlink.net)

Luigi Zampa (1905-1991)
Director del cine italiano, seguidor de la democracia cristiana en su país, notable por sus denuncias sarcásticas a la corrupción, sus burlas a los cánones establecidos, los que presentaba a través de dramas o comedias. Una muestra de ello fueron los filmes a continuación

– Los dramas “Vivir en paz (1947)” con Aldo Fabrizi, el cual fue un verdadero mensaje a la paz y considerado como toda una joya del neorrealismo italiano,
– “La diputada Angelina (1947)” con Anna Magnani, film satírico sobre cómo lograr un ambiente democrático en la Italia de pos- guerra
– “Años difíciles (1948)” con Umberto Spadaro,
– “Cuori senza frontiere (1949)” (Corazones sin frontera) con Gina Lollobrigida y Raf Vallone, film que aborda los problemas derivados de la guerra en el territorio de Trieste, cuya soberanía estaba en litigio por la parte italiana y la yugoslava,
– “Proceso a la ciudad (1952)” con Amedeo Nazzari y Silvana Pampanini,
– Las comedias-dramas “Una cuestión de honor (1965)” con Ugo Tognazzi
– La comedia “El médico de la mutua (1968)” con Sordi, film que pone en evidencia los problemas de un servicio de salud
– “Bisturi, la mafia bianca (1973)” con Gabrielle Ferzetti y Senta Berger

Luigi Zampa

Luigi Zampa

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine italiano I

Las ideas mueven el mundo sólo si antes
se han transformado en sentimientos.”
Elizabeth Taylor

Esteban Hernández

Michelangelo Antonioni (1912-2007)
Considerado uno de los mejores realizadores del cine italiano de todos los tiempos, cuyos filmes se han caracterizado por el neorrealismo. La estructura de sus obras no se basa en tramas particulares o análisis de un personaje, son peliculas que reflejan un paisaje real o un ambiente. Aquí las personas son partes móviles del ambiente, con sus sueños y aspiraciones, sus reservas emocionales y sus defectos. Entre sus mejores filmes están:

– “La aventura (1960)” conn Monica Vitti y Gabriele Ferzetti, film que entrecruza la vida de dos personas que se conocían pero no intimamente,
– “La noche (1961)” con Jeanne Moreau, Marcello Mastroianni y Monica Vitti, que muestra la deteriorada relación entre marido y mujer,
– “El eclipse (1962)” con Monica Vitti una vez más y Alain Delon, film que muestra la normal incomprensión entre los seres humanos,
– “El desierto rojo (1964)” con Monica Vitti y Richard Harris,
– “Blowup, deseo de una mañana de verano (1966)”, su primer film en inglés y rodado en Londres, con Vanessa Redgrave, película que guarda algún parecido en su realización con “La aventura”, con la diferencia que el guión es aquí mucho más liberal,
– “Zabriskie Point (1970)”, film realizado en EE.UU., que no tuvo tanto éxito, con Mark Frechette y Daria Halprin,
– El drama-suspense “El reportero (1975)” con Jack Nicholson y Maria Schneider, donde un corresponsal de guerra no hace lo indicado y toma otro camino en su vida laboral

antonioni

Michelangelo Antonioni

Mario Bava (1914-1980)
Notable director de filmes de aventura y de horror-misterio-suspense. Como cinematógrafo trabajó hasta 1960 colaborando con realizadores como Riccardo Freda, Jacques Tourneur y Raoul Walsh. Como director debutó con el film de horror “La máscara del demonio (1960)”. Entre sus más mejores filmes dirigidos:

– Los filmes de aventura “Hércules en el centro de la Tierra (1961)” co-dirigido con Franco Prosperi y protagonizado por Reg Park,
– “La furia de los vikingos (1961)” con Cameron Mitchell
– El film de misterio-suspense “La muchacha que sabía demasiado (1963)” con Letícia Román y John Saxon
– Los filmes de horror “Las tres caras del miedo (1963)” co-dirigido con Salvatore Billitteri y protagonizado por Michèle Mercier,
– “Seis mujeres para el asesino (1964)” con Cameron Mitchell y Eva Bartok,
– “Terrore nello spazio (1965)” con Barry Sullivan
– “Bahía de sangre (1971)” con Claudine Auger,
– “Barón Blood (1972)” con Joseph Cotten,
– “El diablo se lleva los muertos (1973)” co-dirigido con Alfredo Leone y protagonizado por Telly Savalas

mario-bava

Mario Bava

Bernardo Bertolucci (1940)
Director de renombre internacional, que gusta de abordar temas históricos y políticos, en los que añade el ingrediente amoroso o sexual, en ocasiones exageradamente para algunos críticos. Sus filmes tienen su originalidad, éstos se apartan drásticamente de lo habitual en las realizaciones. Entre sus filmes están:

– El drama “Prima della Rivoluzione (1964)” (Antes de la revolución) con Evelina Alpi y Gianni Amico, film que le dio fama y puede considerarse como su primer gran éxito
– “El conformista (1970)” con Stefania Sandrelli y Jean-Louis Trintignant, film que aborda los elementos de simpatía logrados inicialmente por el fascismo
– El famoso drama “El último tango en París (1972)” con Marlon Brando y Maria Schneider, film que posee un final trágico cuando todo parecía color de rosa en el amor de un hombre y una mujer, cuyas escenas provocadoras dieron lugar a mucho ruido y críticas de distintos sectores moralistas de la sociedad, que llegaron a considerarlas obscenas
– El drama-film de guerra “1900 (1976)” con Robert De Niro y Gérard Depardieu, que aborda como se termina al final de una guerra cuando no hay programa o no hay nada previsto para cambiar lo existente.
– El drama “Historia de un hombre ridículo (1981)” con Anouk Aimée, Ugo Tognazzi y Laura Morante
– El drama histórico “El último emperador (1987)” con John Lone y Peter O´Toole, film que es uno de los mejores en la filmografía de Bertolucci y que trata sobre la vida del último monarca antes y después de la Revolución china durante el siglo XX
– Los dramas “El cielo protector (1990)” con Debra Winger y John Malkovich, film que se desarrolla en el norte de África, que presenta un desenlace inesperado entre momentos de alegría y desgracias, y que en la modesta opinión del que suscribe, este es el mejor film de Bertolucci,
– “Pequeño Buda (1993)” con Keanu Reeve y Ruocheng Ying, cuya trama aborda a su manera la vida del principe Siddharta entrelazada con una historia del mundo actual

Bernardo Bertolucci

Bernardo Bertolucci

Mauro Bolognini (1922-2001)
Famoso director de cine italiano, que fuera conocido por sus agradables modales y sus peliculas en variados temas, la gran mayoría basadas en obras de grandes escritores como Alberto Moravia, Stendhal y otros más. Notables son los siguientes filmes:

– Los dramas “La notte brava (1959)” con Rosanna Schiaffino, film considerado entre sus mejores realizaciones,
– “La giornata balorda (1959)” (Día de los inocentes) con Lea Massari y Jean Sorel.
– El drama-comedia “El bello Antonio (1960)” del escritor Vitaliano Brancati con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Pierre Brasseur y Tomás Milian, film que trata la historia de un bello joven burgués impotente que desilusiona a la novia que toma por esposa
– Los dramas “La corruzione (1963)” con Alain Cuny y Rosanna Schiaffino
– “Las cuatro brujas (1966) con Claudia Cardinale y Alberto Sordi entre otros actores/actrices
– El film de aventura “Mademoiselle de Maupin (1966)” con guión de Gautier y protagonizado por Catherine Spaak y Tomás Milian
– Las comedias “Arabella (1967)” con Virna Lisi y James Fox,
– El segmento “Nuites romances” (Noches románticas) de “Le plus vieux métier du monde (1967)” (El oficio más viejo del mundo) con Elsa Martinelli y Gastone Moschin

Mauro Bolognini

Mauro Bolognini

Luigi Comencini (1916-2007)
Uno de los grandes promotores de la cinemateca italiana y del neorrealismo en el cine, quien pasó su infancia en Francia, y de adolescente se trasladó a Milán para estudiar arquitectura. En sus años estudiantiles creó un grupo de aficionados al cine, donde conoció a futuros directores, como fueron Alberto Lattuada y Mario Ferrari. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “La tratta delle bianche (1952)” (La trata de las blancas) con Silvana Pampanini, Vittorio Gassman y Eleonora Rossi Drago
– Las comedias “Pan, amor y fantasía (1953)” y “Pan, amor y celos (1954)”, ambas protagonizadas por Vittorio De Sica y Gina Lollogibrida, filmes que confirman el estilo neorrealístico de Comencini y que llevaron a la Lollobrigida al estrellato,
– “El signo de Venus (1955)” con Sofía Loren y Franca Valeri,
– “La bella de Roma (1955)” con Silvana Pampini y Alberto Sordi,
– El excelente drama “La chica de Bube (1963)” con Claudia Cardinale y George Chakiris, film que aborda la vida de una joven italiana enamorada de un joven comunista encarcelado de un dudoso delito en la pos-guerra
– Las comedias “Le bambole (1964)” (Las muñecas) con Virna Lisi, Gina Lollobrigida y Nino Manfredi,
– “El camarada Don Camilo (1965)” con Gino Cervi y Fernandel

Luigi Comencini

Luigi Comencini

Sergio Corbucci (1927-1990)
Uno de los mejores directores del cine de entretenimiento italiano, quien siempre mostró una alta capacidad de creatividad en cada una de sus películas, fueran éstas, comedias, filmes de acción e incluso oestes. En su filmografía hallamos:

– “Chi si ferma è perduto (1960)” (El que se para está perdido),
– “I due marescialli (1961)” (Los dos mariscales) con Vittorio De Sica también,
– “Totò, Peppino e la dolce vita (1961)”,
– “Lo smemorato di Collegno (1962)” (El olvidadizo de Collegno),
– “El día más corto (1962)” con Ciccio Ingrassia, Franco Franchi y Ugo Tognazzi también,
– “Gli onorevoli (1963)” (Los honorables),
– El drama-comedia “Il monaco di Monza (1963)” (El monje de Monza), todas estas películas protagonizadas por Totò
– Las películas épicas, de aventura u oestes “Rómulo y Remo (1961)” con Steeve Reeves y Virna Lisi,
– “El hijo de Espartaco (1963)” con Reeves y Jacques Sernas,
– “Joe, el implacable (1966)” con Burt Reynolds,
– “Django (1966)” con Franco Nero
– La comedia “Rimini Rimini (1987)” con Laura Antonelli, Virna Lisi y Jerry Calà

Sergio Corbucci

Sergio Corbucci

Vittorio DeSica (1901-1974)
Extraordinario actor-director del cine italiano, toda una estrella del séptimo arte, quien proviene de una familia humilde italiana. Como director, su obra se caracterizó por el amor, pero lejos de caer en el melodrama acostumbrado, él lo abordó con ironía exponiendo las mismas imperfecciones de cualquier ser humano en muchas de sus comedias. Su sátira fue todo un arte y fue fiel exponente del neorrealismo en el cine.  Entre sus realizaciones están:

– Los dramas “Ladrones de bicicletas (1948)” con Lamberto Maggiorani,
– “Corazón (1948)” co-dirigido con Duilio Coletti y protagonizado por el proprio De Sica,
– El famoso “Umberto D (1952)” con Carlo Battisti,
– “Stazione Termini (1953)” con Montgomery Clift, Jennifer Jones y Gino Cervi
– La comedia “El oro de Nápoles (1954)” con Totò
– El sobresaliente drama “Dos mujeres (1960)” con Sofía Loren y Jean-Paul Belmondo, film que se desarrolla en el período previo al fin de la guerra en una localidad montañosa al sur de Roma
– La comedia “El juicio universal (1961)”, con un extenso reparto encabezado por Alberto Sordi, Fernandel, Vittorio Gassman entre otros
– El segmento de la comedia “Boccaccio ’70 (1962)” con Sofía Loren nuevamente
– Las comedias “Il boom (1963)” con Sordi nuevamente,
– “Ayer, hoy y mañana (1963)” y “Matrimonio a la italiana (1964)” basada en la obra de E. De Filippo, “Filumena Maturano”, estas dos últimas películas protagonizadas por la Loren y Marcello Mastroianni
– Los dramas “Amanti (1968)” con Faye Dunaway y Marcello Mastroianni,
– “Los girasoles (1970)” con el dúo Loren-Mastroianni, sobre una historia de un combatiente que no regresa a su patria y decide quedarse a residir en la URSS.

Vittorio De Sica con Gina Lollobrigida

Vittorio De Sica junto a Gina Lollobrigida

Federico Fellini (1920-1993)
Cineasta que prácticamente marcó toda una época en el cine italiano, quien mostraba tramas poco convencionales, que corrían a veces de forma irracional, con imagenes que parecían revelaciones de sus sueños o sus ideas, ese fue Fellini, a quien se le considera todo un genio de la cinematografía nivel mundial y uno de los grandes exponentes del surrealismo en el cine. Entre sus filmes más famosos están:

– Los dramas “Los inútiles (1953)” con Franco Interlenghi y Alberto Sordi,
– “La strada (1954)” (La calle) con Anthony Quinn,
– “Almas sin conciencia (1955)” con Broderick Crawford, film que trata sobre un grupo de tramposos,
– “Las noches de Cabiria (1956)” con Giulietta Masina, quien fue probablemente su actriz preferida, film que trató la cuestión de la prostitución desde una perspectiva social más justa
– “La Dolce Vita (1960)” con Marcelo Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, film cuya estructura es difícil de seguir o entender, donde el movimiento de las personas parece que no tiene una ruta definida. El film tiene el mérito de mostrar las bellezas de Roma, desde la Fuente de Trevi, donde la Ekberg entra atrevidamente en el agua, hasta los restoranes de vía Veneto, donde los turistas ricos gastan dinero sin pensarlo
– “Ocho ½ (1963)” con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Anouk Aimée nuevamente, cuya trama es la de un director que logra un éxito y luego no sabe como seguir adelante en su trabajo
– Las comedias-dramas “Giulietta de los espíritus (1965)” con Giulietta Masina y Sandra Milo, donde se muestra como una mujer casada que al final abandona a su marido impertinente,
– “Roma (1972)” con Peter Gonzales, donde de nuevo no hay una secuencia clara del film, que más bien busca mostrar a Roma a los ojos de un simple espectador, cuando llegó a ella en el período de guerra y como la ve ahora en el presente
– El drama-comedia “Amarcord (1973)” con Pupella Maggio y Armando Brancia, que refleja la situación de la ciudad de Rimini, lugar de nacimiento de Fellini, durante el período de guerra

FEDERICO FELLINIPIP/GLOBE PHOTOS, INC.

