¿Quién fue Stanislavsky?

La juventud no debe sólo asimilar los frutos de la cultura de sus padres,
sino que debe elevar la cultura a nuevas cimas,
a las que no llegan las gentes de las anteriores generaciones
Konstantin Stanilavsky

A cada rato los actores/actrices y directores del cine evocan de alguna manera la figura de un director teatral de nombre Stanislavsky. Lo dicen como si todo el mundo tuviera que conocerlo. Es cierto que dentro del mundo del teatro y del cine, Stanislavski es una referencia obligada. Tratemos de saber quién fue y qué hizo para ser tan famoso.

Su nombre real es Konstantin Sergeyevich Alekseyev nacido el 5 de enero de 1863 en Moscú. Hombre de familia acomodada y aristocrática, la que hablaba francés en casa y ruso en la calle. Kostya (diminutivo de Konstantín) se adentró inicialmente en el mundo de los negocios, pero nunca dejó su afición por el arte, se convirtió en director teatral, y con su capital, logró fundar el teatro de artes de Moscú en 1898.

Desde niño sintió una gran afición por el teatro y las artes, había estudiado canto y piano, actuó en grupos teatrales de aficionados, en fin hizo de todo un poco en el mundo de las artes, algo que le venía genéticamente, pues su abuela había sido actriz teatral. Estudió economía y lenguas en el Instituto Lasarevsky de Moscú, y como era rico, pudo viajar a varios países, donde visitó bibliotecas y museos. Al regreso a Moscú, trabajó en la administración de la fábrica de su padre, algo que hizo bien, su fortuna personal creció y ganó medalla de oro en una exposición internacional en París. En realidad trabajaba por el día en los negocios y la noche la dedicaba a la interpretación teatral y trabajos de dirección.

Stanislavsky

Konstantin Sergeyevich Alekseyev alias Stanislavsky

El mérito de Kostya fue el de haber desarrollado un sistema de interpretación asimilado luego por famosos actores de teatro y cine. El método se basa en el uso de métodos similares al yoga y también basados en la psicología de comportamiento desarrollada por Pavlov, la que con buena disciplina de los actores/actrices, a través de ensayos y técnicas de relajación, y un análisis de los personajes a interpretar, se consigue mejores conexiones espirituales entre los actores. El método produce una actitud menos rígida de los intérpretes, lo que facilita su actuación. Stanislavski solía llamar a su método, realismo espiritual.

Paralelamente Kostya creó la sociedad de artes y literatura en su ciudad natal. No satisfecho, creó el teatro del arte de Moscú, que fuera conocido internacionalmente y muy productivo en obras adaptadas de la literatura universal.

Llegada la revolución de octubre, todas las propiedades de Stanislavsky fueron confiscadas, pero este gran emprendedor permaneció en su casa y continuó escribiendo guiones y dirigiendo obras teatrales como director del teatro que él lograra fundar años antes.

En 1924 se publicó su obra “Mi vida en el arte” en EEUU, lo que ocurrió inmediatamente después de visitar a este país en unión de un grupo teatral ruso. Dicha obra se publicó dos años después en la URSS.

Ya en 1928 el realizador se encontraba con una salud muy desmejorada y los médicos le indicaron que no saliera más en escena o que se retirase, algo que él no aceptó y continuó con su labor como siempre.

En los últimos años de su vida, Stanislavsky escribió el libro “Un actor se prepara consigo mismo”, donde él aparece como instructor de un estudiante imaginario de nombre Arkadi Nikolaevich. Los expertos coinciden en que la influencia de Stanislavski en el teatro contemporáneo es insuperable. El material tuvo una buena acogida de parte del gran Charles Chaplin, quien afirmó que el mismo ayuda a los intérpretes a lograr un arte dramático de gran envergadura. Grandes directores y actores del cine de todos los tiempos, como Elia Kazan, Lee Strasberg, Marlon Brando, Paul Newman y James Dean, entre otros, adoptaron el método de Stanislavski como práctica normal. Los interesados pueden descargar este trabajo en su original en ruso en línea.

La mansión donde vivió Stanislavsky está en el centro de Moscú y es hoy día un museo y centro de investigaciones, donde se expone una colección de obras teatrales originales. Los libros de propiedad de Stanislavsky son parte de este museo.

Stanislavsky jamás abandonó su país y murió el 7 de agosto de 1938 en la misma ciudad que lo vio nacer, Moscú.

Bibliografía consultada

Anon. Konstantin Stanislavski. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stanislavski.htm

Anon. Биография Константина Станиславского (biografía Konstantin Stanislavsky)

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores.

Orgaz Conesa María Concepción. El método Stanilavski. Red Teatral. http://www.redteatral.net/noticias-el-m-todo-stanislavski-118

Stanislavski K.S. Работа актера над собой (Часть I) (Trabajo del actor consigo mismo, parte I). http://www.e-reading.club/book.php?book=101744

Escrito por Esteban Hernández (13 enero de 2016)

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Propuesta de filmes para ver (I)

Hoy (15 enero 2016) y en las próximas semanas les daremos una lista de filmes que valen la pena ver. Si ya los vio, con no verlos otra vez basta. Si no lo has visto, no te lo pierdas. Atención, muchos son filmes viejos y en blanco y negro, no van a ver gente hablando con móviles, carros de último modelo, ni nada por el estilo en muchos de ellos, pero la calidad no va en la técnica, sino en la trama, dirección e interpretación de sus protagonistas.

El orden dado obedecía inicialmente a los títulos originales, que se pierde al traducirlos al español. Muchas de estas películas están disponibles en DVD o se pueden bajar en línea, otras no aparecen o habría que buscarlas en sus países de origen.

Accattone (1961) de Pier Paolo Passolini, drama sobre la vida de los romanos en los años 50-60, con Franco Citti y Franca Pasut. Film de producción italiana.

Adua y sus amigas (1960) de Antonio Pietrangeli, drama sobre la prostitución, con Simone Signoret y Marcelo Mastroianni. Film de producción italiana.

El político (1949) de Robert Rossen, drama sobre cómo un hombre llega al poder y cómo luego se corrompe, con Broderick Crawford, film norteamericano. El típico populista, promete mucho y luego es el más corrupto de los gobernantes.

Todos los hombres del presidente (1976) de Alan J. Pakula, drama sobre cómo se descubre el Watergate durante el proceso de elecciones en EEUU, protagonizado por Dustin Hoffman y Robert Redford, film norteamericano.

Amadeus (1984) de Milos Forman, drama sobre la vida del famoso músico, con Tom Hulce y F. Murray Abraham, film norteamericano.

American Beauty (1999) de Sam Mendes, drama sobre la frustración matrimonial, con Kevin Spacey y Annete Benning, film norteamericano.

Accatone-Adua-El Político-Todos los Hombres-Amadeus-American Beauty

Afiches de Accatone, Adua y sus amigas, El Político, Todos los Hombres del Presidente, Amadeus y American Beauty

Amistad (1997) de Steven Spielberg, drama sobre la trata de esclavos en EEUU en el siglo XIX, con Mathew McConaughey, Anthony Hopkins y Morgan Freeman, film norteamericano.

Amores perros (2000) de Alejandro González Iñárritu, drama muy original que entrelaza tres historias, con Emilio Echeverría y Gael García Bernal, film de producción mexicana.

Ana y los Lobos (1973) de Carlos Saura, drama sobre la tragedia de una institutriz que viaje a una residencia rural, con Geraldine Chaplin y Fernando Fernán Gómez, filme de producción española

Anatomía de un asesinato (1959) de Otto Preminger, drama-film de crimen sobre un proceso de asesinato, trama muy original, con James Stewart y Lee Remick, film norteamericano.

Ángeles con caras sucias (1938) de Michael Curtiz, drama-film de crimen sobre cómo un sacerdote logra detener la actividad de un gánster, amigo de él desde la infancia, con James Cagney, Pat O’Brien, Humphrey Bogart y Ann Sheridan, film norteamericano.

Anna Karenina (1967) de Aleksandr Zarkhy, enésima versión sobre la famosa novela de León Tolstoi llevada al cine, con Tatiana Somoloiva y Nikolai Gritsenko, film de producción soviética, muy fiel al libro de Tolstoi.

Amistad-Amores Perros- Ana y los lobos-Anatomía de un asesinato-Ángeles con caras sucias-Anna Karenina

Afiches de Amistad, Amores Perros, Ana y los lobos, Anatomía de un asesinato, Ángeles con caras sucias y Anna Karenina

El rostro (1958) de Ingmar Bergman, comedia-drama con algo de superstición, con Max Von Sydow e Ingrid Thulin, film de producción sueca.

El Apartamento (1960) de Billy Wilder con Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray, comedia sobre las complicaciones al poner su apartamento dentro de sus negocios, film norteamericano.

Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola, film bélico-drama sobre la misión de un oficial de ir a Cambodia para matar a un oficial norteamericano renegado, con Marlon Brando, Martin Sheen y Robert Duvall, film norteamericano.

La vuelta al mundo en 80 días (1956) de Michael Anderson, comedia basada en la obra homónima de Julio Vernes, con Cantinflas, David Niven y muchos actores/actrices más, film norteamericano.

La jungla de asfalto (1950) de John Huston, film de cine negro-crimen-drama sobre los manejos sucios de bandas criminales, con Sterling Hayden, Louis Calhern, Jean Hagen, Sam Jaffe y Marilyn Monroe, film norteamericano.

Afiches de El Rostro, El Apartamento, Apocalypse Now, La vuelta al mundo en 80 días, La Jungla de Asfalto y Atlantic City

Afiches de El Rostro, El Apartamento, Apocalypse Now, La vuelta al mundo en 80 días, La Jungla de Asfalto y Atlantic City

Atentado (1964) de Jirí Sequens, film sobre el atentado AL oficial nazi Reinhard Heydrich, con Radoslva Brzobohatý, Rudolf Jelínek y Ladislav Mrkvička entre otros, film de producción checa. Este es el único filme que no le hemos encontrado en DVD con subtítulos en idiomas como el inglés y español.

Imagen de escena de Atentado

Escena de “Atentado (1964)”

Atlantic City (1980) de Louis Malle, film de crimen-drama sobre cómo dos desviados, un hombre y una mujer joven, se encuentran enlazados por amor, dinero y droga, con Burt Lancaster y Susan Sarandon, film de producción canadiense-francés.

La próxima semana habrá otra nueva propuesta.

Cine de calidad, realizador Ousmane Sembene

Si la pobreza es la madre de los crímenes,
la falta de espíritu es su padre
Jean de la Bruyere, escritor y ensayista francés del siglo XVII

El desarrollo del cine en África ha sido lento realmente, muy pocas producciones fílmicas nos llegan de ese continente, donde la pobreza heredada del colonialismo dejó secuelas de incultura e ignorancia, hambre, desnutrición, deforestación, aridez ambiental y otras desgracias más.

Sin embargo, hubo un director-escritor que supo poner sobre el celuloide muchos de estos problemas con suficiente nitidez, donde además de mostrar lo que había dejado el colonialismo, fue capaz de criticar a algunos nuevos gobernantes en temas básicos de sobrevivencia que no eran atendidos.

Ese hombre, a mi entender, fue el director y escritor senegalés Ousmane Sembene, quien nació el 1 de enero de 1923 en Ziguinchor, Casamance, Senegal en el seno de una familia humilde. Siendo su país colonia de Francia, Sembene trabajó como mecánico en la metrópoli, luego sirvió en el ejército francés durante la Segunda Guerra Mundial. Desmovilizado, trabajó de albañil y estibador, donde conoció del trabajo y las luchas de los sindicatos.