Federico Fellini

Marco Ferreri (1928-1997)
Siempre se caracterizó por abordar temas atrevidos que rompían los prejuicios y preceptos establecidos. En su filmografía contestataria logró mezclar algo de dulzura con una crítica despiadada a los cánones existentes.

– Los dramas-comedias “El cochecito (1960)” con José Isbert
– “Se acabó el negocio (1963)” con Ugo Tognazzi y Annie Girardot, película que aborda las relaciones entre los sexos, donde suele predominar la explotación del más desprotegido y cuyo final fue cortado por su productor,
– “L’ape regina (1962)” (La abeja reina) con Tognazzi y Marina Vlady, film satírico anticatólico, donde se hace una burla al matrimonio al extremo que fue censurado y hubo que hacer cortes de algunas tomas, además de modificar el título
– El segmento “Il professore” del drama “Controsesso (1964)” con Tognazzi
– El estupendo drama “Dillinger ha muerto (1969)” con Annie Girardot y Michel Piccoli, donde se aborda el hecho de la soledad del hombre en la sociedad contemporánea
– El drama fantástico “Il seme dell’uomo (1970)” (La semilla del hombre) con la Girardot y Marco Margine
– El drama “Liza (1972)” con Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni
– El drama “La última mujer (1976)” con Gérard Depardieu y Ornella Muti
– Las comedias “Adiós al macho (1978)” con Gérard Depardieu y Mastroianni,
– “Un profesor singular (1979)” con Roberto Benigni,
– “La casa de la sonrisa (1988)” con Ingrid Thulin

Marco Ferreri

Marco Ferreri

Pietro Germi (1914-1974)
Uno de los maestros del cine neorrealista italiano, quien gustaba de abordar temas de prejuicios en la sociedad italiana, así como las formalidades llenas de hipocresía y doble moral. Sus filmes fueron siempre un ataque frontal a esas actitudes, donde se incluye el compromiso de hijas con hijos de buena fortuna, el problema del divorcio entonces existente en Italia, el adulterio y los celos. Dirigió:

– El film de crimen-drama “La ciudad se defiende (1951)” con Gina Lollobrigida
– La comedia “La presidenta (1952)” con Silvana Pampanini
– El drama “Gelosia (1953)” (Celos) con Alessandro Fersen,
– El film de crimen-drama “Un maldito embrollo (1959)” con Claudia Cardinale, estos tres últimos filmes protagonizados por el propio Germi
– La comedia-drama “Divorcio a la italiana (1961)”, todo un clásico del cine italiano protagonizado por Marcello Mastroianni y Stefania Sandrelli, film que aborda las peripecias de un hombre casado que quiere vivir con otra bella de su pueblo.
– El drama “Seducida y abandonada (1964)” con Stefania Sandrelli, cuya trama aborda la tragedia de una joven, la que sus padres quieren casar, como en tiempos medievales, con un joven no de su gusto pero si de buena posición económica.
– Las comedias “Señoras y señores (1965)” con Virna Lisi,
– “Muchas cuerdas para un violín (1967)” con Ugo Tognazzi y la Sandrelli,
– “El divorcio es cosa de tres (1972)” (conocido en otros países como “Alfredo, Alfredo”), con Dustin Hoffman y Stefania Sandrelli

Pietro Germi

Afiche alegórico al centenario del nacimiento de Pietro Germi

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Henryk Sienkiewicz, destacado escritor polaco

La profesión del escritor tiene sus espinas
sobre la que el lector no sueña
Henryk Sienkiewicz

Ricardo Labrada

En 2005 visitaba en misión de trabajo a Plonsk, Polonia. El colega polaco que me acompañaba me llevó a una casita rustica y me dijo que allí había vivido un escritor famoso de ese país. Al inicio no entendí bien quien era por la pronunciación, pero unos segundos después me di cuenta que era el conocido Henryk Sienkiewicz. Acto seguido le hablé de la trilogía de ese escritor: A sangre y fuego, El diluvio y Un héroe polaco. Realmente me las había leído en una época que en Cuba comprar libros por menos de un peso era muy normal. Las famosas ediciones Huracán me dieron esa posibilidad y así leer mucho de lo que desconocía de países como Polonia, Lituania, Ucrania, y sus guerras, donde los adversarios cambiaban continuamente unas veces era Turquía, otras Rusia, luego Suecia. Como había pasado mis estudios universitarios en Kiev, Ucrania, no me simpatizó mucho como Sienkiewicz caracterizó a Bogdan Khmelnitski, el famoso atamán de los cosacos de Zaporozhia, que uniera a Ucrania con Rusia siglos atrás en el primer tomo de su trilogía, cuyo título aceptado en español es “A Sangre y Fuego”, pero que en polaco se llama textualmente Ogniem i Mieczem (A Fuego y Espada). No obstante, puedo decir que me deleité leyendo esas obras y pude conocer mucho de la historia de esa región. Gran parte de sus obras han sido llevadas al cine, muchas de las cuales he también logrado ver, por lo que Sienkiewicz no era en este caso ningún desconocido.

Mi contraparte polaca se sorprendió que le conociera y que le hablara de algunas de las obras de este gran escritor, del cual quiero aquí hablar y cuyo nombre completo era Henryk Adam Aleksander Pius Sienkiewicz de Oszyk, con el pseudónimo de “Litwos”, palabra que traducida al español significa Lituania, pero que no representa a la Lituania que actualmente conocemos, sino toda una región que en su época ocuparon los territorios de las actuales naciones de Polonia, Lituania, Ucrania y Bielorrusia. El apodado Litwos había nacido en Wola Okrzejska el 5 de mayo de 1846, en el seno de una familia noble polaca empobrecida. Entonces Polonia estaba bajo el dominio del zarismo ruso.

Henry Sienkiewicz (Litwos)

Henryk Sienkiewicz (Litwos)

A los 19 años tomó un trabajo de tutor en el mismo Plonsk y fue durante ese período que escribió su primera obra (Sacrificio), la que posteriormente él mismo destruyó. Igualmente completó estudios de secundaria que los finalizó en 1866, y a la vez escribió su obra “En Vano”.

Litwos pensó estudiar inicialmente medicina, luego hacerse abogado en la Universidad Imperial de Varsovia, pero finalmente se decidió estudiar lengua polaca en el Instituto de Filología e Historia de la misma Universidad.

A partir de 1867 comenzó de manera intensiva su obra literaria. Una de sus primeras contribuciones fue “El idilio de la Juventud”, que fuera rechazado por la revista Semanario Ilustrado. Luego escribió un artículo sobre el poeta polaco de la época del renacimiento, Mikolaj Sep Szarzynski. En 1873 tenía una columna llamada “Sin un título” en la Revista Polaca, y en 1874 tuvo otra, “Asuntos Cotidianos” para la revista Niwa. En 1875 escribía en otro medio de prensa, su página se llamaba “El presente momento”.

Lo interesante fue que en 1871 no llegó a recibir diploma por sus estudios universitarios al no haber aprobado el examen de idioma griego.

Sienkiewicz igualmente colaboró en la traducción de la novela “El 93” de Víctor Hugo y a finales de la década de los 70 del siglo XIX se convirtió en co-propietario de la revista Niwa.

En su carrera literaria pudo viajar a varios lugares de Europa y EEUU. Sus viajes eran financiados por la revista Gazeta Polska. Durante esas visitas en el extranjero escribió algunas obras como “Cartas de un viaje”, “Cartas de Litwos de un viaje”, las que publicó en Gazeta Polska, así como otros artículos en Przegląd Tygodniowy (Reseña Semanal) y Przewodnik Naukowy i Literacki (Guía aprendida y literaria). Sienkiewicz, en sus viajes, vivió algún tiempo en San Francisco y luego en Anaheim, California, igualmente visitó muchos lugares no solo de California, sino otros en Nevada.

Regresó a Polonia y estuvo por un tiempo escribiendo en Lviv (actualmente territorio ucraniano) y luego en la capital polaca, Varsovia. Allí dio algunas conferencias y luego partió para Italia, visitando Venecia y Roma, donde conoció a Maria Szetkiewicz, quien fuera después su esposa de por vida.

Su trabajo continuó en la década de los 80 con mayor intensidad. En 1880 escribió la novella “Niewola tatarska” (Cautividad tártara), se convirtió en editor del periódico Słowo (La palabra). Poco después perdió interés por su trabajo de periodismo y fue entonces que se dedicó a escribir sus grandes obras. En 1883 inició su trabajo en la famosa trilogía. Su primera obra “A sangre y fuego”, él la había titulado al inicio “La guarida del lobo”. Escribió su segunda obra, Potop (El diluvio), entre diciembre de 1884 y septiembre de 1886. Después viajó con su esposa a sanatorios fuera de su país. Su esposa murió y continuó viajando. Su regreso a Varsovia tuvo lugar en 1887, fue cuando comenzó a escribir la tercera obra de su trilogía, Pan Wołodyjowski (Un héroe polaco o Sir Michael en inglés), que la terminó en mayo de 1888.

Afiche del film A sangre y fuego

Afiche del film polaco “Con sangre y fuego (1999)”

Escena de la película Diluvio (1974)

Escena del film polaco “El diluvio (1974)”

Daniel Olbrychski en una escena del film (Un héroe polaco 1969)

Daniel Olbrychski en una escena del film polaco “Un héroe polaco (1969)”

En 1891 concluyó su novela Bez Dogmatu (Sin dogma), la que fue publicando poco a poco en forma de serial en La Palabra. Algo similar hizo con otra novela, Rodzina Połanieckich (Familia de Polanieckich), que concluyó en 1894.

A continuación Litwos, como buen católico, escribió la obra que le hizo famoso, “Quo vadis? (1896)” (¿Adónde vas?). Según la obra, San Pedro y Cristo tuvieron un encuentro en las afueras de Roma durante el reinado del demente emperador Nerón.

Deborah Kerr y Robert Taylor en Quo Vadis (1951)

Deborah Kerr y Robert Taylor en “Quo Vadis (1951)”

En el período de 1897-1900 terminó su obra conocida como “Krzyzacy” (Los Cruzados o Los Caballeros Teutónicos), ambientada en la Polonia Medieval (finales del siglo XIV y comienzos del XV), historia de dos guerreros polacos que acuden a luchar en el frente durante la guerra polaco-lituana-teutona. Durante la batalla final de Grunwald, tendrán que enfrentarse a la orden de los caballeros teutónicos.

Los Caballeros Teutónicos (1960)

Los Caballeros Teutónicos (1960)

Otras de sus famosas obras fueron “Nadie es profeta en su tierra (1872)”, “Bocetos al carbón (1880)”, las novelas cortas “Bartek el vencedor (1882)”, y “El torrero (1880)”, “Sachem (1889)”. Durante el siglo XX escribió otra obra muy apreciada, W pustyni i w puszczy (A través del desierto y de la selva), que la concluyera en 1912.

W pustyni i w puszczy (1973)

Escena del film “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva)

Sienkiewicz fue un gran defensor de la causa de la independencia de su país. Famosa fue la carta que él dirigiera al Kaiser del imperio alemán, Guillermo II, donde claramente se oponía a la germanización de la Posnania, reconocida como cuna de la nación polaca, que fue capital de Estado y residencia de los monarcas polacos. Igualmente, al iniciarse la II Guerra Mundial, organizó en Suiza un comité para las víctimas de la guerra en Polonia.

Por sus aportes a la literatura, Litwos obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1905. De hecho se convirtió en el quinto premio Nobel en la historia de este galardón y el primero en obtenerlo de Europa Oriental. Él fue la viva representación del realismo en sus obras, donde quiso reflejar mucho de lo que aconteció en el territorio que le sirvió de sobrenombre de por vida, Litwos. Su visión patriótica exponía los peligros de la existencia de Polonia, y sin proponérselo realmente, hacía otro tanto para naciones actualmente reconocidas como Bielorrusia, Lituania y Ucrania. Tantos unos como otros vivían en eterno conflicto de territorios, de religión y de costumbres, ninguno quería ser dominado por el otro.

Varias obras de Litwos o Sinkiewicz fueron llevadas a la gran pantalla, entre ellas:

– El famoso film “Quo Vadis (1951)” dirigido por Mervyn LeRoy y Anthony Mann, protagonizado por Robert Taylor, Deborah Kerr y un convincente Peter Ustinov en el papel de Nerón, así como:

– Los filmes épicos “Los Caballeros Teutónicos (1960)” de Aleksandr Ford con Urszula Modrzynska y Grazyna Stanizewska, de producción polaca

– Col ferro e col fuoco (A sangre y fuego) (1962) de Fernando Cerchio con Jeanne Crain, Pierre Brice y Elena Zaresch, de producción franco-italo-yugoslava.

– “Pan Wolodyjowski (1969)” (Un héroe polaco) de Jerzy Hoffman con Tadeusz Lomnicki, Magdalena Zawadzka y Daniel Olbrychski

– “Potop (1974)” (El diluvio) de Jerzy Hoffman con Daniel Olbrychski y Malgorzata Braunek,

– “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva) de Wladyslaw Slesicki con Monika Rosca y Tomasz Medrzak o la versión en miniserie para la TV de Gavin Hood de 2001.

El destacado escritor murió el 15 de noviembre de 1916 en Vevey, Suiza.

Bibliografía consultada

Anon. Henryk Sinkiewicz. Biografías y Vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sienkiewicz.htm

Anon. Henryk Sinkiewicz. Culture.Pl. http://culture.pl/pl/tworca/henryk-sienkiewicz

Anon. 2012. Henryk Sienkiewicz – krótka biografia. Sciaga. http://sciaga.pl/tekst/137848-138-henryk-sienkiewicz-krotka-biografia

IMDB.com. Quo Vadis (1951). http://www.imdb.com/title/tt0043949/?ref_=nm_flmg_wr_15

IMDB.com. Pan Wolodyjowski (1969). http://www.imdb.com/title/tt0064785/?ref_=nm_flmg_wr_11

IMDB.com. Potop (1974). http://www.imdb.com/title/tt0072021/?ref_=nm_flmg_wr_8

IMDB.com .W pustyni i w puszczy (1973) http://www.imdb.com/title/tt0070894/?ref_=fn_al_tt_2

IMDB.com. A Sangre y Fuego (1999). http://www.imdb.com/title/tt0128378/?ref_=fn_al_tt_1

Grandes directores del cine francés II

Memoria y olvido son como la vida y la muerte.
Vivir es recordar y recordar es vivir
Morir es olvidar y olvidar es morir
Samuel Butler

Esteban Hernández

Jean –Luc Godard (1930) destacado director francés, todo un rebelde en sus guiones, que ha realizado filmes y documentales con temas sumamente irreverentes. Sus filmes mayormente se han centrado en la crítica a la sociedad en que vive, y son catalogados de vanguardista y experimental en el montaje. Bajo el pseudónimo de Hans Lucas escribió varias críticas de cine e igualmente trabajó en muchas oportunidades junto a François Truffaut en la preparación de artículos sobre cine en la revista “Temps de Paris” editada por ambos. Entre sus mejores películas están:

– La comedia-drama “Una mujer es una mujer (1961)” con su primera esposa, Anna Karina, y Jean-Paul Belmondo
– El drama “Vivir su vida (1962)” con Anna Karina, otro ejemplo de película dentro de la nueva ola
– El segmento “La Paresse” en la comedia “Los siete pecados capitales (1962)” con Eddie Constantine
– El drama “El desprecio (1963)” con Brigitte Bardot y Michel Piccoli
– El film de crimen-drama “Pierrot el loco (1965)” con Belmondo y la Karina, que resultara ser otro clásico de la nueva ola
– Los dramas “La China (1967)” con su segunda esposa, Anne Wiazemsky, film que trata de discutir las posiciones maoístas predominantes en la China de aquel entonces,
– El segmento “L’amore” en el drama “Amor y rabia (1969)” con Christine Guého,
– “Todo va bien (1972)” con Yves Montand y Jane Fonda, que aborda el romance de una pareja en París
– El documental sobre Vietnam “Letter to Jane (1972)” (Carta a Jane), con narración de Jane Fonda,
– Los dramas “Pasión (1982)” con Isabelle Huppert
– “Yo te saludo, María (1985)” con Myriem Roussel en el papel de la virgen María, film atrevido sobre la vida de la virgen, que no fue realmente aceptado en los medios religiosos

Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard

Claude Lelouch (1937) realizador de dramas románticos, quien se adentró en el mundo del cine a temprana edad y obtuvo premio en el festival de Cannes como amateur al realizar el corto “La mal du siècle (1950)” (El mal del siglo). Cuando su carrera se veía en pleno descenso económico, Lelouch emprendió la filmación del drama “Un hombre y una mujer (1966)” que fuera protagonizado por Anouk Aimée y Jean Louis Trintignant, donde además de dirigir y realizar su montaje, dedicó buen tiempo para servir como camarógrafo. El film resultó ser todo un éxito y un clásico de romance de todos los tiempos, cuya trama gira alrededor de la relación entre una pareja de viudos. Entre sus otros filmes destacados están:

– “L’amour avec des si (1962)” (En la afirmación) con Guy Mairesse
– “Vivir por vivir (1967)” con Yves Montand, Annie Girardot y Candice Bergen, donde se relata la vida de un periodista, siempre en misiones en lugares peligrosos, por largos períodos de tiempo, y su esposa siempre en casa esperando por la feliz llegada de su compañero, la moraleja es que “nadie sabe lo que tiene hasta que no lo pierde”
– El documental deportivo sobre las olimpiadas de invierno en Grenoble, “13 jours en France (1968)” (13 días en Francia)
– La comedia-drama “Del amor y de la infidelidad (1969)” con Jean Paul Belmondo y la Girardot
– La comedia “Una dama y un bribón (1973)” con Lino Ventura
– El drama “Toute une vie (1974)” (Toda una vida) con Marthe Keller
– El oeste “Otro hombre, otra mujer (1977)” con James Caan y Geneviève Bujold.
– El film de ciencia ficción “Viva la vida (1984)” con Charlotte Rampling y Michel Piccoli
– El drama-musical “Los unos y los otros (1981)” con Robert Hossein, Geraldine Chaplin y Nicole Garcia
– La secuela de un hombre y una mujer, “Un hombre y una mujer: 20 años después (1986)” con Jean Louis Trintignant y Anouk Aimée nuevamente, historia del reencuentro de los dos amantes, quienes tratan de recordar lo sucedido pero sin éxito para continuar el romance 20 años antes iniciado
– El drama “Testigo de excepción (1995)” con la actuación de Belmondo, la Girardot y Alessandra Martines, su actual esposa, film con la enésima adaptación fílmica de la obra del escritor Victor Hugo
– Co-dirigió junto con Vicente Aranda, Theo Angelopoulos, Costa Gavras y otros directores más el documental “Lumiere y compañía (1996)”.

Claude Lelouch

Claude Lelouch

Louis Malle (1932-1995) fue uno de los directores de la llamada nueva ola del cine francés, que se destacó principalmente en los años de la década de los 1950 y 60, realizando películas tanto en Europa como en los EE.UU., muchas de ellas demasiado atrevidas en su contenido, pues se adentraba en la crítica de los convencionalismos “éticos” establecidos. Sus películas más notables fueron:

– El film de crimen “Ascensor para el cadalso (1958)” con Jeanne Moreau y Maurice Ronet
– El explosivo drama “Los amantes (1958)” con Jeanne Moreau, el cual provocó una violenta reacción de la crítica y público conservador, ya que la película aborda abiertamente el problema del adulterio con escenas algo eróticas para aquel entonces
– Los dramas “Una vida privada (1961)” con Brigitte Bardot y Marcello Mastroianni,
– “Fuego fatuo (1963)” con Maurice Ronet
– La comedia-oeste “Viva María! (1965)” con la Bardot y la Moreau nuevamente
– El drama “La pequeña (1978)” con Brooke Shields, Keith Carradine y la presentación de la entonces casi novata Susan Sarandon,
– El estupendo film de crimen- romance “Atlantic City (1980)” con Burt Lancaster y la Sarandon nuevamente
– Los dramas “La bahía del odio (1985)” con Amy Madigan y Ed Harris, película que aborda la discriminación de los emigrantes vietnamitas en EEUU
– “Adiós, muchachos (1987)” con Gaspard Manesse, que trata el problema de la ocupación nazi en Francia,
– “Herida (1992)” con Jeremy Irons y Juliette Binoche, film lleno de suspense, infidelidad y triángulo amoroso.

Louis Malle

Louis Malle

Jean-Pierre Melville (1917-1973) fue director de un número reducido de películas, pero uno de los más originales en el campo de la realización fílmica. De origen judío, su afición por el cine se vio detenida cuando tuvo que servir en el ejército de su país a partir de 1937 y luego ingresar en la resistencia al momento de la ocupación nazi. Después de la guerra, Melville intentó integrar el sindicato de técnicos franceses, cuya membresía le fue negada, por lo que decidió crear su propia compañía de producción fílmica. Entres sus filmes más recordados están:

– El drama “Los niños terribles (1950)” con Nicole Stéphane, film cuyo guión fuera escrito junto a Jean Cocteau,
– El drama-film de crimen “Bob le flambeur (1955)” (Bob, el hombre de la llama) con Isabelle Corey y Roger Duchesne, película que tuvo una buena aceptación del público, y que puede haber influido algo en el pensamiento de los entonces jóvenes realizadores Jean-Luc Godard y François Truffaut
– Los dramas “León Morín, cura (1961)” protagonizado por el entonces joven Jean-Paul Belmondo, film que aborda la vida de un sacerdote en un pequeño pueblo durante los años de guerra
– “El confidente (1961)” con Belmondo y Serge Reggiani,
– El inolvidable “El silencio de un hombre (1967)” con Alain Delon en el papel del flemático asesino Jeff Costello,
– “El círculo rojo (1970)” con Delon, Yves Montand y Gian-Maria Volonté
– El film de guerra que aborda aspectos de la resistencia francesa, “El ejército de las sombras (1969)” protagonizado por Lino Ventura
– Su última película, el film de crimen “Crónica negra (1972)” con Delon, Richard Crenna y Catherine Deneuve.

Jean-Pierre Melville

Jean-Pierre Melville

Roman Polansky es director de origen polaco, pero nacido en París en 1933, que clasifica como uno de los más notables directores de cine de la segunda mitad del siglo XX y hasta el presente, sus películas suelen abordar aspectos de la historia, como hechos irreales llenos de horror y, en ocasiones, repulsivos. También gusta de abordar enredadas historias de amor, donde el homosexualismo también puede estar presente e incluso el incesto. Su primera etapa como director la desarrolló en Polonia y luego emigró a Francia definitivamente. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “El cuchillo en el agua (1962)” con León Niemczyk y Jolanta Umecka, que fue también su primera obra no asociada con la guerra, y cuya trama guarda cierta similitud con el filme franco-italiano “A pleno sol (1960)”.
– El suspense “Repulsión (1965)” con Catherine Deneuve
– El film de crimen “Chinatown (1974)” con Jack Nicholson y Faye Dunaway, film que denuncia un caso de incesto
– El drama-romance “Tess (1979)” con Nastassja Kinski, film que es una adaptación de la obra de Thomas Hardy, “Tess of the D’Urbervilles”
– El film de aventura “Piratas (1986)” con Walter Matthau
– El suspense “Frenético (1988)” con Harrison Ford y y la actual esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner
– El escandaloso suspense sexual “Lunas de hiel (1988)” con Hugh Grant, Peter Coyote, la Seigner y Kristin Scott Thomas
– El drama-suspense “La muerte y la doncella (1994)” con Sigourney Weaver
– El film de horror-misterio “La novena puerta (1999)” con Johnny Depp
– El formidable drama-film de guerra “El pianista (2002)” con Adrien Brody, que relata los horrores cometidos por los nazis sobre la población judía en Varsovia durante la Segunda Guerra Mundial
– El remake del drama “Oliver Twist (2005)” con Ben Kingsley y Barney Clark, basado en la obra del mismo nombre del escritor Charles Dickens.

Roman Polanski

Roman Polansky

Jean Renoir (1894-1979) era hijo del famoso pintor impresionista Pierre Auguste. Como director se caracterizó por producir filmes de mucha seriedad, siempre tratando de llegar a la verdad de los problemas planteados. Fue igualmente considerado como un director arriesgado y dispuesto a la innovación. Dentro de su amplia filmografía es necesario mencionar:

– El drama “La golfa (1931)” con Simon, considerado como una de sus mejores películas
– El film de crimen “La nuit du carrefour (1932)” (La noche del cruce) con la actuación de su hermano Pierre Renoir en el papel del inspector Maigret
– La comedia “Boudu salvado de las aguas (1932)” con Simon nuevamente
– La adaptación de “Madame Bovary (1934)” con Pierre Renoir y Valentine Tessier
– “Los bajos fondos (1936)” con Jean Gabin y Junie Astor, película basada en una obra del escritor Máximo Gorki
– El film de guerra “La gran ilusión (1937)” con Gabin, que fuera una de sus joyas fílmicas.
– “La bestia humana (1938)” con Jean Gabin y Simone Simon,
– “La regla del juego (1939)” con Nora Gregor, que es considerada como una de las mejores películas del cine de todos los tiempos
– El drama-film de guerra “Esta tierra es mía (1943)” con Charles Laughton y Maureen O’Hara
– Los dramas “The southerner (1945)” (El sureño) con Zachary Scott, film que aborda la vida de los agricultores en el sur de EE.UU.,
– “Memorias de una doncella (1946)” con Paulette Goddard,
– “Una mujer en la playa (1947)” protagonizado por Joan Bennett y Robert Ryan, con una trama sentimental muy original
– La muy recordada comedia-drama “La carroza de oro (1952)” con Anna Magnani y Odoardo Spadaro
– La comedia- musical “French Can-Can (1955)” con Jean Gabin, María Félix y Françoise Arnoul
– El drama “Elena y los hombres (1956)” con Ingrid Bergman y Jean Marais

Jean Renoir

Jean Renoir

Alan Resnais (1922-2014) destacado director de la nueva ola del cine francés, cuyos filmes denotan claramente posiciones antifascistas y en contra de la discriminación. Resnais fue un virtuoso de los cortos y los documentales, donde trató siempre de describir la vida de personajes o eventos célebres, además de incursionar en el género de los dramas. Así dirigió:

– “Hiroshima mon amour (1959)” con Emmanuelle Riva y Eiji Okada, una verdadera joya del cine de la nueva ola, que además contó con un buen nivel de documentación sobre las consecuencias de la guerra
– “La guerra ha terminado (1966)” con Yves Montand, Geneviève Bujold e Ingrid Thulin
– El documental “Loin du Vietnam (1967)” (Lejos de Vietnam) co-dirigido con otros varios directores
– Los dramas “Stavisky… (1974)” con Jean Paul Belmondo, film sobre la vida de un estafador muy hábil en la Francia de los años 30,
– “Providence (1977)” con Dirk Bogarde y Ellen Burstyn, donde un escritor reflexiona alrededor de su última novela antes de morir,
– “Mi tío de América (1980)” con Gérard Depardieu y Nicole Garcia
– La comedia “Smoking/no smoking (1993)” con Pierre Arditi y Sabine Azéma
– El drama “Asuntos privados en lugares públicos (2006)” con Sabine Azéma e Isabelle Carré, película que aborda el problema de la depresión de un joven soldado desmovilizado y que se entrega al alcoholismo

Alan Resnais

Alan Resnais

Eric Rohmer (nacido como Jean-Marie Maurice Scherer, 1920-2010) fue un reconocido director internacionalmente, quien sobresalió por la realización de dramas y algunas comedias, donde participan actores o actrices de poco renombre en Francia. Sus filmes son simples en su narrativa, muy fieles a sus convicciones e ideas sobre el movimiento de la nueva ola del cine francés, los que fueron realizados en períodos de dos a tres años:

– Los cortos “La sonate à Kreutzer (1956)”,
– “Véronique et son cancre (1958)” (Veronique y su burro)
– Su primer largometraje, el drama “Le signe du lion (1959)” con Catherine Sée
– La comedia- romance “Présentation ou Charlotte et son steak (1960)” (Presentación o Charlotte y su chuleta) con Jean-Luc Godard
– Junto a Claude Chabrol realizó el film descriptivo “París visto por…1965)”
– Los dramas “La coleccionista (1967)” con Patrick Bauchau,
– “Mi noche con Maud (1969)” con Jean-Louis Trintignant
– El drama “La mujer del aviador (1980)” con Philippe Marlaud y Marie Rivière
– La comedia “La buena boda (1982)” con Béatrice Romand y André Dussollier
– La comedia-drama “Pauline en la playa (1983)” con Amanda Langlet
– Los dramas “Las noches de la Luna llena (1984)” con Pascale Ogier,
– “El rayo verde (1986)” con Marie Rivière

Eric Rohmer

Eric Rohmer

Claude Sautet (1924-2000), director que no fue miembro de la llamada nueva ola del cine francés, aunque su estilo fue siempre de innovación. Sus filmes más destacados fueron:

– El drama policiaco “A todo riesgo (1960)” con Michel Ardan, Lino Ventura y Jean-Paul Belmondo
– El film de crimen “Armas para el Caribe (1964)” con Ventura y Sylva Koscina
– El drama “Las cosas de la vida (1969)” con Romy Schneider y Michel Piccoli, film donde se hace un análisis de una vida a partir de un accidente de tránsito
– La comedia-drama “Ella, yo y… el otro (1972)” con Romy Schneider e Yves Montand
– Los dramas “Tres amigos, sus mujeres y los otros (1974)” con Montand, Piccoli y Gérard Depardieu,
– “Una vida de mujer (1978)” con Rommy Schneider y Bruno Cremer
– “Un corazón en invierno (1992) con Auteuil y Emmanuelle Béart,
– “Nelly y el Sr. Arnaud (1995)” con Emmanuelle Béart y Michel Serrault

Claude Sautet

Claude Sautet

Jacques Tati (1909-1982), fue un notable actor- director, que a pesar de no tener una extensa filmografía, fue toda una leyenda dentro de los realizadores de cine debido a la calidad de sus películas. En seis de sus filmes, Tati mostró la eterna contradicción entre el hombre y la máquina, así como hombres casi vencidos por el progreso tecnológico. Tati gustaba de las comedias silentes, carentes de diálogo, para poder desarrollar mejor los problemas que planteaba. Entre sus mejores realizaciones están:

– La renombrada comedia “Día de fiesta (1948)”, donde Tati interpreta el papel de un cartero de un pueblo, el cual vive obsesionado con la modernización de su trabajo
– Las comedias “Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953)”, verdaderamente cómica y donde Tati es un huesped bien intencionado que llega a un hotel y sin darse cuenta, crea todo una revolución en el lugar
– El Señor Hulot volvió a la escena, una vez más interpretado por Tati, en la siguiente comedia, “Mi tío (1958)”, que fue su primer film a color, donde Hulot es “maltratado” por una casa donde todo está automatizado y donde la persona siempre está en el lugar equivocado
– Seis años después, Hulot volvió en las comedias “Playtime (1967)”, que aborda las vicisitudes de algunos turistas en el ya entonces tecnificado París,
– “Tráfico (1972)”

Jacques Tati

Jacques Tati

Jacques Tourneur (1904-1977) se distinguió por dirigir filmes de variados géneros, entre ellos suspenses, filmes de cine negro, de horror, de crimen y de aventura. Tourneur era hijo del director de cine Maurice Tourneur, con quien llegó a Hollywood en 1913. Después de dirigir unas veinte películas, dirigió una serie de películas, cuyo héroe era Nick Carter dentro de los filmes de misterio “Nick Carter- Master Detective” (1939) con Walter Pidgeon y Rita Johnson, y su secuela “Phantom raiders (1940)” (Atracadores fantasmas) con Pidgeon nuevamente; luego dirigió filmes de horror, como “La mujer pantera (1943)” con Simone Simon, al que le siguieron:

– El oeste “Tierra generosa (1946)” con Dana Andrews y Susan Hayward
– Los filmes de cine negro “Retorno al pasado (1947)” con Robert Mitchum, Jane Greer y Kirk Douglas, otra joya del cine negro de todos los tiempos,
– “Berlin Express (1948)” con Merle Oberon y Robert Ryan
– El film de aventura “El halcón y la flecha (1950)” con Burt Lancaster y Virginia Mayo
– El film de misterio “Circle of danger (1951)” (Círculo de peligro) con Ray Milland
– Los filmes de aventura “La mujer pirata (1951)” con Jean Peters y Debra Paget
– “Appointment in Honduras (1953)” (Cita en Honduras) con Glenn Ford y Ann Sheridan
– El reconocido oeste “Wichita (1955)” con Joel McCrea y Vera Miles
– la comedia-film de horror “La comedia de los terrores (1963)” con Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff
– Su último film para la gran pantalla, la película de ciencia ficción “La ciudad sumergida (1965)” con Price nuevamente

Jacques Tourneur

Jacques Tourneur

François Truffaut (1932-1984) realizador importante dentro de la nueva ola del cine europeo, la que en el transcurso de su carrera abandonó y se dedicó más a realizar filmes con mensajes de afecto y amor. Sus filmes se caracterizaban por algo distinto a la narrativa tradicional.

– El film de crimen-drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” con Jean-Pierre Léaud, película que describe parte de la vida del propio Truffaut en el personaje de Antoine Doinel y que viene a ser todo un clásico de la nueva ola en el cine
– El suspense “Disparen sobre el pianista (1960)” con Charles Aznavour
– Los dramas “Jules y Jim (1961)” con Jeanne Moreau y Oskar Werner, drama atrevido en su época sobre un triangulo amoroso de tres amigos y difícil de aceptar según las convenciones establecidas,
– “El amor a los veinte años (1962)” con Jean-Pierre Léaud nuevamente como Antoine Doinel,
– “Mata-Hari (1964)” con Jeanne Moureau y Jean Louis Trintignant, film sobre la historia de la famosa espía,
– “La piel suave (1964)” con Jean Desailly, film sobre el amor de un hombre casado por su esposa y su amante, y su indecisión fatal al respecto,
– “La novia vestida de negro (1968)” con la Moureau y Michel Bouquet,
– “Besos robados (1968)”,
– “Domicilio conyugal (1970)”, en ambos con Léaud, quien de nuevo encarna el papel de Doinel,
– “La sirena del Mississippi (1969)” con Jean Paul Belmondo y Catherine Deneuve, film con un clásico mensaje de amor,
– “El pequeño salvaje (1970)” con Jean-Pierre Cargol y el proprio Truffaut, película acerca de un científico que trata de civilizar a un niño encontrado viviendo en los bosques
– El film de ciencia- ficción “Fahrenheit 451 (1966)” con Oskar Werner y Julie Christie, película basada en una novela de Ray Bradbury
– La comedia-drama “La noche americana (1973)” con Jacqueline Bisset
– Los dramas “El último metro (1980)” con Catherine Deneuve y Gérard Depardieu,
– “La mujer de al lado (1981)” con Dépardieu y Fanny Ardant, film sobre la resurrección de un viejo amor
– Su última película, la comedia-film de crimen “Vivamente el domingo (1983)” con la Ardant y Trintignant nuevamente

François Truffaut

François Truffaut

Roger Vadim (1928-2000) es otro director de la corriente de la nueva ola, que dirigió películas con buena carga erótica y gustaba poner a mujeres como protagonistas principales de sus filmes, en muchos casos que fueron sus esposas (Jane Fonda y Brigitte Bardot). Entre sus películas están:

– El escandaloso drama “Y Dios creó la mujer (1956)” protagonizado por la Bardot, Curd Jürgens y Jean.Louis Trintignant
– El drama “Sait-on jamais… (1957)” (Dilo nunca) con Françoise Arnoul
– Otro escandaloso drama y ejemplo de nueva ola, “Las amistades peligrosas (1959)” con Jeanne Moureau y Gérard Philipe, sobre una pareja casada, la que sostiene relaciones amorosas con otras personas a cambio de beneficios
– El segmento “El orgullo” de la comedia “Los siete pecados capitales (1962)”, que protagonizara él mismo
– “El vicio y la virtud (1963)” con Annie Girardot y Catherine Deneuve,
– “La ronda (1964)” con Jane Fonda, quien a la postre fuera su segunda esposa, y Anna Karina,
– “La presa erótica (1966)” con la Fonda y Michel Piccoli
– Los dramas “Don Juan ou si Don Juan était une femme… (1973)” (Don Juan o si él hubiera sido una mujer) con el dúo Bardot-Hossein,
– “Une femme fidèle (1976)” (Una mujer fiel) con Sylvia Kristel y Nathalie Delon
– La comedia-drama “Y Dios la creó para el escándalo (1988)” con Rebecca De Mornay

Roger Vadim con Jane Fonda

Roger Vadim con su entonces esposa, Jane Fonda

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine francés I

“No perdamos nada del pasado. Sólo con el pasado se forma el porvenir”.
Anatole France

Esteban Hernández

El cine tiene sus orígenes en Francia gracias a la labor de los hermanos Lumiére y en ese país europeo se han producido importantes películas, algunas olvidadas totalmente. Lamentablemente esos filmes clásicos hoy día son desconocidos y no es que se recuerde mucho el aporte de los directores galos al séptimo arte. En esta serie de artículos el que suscribe tiene por objetivo dar una síntesis sobre la labor de cada director francés y que las películas de ellos sean conocidas o que sean motivo de búsqueda por los cinéfilos. Personalmente les puedo asegurar, que aunque muchos de esos filmes son viejos y aparecen en blanco y negro, su calidad es indiscutible y su mensaje en muchos casos es realmente educativo.

Marc Allégret (1900-1973) es uno de los realizadores de cine más reconocido en toda Europa, nacido en Suiza y fallecido en París en 1973, fue un notable director de documentales y de películas de varios géneros, además de haber descubierto a algunos talentos del cine, entre ellos al actor Alain Delon. Sus primeros pasos en el cine los encaminó junto al realizador André Gide, quien fuera autor de varias decenas de películas. A la edad de 17 años, Allégret se inició con Gide, quien le tomó como asistente principal. Entre sus mejores películas están:

– El romance “Les petites du quai aux fleurs (1944)” (Los pequeños en el muelle de las flores) con Odette Joyeux, Louis Jourdan y Gérard Philipe
– El drama-suspense de producción británica “Blackmailed (1951)” (Chantajeado) con Mai Zetterling y Dirk Bogarde
– El documental “Avec André Gide (1952)” (Con André Gide) con Gérard Philipe
– Los dramas “Futures vedettes (1955)” con Brigitte Bardot (BB) y Jean Marais, “L’amant de lady Chatterley (1955)” con Danielle Darrieux
– Las comedias “Deshojando la margarita (1956)” con BB,
– “Una rubia peligrosa (1958)” con Jean Paul Belmondo, Alain Delon y Mylene Demongeot,
– “Un domingo maravilloso (1958)” con Danielle Darrieux nuevamente, Arletty y Bourvil

Marc Allégret

Marc Allégret

Claude Autant-Lara (1901-2000), figura controvertida por sus ideas inicialmente de izquierda que con el tiempo terminaron en ser pro-fascistas y muy propias del ultraderechista Frente Nacional de Francia. Habiendo sido elegido miembro del parlamento europeo, se vio obligado a renunciar al mismo debido a sus posiciones extremas y de declarar que las historias sobre los campos de concentración de los nazis, durante la segunda guerra mundial, no eran más que una ensarta de mentiras. Dirigió unas 50 películas, entre ellas:

– El romance “El diablo en el cuerpo (1946)” con Gérard Philipe, cuya trama relata como un muchacho de solo 17 años sostiene una relación con una mujer casada, cuyo esposo estaba combatiendo en el frente
– La comedia “Occupe-toi D’Amelie (1949)” (Ocúpate de Amelia) con Danielle Darrieux, en adaptación de una novela de George Feydeau,
– Los dramas “El albergue rojo (1951)” con Fernandel, film que llegó a catalogarse como blasfémico y macabro, que le valió la censura en Gran Bretaña, cuya trama es sobre un grupo de turistas que junto con un monje se quedan en una hostería en montaña, cuyo dueño le revela al cura que normalmente él envenenaba a los huéspedes y los enterraba, luego de lo cual el monje trata de salvar a sus compañeros, pero sin revelar el secreto de la confesión
– “Le bon Dieu sans confesión (1953)” (El buen Dios sin confesión) con Danielle Darrieux,
– “Le blé en herbe (1954)” (El trigo en hierba) con Edwige Feuillère, film con adaptación de una novela de Colette, que aborda la seducción de un joven por una mujer de avanzada edad, trama también considerada obscena e inmoral,
– “Le rouge et le noir (1954)” (El rojo y el negro) con Gérard Philipe y Danielle Darrieux, film basado en la novela de Stendhal del mismo nombre,
– “El jugador (1958)” con Philipe nuevamente, con trama de la novela del mismo nombre de Dostoievsky
– La comedia “La travesía de París (1956)” con Jean Gabin y Bourvil, quienes se dedicaban a mover maletines al mercado negro de París durante la ocupación nazi
– Los dramas “En cas de malheur (1958)” (En caso de desdicha) con Gabin y Brigitte Bardot, basado en una novela de Georges Simenon, donde BB no deja de mostrar sus virtudes físicas
– “Journal d´une femme en blanc (1965)” (Diario de una mujer en blanco) con Marie-José Nat, donde se discute los derechos de la mujer a la contracepción, película realizada en Yugoslavia y prohibida su exhibición en Francia

Claude Autant Lara

Claude Autant-Lara

Marcel Carné (1906-1996), director que se destacó por realizar varios filmes dentro de la corriente del realismo durante el período de 1935-45. Fue un hombre de ideas antifascistas, que supo continuar su obra en la propia Francia durante el período de la ocupación nazi. Lógicamente fue llevado a juicio y luego de ser absuelto, continuó sus faenas, pero ya no con la misma intensidad de siempre. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “El muelle de las brumas (1938)” con Simon y Jean Gabin,
– “Hôtel du Nord (1938)” con Annabella y Jean- Pierre Aumont,
– “Le jour se léve (1939)” (Amanece) con Gabin y Arletty
– “Las puertas de la noche (1946)” con Pierre Brasseur, Yves Montand y Serge Reggiani,
– “La Marie du port (1949)” (La María del puerto) con Jean Gabin,
– “Juliette ou la clé des songes (1950)” (Julieta o la llave de los sonidos) con Gérard Philipe,
– “Teresa Raquin (1953)” con Simone Signoret y Raf Vallone, film basado en la obra del mismo nombre del escritor Emile Zola,
– “El aire de París (1954)” con Gabin y Arletty nuevamente

Marcel Carné

Marcel Carné

André Cayatte (1909-1989), famoso por sus películas de crimen y aspectos judiciales en Francia. Había abandonado su trabajo como abogado para convertirse en escritor y luego realizador de filmes. Muchas de sus realizaciones tenían que ver con aspectos de causas en tribunales. Su entrada en el mundo del cine fue en 1938 al presentar guiones y colaborar con los directores Marc Allégret y Jean Gremillon. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “Los amantes de Verona (1949)” con Pierre Brasseur y Serge Reggiani, film considerado como uno de los mejores de Cayatte,
– “Ojo por ojo (1957)” con Curd Jürgens y Lea Padovani
– “Dos son culpables (1963)” con Anthony Perkins,
– “El veredicto (1974)” con Sofía Loren y Jean Gabin, donde nuevamente aborda el problema judicial y sus debilidades en Francia
– El drama-film de misterio “Cada uno con su infierno (1977)” con Annie Girardot nuevamente
– El suspense “L’amour en question (1978)” con la Girardot una vez más, que fuera su último film para la gran pantalla