Ousmane Sembene

Ousmane Sembene

Fueron estas vivencias como trabajador explotado, las que le incentivaron a escribir. Su primera obra se tituló “Le docket noir” (El estibador negro). Luego descubrió el cine, medio que vio útil para reflejar en pantalla mucho de lo visto y sufrido en su vida. Pasó escuela de cine en Gorky, territorio de la desaparecida Unión Soviética y a su regreso a Senegal, realizó su primer material fílmico, el documental “L‘Empire Songhai (1963)” (El imperio Sonhrai), que describe algo de la vida anterior de este imperio asentado en el actual territorio de Mali. Luego dirigió el drama “La noire de…(1966)” (La negra de... ) con Mbissine Thérèse Diop, que muestra las vicisitudes de una mujer de Senegal que trabaja como sirvienta en casa de una familia francesa. Realizó otro documental-corto, “Borom sarret (1966)” (El dueño de la carreta), que versa sobre la vida de un carretero en Dakar y muy ilustrativo de la pobreza existente en Senegal.

Afiche La noire de....

Afiche de “La noire de…. (1966)”

Vine a conocer de este director cuando el crítico y comentarista cubano de cine, Mario Rodríguez Alemán, presentó el drama “Mandabi (1968)” (El Giro), el cual muestra la vida de los emigrantes africanos en Francia, como mienten a su familia sobre su supuesto bienestar, cuando en realidad se ven obligados a barrer calles y hacer aquellos trabajos más difíciles y sucios, que los franceses no hacen. Al final hacen sus ahorros para mandar dinero a su familia, pero aquellos que los deben recibir, se tropiezan con verdaderos gánster en las esferas de poder de sus países que roban ese dinero sin que les llegue un centavo a ellos. Les digo que esa película me impresionó por su argumento real, de hecho la veo como una joya del cine del Tercer Mundo.

Afiche de El Giro (1968)

Afiche de “El Giro (1968)”

Otros filmes dirigidos por Sembene fueron “Emitaï (1971)” (El Dios del relámpago) sobre un conflicto entre franceses y mujeres de la etnia Diola en África occidental; la comedia “Xala (1975)” (Impotencia), sobre el inicio del período inicial de Senegal libre en teoría del yugo francés, pero que aún gobierna en las esferas económicas. El drama “Ceddo (1978)” (Los foráneos) con Tabata Ndiaye, película sobre los conflictos con el ejército colonial en Africa occidental en el siglo XVII y que fuera prohibida durante siete años en Senegal. Otro, tan impresionante como Mandabi lo es “Moolaadé (2004)”, que fuera su último film y que versa sobre la mutilación de las mujeres en África.

Afiche Moolaadé (2004)

Afiche de “Moolaadé (2004)”

Sembene murió el 9 de junio de 2007, en Dakar, Senegal. En su carrera como director realizó 14 filmes entre 1963 y 2004, produjo 2 y actuó en otros dos. Lamentablemente no es fácil encontrar DVD con filmes de este autor, los que serían de mucha utilidad a la población del mundo en general, y así familiarizarse y lograr conciencia sobre el aspecto de la pobreza en muchos países africanos, la necesidad de apoyo externo, donde parte de los problemas se debe también a la poca atención prestada por las autoridades locales en algunos de estos países.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban (en preparación). Grandes del cine de todos los tiempos-directores.

Ousmane Sembene. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0783733/?ref_=fn_al_nm_1

Escrito por Esteban Hernández (6 de enero de 2015)

Historia del cine homofóbico y de homosexualidad

En sí, la homosexualidad está tan limitada como la heterosexualidad:
lo ideal sería ser capaz de amar a una mujer o a un hombre,
a cualquier ser humano, sin sentir miedo, inhibición u obligación.”
Simone de Beauvoir
escritora, profesora y filósofa francesa

Por Esteban Hernández

Como cambian los tiempos, hace unas décadas hablar o tan solo presentar homosexuales en la pantalla era un verdadero problema, y no era solo en el cine sino en la TV igualmente.

Cuando era niño, en Cuba, había un personaje llamado “Mamacusa Alambrito”, aparecía un programa de televisión que salía todos los lunes en la noche. El actor Luis Echegoyen era quien interpretaba este personaje femenino. Toda Cuba veía el programa, era realmente cómico, hasta que un buen día el gobierno de turno en la década de los 50, a través de su ministro de educación, prohibió que en la TV aparecieran hombres interpretando personajes femeninos y viceversa.

La educación que hemos recibido de siempre es que la homosexualidad es una patología corregible. No quiero adentrarme mucho en el tema, pues entonces nos desviaríamos del interés del artículo, que es la historia de este problema en el cine.

El cine americano, el más poderoso económicamente de todos los tiempos en el mundo, trató el homosexualismo como a una plaga en el pasado. El corto “Lot in Sodom (1933)” de los directores James Sibley Watson y Melville Webber fue un ejemplo de cómo se mostraban entonces a los homosexuales. En ese filme los homosexuales eran sencillamente entes satíricos y deseosos de sexo. Ya en otros cortos de inicio del siglo XX se mostraban a los homosexuales de forma leve, a veces con carácter humorístico, algo que persistió durante años.

De hecho en EEUU existió el código Hays, formulado por William H. Hays, primer presidente de la MPPDA (Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de América). El objetivo del código era censurar todo aquello que se entendiera indecente, que en este caso quedaban incluidos los homosexuales. No se permitían escenas de desnudos, temas sobre aborto o prostitución u otros. Este código obligó a muchos guionistas y directores a cambiar las tramas originales en muchos filmes.

Por ejemplo, la historia del filme “La reina Cristina de Suecia (1933)” que protagonizara Greta Garbo, hubo de ser cambiada, ya que la reina en la vida real había sido lesbiana. En el filme la relación de la monarca con su sirviente se mostraba levemente.

El otro caso fue el del filme de cine negro “El Halcón Maltés (1941)” de John Huston, en el que el personaje interpretado por Peter Lorre en la novela original era homosexual y en el filme hubo que presentarlo tan solo como hombre débil y cobarde. Así pasó con “Rebelde sin causa (1956)” de Nicholas Ray, “La gata sobre el tejado de zinc (1958)” de Richard Brooks, “De repente el último verano (1959) de Joseph L. Mankiewicz, “Espartaco (1960)” de Stanley Kubrick, todos filmes, cuyas historias originales abordaban el tema del homosexualismo y que debido a la censura hubo que cambiar los originales.

En el drama “La calumnia (1962)” de William Wyler, Shirley MacLaine es la homosexual y a su vez la malvada de la historia.

Afiche del filme "La calumnia (1962)"

Afiche del filme “La calumnia (1962)”

La descatalogación de la homosexualidad como delito en el Código Penal británico tuvo lugar en 1967, fue así que Stanley Donen dirigió “La escalera (1969)”, protagonizado por los estelares Richard Burton y Rex Harrison, los que interpretaban a un par de peluqueros homosexuales, envueltos en problemas por sus condiciones y que al final terminan acusados de escándalo a la moral. Naturalmente el filme en algunos lugares, donde la iglesia tenía buena influencia, no pudo ser mostrado.

John Schlesinger después dirigió en Inglaterra, el drama “Domingo, Maldito Domingo (1971)”, en inglés se llama “Sunday, Bloody Sunday” protagonizado por Peter Finch y Glenda Jackson, donde la historia tiene que ver con un triángulo amoroso creado alrededor de un hombre llamado Bob Elkin interpretado por el apuesto Murray Head, quien servía de novio a Glenda y de amante a Finch. Personalmente fue la primera vez que vi en cine beso en la boca de dos hombres. El filme es realmente original y vale la pena que se vea.

Peter Finch (izq.), Murray Head (centro) y Glenda Jackson, protagonistas de Domingo, Maldito Domingo (1971)

Peter Finch (izq.), Murray Head (centro) y Glenda Jackson, protagonistas de “Domingo, Maldito Domingo (1971)”

Posteriormente comenzaron a aparecer películas, donde los homosexuales se presentaban claramente. Recuerdo a Cher interpretando el papel de lesbiana en el drama “Silkwood (1983)” de Mike Nichols, o a Sharon Stone como bisexual en el film de crimen “Instinto Básico (1992)” de Paul Verhoeven.

Afiche "Silkwood (1983)"

Afiche “Silkwood (1983)”

La película “Filadelfia (1993)” tuvo el mérito de abordar el tema del SIDA y el homosexualismo. En este filme hubo escenas atrevidas que rompían con la tradición moralista de siempre, Cuatro años después apareció una comedia que tocaba de lleno el asunto del homosexualismo, lo interesante es que en el mismo participaron actores considerados puro macho, como es el caso de Tom Selleck, Klevin Kline y Matt Dillon, me refiero a “In & Out (1997)” de Frank Oz, que contó con escenas de besos en la boca entre Selleck y Kline.

Afiche filme Filadelfia (1993)

Afiche filme “Filadelfia (1993)”

Afiche In & Out (1997)

Afiche “In & Out (1997)”

Una cinta muy original, no americana, que aborda el tema del homosexualismo con mucha excelencia, es la comedia cubana “Fresa y chocolate (1993)” de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, donde Jorge Perugorría interpreta el papel de homosexual reprimido en la sociedad en que vive. Lo interesante es que la película enseña que esos homosexuales poseen más cultura y educación que los “duros”.

Afiche Fresa y Chocolate (1993)

Afiche “Fresa y Chocolate (1993)”

Llegó el siglo XXI y con ello el primer filme de Hollywood que abiertamente trata el tema de la relación homosexual entre dos hombres, hablo de “Brokeback mountain (2005)” del director taiwanés Ang Lee, quien escogió a otro par de machos para interpretar los papeles de homosexual, ellos fueron el difunto Heath Ledger y Jake Gyllenhaal.

Escena de Brokeback Mountain (2005)

Escena de “Brokeback Mountain (2005)”

Fuera de EEUU, ha habido prohibición, pero el tema ha sido abordado más abiertamente antes que en Norteamérica.

En Italia los directores más dados a tocar este tema han sido el gran Luchino Visconti y Pier Paolo Pasolini. El primero era un bisexual, que sutilmente tocó el tema de la homosexualidad en muchas de sus películas más famosas. El ejemplo más evidente lo encontramos en “Muerte en Venecia (1971)”, donde un compositor musical se enamora de un chaval italiano. Pasolini era un hombre que se oponía abiertamente a los prejuicios establecidos en la sociedad, por lo que la homosexualidad era parte de lo cotidiano y como tal lo tocó en varios de sus filmes, como fueron “Teorema (1968)”, “El Decamerón (1971)”, y el más fuerte de todos “Saló o los 120 días de Sodoma (1976)”, que incluye escenas de violación, humillación y tortura durante la época fascista en Italia.

Afiche Salò o los 120 días de Sodoma (1976)

Afiche “Salò o los 120 días de Sodoma (1976)”

En Francia la homosexualidad ha estado presente en filmes de varios realizadores, entre ellos, el más notable, André Téchiné. No se puede dejar de mencionar el drama “Les amitiés particulières (1964)” de Jean Delannoy, donde la trama gira alrededor de un adolescente y su relación con otro mayor que él en una escuela interna católica. Actualmente el director francés más dado a abordar la homosexualidad es François Ozon.

De Inglaterra ya hemos hablado de filmes que tocan el tema mucho antes que en Hollywood.

En España, Pedro Almodóvar ha tratado este tema varias veces. “Laberinto de pasiones (1982)” fue el primer filme español que trata el tema de la homosexualidad, donde aparece una pareja que busca un entorno diferente para estar juntos. Luego dirigió “Entre tinieblas (1983)”, donde un cantante busca refugio con una monja lesbiana. Luego realizó “La ley del deseo (1987), y “La mala educación (2004)” que, a mi entender, fue un bombazo en el cine de la homosexualidad, Aquí el mexicano Gael García Bernal es el escogido para interpretar el papel del homosexual. Sin embargo, el propio Almodóvar reconoce como su filme más gay a “Los amantes pasajeros (2013)”.

Afiche La Mala Educación

Afiche “La Mala Educación (2004)”

Sería muy necio no hablar que previamente el español Luis Buñuel trató el tema de la homosexualidad en algunos de sus filmes. Así tenemos el drama mexicano “El (1953)” con Arturo de Córdova, o “Belle de jour (1967)”, filme de producción franco-italiano, donde se ven escenas de lesbianismo.

Escena de Belle de Jour (1967)

Escena del filme “Belle de Jour (1967)”

No obstante, han existido muchos filmes con carácter homofóbico, donde creo que Alemania, más que ningún otro país ha sido el que más insistido en el tema. La llegada del nacional-socialismo al poder en este país hizo enorme daño en el cine, y casi todas las películas anteriores que trataban el tema de la homosexualidad abiertamente, como fueron “Mädchen in uniform (1931)” (Muchachas en uniforme) de Leontine Sagan, y “Anna y Elisabeth (1933)” de Frank Wysbar fueron prohibidas.

El ejemplo más claro de cine homofóbico alemán es el drama “El tercer sexo (1957)”, (título original Anders als Du und Ich) dirigido por Veit Harlan, realizador que abrazó la causa neonazi en su país y que dirigió varios filmes con propaganda nazi. Harlan había dirigido en 1940 el drama “El judío Suss”, una de las películas más antisemitas que se hayan producido. Condenado al término de la segunda guerra, luego la justicia le pasó la mano y lo soltó en 1950.

Volviendo a “El tercer sexo (1957)”, recuerdo que en Cuba se estrenó en 1959 y que solo se admitían a personas mayores de 16 años para ver el film. Por suerte, hace unos años la conseguí subtitulada en inglés y pude ver la película en cuestión. Harlan había realizado esta película en un momento que en la Alemania Federal se ratificaban las leyes, previamente aprobadas por el régimen nazi, que penalizaban la homosexualidad, por lo que el filme venía como anillo al dedo para justificar la legislación nuevamente aprobada.  Como había señalado previamente, el homosexual se presenta como un enfermo curable. El valor de esta película es para que se vea cuán prejuiciada estaba la sociedad con este asunto de la homosexualidad.

Escena de El tercer sexo (1957)

Escena de “El tercer sexo (1957)”

Se ha avanzado mucho en la aceptación de los homosexuales, sin embargo, algunos directores de cine son reacios a tocar el tema, algo que, a mi entender, se debe respetar. Ahora no es para imponer criterios a otros de lo que algunos quieren. Claro está, no se pueden aceptar filmes que inciten a la violencia contra los homosexuales, eso no se puede permitir.

Ahora surgen quejas, la organización GLAAD (Gay and Lesbian Alliance Against Defamation), surgida en 1985, analizó 114 películas y encontró que sólo en 20 se incluyen personajes homosexuales o bisexuales, mientras que los trasvesti brillan por su ausencia. Pienso que esto debe ser un proceso que se irá superando año tras año. Hay muchos temas, como el de la pobreza, que casi no se aborda en la filmografía de la mayoría de los países grandes productores de filmes, y la pobreza es sumamente importante, pues toca a miles de millones de personas en todo el planeta. Los regímenes dictatoriales abundan y es tema que no se toca tanto en la filmografía existente. Así que debemos empeñarnos a eliminar los prejuicios, pero igualmente abordar la más amplia gama de temas que nos afectan y que puedan ayudar a crear conciencia.

El tema es actual y sus comentarios serán bienvenidos.

Bibliografía consultada

Anon. 2014. La homofobia que ahoga a Hollywood.SModa, El País, 31 julio. http://smoda.elpais.com/moda/la-homofobia-que-ahoga-a-hollywood/

Anon. Garuyo. Pedro Almodóvar y el cine gay. http://www.garuyo.com/cine/pedro-almodovar-y-el-cine-gay

García Yago. 2015. Ridley Scott y Michael Bay, los más homófobos de Hollywood. El País, Cinemanía. 19 abril. http://www.cinemania.es/noticias/ridley-scott-y-michael-bay-los-mas-homofobos-de-hollywood/

Anon. Les amitiés particulières. IMDB.com. http://www.imdb.com/title/tt0057842/?ref_=nm_flmg_dr_19

Anon. Luis Buñuel. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0000320/?ref_=nv_sr_1

Anon. Pedro Almodóvar. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0000264/?ref_=nv_sr_1

Anon. Pier Paolo Pasolini. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0001596/?ref_=nv_sr_2

Anon. Veit Harlan. IMDB.com. http://www.imdb.com/name/nm0363235/bio?ref_=nm_ov_bio_sm

Anon. 2011. La homosexualidad en el cine Americano. Zinéfilaz. http://zinefilaz.blogspot.com.es/2011/11/la-homosexualidad-en-el-cine-americano.html

La caracterización de un delincuente de nombre Ho

La educación es la vacuna contra la violencia
Edward James Olmos
Actor y director mexicano-estadounidense

Por Esteban Hernández

Hace unos días veía, creo, que por tercera vez el film de crimen “Ho!” (1969)” del director Roberto Enrico y con argumento de José Giovanni, el escritor-director, maestro de las tramas para películas de crimen y cine negro. El anti-héroe del filme lo encarna Jean-Paul Belmondo, algo que para él no era nada nuevo. Acompañaron al actor francés, la canadiense Joanna Shimkus, la misma que en 1976 se casara con el actor Sidney Poitier, además de Paul Crauchet, quien interpreta el papel de un periodista ávido de tener siempre la última.

El título del filme al inicio hace uno pensar que se trata de algún vietnamita, ya que Ho es nombre en ese país del sudeste asiático, que fuera inicialmente colonizado por Francia. La película es una co-producción franco-italiana.

Afiche de Ho!

Afiche de Ho!

Cualquiera con razón puede decir que es un filme de crimen más. Sin embargo, me llamó la atención que en esta historia, Ho, que es la abreviatura de François Holin, se describe como el típico delincuente narcisista, algo que ha sido muy común en casi todos los gánster, y que refleja un complejo de inferioridad que trata de sobresalir con actos y posturas de macho cruel e implacable, o sea entes carentes de sentimientos y de piedad. El periodista George Briand en el film, o sea Crauchet, dibuja la figura de este delincuente de papel con mucha sutileza. Cuando la policía le pregunta por la forma de actuar de Ho, Briand le responde que no es lo que ellos se imaginan. Ho se creó una imagen que ni los mismos criminales asociados se la creían.

Recordaba viendo el film, que algunos pasajes guardan alguna similitud con escenas de otro film de crimen, “Ángeles con caras sucias (1938)” de Michael Curtiz, donde el protagonista principal, James Cagney en el papel del delincuente Rocky Sullivan, adopta una actitud muy similar a la de Ho. En el fondo son personas de extracción pobre, que nunca tuvieron nada, se desarrollaron primero como rateros en su niñez y adolescencia, la prisión los tuvo por un tiempo, luego, ya hombres, salen libres y quieren entonces ser importantes, vestir bien es esencial en ese caso, Ho adoraba coleccionar corbatas, la forma de caminar, de conducirse rudamente con el supuesto enemigo, usar el arma con la rapidez de un vaquero, son todas posturas estudiadas para impactar en la población que los observa. Es una manera de quererse deificar, por no decir, parecer lo que no son en realidad.

Afiche "Ángeles con caras sucias"

Afiche “Ángeles con caras sucias”

El delincuente puede tener sentimientos y no siempre resulta ser un asesino nato. En “Ho” es evidente que la policía con tal de lograr méritos, se encarga de crear una leyenda del delincuente irreal. Es probable que en muchos casos de la vida real que el delincuente no sea hombre de matar, mientras que algún que otro agente de la policía, por sus propios intereses, sea capaz de matar para hacer aparecer una víctima que no fue obra del delincuente. Eso se ha visto en varios filmes.

Lo que no queda la menor duda es que estos gánster buscan la forma de tener súbditos incondicionales para poder cometer sus robos o atracos. Lo mismo en “Ángeles con caras sucias (1938)” como en “Ho”, se ve cómo lo mismo Rocky Sullivan que Ho buscan elementos jóvenes, inexpertos, que se subordinen a sus ideas y propósitos, a veces solamente por un asunto de publicidad y de mantener a la gente a la expectativa de lo que ellos puedan realizar.

Pienso que el comportamiento de Ho puede tener similitud con muchos de los procederes de connotados criminales en su fase inicial, como lo fueron Al Capone, Lucky Luciano y Meyer Lansky entre otros. Probablemente José Giovanni en su argumento se haya inspirado en hechos ocurridos con anterioridad y así haya creado a su anti-héroe Ho. No obstante, los gánster mencionados fueron hombres de negocios, algo bien reflejado por Mario Puzo en “El Padrino”, por lo que Ho como Rocky Sullivan no pasaron de ser delincuentes habituados al robo y a los atracos, pero no de desarrollar una mentalidad de negocio, ya sea ilícito, que le pudiera dar dividendos de manera sostenible.

Les invito a que vean este filme, así como el viejo “Ángeles con caras sucias (1938)” y si les parece, opinen al respecto. Si ya han visto estas pelis, pues mejor aún, me agradaría ver sus comentarios.

Grandes directores del cine iberoamericano

Con un buen guión puedes hacer una película buena o una película mala.
Con un mal guión sólo tendrás películas malas”.

Akira Kurosawa

El presente artículo es un extracto de partes del libro (en preparación) “Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores” del autor.

Por Esteban Hernández

La filmografía iberoamericana es realmente extensa, países como España, México y Argentina han sido de los que más filmes han realizado hablados en español. No obstante, varios países han comenzado posteriormente a aportar en este campo, sobre todo con películas que abordan los problemas socio-económicos de sus países y a veces realizados con pocos recursos. Algunos de ellos han sido censurados, ya que a algunos gobiernos de turno no les agrada que se ponga en evidencia sus deficiencias. Veamos varios de los directores destacados iberoamericanos.

A Pedro Almodóvar (1949) se le puede considerar el director español de cine más reconocido mundialmente después de Luis Buñuel. Sus filmes rompen por completo el tabú de la moralidad, casi siempre más dudosa que real. Por primera vez, la vida y peripecias de los homosexuales es bien reflejada, así como la de gente de pueblo y los habituales maleantes. El costumbrismo en el cine muere en las manos de Almodóvar, donde lo tradicional es agredido con lo real. Entre sus filmes están:

– Las comedias “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)” con Carmen Maura y Félix Rotaeta,
– “Laberinto de pasiones (1982)” con Cecilia Roth e Imanol Arias
– El drama-suspense “Matador (1986)” con Assumpta Serna y Antonio Banderas
– Las comedias-dramas “La ley del deseo (1987)” con Eusebio Poncela, Carmen Maura y Antonio Banderas,
– “Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)” con Carmen Maura y Banderas nuevamente
– El drama-film de crimen “¡Átame! (1990)” con Victoria Abril y Banderas una vez más
– Los dramas “La flor de mi secreto (1995)” con Marisa Paredes y Juan Echanove,
– “Carne trémula (1997)” con Javier Bardem y Francesca Neri,
– “Todo sobre mi madre (1999)” con Cecilia Roth y Marisa Paredes
– El drama “Hable con ella (2002)” con Javier Cámara y Darío Grandinetti
– El drama-suspense “La mala educación (2004)” con Gael García Bernal y Fele Martínez, donde el tema del homosexualismo se presenta de forma natural
– La comedia-film de crimen “Volver (2006) con Penélope Cruz y Carmen Maura, película que a este autor hace recordar algo la forma de narrar de un Víctor Hugo o un Gabriel García Márquez
– El drama “Los abrazos rotos (2009)” con la Cruz nuevamente y Lluís Homar.

at the Golden Globe Foreign-Language Nominees Seminar, Egyptian Theater, Hollywood, CA 01-14-12

Pedro Almodóvar Foto: S_Bukley, ImageCollect. com

Luis César Amadori (1903-1977), nacido en Italia, pero con desarrollo en Argentina, fue director de filmes que contenían alguna carga social mostrando los marginados en la sociedad, pero no puede considerarse que su objetivo haya sido abordar a plenitud estos temas. Más bien buscaba el entretenimiento y daba algún que otro mensaje como moraleja o de carácter social de forma poco pronunciada o sutil. Sus filmes más destacados fueron:

– El musical “Madreselva (1938)” con Libertad Lamarque y Hugo del Carril
– Las comedias “Soñar no cuesta nada (1941)” con Mirtha Legrand,
– “La mentirosa (1942)”,
– “Una mujer sin cabeza (1947)”, en éstas dos últimas con Niní Marshall
– El drama “Dios se lo pague (1948)” con Arturo de Córdova, película considerada como la obra maestra de su carrera
– Los dramas “La pasión desnuda (1953)” con María Félix,
– “El grito sagrado (1954)” con Fanny Navarro y Carlos Cores,
– “El amor nunca muere (1955)” con Zully Moreno y Mirtha Legrand
– Los famosos musicales-dramas protagonizados por Sarita Montiel, como “La violetera (1958)” con Raf Vallone,
– “Mi último tango (1960)” con Maurice Ronet,
– “Pecado de amor (1961)” con Rafael Alfonso

Vicente Aranda considerado uno de los mejores directores de cine de España, quien se ha caracterizado por realizar filmes con fuerte carga sexual. En 1952 emigró a Venezuela y en 1964 regresó a su natal España, donde estableció su propia compañía productora. Aranda es un director que gusta de abordar el comportamiento de las mujeres, sus deseos, sus ambiciones y sus sufrimientos. No es extraño que en muchas de sus películas las protagonistas principales sean mujeres. Filmes de su dirección son:

– Los dramas “Tiempo de Silencio (1986)” con Imanol Arias,
– “El Lute: camina o revienta (1987)” con Arias y Victoria Abril,
– “El Lute II: mañana seré libre (1988)” con Arias y Jorge Sanz.
– “Amantes (1991)” con Jorge Sanz
– “El amante bilingüe (1993)” con Imanol Arias y Ornella Muti
– La comedia de horror “Intruso (1993)” con Arias y Victoria Abril nuevamente
– El drama “La pasión turca (1995)” con Ana Belén
– El drama-film bélico “Libertarias (1996)” con Ana Belén y Victoria Abril, donde se abordan los desastres de la guerra civil en España a través de un grupo de milicianas
– Los dramas “La mirada del otro (1998)” con Laura Morante,
– “Celos (1999)” con Aitana Sánchez-Gijón,
– El histórico “Juana la Loca (2001)” con Pilar López de Ayala.
– El drama romántico “Carmen” (2003) con Paz Vega y Leonardo Sbaraglia
– el drama-documental “¡Hay motivo! (2004)” con Laura Aparicio

FWRO

Vicente Aranda Foto: Jeff Spicer/ALPHA/GLOBE PHOTOS, INC

Bruno Barreto (1955) es uno de los realizadores brasileños, quien vive desde 1991 en los EE.UU al estar casado con la actriz Amy Irving. A pesar de la distancia, sus filmes guardan el sabor brasileño del dolor por los años vividos de dictadura como el de la alegría natural de su pueblo. Entre sus filmes están:

– La comedia-drama “Doña Flor y sus dos maridos (1978)” con Sonia Braga y José Wilker, film inspirado en la obra del mismo nombre del escritor Jorge Amado y que fuera todo un éxito para Barreto
– El drama-suspense “Amor bandido (1979)” con Paulo Gracindo y Cristina Aché
– La comedia “Gabriela (1983)” con Sonia Braga y Marcello Mastroianni
– El drama “Romance da empregada (1988)” con Betty Faria y Stela Freitas, film donde se relata la vida de mujeres
– El drama-suspense “Bajo otra bandera (1990)” con Amy Irving y Andy García, film que aborda la trama policíaca en un hecho ocurrido en Puerto Rico con los nacionalistas de este país
– “Cuatro días en septiembre (1997)” con Alan Arkin y Fernanda Torre, película que relata una acción del grupo MR 8 contra la dictadura militar brasileña, película, quizás, uno de las más vistas de la obra de Barreto
– La comedia romántica “Bossa Nova (2000)” con Amy Irving y Antônio Fagundes
– El film biográfico “Flores raras (2013)” con Glória Pires y Miranda Otto, film que aborda la relación trágica entre la poetiza americana Elizabeth Bishop y el arquitecto brasileño Lota de Macedo Soares

Bruno Barreto

Foto: Denis Makarenko

A Luis Buñuel (1900-1983) se le considera el padre del surrealismo cinematográfico y uno de los directores más originales de la historia del cine. Con estilo muy proprio, combativo con la injusticia social, también muy dado a un exquisito erotismo, era reconocido como sincero y carente de convencionalismos. Su carrera transcurrió en su natal España, Francia, EE.UU. y México. Entre sus filmes dirigidos están:

– El corto “Un perro andaluz (1929)”, que con gran éxito muestra imágenes impresionantes
– Los dramas “La edad de oro (1930)” con Gaston Modot, que atacaba sin piedad a la iglesia y a la clase media por interferir en el amor de un hombre y una mujer
– “Una mujer sin amor (1952)” con Tito Junco y Elda Peralta,
– “El bruto (1953)” con Pedro Armendáriz y Katy Jurado,
– “El (1953)” con Arturo de Córdova,
– “Abismos de pasión (1954)” con Jorge Mistral
– El film de aventura-drama “La muerte en el jardín (1956)” con Simone Signoret y Michel Piccoli
– El entonces escandaloso drama “Nazarín (1959)” con Francisco Rabal y Marga López, realizado en España y que versa sobre la vida de un curaç
– Los dramas “La joven (1960)” con Zachary Scott y Bernie Hamilton, rodado en Acapulco, México
– “Viridiana (1961)” con Silvia Pinal y Francisco Rabal, que tuviera buena acogida y fuera prohibido por la dictadura franquista,
– “El ángel exterminador (1962)” con la Pinal nuevamente y Enrique Rambal, donde nuevamente Buñuel muestra su carácter anticlerical,
– “Diario de una mucama (1964)” con Jeanne Moreau y George Géret, filmado en Francia,
– “Simón del desierto (1965)” con Silvia Pinal y Claudio Brook,
– “Belle de jour (1967)” con Catherine Deneuve y Jean Sorel
– “Tristana (1970)” con Catherine Deneuve nuevamente, Francisco Rabal y Franco Nero
– “El fantasma de la libertad (1974)” con Adriana Asti y Julien Bertheau,
– “El discreto encanto de la burguesía (1973)” con Paul Frankeur,
– “Ese oscuro objeto de deseo (1977)” con Carole Bouquet, en estos dos últimos con Fernando Rey como principal protagonista

Luis Buñuel

Luis Buñuel

Mario Camus es director español de éxitos en la realización de varios dramas, muy originales, pero también de películas de otros géneros. Su realización en la década de los 80 fue muy valiosa, ya que fueron dramas basados en notables obras literarias, entre ellos:

– El drama corto “El borracho (1962)” con Sergio Mendizábal y Esmeralda Adam García
– El drama drama “Los farsantes (1963)” con Amapola García y Fernando León
– El film de acción “Con el viento solano (1967)” con Antonio Gades
– El drama “Volver a vivir (1967)” con Lea Massari y Raf Vallone
– El oeste “La collera del vento (1971)” con Terence Hill
– Los dramas “La colmena (1982)” con Victoria Abril,
– “Sombras en una batalla (1993)” con Carmen Maura,
– “Amor propio (1994)” con Verónica Forqué,
– “Adosados (1996)”
– La comedia “El color de las nubes (1997)”, en estos dos últimos filmes con Antonio Valero
– Los seriales televisivos “Curro Jiménez (1976)” con Sancho Gracia,
– “Fortunata y Jacinta (1980)” con Ana Belén

Mario Camus

Mario Camus

Tito Davison (1912-1985) fue uno de los directores latinoamericanos más conocidos, quien se inició en el cine como actor en películas cómicas en español en Hollywood, mientras que como director debutó con el drama argentino “Murió el sargento Laprida (1937)” con Alberto de Mendoza. Su carrera de director se desarrolló en otros países, como México y España. Entres sus películas están:

– El drama “Un cuerpo de mujer (1949)” con la cubana María Antonieta Pons
– El drama- musical “Curvas peligrosas (1950)” con Lupe Sosa y Gloria Alonso
– Los dramas “Doña Diabla (1950)” con María Félix y Víctor Junco,
– “Te sigo esperando (1951)” con Arturo de Córdova y Libertad Lamarque
– El drama-musical “Las tres alegres comadres (1952)” con Jorge Negrete
– Los dramas “Nunca es tarde para amar (1953)” con Lamarque una vez más
– “Bodas de oro (1955)” con el dúo de Córdova- Lamarque
– “La dulce enemiga (1957)” con Silvia Pinal
– “El derecho de nacer (1966)” con Julio Alemán y Aurora Bautista
– El drama-film de aventura “Corazón salvaje (1968)” con Alemán y Angélica María

Fernando de Fuentes (1894-1958) fue un conocido y destacado realizador del cine mexicano, quien realizó filmes considerados como clásicos de la cinemateca de ese país y fuera pionero del cine sonoro en México. De Fuentes, además de dramas y comedias, supo incursionar bien en el género de horror, pionero en esta modalidad en México. Entre sus mejores filmes están:

– El film de aventura “Cruz Diablo (1934)” con Ramón Pereda, que versa sobre una especie de Zorro vengador en España
– El drama-film de guerra “Vámonos con Pancho Villa (1936)” con Domingo Soler en el papel del temible revolucionario mexicano, considerado como su tercer gran clásico
– Los dramas “La zandunga (1938)” con Lupe Velez y Rafael Falcón
– “Así se quiere en Jalisco (1942)” con Jorge Negrete, que fuera la primera película mexicana a colores
– “Doña Bárbara (1943)” con María Félix y Julián Soler, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Rómulo Gallegos
– “La mujer sin alma (1944)” con Andrés Soler y María Félix
– El film de aventura “La selva de fuego (1945)” con Dolores del Río y Arturo De Córdova
– Los dramas “La devoradora (1946)” con María Félix nuevamente
– “Crimen y castigo (1951)” con Roberto Cañedo, film con adaptación a las condiciones de México de la novela del mismo nombre del escritor Dostoievski
– La comedia-drama “Los hijos de María Morales (1952)” con Pedro Infante
– El drama “Canción de cuna (1953)” con Fernando Cortés
– El film de crimen-drama “Tres citas con el destino (1954)” con Jorge Mistral y Fernando Cortés.

Fernando de Fuentes

Fernando de Fuentes

Lucas de Mare (1910-1981) fue director de filmes que incursionaban en la vida de la clase media y, de forma solapada, los problemas asociados con el peronismo en su natal Argentina, pero como muchos realizadores latinoamericanos de los 40-50, Demare padecía de realizar melodramas en exceso. Sus mejores filmes fueron:

– Los dramas “El cura gaucho (1941)” con René Múgica,
– “La guerra gaucha (1942)” con Carlos Campagnale, film que relata la lucha de los guerrilleros gauchos contra las fuerzas realistas en el siglo XIX,
– “Su mejor alumno (1944)” con Enrique Muiño,
– “Pampa bárbara (1945)” con Luisa Vehil y Francisco Petrone
– “El último perro (1956)” con Domingo Sapelli y Hugo del Carril,
– “Después del silencio (1956)” con Lucía Barause y Teresa Blasco.
– “La sed (1961)” con Francisco Rabal y su propia actuación
– El drama a color “Hombres de mar (1977)” realizado en Venezuela.