André Cayatte

André Cayatte

René Clair (1898-1981) logró destacarse tanto en la época silente como la sonora, realizando comedias y otras películas llenas de humor y burla. El trabajo de Clair fue siempre en la constante búsqueda de nuevos estilos y formas, que lo diferencian de una buena parte de los realizadores de su época y del presente. Para Clair el cine fue un experimento eterno y un medio de expresar las ideas, sean de manera seria o humorísticamente, que pecaba de cierto anarquismo. Dirigió entre otros filmes:

– La comedia-drama “Sobre los techos de París (1930)” con Préjean, que fuera la primera película sonora en el cine francés
– Clair tuvo la capacidad de construir escenas cómicas mediante el uso de las imágenes y los sonidos de manera independiente, como fue en la comedia “El último millonario (1934)” con Max Dearly, film antifascista que fuera prohibido en Alemania y gran parte de la Europa de aquel entonces
– La comedia “Me casé con una bruja (1942)” con Fredric March y Susan Hayward
– El film de misterio “Diez negritos (1945)” con Walter Huston y Barry Fitzgerald, cuya trama es una adaptación de una novela de misterio de Agatha Christie
– La comedia-drama “El silencio es oro (1947)” con Maurice Chevalier, film que describe de forma impecable su juventud y su pasado en París
– Las comedias “Mujeres soñadas (1952)” con Gérard Philipe, Gina Lollobrigida y Martine Carol,
– “Las maniobras del amor (1955)” con Michèle Morgan y Gérard Philipe nuevamente
– El drama “Puerta de las Lilas (1957)” con Pierre Brasseur

René Clair

René Clair

René Clément (1913-1996) fue un destacado director francés de la pos-guerra, cuyos filmes giraron casi siempre sobre temas bélicos, realistas y muy cercanos a lo que recién había acontecido en la Segunda Guerra Mundial. Entre sus mejores filmes están:

– El famoso drama-film de guerra “Juegos prohibidos (1952)” con Georges Poujouly, film que trata sobre una niña huérfana que pierde a sus padres y su perro en la guerra y es recogida por otra familia, donde ella se decide a crear un cementerio de animales
– Los dramas “Monsieur Ripois (1954)” con Gérard Philipe, film basado en una obra del escritor Louis Hemon,
– “Gervaise (1956)” con Maria Schell, cuyo argumento es la adaptación de una conocida obra del escritor Émile Zola
– La comedia “Qué alegría vivir! (1960)”
– El famoso film de crimen “A pleno sol (1960)”, que viene a ser una historia más acabada del astuto Mr. Ripley, estos dos últimos filmes protagonizados por el entonces joven actor Alain Delon
– El drama histórico sobre la guerra mundial “¿Arde París? (1966)” con un extenso reparto encabezado por Jean Paul Belmondo y Charles Boyer
– El film de crimen “Pasajero de la lluvia (1969)” con un despiadado Charles Bronson y Marlène Jobert
– El drama-film de misterio “La mansión bajo los árboles (1971)” con Faye Dunaway y Frank Langella

René Clément

René Clément

Jean Cocteau (1889-1963) fue un artista polifacético, escribió guiones y dirigió películas, fue poeta, escritor, pintor, diseñador, coreógrafo y actor en varios filmes. Sus trabajos de dirección fílmica son reconocido como vanguardista, los que guardan la frescura y el deseo de continua renovación en cada nueva realización. Su primer gran éxito fue el drama fantástico “La bella y la bestia (1946)” con su actor preferido, Jean Marais, el que interpretó dos papeles a la vez muy eficientemente, luego:

– Los dramas “El águila de dos cabezas (1947)” con Marais, Edwige Feuillère y Silvia Monfort, que gira en torno a los amores de una reina por un anarquista,
– “Les parents terribles (1948)” (Los terribles padres) con Marais, Josette Day y el propio Cocteau, cuyo argumento gira alrededor de una madre enferma que solo atiende a su hijo e ignora a su marido
– El drama fantástico “Orfeo (1950)” con Marais y François Périer, donde el bien se enfrenta al mal en una serie de pesadillas. Esta película tuvo su secuela en “Le testament d’Orphée (1960)” con un extenso reparto, incluido Marais, Yul Brynner, Charles Aznavour, María Casares entre otros.

JEAN COCTEAU y  EDDIE CONSTANTINE

Jean Cocteau (der.) con Eddie Constantine

Claude Chabrol (1930-2010) formó parte de la llamada nueva ola del cine francés, destacado en la realización de dramas, películas de misterio y suspenses, que usualmente giraron alrededor de temas de adulterio, relaciones humanas y crimenes, casi siempre con críticas despiadadas al ambiente burgués. Chabrol fue igualmente considerado todo un maestro del cine de misterio. Sus filmes más destacados fueron:

– Los dramas “Champaña para un asesino (1966)” con Anthony Perkins y Maurice Ronet,
– Las ciervas (1968)” con Jean Louis Trintignant, película con buena carga de erotismo
– Los dramas-suspenses “La mujer infiel (1969)”,
– “El carnicero (1969)”, historia de un amor de una maestra por un carnicero y asesino a su vez, estos dos últimos filmes protagonizados por Stéphane Audran
– El film de misterio “La década prodigiosa (1971)” con Orson Welles y Marlène Jobert
– El drama-suspense “Relaciones sangrientas (1973)” con Audran y Michel Piccoli
– El film de crimen “Prostituta de día, señorita de noche (1978)” con Isabelle Huppert y Stéphane Audran
– Los dramas “Un asunto de mujeres (1988)”,
– Una nueva versión fílmica de “Madame Bovary” (1991),
– “Gracias por el chocolate (2000)”, estos tres últimos protagonizados por Isabelle Huppert,
– “La flor del mal (2003)” con Benoît Magimel y Natalie Baye

BELLAMY PHOTOCALL

Claude Chabrol

Philippe De Broca (1933-2004) reconocido y excéntrico realizador de atrevidas comedias, que siempre dejaron satisfacción en el público cine-vidente. Entre sus más famosos filmes están:

– Las comedias “Los juegos del amor (1960)” con Jean-Pierre Cassel,
– “L’amant de cinq tours (1961)” (El amante de cinco giras) con Jean Seberg y Casell
– Colaboró en la dirección del drama “Los siete pecados capitales (1962)”
– El film de aventura “Cartouche (1962)” con Jean-Paul Belmondo y Claudia Cardinale
– Las comedias-filmes de acción “El hombre de Río (1964)”,
– “Las tribulaciones de un chino en China (1965)”, en todas éstas con Belmondo nuevamente,
– “Un monsieur pour compagnie (1965)” (Un señor por compañía) con Casell y Catherine Deneuve
– El drama-comedia “Rey de corazones (1966)” con Pierre Brasseur
– Las comedias “Pecados de otoño (1972)” con Jeanne Moureau,
– “Cómo destruir al más famoso agente del mundo (1973)” con Belmondo y Jacqueline Bisset,
– “El incorregible (1975)” con Belmondo y Geneviève Bujold
– El drama-aventura “¡En guardia! (1997)” con Daniel Auteuil, que está basado en la obra del jorobado/Enrique Lagardère
– La comedia-aventura “Amazone (2000)” nuevamente con Belmondo, que fuera rodada en Cuba

Philippe de Broca

Philippe de Broca

Julien Duvivier (1896-1967), también conocido con el nombre de Henri Nicolas, es considerado uno de los cinco directores más destacados del cine francés y artífice del llamado realismo poético. Para Duvivier, realizar un film era como contar una buena historia. Su trabajo lo realizó siempre en los escenarios más convenientes para cada película que dirigió. Lo mismo se rodaba en Francia, Alemania, Gran Bretaña, África septentrional, Italia o los EE.UU. Entre sus más reconocidos filmes están:

– El drama “Au bonheur des dames (1929)” (En la felicidad de las mujeres) con Dita Parlo y Pierre de Guingand
– El film de aventura “Golgota (1935)” con Jean Gabin en papel de Poncio Pilatus, película de carácter religioso
– El film de crimen “Pépé le Moko (1937)” con Gabin, filme que relata parte de la vida del famoso gánster francés refugiado en Argel
– La comedia-drama “Seis destinos (1942)” con Charles Boyer y Rita Hayworth
– El drama “Al margen de la vida (1943)” con Edward G. Robinson y Boyer
– El drama-film de guerra “The impostor (1944)” con Jean Gabin nuevamente
– El drama de producción británica “Anna Karenina (1948)” con Vivien Leigh y Ralph Richardson
– Las comedias “Don Camilo (1951)” con Fernandel y Gino Cervi, que relata las disputas entre el cura con el líder comunista de un pueblo en Italia,
– “El regreso de Don Camilo (1953)” con Fernandel y Cervi
– La comedia “El diablo y los diez mandamientos (1962)” con un extenso reparto encabezado por Louis deFunes, Alain Delon y Mel Ferrer entre otros, film que incluye varios capítulos independientes con anécdotas picantes ocurridas en el acontecer diario
– Su último film, el suspense-film de crimen “Diabólicamente tuya (1967)” con Alain Delon y Senta Berger.

Julien Duvivier

Julien Duvivier

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine japonés

Los instructores pueden impartir solo una fracción de la enseñanza. Es a través de tu propia práctica dedicada que los misterios del Arte de La Paz se manifiesten en tu vida.”
Morihei Ueshiba

Esteban Hernández

No es propósito aquí hacer una historia sobre el desarrollo del cine japonés, pero sí de hablar de tres grandes directores que le han dado suficiente brillo al séptimo arte en ese país del lejano oriente.

Me refiero a Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa e Hiroshi Inagaki, los cuales trataron de dar una imagen de la historia, tradiciones y cultura en general de su país.

Ozu era nacido en 1903 en Tokyo y murió a los 60 años de edad, afectado de cáncer. Sin embargo, Ozu tuvo tiempo de dirigir 54 películas y escribir 26 guiones. Él era lo que se llama un realizador lírico del cine, quien a su manera supo adentrarse en los problemas de la sociedad japonesa. Ozu gustaba de tocar el tema de las clases pudientes en Japón y las tensiones existentes entre las mismas. En 1927 se estrenó como director de un film silente “Zange no yaiba (1927)” (La espada del castigo), al que le siguieron varias películas silentes más, entre ellas la comedia “Wakaki Hi (1929)” (Días de juventud) y el drama “Tokyo no gassho (1931)” (Coro de Tokyo), los que versaron sobre temas relacionados con los estudiantes.

Yasuhiro Ozu

Yasuhiro Ozu

Ozu dirigió unos 33 filmes silentes, él mismo se declaraba no muy favorable al ruido dentro del cine. Su primera película sonora fue el drama “Hakoiri musume (1935)” (La sirvienta inocente) con Tomio Aoki, a la que le siguió el drama “Shukujo wa nani o wasureta ka (1937)” (¿Que olvidó la dama?) de nuevo con Aoki, mientras que su primer gran éxito fue con el drama “Hermanos y hermanas de la familia Toda (1941)” protagonizado por Mieko Takamine.

Luego dirigió los dramas “Primavera tardía (1949)” protagonizado por Aoki, “Principios de verano (1951)” con Setsuko Hara, y “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)” con Ganjiro Nakamura, filmes que le valieron premios Kinepa y que tuvieran una buena acogida del público nipón.

Afiche de “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)”

Afiche de “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)”

Las películas de Ozu fueron conocidas en el extranjero prácticamente con el fallecimiento de este realizador. En Japón fue una figura muy reconocida y se le concedió una medalla por parte del gobierno de su país.

El otro destacado fue Hiroshi Inagaki nacido en 1905 en Tokyo, quien como director se hizo famoso al dirigir películas basadas en leyendas e historias de su país. Su primer gran éxito fue dirigir la famosa trilogía Samurái, cuyos tres filmes fueron: “Samurái I: Musashi Miyamoto (1954)”, “Samurái II: Duelo en templo Ichijoji (1955)” y “Samurái III: Duelo en la isla Ganryu (1956)”, todos estos filmes protagonizados por ese gran actor que fue Toshiro Mifune. El primero de esta trilogía le valió Oscar como mejor película extranjera en 1954.

Hiroshi Inagaki

Hiroshi Inagaki

Toshiro Mifune en

Toshiro Mifune en “Samurai (1954)”

Durante ese período dirigió también el drama “El hombre del carrito (1958)” nuevamente protagonizado por Mifune, película que se desarrolla en el Japón feudal y tiene que ver con un pobre conductor de carro, que logra rescatar y devolver a casa un niño perdido, pero que igualmente ayuda a educar al niño, el cual crece y logra encaminarse en estudios universitarios. Esta película tuvo un reconocimiento en occidente al recibir premio en el Festival Internacional de Cine de Venecia 1958. En realidad la película premiada vino a ser la segunda versión que Inagaki dirigía, la primera fue realizada en 1943 y se llamó “La vida de Muhomatsu”.

Mifune en

Mifune en “El Hombre del Carrito (1958)”

La película que más le ha gustado al que suscribe, de las realizadas por Inagaki es “Nippon tanjo (1959)” (Tres tesoros), film basado en una novela de Eiji Yoshikawa, que puede interpretarse como una historia de cómo surge la nación del Japón, con una trama llena de mitos comparable con la creación de Roma a partir de los hermanos Romulo y Remo amamantados por la loba. Ver una película como Nippon Tanjo es sencillamente algo de leyenda lleno de pinceladas e historias creíbles e increíbles. El film es igualmente protagonizado por el incansable Toshiro Mifune.

Escena de

Escena de “Tres Tesoros (1959)”

Inagaki murió en 1980 seriamente afectado por su adicción al alcohol. Se dice que este director le dio por la bebida al ver que muchos de sus nuevas propuestas de filmes no eran aceptados por ser costosos en su realización. Aparte de eso ya existía una figura que le hacía sombra y resultaba ser más rentable para el cine, hablo aquí de ese otro gran director que fue Akira Kurosawa, igualmente nacido en Tokyo en 1910 y que se convirtió en un coloso de la gran pantalla de su país.

Kurosawa era un hombre de amplios conocimientos de la literatura universal, la pintura y el arte en general, lo cual le ayudó extraordinariamente a realizar las más variadas. Algunos argumentos de sus películas sirvieron para luego ser adaptados a nuevas películas en un ambiente occidental. Al igual que Ozu e Inagaki, sus películas de ayudaron a conocer muchas de las leyendas y costumbres del Japón.