Emilio “Indio” Fernández (1904-1986) fue un reconocido actor-director del cine mexicano, creador de bellas imágenes del paisaje mexicano, donde se combinan las vistas de haciendas, tunas y cielos de variadas tonalidades. El Indio era hijo de madre india, de ahí su apodo, y de padre español. De Emilio se dice que participó en la Revolución mexicana, fue apresado y condenado a 20 años de prisión, pero logró escapar y huir a EE.UU. Su obra como cineasta recibió fuerte influencia de varios realizadores entre ellos Eisenstein. Entre sus tantos filmes podemos mencionar:

– Los dramas “La isla de la pasión (1942)” con David Silva,
– “Flor silvestre (1943)”,
– “María Candelaria (1944)”,
– “Las abandonadas (1945)”,
– “Bugambilia (1945)”, todos con Dolores del Río y Armendáriz
– La comedia “Enamorada (1946)” con María Félix y Armendáriz
– Los dramas “Río Escondido (1948)” con María Félix y Domingo Soler,
– El film de aventura “La perla (1947)” con Armendáriz y María Elena Marqués
– Los dramas “Maclovia (1948)”,
– “La malquerida (1949)”, en estos dos últimos con el dúo del Río- Armendáriz
– “Pueblerina (1949)” con Columba Domínguez y Roberto Cañedo
– “Siempre tuya (1952)” con Jorge Negrete y Gloria Marín
– La comedia “Reportaje (1953)” con Arturo de Córdova
– El drama-film de aventura “La rebelión de los colgados (1954)” con Armendáriz
– El film de aventura “El Dorado de Pancho Villa (1967)”, que él mismo protagonizó
– El drama-suspense “Erótica (1979)” con Jorge Rivero

Indio Fernández

Emilio “Indio” Fernández

Alejandro Galindo (1906-1999) fue uno de los mejores directores de la Época de Oro del cine mexicano, cuyos filmes eran firmes reflejos de la vida de sus personajes en un México en desarrollo. Su obra con el tiempo fue adoptando un estilo propio que luego fuera reconocido por su nombre. Galindo usaba de ambientes y diálogos reales reflejo del mundo en el que se vive. De esa forma, él presentaba lo mismo una vida de un chofer que la de un individuo de la clase media o alta del país. Tampoco dejó de abordar el tema de la emigración mexicana a EE.UU. Entre sus filmes están:

– El drama-film de misterio “Mientras México duerme (1938)” con Arturo de Córdova
– El film de misterio “El monje loco (1940)” con Miguel Inclán
– La comedia “Ni sangre, ni arena (1941)” con Pedro Armendáriz y Cantinflas
– El drama “Divorciadas (1943)” con Blanca de Castejón y Chiquita Escobar
– El film de acción “Campeón sin corona (1946)” con David Silva
– Los dramas “¡Esquina bajan! (1948)” con Silva nuevamente,
– “Una familia de tantas (1949)” con Fernando Soler y Silva
– “Doña Perfecta (1951)” con Dolores del Río, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Benito Pérez Galdós,
– “Y mañana serán mujeres (1954)” con Roberto Cañedo
– El drama-film de crimen “Los Fernández de Peralvillo (1954)”
– El drama-suspense “Espaldas mojadas (1955)”, con David Silva, donde se aborda el problema del trasiego de ilegales a territorio de EE.UU.
– Los dramas “Esposa te doy (1957)”, éstos tres últimos con David Silva nuevamente,
– “Tu hijo debe nacer (1958)” con Marga López
– “Lázaro Cárdenas (1985)”, que fuera su último film.

Roberto Gavaldón (1909-1986) fue otro de los directores más reconocidos durante la llamada época de oro del cine mexicano, quien siempre se caracterizó por la búsqueda de la perfección artística y de la estética visual. Sus imágenes son consideradas como las más elegantes dentro de la filmografía de su país. Gavaldón sintió particular inclinación por temas relativos a personas con problemas psicológicos, lo cual quedó demostrado en varias de sus películas en los inicios de la década de los 50. Filmes a destacar son:

– El film de aventura “El Conde de Montecristo (1942)”, que fuera co-dirigido por Chano Urueta y protagonizado por De Córdova
– Junto con Celestino Gorostiza, co-dirigió el drama “Nana (1944)” con Lupe Velez, film basado en la novela del escritor Emile Zola
– Los dramas “La diosa arrodillada (1947)” con María Félix y Arturo De Córdova,
– “Rosauro Castro (1950)” con Armendáriz,
– “La casa chica (1949)” con Roberto Cañedo y Dolores del Río
– “Deseada (1951)” con Dolores del Río y Jorge Mistral,
– “La noche avanza (1951)” con Pedro Armendáriz y Rebeca Iturbide
– El oeste “El rebozo de soledad (1952)” con Armendáriz y De Córdova
– La comedia-drama “Las tres perfectas casadas (1953)” con De Córdova
– El drama “Sombra verde (1954)” con Ricardo Montalbán
– El drama-oeste “La escondida (1956)” con María Félix y Armendáriz
– El famoso drama “Flor de mayo (1959)” con María Félix, Jack Palance y Pedro Armendáriz
– El drama-film de misterio “Macario (1960)” con Ignacio López y Pina Pellicer
– El drama-suspense “Rosa Blanca (1961)” con Ignacio López, que relata la vida de un indígena viviendo en la zona del Golfo de México, película que fuera entonces prohibida por el gobierno mexicano, ya que abordaba los problemas sociales derivados de la explotación del petróleo
– Los dramas “El gallo de oro (1964)” nuevamente con Ignacio López,
– “Río Blanco (1967)” con Dolores del Río

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Roberto Gavaldón

Tomás Gutiérrez Alea (1928- 1996) es considerado el director cubano más pródigo a partir de 1959, cuya obra abarca películas de distintos géneros pero con contenido acorde con el proceso político iniciado en 1959. Cuando no se asignaban recursos para hacer cine, Gutiérrez Alea encontraba la manera de hacerlo. Filmes muy recordados son:

– El drama “Historias de la Revolución (1960)” con Reynaldo Miravalles y Eduardo Moure
– Las divertidas comedias “Las doce sillas (1962)” con Idalberto Delgado, Enrique Santiesteban y Miravalles, film con adaptación a la Cuba de 1960 basado en una novela de Yevgeni Petrov,
– “La muerte de un burócrata (1966)” con Salvador Wood y Silvia Plana, crítica despiadada al burocratismo y cuyo argumento no ha perdido actualidad
– El drama “Memorias del subdesarrollo (1968)” con Sergio Corrieri y Daisy Granados, para cuyo guión sirvió una novela de Edmundo Desnoes. Todas estas películas reflejan aspectos de la Cuba de los primeros años de la década de los 60.
– El drama-comedia “Los sobrevivientes (1979)” con Miravalles, Germán Pinelli, Carlos Monctezuma y Santiesteban, que describe como una familia rica se aisla y trata de sobrevivir en la Cuba post 1959
– Los dramas- comedias “Fresa y Chocolate (1993)” con Jorge Perugorría, Vladimir Pérez, Mirta Ibarra y Francisco Gattorno, film que aborda los problemas de la discriminación del homosexual en Cuba,
– “Guantanamera (1994)” con Jorge Perugorría y Mirta Ibarra, que centra su atención una vez más sobre el problema de la burocracia potenciada por el llamado período especial

Tomás Gutiérrez Alea

Tomás Gutiérrez Alea

Arturo Ripstein (1943) es un director mexicano reconocido internacionalmente, que se caracteriza por dirigir filmes llenos de depresión. Ripstein se inició en el cine como asistente de dirección del gran Luis Buñuel. Entre sus filmes encontramos:

– Los dramas “Tiempo de morir (1965)” con Marga López, film basado en una obra del mismo nombre del escritor Gabriel García Márquez,
– “La hora de los niños (1969)” con Carlos Nieto y Carlos Savage
– El film de acción-guerra “Los recuerdos del porvenir (1969)” con Pedro Armendáriz Jr.
– Los dramas “El castillo de la pureza (1973)” con Claudio Brook,
– “El santo oficio (1974)” con Jorge Luke y Diana Bracho
– El film de aventura-drama “Foxtrot (1976)” con Peter O’Toole, Max Von Sydow y Jorge Luke entre otros actores, que versa sobre las aventuras de la fuga de un noble rumano (O’Toole) de Europa a áreas tropicales de América. Este film trata de enseñar que la violencia va implícita en los hombres que la desencadenan y que la pueden transportar consigo mismo a otros lugares pacíficos
– El drama “La viuda negra (1977)” con Isela Vega
– El film de acción-crimen “Cadena perpetua (1979)” con Pedro Armendáriz Jr., sobre la vida de un hombre que quiere abandonar su vida anterior de criminal
– Los dramas “El imperio de la fortuna (1986)” con Ernesto Gómez Cruz,
– “Mentiras piadosas (1987)” con Delia Casanova,
– “La mujer del puerto (1991)” con Damián Alcázar,
– “Principio y fin (1993)” con Ernesto Laguardia

Arturo Ripstein

Arturo Ripstein

Glauber Rocha (1938-1981) fue un destacado director del cine del Brasil y de la América Latina, cuyas inquietudes políticas y preocupaciones por el desarrollo nefasto de las dictaduras en la región lo llevaron a realizar diversos filmes con énfasis en la problemática de los países latinoamericanos durante la década de los 60. Con el golpe de estado al gobierno legítimo de Joao Goulart, Rocha se vio forzado a emigrar a Europa. Sus filmes más notables fueron:

– Los dramas “Barravento (1962)” con Edmundo Albuquerque, que trata sobre aspectos políticos del Brasil,
– “Dios y el diablo en la tierra del Sol (1964)” con Othon Bastos
– Los documentales “Amazonas, Amazonas (1965)”,
– “Maranhão 66 (1966)”,
– Los dramas “Terra en transe (1967)” con Jardel Filho, film que nuevamente se adentra en los problemas políticos de América Latina
– “Antonio de las Muertes (1969)” con Mauricio Do Valle, sobre un hombre contratado para matar por un terrateniente,
– “O dragão da maldade contra o Santo Guerreiro (1969)” (El dragón de la maldad contra Santo Guerreiro) con Maurício do Valle, film que viene a ser secuela de “Dios y el diablo en la tierra del Sol (1964)”
– Los documentales “História do Brasil (1973)”,
– “Di Cavalcanti (1977)”,
– “Jorge Amado no Cinema (1979)”

Glauber Rocha

Glauber Rocha

Jorge Sanjinés (1936) es uno de los directores más destacados de América Latina, quien se ha encargado de llevar a la pantalla tramas y argumentos relativos a la realidad de su país. Toda la obra de Sanjinés hasta 1995 es una muestra documental de la explotación, discriminación y desprecio, con el que se han tratado a las comunidades indígenas de América. Es una filmografía valiente y que hoy en día es harto difícil de encontrar:

– Los dramas “Ukamau (1966)” (Así es) con Benedicta Mendoza y Néstor Peredo, film sobre la venganza de un indio Ayamara, cuya esposa fuera asesinada. Este filme fue censurado por el gobierno de aquel entonces y el Instituto cinematográfico fue cerrado por esta razón,
– “Yawar Mallku (1969)” (Sangre de cóndor) con Marcelino Yanahuaya, película hablada en quechua y que muestra la situación de los indígenas en Bolivia y la labor que desarrollaban los llamados Cuerpos de Paz en aquel entonces
– “El coraje del pueblo (1971)” con Domitila de Chungara, que se inscribe en el mismo contexto de denuncias sobre el estado imperante en su país, donde el tema es el de las masacres de mineros,
– “El enemigo principal (1974)”, película que aborda esta vez la situación en el vecino Perú,
– “Llocsi Caimanta, fuera de aquí (1977)”, film que relata la rebelión de los indígenas contra el genocidio planificado de estas comunidades, la cual fue realizada en Ecuador, pues Sanjinés tuvo que emigrar a este país al terminar “El enemigo principal”.
– En Ecuador también realizó “Las banderas del amanecer (1984)”,
– Luego regresó a Bolivia donde dirigió el drama “La nación clandestina (1989)” con Orlando Huanca y Delfina Madani.
– Sus películas más recientes, el drama “Para recibir el canto de los pájaros (1995)” con Geraldine Chaplin
– El suspense “Los hijos del último jardín (2004)” con Víctor Salinas.

Jorge Sanjinés

Jorge Sanjinés

Carlos Saura (1932) es uno de los directores más destacados del nuevo cine español, quien ha logrado combinar y perfeccionar prácticas y métodos del cine italiano y francés, para luego adaptarlas al ambiente español. También es un realizador incansable y muy apegado al folclore iberoamericano, que gusta de abordar el cine político, aunque con estilo algo anárquico, revelador de su postura inconformista, y es todo un aficionado al género musical. Entre su extensa filmografía cabe destacar:

– El corto “Cuenca (1958)”
– El drama “La caza (1966)” con Ismael Merlo
– El estupendo drama- comedia “Peppermint Frappé (1967)” con Geraldine Chaplin, su actriz preferida
– Los dramas “La prima Angelica (1973)” con Lina Canalejas,
– “Ana y los lobos (1973)”,
– “Cría cuervos (1976)”,
– “Elisa, vida mía (1977)”, en estos tres últimos con la Chaplin
– Los famosos dramas- musicales “Bodas de sangre (1981)”,
– “Carmen (1984)”,
– “El amor brujo (1985)”, en estos con Antonio Gades
– El documental “Sevillanas (1992)” con un reparto impresionante de artistas españoles encabezado por Lola Flores y Rocío Jurado
– El drama “Taxi” (1996)” con Ingrid Rubio,
– El drama-musical “Tango (1998)” con Cecilia Narova
– El drama “Goya en Burdeos (1999)” con Francisco Rabal
– El film de aventura-fantasía “Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) con Pere Arquillué
– El musical “Fardo (2007)” con Chico Buarque de Hollanda, Camané y Carlos do Carmo

Carlos Saura

Carlos Saura en el estreno de “Don Juan” en el 4to Festival de Cine de Roma. Foto Massimo Valichia

Fernando Rodríguez Trueba (1955) es uno de los directores más activos en España. Ha dirigido una buena cantidad de filmes, cuya calidad es indiscutible. Así ha dirigido:

– Las comedias “Ópera prima (1980)” con Ladoire y Paula Molina, film que se considera va por los cauces habituales de la comedia madrileña y que viene a ser su primer éxito,
– “Sé infiel y no mires con quién (1985)” con Ana Belén y Carmen Maura, film con adaptación al cine de la obra de John Ray Chapman,
– “El año de las luces (1986)” con Jorge Sanz y Maribel Verdú, película basada en anécdotas de Manuel Huete
– El suspense-film de misterio “El sueño del mono loco (1989)” con Jeff Goldblum y Miranda Richardson, película filmada en lugares de París y con diálogos en inglés
– La comedia-romance “Belle époque (1992)” con Penélope Cruz y Miriam Díaz Aroca, película que tuvo mejor suerte con la crítica que “El sueño del mono loco” y que aborda los problemas de iniciación sexual de los jóvenes en los años 30
– La aceptable comedia “Two much (1993)” con Antonio Banderas, Melanie Griffith y Daryl Hannah
– la comedia “La niña de tus ojos (1998)” con Penélope Cruz, film que fuera rodado en Praga, en un ambiente de la época del nazismo alemán, con protagonistas impensables como los Goebbels
– El documental musical “Calle 54 (2000)” sobre el jazz latino El Documental por “El milagro de Candeal (2004)”
– El drama “El artista y la modelo (2012)” con Jean Rochefort, Aida Folch y Claudia Cardinale

60th San Sebastian Film Festival: 'El artista y la modelo' photocall

Fernando Rodríguez Trueba en San Sebastián, 2012 Foto: Jack Abuin/ZUMAPRESS.com

Dassin y Losey: Una tragedia común

Una injusticia hecha al individuo es una
amenaza hecha a toda la sociedad.
Montesquieu

Esteban Hernández

Existe una página negra en la historia del cine de Hollywood, negra no solo por la persecución implantada sino por lo que se derivó después entre delaciones y falsas acusaciones, me refiero al llamado macartismo o caza de brujas, que se desarrolló entre 1950 y 1956 en EEUU, proceso liderado por un individuo ambicioso, carente de escrúpulos, que utilizó todos los medios para destruir a actores/actrices, directores, productores y cuanta gente se le pintara roja o de izquierda. Pienso que esas son cosas de sociedades poco democráticas, de dictaduras, pero que en el ámbito norteamericano nunca debió haber tenido lugar. Las técnicas del macartismo se basaban en incriminar falsamente a los acusados, con hechos jamás comprobados, o incluir a determinados grupos en la lista de organizaciones pro-comunistas, sin que estos lo fueran. Se le llamó caza de brujas por su parecido con un proceso similar en el Medioevo, pues los acusados no tenían forma de demostrar su inocencia. Ese tipo de maraña, por llamarlo de alguna manera, no ha sido exclusivo del macartismo, quiero aclarar. Como dije las dictaduras son ejemplo de ello, no permiten hablar y basta que alguien lo haga, para que los de arriba acusen y los jueces servilmente acaten los elementos falsos para luego condenar sin piedad. El macartismo tuvo buena cobertura de la prensa y los elementos contrarios a este proceso fueron también de carácter público. Por suerte, ya antes que finalizara la década de los 50 y antes de la muerte de McCarthy, este proceso se vino abajo, aunque como ya dije, sus heridas ahí han quedado hasta hoy día.

Joseph McCarthy como persona era poco cosa, me imagino que un ser mentalmente enfermizo, quien terminó su vida alcoholizado en 1957. La justicia de la naturaleza se lo llevó definitivamente, pero él lesionó a muchos artistas y al arte del cine en sí. Aquí quiero referirme a dos grandes directores norteamericanos, muy distintos de Elia Kazan, que habló hasta por los codos cuando compareció ante el Comité de Actividades Anti-Norteamericanas, uno es Joseph Losey y el otro Jules Dassin, los que fueron víctimas de la caza de brujas y no acataron las ordenes de ir a testificar y optaron por el exilio.

Joseph Losey se inició como director en cine en 1943, pero fue llamado a servicio militar y no regresó al cine hasta 1945. Entre sus primeras realizaciones como director están el documental educativo, “A gun in his hands (1945)” (Un arma en sus manos) y el film “Galileo Galilei (1947)”. Su gran éxito llegó con el film “El muchacho de los cabellos verdes (1948)”, película que va contra el racismo.

Joseph Losey

Joseph Losey

A continuación dirigió algunos suspenses, entre ellos el remake de “M (1951)”, que Fritz Lang había dirigido en décadas anteriores en Alemania, y “El merodeador (1951)” protagonizado por Van Heflin, película filmada en Italia. Durante esta filmación se acusó a Losey de comunista por parte del Comité de actividades anti-americanas, ya que él había cursado estudios teatrales en Kiev, Moscú y Leningrado con anterioridad y mantenía contactos con los profesionales del arte de la Unión Soviética. Losey no compareció a declarar ante el comité ya mencionado, optó por exilarse en Inglaterra y realizó filmes bajo varios pseudónimos, tales como Andrea Forzano, Victor Hanbury y Joseph Walton. No tenía otra forma que esconderse para poder continuar su obra.

Van Heflin y Evelyn Keyes en una escena de El Merodeador (1951)

Van Heflin y Evelyn Keyes en una escena de “El merodeador (1951). Losey recibión notificación del Comité de actividades antiamericanas durante el rodaje de este film en Italia. Foto: doctormacro.com

En Gran Bretaña gozó de completa libertad desde 1954. Entre sus filmes más destacados entonces están:

– Los estupendos dramas “Eva (1962)” con Jeanne Moureau y Stanley Baker
– “El sirviente (1963)” con Bogarde y James Fox, que logró realizar acreditado con su verdadero nombre
– El drama –film de guerra “Rey y patria (1964)” con Bogarde, uno de sus mejores filmes en su carrera
– La comedia -suspense “Modesty Blaise (1966)” con Monica Vitti y Bogarde
– Los dramas “Accidente (1967)” con Bogarde y Stanley Baker,
– “La mujer maldita (1968)” con Elizabeth Taylor y Richard Burton,
– “El mensajero (1970)” con Allan Bates y Julie Christie
– El film de acción “Caza humana (1970) con Robert Shaw.
– Los dramas “El asesinato de Trotsky (1972)” con Richard Burton, Alain Delon y Rommy Schneider,
– “Galileo (1975)” con Topol,
– “El otro señor Klein (1976)” con Alain Delon y Jeanne Moreau, film que muestra la salvaje actitud de los nazis con todo aquello que pudiera parecer judío,
– “Don Giovanni (1979)” con Ruggero Raimondi,
– “La truite (1982)” (La trucha) con Isabelle Huppert y Jeanne Moreau,
– Su último film, “Los baños turcos (1985)” con Vanessa Redgrave, Diana Dors y Sarah Miles.

Afiche del film Rey y Patria de Joseph Losey

Afiche del film “Rey y Patria (1964)” de Joseph Losey

A pesar de que el Comité de actividades antiamericanas levantó las sanciones a Losey, este director jamás regresó a su natal EE.UU.

Jules Dassin fue un destacado director judío-americano de dramas y películas de crimen, quien en sus inicios dentro del séptimo arte intentó convertirse en actor, algo de lo que desistió al poco tiempo, para luego convertirse en director y guionista.

Jules Dassin

Jules Dassin

Dassin se crió en Harlem, Nueva York y una vez terminado sus estudios de escuela superior en 1929, se marchó a Europa para recibir clases de interpretación. A su regreso a Nueva York comenzó a actuar en obras del ARTEF Players habladas en yidish. A finales de la década de los 30, se sabe que Dassin se enroló en el partido comunista de los EE UU., membresía que abandonó una vez conoció del tratado Molotov- Ribbentrop firmado entre la URSS y la Alemania nazi. Casi al mismo tiempo, Dassin se trasladó a Hollywood, donde sirvió de discípulo- asistente de Hitchcok y Garson Kanin. Logró su primer gran éxito con el drama “Fuerza bruta (1947)” con Burt Lancaster, que se desarrolla en una cárcel con un cruel régimen penitenciario, al que le siguieron:

– El film de crimen “La ciudad desnuda (1948)” con Barry Fitzgerald
– Los filmes de cine negro “Mercado de ladrones (1949)” con Richard Conte, sobre un camionero que no cede ante la presión y chantaje de la mafia,
– “Noche en la ciudad (1950)” con Richard Widmark y Gene Tierney, film de los mejores realizados por Dassin, que se desarrolla en Londres con un Widmark convertido en un farsante que al final se quema en su propia salsa

Mientras Dassin desarrollaba su actividad como realizador, le llegaba una citación a declarar en el comité de actividades antiamericanas por su pasada afiliación al partido comunista y ser acusado como tal por los directores Edward Dmytryk y Frank Tuttle. Dassin se negó a testificar y abandonó los EE UU en 1953, trasladándose a París, donde realizó, con muchas dificultades financieras, el estupendo film de crimen “Rififi (1955)” con Jean Servais y Carl Möhner, y donde él también actuó, película que gira alrededor de un gran robo de joyas por parte de un grupo mafioso que se ve luego acosado por otro clan más poderoso. Para sorpresa del propio Dassin, por “Rififi” recibió el premio de mejor director en el festival de Cannes de 1955.