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Kurosawa dirigió 32 filmes entre 1941 y 1993 además de haber escrito 67 guiones y ser productor de 12 filmes. Su gran mérito estriba en que no se encerró en un género de film determinado, lo mismo dirigió películas de acción, épicas, dramas y otras.

Sus primeros éxitos versaron sobre el arte marcial del judo, “Sugata Sanshirô (1943)” (La leyenda del judo) y “Zoku Sugata Sanshirô (1945)” (La nueva leyenda del gran judo) protagonizados por Denjirô Ôkôchi. Más adelante Kurosawa conoció al gran Toshiro Mifune, que si bien actuó para Inagaki varias veces, se convirtió en el actor preferido de AK desde 1948 cuando se realizó el drama-suspense “El perro ambulante (1948)”, al que le siguió el film de crimen “El ángel ebrio (1948)” también con Mifune.

Su gran éxito llegó con el drama “Rashômon (1950)” con Mifune, excelente film basado en las historias del escritor Ryunosuke Akutagawa, donde se demuestra como una verdad puede ser deformada por distintas fuentes.

Mifune en

Mifune en “Rashomon (1950)”

Se sirvió de Fiodor Dostoyevski para dirigir el drama “El idiota (1951)” protagonizado por Setsuko Hara. A continuación vino el famoso film épico “Los siete samurais (1954)” con Mifune, un clásico de todos los tiempos que cuenta la historia de siete valientes samurais que luchan por defender la causa de un grupo de campesinos pobres, Luego llegó el film de guerra-acción “Trono de sangre (1957)”, cuya trama es una adaptación de la obra “Macbeth” llevada a la vida del Japón medieval.

“Los siete samurais (1954)” con Mifune al frente

En la década de los 60 Kurosawa dirigió famosas películas, como fueron los filmes de acción “Yojimbo, el bravo (1961)”, “Sanjuro, el camelias (1962)”, y el drama-suspense “Infierno del odio (1963)”, el drama “Barbarroja (1965), todos éstos protagonizados por Mifune; y el drama “Dodeskaden (1970)” con Yoshitaka Zushi y Kin Sugai, que aborda la vida de gente pobre en Tokyo.

Mifune en

Mifune en “Yojimbo (1961)”

“Barbarroja (1965)”

Kurosawa tuvo una pausa como director, posteriormente dirigió el estupendo film de acción “Dersu Uzala (1974)” con Maksim Munzuk, film de co-producción nipona-rusa que demoró dos años su filmación en Siberia y que trata sobre la vida de un cazador siberiano; y el film épico “Kagemusha (1980)” con Tatsuya Nakadai, que contó con la co-producción de Francis Ford Coppola y George Lucas, film sobre como un ladrón suplanta a un señor feudal todopoderoso del Japón.

Afiche de

Afiche de “Dersu Uzala (1974)”

Muchos de esos éxitos Kurosawa luego logró adaptar  sus tramas en filmes occidentales, al cooperar en el montaje de los mismos. Estos fueron los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges, que no es más que una versión de “Los siete samurais”; “Por un puñado de dólares (1964)” de Sergio Leone, versión de “Yojimbo, el bravo”; y “Cuatro confesiones (1964)” de Martin Ritt, versión de “Rashomon”.

Los premios recibidos por Kurosawa sobrepasan ampliamente a los obtenidos por Ozu e Inagaki, lo que indica la popularidad que alcanzaron los mismos fuera del Japón.

El gran director nipón murió en 1998 siempre en su natal Tokyo, y su nombre hoy día es reconocido como uno de los grandes de la dirección en el cine universal de todos los tiempos.

Aunque el presente artículo gira alrededor de estos tres grandes directores, es evidente la gran contribución del actor Toshiro Mifune, protagonista de muchas de las mejores películas de dos de los tres directores aquí descritos.

Bibliografía consultada

  • Hernández, Esteban. Grandes del cine de todos los tiempos-directores (en preparación).

CORRIENTES EN EL CINE

El cine tiene una tarea que también es un deber: contar la realidad para que el público la entienda mejor. Sobre todo para el público joven.

Ettore Scola

El contenido de este artículo es parte del libro inédito “Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Directores” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

El séptimo arte tampoco se resiste a la sucesión de estilos y corrientes, que a veces resulta ser temporal, otras veces influyente, al extremo que perdura. A continuación se da una breve descripción de estas corrientes, su origen y ejemplos de directores y filmes que se hayan realizado bajo una u otra óptica.

Surrealismo

Para explicar el surrealismo es necesario primero conocer el Dadaismo, corriente que surge en Suiza en 1916 y que se caracterizaba por expresiones destructivas de todas las convenciones artísticas. Muchos llegaron llamar al dadaísmo como el antiarte. La palabra dadá no tiene en realidad un significado definido, hay quienes afirman que es la afirmación rusa (Da) pronunciada dos veces, o “caballo de madera” en francés. Los promotores de esta corriente fueron el alemán Hugo Ball en Suiza, Tristán Tzara (pseudónimo del poeta y ensayista Samuel Rosenstock) en Rumania, los italianos, el poeta Filippo Tommaso Marinetti, el escultor Amedeo Modigliani, el novelista francés Guillaume Apollinaire y el pintor español Pablo Picasso. Luego se agregaron a esta lista de simpatizantes, los poetas, los franceses André Bretton y Louis Aragón, y el italiano Giuseppe Ungaretti. El dadaísmo de Europa brincó a Norteamérica y tuvo su mayor auge en Nueva York.

Hugo Ball

Hugo Ball

Tristán Tzara

Tristán Tzara

El surrealismo surge en la década de los 20 y viene a ser como un nuevo producto a partir del dadaísmo, donde el pensamiento lógico o racional no tiene siempre que estar presente para expresar una idea. El surrealismo viene a ser la práctica del libre ejercicio del pensamiento o como lo definiera Bretton en 1924: “pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”.

El surrealismo cinematográfico tiende a mostrar imágenes reales que se trasponen sin guardar una lógica, y que a la vez, logra la introspección de los cinevidentes, los que sin proponérselo pueden bien expresar posteriormente su pensamiento y creatividad sin ataduras a las convenciones establecidas en la sociedad. Esta corriente hace su aparición en el cine en algunos filmes de inicios de la década de 1921, como fueron los cortos  “Rhythmus 21 (1921)” de Hans Richter, “Entreacto (1924)” de René Clair, “La coquille et le clergyman (1928)” (La concha y el cura), de Germaine Dulac, “Un perro andaluz (1929)”, y la comedia “La edad de oro (1930)”, ambas de Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí. Alfred Hitchcok también incursionó en el surrealismo, un ejemplo es el film de cine negro-misterio “Recuerda (1945)” protagonizada por Ingrid Bergman y Gregory Peck.

René Clair

René Clair

De las obras mencionadas, “Un perro andaluz (1929)” viene a ser la mejor representación de este género, considerada, además, por muchos como la única realización puramente surrealista, ya que en este film se integran todas las características propias de la corriente. La película consigue romper con las convenciones de la narrativa habitual, causa un impacto en el espectador sobre todo ante la navaja que secciona el ojo de una mujer, donde el mismo Buñuel aparece como actor ejerciendo el corte, y se logra una sucesión de escenas que recuerdan el mundo de los sueños, ya que las mismas fluyen como ideas carentes de asociación lógica. Incluso el título del film se escogió por no tener ninguna relación con los temas tratados en el corto.

Cartel del film

Cartel del film “Un perro andaluz (1929)”

Neorrealismo

La principal característica de esta corriente, que también se le puede llamar nuevo realismo, es la de representar la vida cotidiana a través de personajes en las calles, los que de manera original reemplazan a los actores y actrices habituales. Esta corriente halló sitio en la Italia de post guerra, hay quienes afirman que por falta de recursos para realizar los filmes tradicionales. Sin embargo, su puesta en práctica era buscar algo novedoso o revolucionario dentro del séptimo arte, lo que consigue nuevos y originales testimonios dentro de las películas que se realizan.

El preámbulo del neorrealismo se puede afirmar que radicó en la realización de obras, como “Cuatro pasos por las nubes (1942)” de Alessandro Blasetti y “Los niños nos miran (1943)” de Vittorio De Sica. Sin embargo, la consolidación de la corriente en el cine italiano se encuentra en el film “Obsesión (1942)” de Luchino Visconti, película que viene a ser una versión italiana del drama “El cartero siempre llama dos veces” de James M. Cain. Filmes de distintos directores fueron realizados en lo sucesivo, como fueron “Roma, ciudad abierta (1945)”, “Paisa (1946)” y “Alemania, año cero (1947)”, todas de Rossellini, o las memorables películas “El limpiabotas (1946)”, Ladrones de bicicletas (1948)”, “Milagro en Milán (1951)” y “Umberto D (1952)” de Vittorio De Sica; y “Arroz amargo (1949)” de Giuseppe de Santis, película que convirtió en estrellas a sus protagonistas principales, Vittorio Gassman y Silvana Mangano. Sin embargo, no faltan algunos estudiosos del tema que afirman que el film “Roma, ciudad abierta (1945)” marca el inicio del neorrealismo en el cine, ya que la trama del film, sus personajes y forma de realización sirvieron de modelo para autores seguidores del neorrealismo.

Cartel del film

Cartel del film “Roma ciudad abierta (1945)”

Cartel del film

Cartel del film “Arroz amargo (1949)”

Cinéma Vérité

El también llamado Cine de la Verdad ha sido más utilizado en la realización de documentales, la mayoría rodados con modernas cámaras portátiles. Esta corriente consiste en llevar al celuloide imágenes reales de sucesos de la vida cotidiana, como puede ser una manifestación pública, de guerra, de discusiones públicas o disertaciones. El cinema verité tuvo mucha influencia del neorrealismo italiano, a partir de imágenes logradas por De Sica, Rossellini y otros, en varios de sus filmes, así como también del realizador soviético, Dziga Vertov, quien promovió, lo que él llamó Cine Ojo. Se puede decir que entre los exponentes más claros de esta corriente está el norteamericano Oliver Stone.

Dziga Vertov

Dziga Vertov

Un ejemplo clásico de Cinéma verité lo encontramos en la película “Los espigadores y la espigadora (2000)” de Agnès Varda, a quien muchos han considerado por años como seguidora de la nueva ola francesa.

Agnés Varda durante la filmación de

Agnés Varda durante la filmación de “Los espigadores y la espigadora (2000)”

Nouvelle Vague

La llamada Nueva Ola es una corriente que trata de eliminar la exuberancia de recursos para la realización fílmica y así lograr una expresión natural y menos comercial en términos generales. El principal promotor de esta corriente fue François Truffaut, quien publicó un primer artículo sobre el tema en la revista Cahiers de enero de 1954. En ese escrito, Truffaut planteaba la necesidad de usar escenarios exteriores y menos en estudios, actuaciones más espontáneas de sus protagonistas y una mayor iniciativa del director en el rodaje de la película. En síntesis, Truffaut proponía eliminar los formalismos dentro del cine. Entre los primeros filmes que se realizaron siguiendo los planteamientos de Truffaut están“Y Dios creó a la mujer (1956)” y “Las amistades peligrosas (1959)” de Roger Vadim, y “Ascensor para el cadalso (1957)” y “Los amantes (1958)” de Louis Malle. Sin embargo, como filmes modelos de la nueva ola son considerados el drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” de Truffaut, el drama “Hiroshima, mon amour (1959)” de Alain Resnais, y “Al final de la escapada (1960)” de Jean Luc Godard. Las películas de Truffaut y Godard mostraban claramente las características teóricas de esta corriente, mientras que la de Resnais resultaba ser más individualista e incursionaba en la experimentación mediante un formato más documental. Se considera que el mejor exponente de esta corriente ha sido Godard, quien realizó filmes como “Vivir su vida (1962)”, “Una mujer casada (1964)” y “Pierrot el loco (1965)”, que verdaderamente siguen el nuevo formato propuesto por esta corriente.

Jean-Louis Trintignant con Briggitte Bardot en

Jean-Louis Trintignant con Briggitte Bardot en el film “,,, Y Dios creó la mujer (1956)”

Cartel de

Cartel del film “Ascensor para el cadalso (1957)”

Free Cinema

Free Cinema o Cine Libre encontró su ambiente de desarrollo en la Gran Bretaña de la década de los 50. De hecho se le llegó a llamar British Social Realism, y consistía, como en el caso de las anteriores corrientes, en la eliminación de la narrativa artificial, muy de moda en Hollywood. Se puede decir que sus bases permanecen y es una corriente muy practicada por varios realizadores británicos en la actualidad. Su principal exponente fue el director Tony Richardson en unión de Karel Reisz, quienes recibieron bastante influencia de la corriente del cinema verité. Entre los filmes de Richardson que muestran el uso de esta corriente están “Mirando hacia atrás con ira (1959)”, “Réquiem por una mujer (1961)” y “La soledad del corredor de fondo (1962)”. Stephen Frears es uno de los exponentes actuales de esta escuela, con sus filmes “Mi hermosa lavandería (1985)” y “Ábrete de orejas (1986)” entre otros.

Cartel del film

Cartel del film “La soledad del corredor de fondo (1962)”

Cinema Novo

Como se podrá apreciar la aparición y práctica de las corrientes, como la nouvelle vague y el free cinema, atrajeron a un buen número de directores de todo el mundo. En Brasil surgió lo que se llamó el cinema nôvo opuesto a los convencionalismos establecidos en el cine y al régimen taquillero impuesto por Hollywood.  Esta corriente fue posible gracias a la aparición de realizadores independientes, todos alejados de las grandes distribuidoras y productoras comerciales de películas. El principal exponente de esta corriente es el director Glauber Rocha, quien, bajo esta óptica, realizó los filmes Dios y “Dios y el diablo en la tierra del sol (1964)” y “Antonio das Mortes (1969)”. Rocha también escribió el libro “Revisâo crítica do cinema brasileiro”, en el que se exponen los fundamentos de esta corriente.

Cartel del film

Cartel del film “Dios y el diablo en la Tierra del Sol (1964)”

Vanguardia estadounidense

Los EE UU no ha estado tampoco alejado de las nuevas corrientes. Se puede decir que desde finales de la segunda guerra, varios directores, entre ellos Stanley Kramer, Otto Preminger, John Cassavetes, Arthur Penn, John Schlesinger, Sidney Lumet y Robert Redford han logrado realizar películas muy originales, con tramas sobre problemas sociales, y alejadas de la tradicional filmografía hollywoodiana. Muchos de estos realizadores tuvieron una buena carga de influencia en corrientes, como la nouvelle vague y cinéma verité.

Hay miles de ejemplos de películas que se apartan de lo tradicional y se adentran en nuevos senderos, entre ellas “Doce hombres en pugna (1957)” de Sidney Lumet, “La noche del cazador (1955)” de Charles Laughton, “Cowboy de medianoche (1969)” de John Schlesinger, y otros muchos más.

Una escena del drama

Una escena del drama “12 hombres en pugna (1957)”

Dogma 95

Se trata de un nuevo movimiento promovido por un grupo de cineastas daneses, cuyo propósito era el de recuperar la originalidad del séptimo arte, para lo cual era necesario alejar a este cine de efectos especiales y otros recursos (filtros e iluminación artificial), con lo cual se podría lograr una imagen natural dentro del film. Igualmente, el rodaje se hace con sonido natural.  Esta corriente tiene sus precursores en el neorrealismo y en el cinéma verité, aunque Dogma no se plantea la visualización de tanto realismo como se persigue en las corrientes citadas. Lars von Trier es el mejor exponente de esta corriente, quien ha realizado los filmes “El elemento del crimen (1984)”, “Europa (1991)” y “Bailando en la oscuridad (2000)”.

Cartel del film

Cartel del film “El elemento del crimen (1984)”

Bibliografía consultada

Bordwell D., Staiger Janet y Thompson Kristin. 1985. The classical Hollywood cinema: Film style & mode of production to 1960.  Columbia University Press, 506 p.

Caparrós Lera, J.M. 1995. 100 grandes directores de cine. Alianza Editorial S.A., Madrid, 376 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

ORIGEN Y EVOLUCIÓN DEL CINE. II Parte.

“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta”.
Orson Welles

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. DESARROLLO DEL CINE FUERA DE EE.UU.

El cine llegó a América Latina a través de Argentina, donde poco después de su lanzamiento en París, apareció en Buenos Aires. En este país, se comenzaron a producir filmes, siendo el primero, el corto “La bandera argentina (1897)” del realizador francés, residente en Argentina, Eugene Py. Algo parecido sucedió en México, adonde el cine llegó en menos de un año después de su debut en París. El presidente de la República, Porfirio Díaz y su familia vieron el estreno de este arte en uno de los salones del Castillo de Chapultepec. Se trataba de una de las películas realizadas por los hermanos Lumière.

En 1897 llegó el cine a Bolivia también, realizándose las primeras proyecciones en el local del Teatro Municipal de La Paz. En este país las primeras filmaciones se llegaron a realizar en 1904, que aparecieron en el film “Retrato de personajes históricos y de actualidad”.

En España el cine llegó igualmente poco después de su estreno en París, pero según los analistas, el despegue de la industria nacional comienza a partir de 1906 cuando se comenzó la realización de los cortos “Amor que mata (1908)” de Fructuoso Gelabert, y “Corazón de madre (1909)” de José María Bosch y Gelabert.

Escena del film español

Escena del film español “Amor que mata (1908)”

Un gran auge tuvo el cine en Alemania y Austria, donde se llegaron a realizar filmes de indiscutible calidad durante la época del cine silente. La cinematografía de estos países se caracterizó por llevar obras clásicas del teatro a la pantalla, así como películas con argumentos acerca de lo sobrenatural. Ejemplos de esto último son los filmes de horror o ciencia ficción “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922)” de F. W. Murnau, y “Metropolis (1927)” de Fritz Lang.

Escena del film alemán

Escena del film alemán “Nosferatu (1922)”

No menos importante ha sido la contribución del cine británico en general al cine europeo y norteamericano. El primer corto británico data de 1895, fue “Incident at Clovelly Cottage” de los realizadores Birt Acres y Robert William Paul. La tradición del teatro en Gran Bretaña ayudó a desarrollar un número elevado de actores y actrices, así como directores que luego se involucraron en el cine. Basta señalar que a lo largo de varias décadas, muchos de ellos, algunos convertidos en ciudadanos de EE.UU., fueron los que le dieron verdadero colorido al cine de Hollywood. Entre estas figuras están Cary Grant, Charles Laughton, Vivien Leigh, Jean Simmons, Deborah Kerr, Richard Burton, Stewart Granger, James Mason y Peter O´Toole entre otros.

Escena del film británico

Tomas del film británico “Incident at Clovelly Cottage (1895)”

En Italia el cine comenzó en 1895 con un documental del director Vittorio Calcina llamado “Umberto e Margherita di Savoia a passeggio per il parco” (Umberto y Margarita de Savoia de paseo por el parque). Hasta 1930 en Italia se realizaron 9 816 filmes. Sin embargo, el verdadero despegue del cine italiano tuvo lugar a partir de la década de los 40 en el siglo pasado, y realmente se convirtió en uno de los más novedosos con su estilo neorrrealista o surrealista, además de una calidad indiscutible de directores como Fellini, Visconti y Antonioni, y de una escuela de divertidos comediantes y actores/actrices dramáticos como Anna Magnani, Vittorio DeSica, Vittorio Gassman, Marcelo Mastroianni, Sofia Loren, Claudia Cardinale, Monica Vitti entre otros.

Federico Fellini

Federico Fellini

El cine francés continuó su desarrollo, muchas veces en estrecha colaboración con el italiano, cuyo estilo siempre ha diferido del norteamericano. Actores y actrices como Gérard Philipe, Jean Gabin, Yves Montand, Jeanne Moreau, Simone Signoret han brillado en la gran pantalla parisina usualmente dirigidos por Jean-Luc Godard, Marc Allegret y Julien Duvivier entre otros.

Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard

No se puede hablar de cine y obviar el desarrollo y aporte del cine de la desaparecida Unión Soviética, el cual era también extensamente utilizado para la instrucción del pueblo o para trasmitir sus ideas políticas. El cine soviético llegó a utilizar algunas técnicas de edición que lograban crear emoción en su visión. Famosos fueron los aportes al cine del cineasta soviético Sergei M. Eisenstein, quien realizó un drama-film de guerra para recordar, “El acorazado de Potemkin (1925)”, película basada en hechos reales ocurridos en 1905 en Odessa.

Sergei M. Eisenstein

Sergei M. Eisenstein

Desarrollo muy acorde a sus posibilidades tuvo el cine en Suecia, donde realizadores como Mauritz Stiller y Victor Sjöstrom filmaron materiales para recrear la vista con las maravillas del paisaje de ese país nórdico. Años después, un director haría historia en el cine, Ingmar Bergman, quien realmente clasifica entre los mejores de todos los tiempos.

Victor Sjöstrom

Victor Sjöstrom

Ingmar Bergman

Ingmar Bergman

El cine ha tenido también un extraordinario desarrollo en Asia. La India es actualmente el primer productor de filmes a nivel mundial, mientras que Japón posee una potente industria productora de filmes variados, incluyendo numerosos animados. El cine nipón se hizo famoso con las obras de los directores Yasujiro Ozu y Akira Kurosawa, éste último todo un émulo del director sueco Bergman.

Yasujiro Ozu

Yasujiro Ozu

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Por su parte el cine norteamericano se ha visto beneficiado directamente por todos los logros de la cinematografía del resto del mundo. Para cualquier actor o actriz trabajar en Hollywood ha sido una meta, alcanzada por algunos y fracasos para otros. Además de los actores y actrices británicos ya mencionados, cabe resaltar los nombres de otros interpretes extranjeros, quienes alcanzaron la gloria en Hollywood, como fueron el francés Charles Boyer, los suecos Ingrid Bergman y Max Von Sydow, los hermanos austriacos Maximilian y María Schell, los puertorriqueños José Ferrer y Raúl Julia, los alemanes Marlene Dietrich y Emil Jannings, el húngaro Bela Lugosi, los australianos Errol Flynn y Nicole Kidman, los actores-actrices de origen judío como June Allyson, Theda Bara, Piper Laurie, Alla Nazimova, Paul Muni, Edward G. Robinson, Peter Lorre, John Garfield, Richard Dreyfuss, los hermanos Marx, Lee J. Cobb y otros muchos más, así como una extensa lista de actores canadienses, entre ellos Glenn Ford, John Ireland, Leslie Nielsen, Michael J. Fox y Jim Carrey.

2. LOS PREMIOS EN EL CINE

En los inicios del cine existían muy pocas premiaciones. Hoy en día éstos han aumentado extraordinariamente. Para más detalles, vea más adelante la parte de descripciones de premios existentes en cinematografía.

El más famoso de todos los premios y el más viejo también es el otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood. Esta institución fue creada el 4 de mayo de 1927, durante una reunión convocada por el presidente de la Metro Goldwing Mayer (MGM), Samuel B. Mayer, donde se decidió que la Academia otorgara un premio anual a los mejores en el cine. El premio consiste en una estatuilla diseñada por Cedric Gibbons, que viene a ser un hombre desnudo de pie sobre una bobina de una cinta con cinco agujeros, cada uno correspondiente a las secciones a premiar: actores/actrices, directores, escritores, técnicos y productores. Esa estatuilla fue luego bautizada con el nombre de “Oscar” en 1931, cuando una bibliotecaria de la Academia, Margaret Herrich, al ver la estatuilla dijo: “¡Si se parece a mi tío Oscar…!”. Otra versión es que en 1934 el realizador Walt Disney bautizó a este premio con el nombre de Oscar.

Estatuilla Oscar

Estatuilla Oscar

El 16 de mayo de 1929 se efectuó la primera entrega de los premios de la Academia. El primer film premiado fue la película de guerra “Alas (1927)” de William A. Wellman, mientras que el actor agraciado fue Emil Jannings por sus actuaciones en “El destino de la carne (1927)” y “Mando perdido (1928)”, la actriz vencedora fue Janet Gaynor por sus actuaciones en “Amanecer (1927)”, “El séptimo cielo (1927)” y “El ángel de la calle (1928)”. Lewis Milestone fue el director vencedor en comedia por “Two Arabian nights (1927)” (Dos noches árabes), y Frank Borzage en drama por “El séptimo cielo (1927)”.

Como se observa, los primeros premios se concedían por categoría en el caso de los directores, mientras que los actores y actrices lo recibían por un conjunto de buenas actuaciones. Esto varió en la siguiente concesión de premios que ocurrió en 1930. Para ese entonces, se daba un premio al mejor actor o actriz por una determinada película, y en el caso de directores, no se hacía más diferenciación entre dramas o comedias, por lo que el premio era solo uno en esta categoría. Igualmente se incluyeron premios para actores y actrices de reparto o de apoyo.

3. FESTIVALES DE CINE MÁS IMPORTANTES Y PREMIOS EN OTROS CERTÁMENES

A. OSCAR o PREMIO de ACADEMIA. El nombre de este premio fue casual y se debe a que la ejecutiva de cine Margaret Herrick dijo que la estatuilla, que se entrega anualmente en Los Angeles, EE.UU., a los mejores interpretes, directores y películas, se parecía a un tío de ella llamado OSCAR. Sin embargo, este certamen tuvo lugar por primera vez el 16 de mayo de 1929, y no fue hasta finales de los años 30 que se le llegó a llamar OSCAR. El diseño de la estatuilla fue de Cedric Gibbons, y luego su escultura fue desarrollada por George Stanley en Los Angeles.

El OSCAR se entrega en la actualidad al mejor actor y actriz protagónicos, al mejor actor y actriz de reparto o secundario, al mejor director, a la mejor columna sonora, a los mejores efectos especiales, a la mejor imagen, al mejor montaje, mejor film y mejor film extranjero. Para decidir el ganador en cada caso, se hace una selección de cinco candidatos o nominaciones.

B. GLOBOS de ORO. Se puede decir que este certamen es el preámbulo en EE.UU. de los OSCAR. También tiene lugar en Los Angeles, es patrocinado por el cine y la TV, y comprende más premios de acuerdo a los géneros de películas, seriales para la TV y otros. Se desarrolla todos los años desde 1956.

Globos de Oro

Globos de Oro

C. Premios BAFTA. Su nombre se origina de la abreviación de British Academy of Film and Television Arts. Este certamen tiene lugar anualmente en Inglaterra, también es auspiciado por la televisión y el cine de la Gran Bretaña. Su primer evento tuvo lugar en 1947 impulsado por el director David Lean. Como BAFTA se le conoce desde 1976 cuando la Academia en cuestión adoptó el nombre que actualmente posee. Los premios se entregan a los mejores filmes, actores, actrices protagónicos y de reparto, directores, tanto británicos como extranjeros.

Premio BAFTA

Premio BAFTA

D. EMMY. Premio auspiciado por la televisión norteamericana, que suele concederse a aquellos directores, actores y actrices más destacados en filmes y seriales para la TV.

E. EUROPEAN FILM AWARDS (EFA). Este es un premio que se otorga desde 1988 por la sociedad europea fílmica. Su promotor fue el destacado director sueco Ingmar Bergman. Las categorías de premios son similares a las de los anteriores certámenes anteriormente descritos.

Premio EFA

Premio EFA

F. PREMIOS del NATIONAL BOARD OF REVIEW de EE.UU. Estos premios se entregan anualmente desde 1920 a los mejores filmes, directores, actores y actrices. El National Board Review es una sociedad integrada por varios profesionales dedicados al arte del cine.

G. PREMIOS del DIRECTOR GUILD of AMERICA (sindicato de directores de EE UU) o DGA. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores directores.

H. PREMIOS del SCREEN ACTORS GUILD (premios a los actores del gremio de la pantalla) o SAG. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores filmes, actores y actrices en 13 categorías, que incluye premios a aquellos que lo merecen por su destacada carrera en el cine o en la TV.

I. SATÉLITE DE ORO. Premios de cine y TV que se entregan por la prensa de EE.UU. anualmente desde 1997.

J. PREMIOS LAUREL. No existe certamen para la entrega de estos premios en 15 categorías del cine, sino que son publicados anualmente por la revista Motion Picture Exhibitor.

K. PREMIOS CÉSAR o LAS NOCHES DE LOS CÉSARES. Evento anual de entrega de premios a los mejores filmes, directores, actores y actrices, que tiene lugar en Francia desde 1975. El certamen es auspiciado por la industria cinematográfica francesa y el premio se otorga luego de dos votaciones de los miembros de la Academia de Artes y Técnicas Cinematográficas de Francia. En la primera se realizan las nominaciones y en la segunda se escogen los títulos vencedores. El nombre de César se le dio al premio en honor al escultor diseñador de la estatuilla.

Premio César

Premio César

L. PREMIO LOUIS DELLUC. Premio en honor al periodista, crítico de cine y fundador de los llamados cines clubes, Louis Delluc, que se otorga desde 1937 en Francia a las mejores producciones de ese país.