Luego Jules contrajo matrimonio con la actriz griega Melina Mercouri, la misma que llegara a ser Ministra de Cultura de su país. Jules y Melina establecieron una buena colaboración, el primero dirigiendo y la segunda protagonizando interesantes películas como:

– El film de cine negro- crimen “La ley (1958)” con un reparto de actores y actrices impresionante, que incluyó además a Gina Lollobrigida, Marcello Mastroianni, Yves Montand y Serge Reggiani, película que se desarrolla en un ambiente de un pueblo meridional y mafioso
– La comedia-drama “Nunca en domingo (1960)”, donde se recrea algo de la vida en Grecia
– El famoso drama “Fedra (1962)”, también protagonizado por Anthony Perkins y Raf Vallone, película con un argumento sumamente excitante
– El film de aventuras “Topkapi (1964)” con Maximilian Schell y Peter Ustinov, película sobre un robo muy tecnificado en Turquía, donde Melina tuvo una buena interpretación
– Los dramas “Promesa al amanecer (1970)” con Assi Dayan,
– “I dokimi (1974)” (El ensayo) con Mikis Theodorakis, Olympia Dukakis, entre otros, película que es una fuerte acusación al régimen de opresión impuesto por la dictadura en Grecia en los 60,
– “Kravgi gynaikon (1978)” (Un sueño de pasión) con Ellen Burstyn, en todos estos filmes con Melina Mercouri.

Dassin y Melina Mercouri en Nunca en domingo (1960)

Melina Mercouri y Jules Dassin en una escena de “Nunca en domingo (1960)”

Dassin murió el 31 de marzo de 2008 en Atenas, Grecia, como Losey, jamás volvió a su natal EEUU.

Bibliografía

Anon. Joseph McCarthy 1912-1957. Historiassiglo20.org. http://www.historiasiglo20.org/BIO/mccarthy.htm

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine italiano II

El mundo es redondo y
el que no flota se va al fondo
Dino Risi

Esteban Hernández

Alberto Lattuada (1913-2005)
Director perteneciente al movimiento neorrealista del cine italiano, quien en los años 30 se desempeñaba como arquitecto y fotógrafo sin perder su devoción por el cine. Su primer trabajo como director fue con el drama “Giacomo l’idealista (1943)” con Massimo Serato, al que le siguió el documental “La nostra guerra (1945)”. Terminada la Segunda Guerra, Lattuada comenzó a realizar filmes dentro de la corriente neorrealista prevaleciente en la Italia de aquel tiempo. Entre sus mejores filmes están:

– El drama-film de crimen “Il bandito (1947)” con Anna Magnani y Amedeo Nazzari
– Los dramas “El delito de Giovanni Episcopo (1947)” con Aldo Fabrizi y Roldano Lupi,
– “Senza pietà (1948)” (Sin piedad) con Carla Del Poggio.
– “Ana (1951)” con Raf Vallone y Vittorio Gassman,
– “La lupa (1952)” (La loba) con Kerima y Ettore Manni
– Las comedias-dramas “El alcalde, el escribano y su abrigo (1952)” con Renato Rascel, que viene a ser un relato adaptado del escritor Nikolai Gogol,
– “La playa (1954)” con Mario Carotenuto, film que con vehemencia muestra la hipocresía y la ambición por el dinero
– La comedia “Guendalina (1957)” con Jacqueline Sassard
– El film de aventura “La tempestad (1958)” con Silvana Mangano y Van Heflin
– El drama “Dulces engaños (1960)” con Catherine Spaak y Jean Sorel.
– el film de crimen-drama “L’imprevisto (1961)” con Anouk Aimée y Tomas Milian
– El film de aventura “La steppa (1962)” con Charles Vanel y Marina Vlady
– La comedia “Mafioso (1962)” con Alberto Sordi
– Los dramas “Corazón de perro (1975)” con Max Von Sydow y Eleonora Giorgi,
– “Así como eres (1978)” con Marcello Mastroianni y Nastassja Kinski,
– el serial de cuatro episodios “Cristoforo Colombo (1985)”.

Alberto Lattuada

Alberto Lattuada

Sergio Leone (1929-1989)
Uno de los realizadores más brillantes de Europa, quien no se destacó por realizar un número grande de filmes, pero si de calidad. Leone fue el director no americano más destacado de oestes. También acreditado en algunos filmes con el nombre de Bob Robertson, era hijo de Vincenzo Leone, uno de los pioneros del cine silente italiano y de la actriz Francesca Bertini, por lo que desde niño sintió inclinación por el cine. Entres sus filmes más destacados están:

– Los filmes épicos-históricos “El coloso de Rodas (1961)” con Rory Calhoun y Lea Massari
– “Los últimos días de Pompeya (1960)” con Steve Reeves
– Los oestes “Por un puñado de dólares (1964)” con el entonces joven Clint Eastwood y Gian Maria Volonté, film que no es más que una adaptación del “Yojimbo, el bravo (1961)” de Akira Kurosawa
– “El bueno, el feo y el malo (1966)” con Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef
– “El magnífico extranjero” (1967) con Lloyd Corrigan
– El muy logrado “Hasta que llegó su hora (1968)” con un extenso reparto encabezado por Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards y Charles Bronson
– El oeste-comedia “Agáchate, ¡maldito! (1971)” con James Coburn y Rod Steiger

Sergio Leone

Sergio Leone

Mario Monicelli (1915-2010)
Uno de los mejores exponentes de la comedia italiana, hijo del crítico teatral y periodista Tommaso, licenciado en historia y filosofía, que desde 1932 ejerció como crítico de cine y luego se adentró en la dirección fílmica. A destacar son los siguientes filmes:

— El drama “Proibito” (1954) con Mel Ferrer, Amedeo Nazzari y Lea Massari
– Las comedias “Toto e Carolina (1955)” con Totò,
– “Padri e figli (1957)” (Padres e hijos) con Vittorio De Sica y Marcello Mastroianni
– La comedia-film de crimen “Rufufú (1958)” con Vittorio Gassman y Renato Salvatori, film considerado entre los mejores realizados por Monicelli
– La comedia-drama “La gran guerra (1959)” con Alberto Sordi y Gassman nuevamente.
– El film de crimen-drama “I compagni (1963)” (Los compañeros) con Mastroianni y Salvatori
– El drama-comedia “Casanova ’70 (1965)” con Mastroianni y Virna Lisi
– El film de aventura-comedia “L’armata Brancaleone (1965)” con Gassman y Catherine Spaak, y su secuela “Brancaleone alle crociate (1970)” (Brancaleone a las cruzadas) con Gassman y Stefania Sandrelli
– La comedia-drama “La ragazza con la pistola (1968)” (La chica con la pistola) con Monica Vitti
– Las comedias “Amici miei (1975)” (Mis amigos) con Ugo Tognazzi, film basado en una idea de Pietro Germi,
– Las comedias “Il Marchese del Grillo (1981)” (El marqués de Grillo) con Sordi, película considerada como todo un clásico de la comedia italiana,
– “Bertoldo, Bertoldino e Cacasenno (1984)” con Ugo Tognazzi,
– “Le due vite di Mattia Pascal (1985)” (Las dos vidas de Mattia Pascal) con Mastroianni y Senta Berger,
– “Speriamo che sia femmina (1986)” (Esperamos que sea hembra) con Liv Ullmann, Catherine Deneuve y Stefania Sandrelli nuevamente
– La comedia-drama “Il male oscuro (1990)” con Giancarlo Giannini, Emmanuelle Seigner y Stefania Sandrelli nuevamente
– El drama-musical “Rossini Rossini” (1991) con Philippe Noiret y Sergio Castellitto
– La comedia “Cari fottutissimi amici (1994)” con Paolo Villaggio

Italian Screenwriter Suso Cecchi D'Amico (1914 - 2010) Funeral

Mario Monicelli (Foto: Evandro Inetti/ZUMApress.com)

Pier Paolo Pasolini (1922-1975)
Destacado poeta y escritor, el que más tarde se involucró en el mundo del cine, primero como guionista, a partir de 1954, y luego como director. El arte de los poemas le vino desde temprano, ya que a los siete años compuso su primera poesía, luego a la edad de diez años compuso otra en la lengua local de Frulia, que era del dominio de su madre. Sus primeras novelas fueron “Ragazzi di vita (1955)” (Chicos de la vida) y “Una vida violenta (1959)”. Sus escritos eran críticos y nada comprometidos con el orden social existente en la Italia de post- guerra. Su forma de pensar le valió incluso su expulsión de las filas del Partido Comunista Italiano por considerarla deletérea, y estar bajo la influencia de otros pensadores como Gide y Sartre. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “Mamma Roma (1962)” con Anna Magnani y Ettore Garofolo
– “El evangelio según Mateo (1964)” con Enrique Irazoqui y Margherita Caruso, película que presenta el nacimiento de Jesús de forma real y que le valió elogios en general.
– La comedia “Pajaritos y pajarracos (1966)” con Totò y Ninetto Davoli
– Los dramas “Edipo rey (1967)” con Silvana Mangano y Franco Citti
– “Pocilga (1969)” protagonizado por Ugo Tognazzi,
– “Medea (1969)” con Maria Callas y Giuseppe Gentile
– El escandoloso “El Decamerón (1971)” con Franco Citti y Ninetto Davoli, en el que se narran tres historias adaptadas libremente de la famosa obra literaria, casi todas habladas en el dialecto de la localidad de realización,
– “Los cuentos de Canterbury (1972)” con Hugh Griffith y Laura Betti, en drama que relata cuentos, con buena carga de ironía, sobre el peregrinaje a Canterbury,
– “Las mil y una noche (1974)” con Davoli y Citti nuevamente, donde Pasolini cambia toda la historia y la relata a su manera de forma atrevida
– Su último film, el drama-film de terror “Salò o los 120 días de Sodoma (1975)” con Paolo Bonacelli y Giorgio Cataldi, película que viene a ser un híbrido de los horrores del fascismo italiano con la historia del Marqués de Sade, obra esta última prohibida en muchas partes del mundo, incluida Italia.

Pasolini un buen día amaneció asesinado y aún nadie sabe quién fue el autor del crimen.

Pier Paolo Pasolini

Pier Paolo Pasolini

Giovanni Pastrone (1883-1959)
Uno de los fundadores del cine italiano, quien en su juventud se caracterizó por su temperamento y habilidad creativa, de quien se dice también que llegó a construir algunos instrumentos musicales y siempre trataba de llegar al final de sus obras. En 1909 comenzó a trabajar con la compañía Italia Film, donde se inició como productor y luego como director. Sus filmes fueron:

– “Giordano Bruno eroe di Valmy (1908)” (Giordano Bruno, héroe de Valmy),
– “Giulio Cesare (1909)”, “Padre (1912)”,
– “La caduta di Troia (1912)” (La caída de Troya)
– Su gran éxito, el film de aventura-drama “Cabiria (1914)” con Lidia Quaranta en el papel de Cabiria, película que recuerda las guerras púnicas
– El film de aventura “Maciste (1915)” con un ex –estibador, Bartolomeo Pagano, en el rol de Maciste
– “Il fuoco (1915)” (El fuego)
– El drama “Tigre reale (1916)” con Pina Menichelli
– El film de acción “Maciste alpino (1916)” con Pagano
– El film animado “La guerra è il sogno di Momi (1916)” (La guerra es el sueño de Momi),
– “Maciste atleta (1917)” con Pagano nuevamente
– Un nuevo animado “Outwiting the hun (1918)” (Venciendo a los hunos),
– “Hedda Gabler (1919)”
– Su último film, “Povere bimbe (1923)” (Pobres niñas).