M. PREMIOS DAVID di DONATELLO. Se entregan desde 1956 auspiciados por el Club Internazionale del Cinema de Italia. El principal premio se llama David, y los criterios de selección son muy similares a los del OSCAR.

Premio David

N. HASTY PUDDING THEATRICALS de EE.UU. Premios que se entregan en el mundo del cine de EE.UU. en el teatro Hasty Pudding de Cambridge, Massachusetts. Antes de la ceremonia de premiación, tiene lugar un desfile de lo ocurrido durante el año en el cine norteamericano. El evento se desarrolla desde 1951. Los premios más importantes son los de actor o actriz del año.

O. PREMIOS FRAMBUESA (RAZZIE). Desde 1969, en EE.UU., se entregan premios de carácter negativo anualmente a quienes se consideran los peores filmes, directores, actores y actrices del año en Hollywood.

Premio Frambuesa

Premio Frambuesa

P. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. Evento anual auspiciado por la Federación Internacional de Productores de Cine, y que se desarrolla desde 1956. Los principales premios de este festival son los Osos de Oro y de Plata.

Oso de Oro

Oso de Oro

Q. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES. Evento anual para la entrega de premios en el mundo del cine, que tiene lugar en Cannes, Francia desde 1946. A partir de 1955 se comenzó a entregar el premio mayor llamado Grand Prix du Festival International du Film. El premio más usual es la Palma de Oro.

Palma de Oro

Palma de Oro

R. FESTIVAL DE CINE DE VENECIA. Este certamen, inicialmente conocido como Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, es el festival más viejo en entrega de premios a los realizadores, actores y actrices de cine. Su primer festival tuvo lugar en 1932, aunque no siempre el mismo fue de carácter competitivo. Su principal premio es el León de Oro.

León de Oro

León de Oro

S. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN. Festival que tiene lugar en San Sebastián, España, desde 1953. En sus inicios solo competían filmes de producción española, pero a partir de 1980 el certamen se hizo extensivo a filmes de todo el mundo.

Premio Donostia

Premio Donostia

T. FESTIVAL DE CINE DE GIFFONI, ITALIA. Es un evento, que tiene lugar anualmente desde 1971 en una localidad cercana a Salerno, que premia los mejores filmes dedicados a los niños y a los jovenes.

U. PREMIOS ESPECIALES EN CERTAMENES DE CINE.
– FIPRESCI (Fédération Internationale de la Presse Cinématographique o Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)
– OCIC (Premio de la Organización Católica Internacional del Cine y Audivisual)
– NETPAC (The Network for the Promotion of Asian Cinema o Red para la promoción del cine asiático)
– INTERFAITH (Premio para la promoción de los valores humanos)

El número de festivales es extenso en la actualidad. Así se organizan anualmente festivales internacionales en La Habana, Montreal, Los Angeles, Karlovy Vary (República Checa), Moscú, Shanghai, Lugano (Suiza), y otras ciudades más, mientras que hay un sinfín de sociedades y círculos de críticos de cine nacionales y de algunas ciudades, que entregan premios a los mejores directores, actores y actrices anualmente.

Bibliografía consultada

Bergman, A. 1976. James Cagney. Storia illustrata del cinema, Milano libri edizioni, 158 p.

Lloyd Ann, Hill R., Bergan R., Darke C. y Frost-Sharratt Cara. 2004. 501 Must-see movies. Bounty books, Londres, 544 p.

Mills B. 2008. 101 Forgotten films. Kamera books, Harpenden, UK, 159 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

International Movies Data Base (IMDB). http://imdb.com/name-search

ORIGEN Y EVOLUCIÓN DEL CINE. I Parte.

La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”.
Jean Luc Goddard

Tomado del libro inédito “Grandes del cine de todos los tiempos” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. Fotografía y cinematógrafo

La ilusión de las imagenes en movimiento tiene su fundamento en la persistencia de aquello que llamamos visión, que nos permite retener en nuestro cerebro las imagenes recibidas a través de la retina ocular. El primer invento importante en este contexto fue la fotografía, la que llegó a establecerse a partir de mediados del siglo XIX. La fotografía nos da la posibilidad de registrar una imagen y después guardarla para observarla cuando así lo necesitemos. El pintor francés Louis-Jacques-Mandé Daguerre logró crear un proceso muy avanzado de fotografía positiva, entonces conocida como daguerreotipía, y poco después el científico inglés William Henry Fox Talbot demostró con éxito el proceso de fotografía negativa, que permitía la impresión ilimitada de varias fotos a partir de un solo negativo. De hecho el invento de la fotografía fue desplazando poco a poco a la pintura, la que con anterioridad era la que nos reflejaba el porte y rostro de las personas.

Louis-Jacques Mande-Daguerre

Louis-Jacques Mande-Daguerre

William Henry Fox Talbot

William Henry Fox Talbot

A lo largo del siglo XIX la fotografía continuó su desarrollo, la que inicialmente consistía en obtener una imagen fija, pero los profesionales de esta técnica, no conformes con este logro, decidieron diseñar equipos capaces de tomar las imagenes en movimiento. Uno de los científicos que logró sacar un número de fotos en series con el uso de un instrumento sencillo, fue el fisiólogo francés Étienne-Jules Marey.

Étienne-Jules Marey

Étienne-Jules Marey

El instrumento utilizado por Marey se le llamó arma cronofotográfica, que no era más que una cámara en forma de rifle capaz de registrar doce fotografías por segundo de forma sucesiva, y que permitó por primera vez estudiar el movimiento de las aves en su vuelo. Anteriormente, el fotógrafo británico Edward Muybridge había experimentado con un número de cámaras para tomar fotografías sucesivas y así observar el movimiento de los caballos. No obstante, la invención de Marey fue superior y más sencilla a la de Muybridge. A finales de la década de los 80 del siglo XIX, el religioso Hannibal Goodwin había logrado preparar el primer rollo de celuloide a partir de emulsiones, invento que fuera luego perfeccionado y comercializado por George Eastman.

 Hannibal Goodwin

Hannibal Goodwin

Edward Muybridge

Edward Muybridge

También por esa época había sido inventado el fonógrafo, el cual Thomas Edison se lo entregó a William Kennedy Laurie Dickson con la idea de combinar los elementos fotográficos ya inventados por Marey y Muybridge. Fue así que Dickson, en 1893, inventó una nueva cámara que se le llamó cinetógrafo o cinetóscopio, la que era capaz de registrar unos 16 metros de celuloide y una proporción de 40 marcos de fotografía por segundo. Casi al mismo tiempo, otros investigadores europeos hicieron desarrollos en igual dirección, como fueron el francés Louis Le Prince y el inglés William Friese-Greene, pero sin lograr el éxito de Dickson. En 1894 se comenzaron a comercializar los primeros cinestóscopios. Cabe aclarar que a Edison no le interesó patentar ninguno de sus equipos, lo que trajo por resultado que los mismos fueran copiados y fabricados en varias partes del planeta, donde fueron modificados y mejorados, sobre todo por Auguste y Louis Lumière en Francia, quienes finalmente lanzaron el primer proyector comercial de películas.

William Kennedy Laurie Dickson

William Kennedy Laurie Dickson

Thomas Edison

Thomas Edison

La primera proyección con el cinematógrafo Lumière ocurrió el 28 de Diciembre de 1895 en el Salón indio del Grand Café de París. Aquel programa constaba de once peliculas de 15 a 20 metros cada una, con una duración total de 20 minutos en total. Los materiales proyectados eran cortos interpretados por la propia familia y amigos de Louis Lumière, como fueron “La sortie des usine Lumière, à Lyon-Montplaisir”; “L’arrive d’un train en Gare”, y la comedia “L’Arroseur arrosé”. Louis Lumière (1864-1948) llegó a dirigir un total de 77 filmes, y el primero fue realizado en 1892 y no en 1895, que fuera el año más productivo de su carrera, al dirigir más de 30 películas.

Louis Lumière

Louis Lumière

A partir de aquella primera presentación en París, se adoptó la palabra “cine” o “cinema”, derivada del cinematógrafo, para llamar a este nuevo arte.

El primer largometraje apareció en 1907, que fue el film francés “L’Enfant prodigue” de Michel Carré (1865-1945). Al mismo tiempo las compañìas de cine comenzaron a formarse y aparecieron salas de cine en diversas partes del mundo. Las principales productoras fílmicas en Estados Unidos fueron MGM, Paramount, Warners, 20th Century-Fox y RKO; y en menos escala Republic, Monogram, y Grand National.

2. El cine sonoro

En la medida que el tiempo pasaba llegaban nuevos inventos y mejoras al cine, como fue la adaptación del sonido a una pieza fotográfica lograda por el francés Eugene Lauste. Años después llegó el cronofono inventado por el francés Léon Gaumont (1864-1946) en 1910, que permitió la sonorización sincrónica de las películas. Sin embargo, el cine de los primeros años hasta finales de la década de los 20 del siglo XX fue silente y en blanco y negro, solo con la combinación del cronofono. El primer film con acompañamiento musical y algunos otros efectos sonoros fue el film de aventura “Don Juan” (1926) de Alan Crosland, quien también dirigió poco después el musical “The Jazz Singer” (1927) con Al Jolson, que si se produjo con sonido. Se puede considerar que el mayor éxito en película sonora se logró con el musical “The Singing Fool” (1928) de Lloyd Bacon con Jolson nuevamente, mientras que el primer OSCAR a este tipo de película lo recibió el musical “The Broadway Melody” (1929) de Harry Beaumont con Charles King y Anita Page. El primer largometraje sonoro fue el drama-musical “Hallelujah” (1929) de King Vidor con Daniel L. Haynes y Nina Mae McKinney.

Léon Gaumont

Léon Gaumont

3. La llegada del cine a color

El primer film a color data de 1906 cuando el inglés George Albert Smith desarrolló un proceso que él llamó Kinemacolor, consistente en un procedimiento aditivo, en el que la filmación y proyección se realizaban a través de dos filtros, uno rojo y otro verde. El primer film comercial fue el documental de producción británica, “A visit to the seaside (1908)” (Una visita al mar) de George Albert Smith.

El color en las películas no se extendió mucho inicialmente, pero el sistema mejoró cuando los norteamericanos Herbert Kalmus (1881-1963), Daniel Comstock y Burton Westcott aplicaron el sistema de Technicolor, que a fin de cuentas era el kinemacolor mejorado. Las primeras películas que tuvieron este sistema de color fueron la comedia-drama “The gulf between (1917)” (Entre el golfo) de Wray Bartlett Physioc, el drama “The toll of the sea (1922)” (El peaje del mar) de Chester M. Franklin, y el film de aventura “El pirata negro (1926)” de Albert Parker con Douglas Fairbanks, Sr.

Herbert T. Kalmus

Herbert T. Kalmus

Este sistema evolucionó después en tres colores, lo cual proporcionó mejoras sustanciales al cine animado de Walt Disney y su compañía, como fue el cartón “Flowers and trees (1932)” (Flores y árboles) de Burt Gilett.

Una toma del cartón

Una toma del cartón “Flores y árboles (1932)”

La primera película con el tricolor de la Technicolor fue el drama “La feria de la vanidad (1935)” de Rouben Mamoulian con Miriam Hopkins

Afiche de

Afiche de “La feria de la vanidad (1935)”

4. El cine animado

Walt Disney tuvo la idea de combinar el sonido y la imagen asincronicamente en filmes animados, fue así que el famoso ratón Mickey debutó en el cartón “Steamboat Willie (1928)” de Disney y Ub Iwerks. Algo después apareció otro famoso cartón “The three little pigs (1933)” (Los tres pequeños cerdos) de Burt Gillett.

El ratón Mickey en

El ratón Mickey en “Steamboat Willie (1928)”

5. El cine en tres dimensiones

El término 3-D o tercera dimensión se utiliza para describir un sistema de presentación visual dirigido a crear una ilusión de profundidad de lo que ve el espectador. El principio de este sistema se basa en dos imágenes, sean inmóviles o en movimiento, a partir de cámaras iguales técnicamente situadas una al lado de la otra. Así, cada foco capta una imagen, que al final se verá como una sola y que viene a ser lo que se llama tercera dimensión o 3-D.

Desde 1853 el inglés Charles Wheatstone había experimentado con un esteroscopio modificado para mostrar imágenes en 3-D. Sin embargo, los pioneros del sistema fueron los hermanos Lumière, quienes realizaron el primer film de este tipo, “L’arrivée du train (1903)” (La llegada del tren), que mostraba la llegada de un tren a una estación terminal. El film fue presentado en la exposición de 1903 en París.

En el estreno del film

En el estreno del film “L’arrivee du train (1903)”

La primera película sonora en 3-D fue “Nozze vagabunde (1936)” (Matrimonio vagabundo) del director italiano Guido Brignone, film que fuera posteriormente distribuido por sucursal italiana de la compañía Warner Bros. Destacados filmes en 3-D han sido “Bwana devil (1952)” (El diablo de Bwana) del productor Sidney W. Pink, y luego el 3-D a color “House of wax (1953)” (Casa de cera).

6. Desarrollo del cine en la década de los 50

El cine en blanco y negro predominó a lo largo de dos décadas a partir de la aparición del cine sonoro, mientras que el cine a color hizo su gran irrupción con el largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming.

Vivien Leigh y Clark Gable en

Vivien Leigh y Clark Gable en “Lo que el viento se llevó (1939)”

Posteriormente se estrenaron las películas en amplias pantallas, sistema conocido como Cinemascope desarrollado por la Todd and American Optical Co. La primera película en Cinemascope fue el drama “El manto o La túnica sagrada (1953)” de Henry Koster con Richard Burton y Jean Simmons.

Richard Burton y Victor Mature en

Richard Burton y Victor Mature en “La Túnica Sagrada (1953)”

Casi al mismo tiempo se desarrollaba el cine con pantalla panorámica o circular, conocido como Cinerama, que fue realmente un exitoso sistema de proyección y sonido. Entre las primeras películas que se presentaron con este sistema están los documentales “This is Cinerama (1952)” de Merian C. Cooper y Gunther von Fritsch; “Cinerama Holiday (1955)” de Robert L. Bendick y Philippe De Lacy; “Las siete maravillas del mundo (1956)” de Tay Garnett, Paul Mantz y Andrew Marton entre otros; “South seas adventure (1958)” (Aventura en mares meridionales) de Carl Dudley y Richard Goldstone; y el drama “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer con James Garner, Yves Montand y Toshiro Mifune.

Afiche de

Afiche de “Las siete maravillas del mundo (1956)”