Giovanni Pastrone

Giovanni Pastrone

Antonio Pietrangeli (1919-1968)
Director de comedias y algunos dramas, en los que gustaba de tocar los temas que más aquejaban a las mujeres. Además de haber sido médico, era crítico de cine, cuyos escritos aparecían en la revista antifascista “Cinema” o en “Bianco e nero”. Sus mejores filmes fueron:

– El drama “Il sole negli occhi (1953)” (El sol en los ojos) con Gabriele Ferzetti, con una trama sumamente melancólica que relata las peripecias de una camarera
– Las comedias “El soltero (1955)” con Alberto Sordi y Sandra Milo, que fuera su actriz predilecta,
– “Nacida en marzo (1957)” con Jacqueline Sassard y Gabriele Ferzetti
– El estupendo drama-comedia “Adua y sus amigas (1960)” con Simone Signoret, Marcello Mastroianni y Sandra Milo, film que aborda el problema entonces existente de la prostitución ilegal en Italia y como era manejado por los círculos más influyentes de esa sociedad.
– Las comedias “La parmigiana (1963)” con Nino Manfredi y Catherine Spaak, film que describe la vida de un sitio rural, donde se distinguen las costumbres sencillas, a veces vulgares del lugar,
– “Celos a la italiana (1964)” con Gian Maria Volonté y Claudia Cardinale, film satírico basado en una adaptación de la novela de Crommelynck
– El drama “Yo la conocía bien (1965)” con Nino Manfredi y Stefania Sandrelli, película que presenta las ilusiones de una mujer joven, que busca el bienestar y la celebridad, y que en un momento dado se da cuenta de su fracaso y error

Antonio Pietrangeli

Antonio Pietrangeli

Gillo Pontecorvo (1919-2006)
Realizador de pocas obras, pero todas con contenido histórico veraz. Inicialmente dirigió un par de documentales y luego varios filmes de carácter histórico, entre ellos:

– Los dramas “Prisionero del mar (1957)” con Yves Montand y Alida Valli, que relata la vida de un pescador italiano,
– El formidable “Kapò (1959)” con Susan Strasberg, que aborda las peripecias de una joven judía en el campo de concentración de Auschwitz en Alemania
– Su gran obra, el histórico “La batalla de Argel (1965)” con Brahim Haggiag, que trata sobre la guerra de liberación de ese país magrebino
– Otro histórico “Queimada! (1969)” con Marlon Brando, que describe la colonización y saqueo de una isla imaginaria del Caribe durante el siglo XIX
– El suspense, histórico también, “Operación Ogro (1979)” con Gian Maria Volonté, que relata un hecho real de la lucha del pueblo español contra el franquismo.

Gillo Pontecorvo

Gillo Pontecorvo

Dino Risi (1917-2008)
Uno de los directores más productivos del cine italiano, quien se inscribe como uno de los mejores exponentes de la comedia social, de mucha creatividad y siempre alejado de los convencionalismos establecidos. Dicen que Risi entró en el mundo del cine por casualidad, ya que el director Alberto Lattuada le pidió que fuera su asistente para el film “Piccolo mondo antico (1941)” (Pequeño mundo antiguo). Risi aceptó la invitación más por curiosidad que por interés personal.

– La comedia-drama, bastante llena de tristeza y amargura “El signo de Venus (1955)” con Sofía Loren, Vittorio De Sica y Raf Vallone
– Las comedias “Sabella (1957)” con Sylva Koscina, Peppino De Filippo y Renato Salvatori
– “El estafador (1960)” con Vittorio Gassman, que fue su actor predilecto
– El drama-comedia “La escapada (1962)” con Gassman y Catherine Spaak
– Las comedias “Arreglo de cuentas en San Genaro (1966)” con con Ugo Tognazzi y Senta Berger
– “Il tigre (1967)” con Gassman y Ann-Margret
– El film de crimen-suspense “En nombre del pueblo italiano (1971)” con Gassman y Tognazzi, película sobre un asesinato del que se culpa a un industrial
– Los dramas-comedias “La mujer del cura (1971)” con Sofía Loren y Marcello Mastroianni, film donde un cura se tiene que alejar de la mujer que ama y a la que había prometido matrimonio por dictamen de la propia iglesia
– “Perfume de mujer (1974)”,
– “Querido papá (1979)”, en estos dos últimos con Gassman
– La comedia “Scemo di guerra (1985)” (Tonto de guerra) con Coluche

Dino Risi

Dino Risi

Roberto Rossellini (1906-1977)
Uno de los pioneros del neorrealismo en el cine italiano, quien se inició en el mundo de la gran pantalla en plena segunda guerra mundial. Su estilo neorrealista tuvo una notable influencia en el desarrollo ulterior del cine italiano y de algunos talentos, entre ellos Federico Fellini. También sus obras eran un testimonio de los crimenes de los nazis y fascistas en Italia:

– El drama “L’uomo della crocce (1942)” (El hombre de la cruz) con Alberto Tavazzi
– Sus dos grandes obras, los dramas-filmes de guerra “Roma, ciudad abierta (1945)” con Anna Magnani,
– “Camarada (1946)” con Carmela Sazio, considerados como los primeros filmes dentro del cine neorrealista italiano. Ambas películas tratan sobre la Italia durante el período de guerra.
– Los dramas “Alemania, año cero (1947)” con Edmund Moeschke
– “Europa ’51 (1952)” con Ingrid Bergman,
– El segmento “Envidia” del drama “Los siete pecados capitales (1952)” con Andrée Debar,
– “Viaje por Italia (1953)” con Bergman y George Sanders
– El segmento “Ingrid Bergman” de la comedia “Siamo donne (1953)” (Somos mujeres) con su hijo Renzo Rossellini
– “Dov’è la libertà…? (1954)” (¿Dónde está la libertad?) con Totò,
– “Ya no creo en el amor (1954)”
– El musical “Giovanna d’Arco al rogo (1954)” (Juana de Arco a la hoguera), estos dos últimos filmes protagonizados por Ingrid Bergman
– Los dramas “El general de la Rovere (1959)” con Vittorio De Sica, que aborda el tema de la resistencia
– “Viva Italia (1961)” con Renzo Ricci

Roberto Rossellini con Ingrid Bergman

Ingrid Bergman con su entonces esposo Roberto Rossellini (GLOBE PHOTOS, INC.)

Ettore Scola (1931)
Excelente director-guionista italiano, realizador de estupendos dramas y comedias, todos ellos con mensajes claros y argumentos sólidos a través de una aguda sátira. Entre sus filmes encontramos:

– La comedia-drama “El demonio de los celos (1970)” con Marcello Mastroianni y Monica Vitti.
– La comedia “Nos habíamos amado tanto (1974)” con Gassman, Nino Manfredi y Stefania Sandrelli, que describe la historia italiana ocurrida en los últimos 30 años
– La comedia-drama “Brutos, sucios y malos (1976)” con Francesco Anniballi, film considerado entre los mejores de Scola en su carrera
– El famoso drama “Una jornada particular (1977)” con Mastroianni y Sofía Loren, que reseña el encuentro de una pareja, una mujer casada mussolinista y un homosexual despedido de su trabajo por esa condición, en Roma el día de la visita de Hitler a Roma en 1938
– Los dramas “Entre el amor y la muerte (1981)” con Bernard Giraudeau,
– “La noche de Varennes (1982)” con Jean-Louis Barrault y Mastroianni
– El musical “La sala de baile (1983)”, que reseña el movimiento de los géneros musicales en Europa
– La comedia-drama “Macarrones (1985)” con Jack Lemmon y Mastroianni
– Los dramas “La familia (1987)” con Gassman y Stefania Sandrelli, film que muestra la evolución de una familia italiana en los últimos tiempos,
– “Splendor (1989)” con Mastroianni y Massimo Troisi
– La comedia “El viaje de Capitán Fracassa (1990)” con Vincent Perez, Emmanuelle Béart, Massimo Troisi y Ornella Muti
– El drama “Romanzo di un giovane povero (1995)” (Romance de un pobre joven) con Alberto Sordi

Ettore Scola

Ettore Scola

Mario Soldati (1906-1999)
Destacado escritor italiano, quien igualmente logró éxitos en su carrera como guionista-director de cine. Entre sus mejores filmes:

– Los dramas “Pequeño mundo antiguo (1941)” con Alida Valli,
– “Tragica notte (1942)” (Noche trágica) con Doris Duranti
– “Eugenia Grandet (1947)” con Alida Valli, film basado en la famosa obra del escritor Onore de Balzac,
– “Fuga en Francia (1948)” con Pietro Germi
– “La provinciana (1953)” con Gina Lollobrigida y Gabriele Ferzetti,
– “La chica del río (1955)” con Sofía Loren y Gérard Oury,
– La comedia “Sous le ciel de Provence (1956)” (Bajo el cielo de Provence) con Fernandel

Mario Soldati

Portada del Libro de Mario Soldati, Romances y cuentos cortos

Steno (1915-1988)
Gran realizador italiano, otro grande de la comedia, aunque también dirigió películas de otros géneros con mucho acierto. Entres sus tantos filmes, cabe destacar:

– La comedia “L’uomo, la bestia e la virtù (1953)” (El hombre, la bestia y la virtud) con Totò nuevamente,
– El drama-comedia “Un giorno in pretura (1954)” (Un día en tribunal de distrito) con Silvana Pampanini y Peppino De Filippo
– Las comedias “Un americano de…. Roma (1954)” con Alberto Sordi,
– “Le avventure di Giacomo Casanova (1955)” con Gabriele Ferzetti,
– “Mi hijo Nerón (1956)” con Sordi y Vittorio De Sica,
– “Letto a tre piazze (1960)” (Cama de tres puestos) con Totò
– “El trasplante (1970)” con Carlo Giuffrè
– El film de crimen-drama “La polizia ringrazia (1972)” (La policía agradece) con Enrico Maria Salerno
– Los filmes de acción-comedia “Piedone lo sbirro (1974)”,
– “Piedone a Hong Kong (1975)”, en ambos con Bud Spencer, que fue otro actor predilecto de Steno

Steno

Steno

Luchino Visconti (1906-1976)
Uno de los directores más destacados del cine italiano de post-guerra, muy próximo al neorrealismo, quien gustaba realizar filmes basados en grandes obras de la literatura. Para recordar son sus filmes:

– Los dramas “Las noches blancas (1957)” con Maria Schell y Marcello Mastroianni, film basado en una obra del escritor Dostoievski
– El famoso “Rocco y sus hermanos (1960)” con Alain Delon y Renato Salvatori, película que muestra los problemas de una familia del sur italiano que emigra al norte del país en la búsqueda de empleo y un mejor estandar de vida.
– “El gatopardo (1962)” con Burt Lancaster, Alain Delon y Claudia Cardinale, film con adaptación de la novela del mismo nombre de Tomasi di Lampedusa, donde la trama deja ver que lo viejo da paso a lo moderno con nuevos intereses y aspiraciones
– El drama-film de guerra “La caída de los dioses (1969)” con Dirk Bogarde, película que aborda aspectos del nazismo
– Los dramas “Muerte en Venecia (1971)” con Bogarde nuevamente, con trama tomada de la novela de Thomas Mann,
– Confidencias (1974)” con Lancaster, Helmut Berger y Silvana Mangano

Luchino Visconti

Luchino Visconti

Lina Wertmuller (1928)
Directora de cine italiano, de mucho éxito como realizadora en la década de los 70, sobre todo de películas con héroes anarquistas o feministas, cuyos títulos de sus películas son los más largos que se hayan registrado en el cine de todos los tiempos. Entre sus mejores filmes:

– La comedia “Questa volta parliamo di uomini (1965)” (Esta vez hablamos de hombres) con Nino Manfredi
– El drama “Amor y anarquía (1973)”
– Las comedias-dramas “Insólita aventura de verano (1974)”,
– “Pascualino, siete bellezas (1976)” con Fernando Rey
– El suspense “Fatto di sangue fra due uomini per causa di una vedova – si sospettano moventi politici (1978)” (Hecho de sangres entre dos hombres por causa de una viuda- se sospechan movimientos políticos) protagonizado por el dúo de Sofía Loren y Marcello Mastroianni
– Los dramas “La fine del mondo nel nostro solito letto in una notte piena di pioggia (1978)” (El fin del mundo, en nuestro lecho acostumbrado, en una noche de abundante lluvia) con Candice Bergen, film que fuera realizado en inglés,
– “Francesca e Nunziata (2001)” con la Loren y Raoul Bova
– La comedia-drama “Sotto… sotto… strapazzato da anomala passione (1984)” (Bajo, bajo, roto de una anormal pasión) con Enrique Montesano
– Las comedias “Sabato, domenica e lunedi (1990)” (Sábado, domingo y lunes) con Sofía Loren
– “Mi querido profesor (1993)” con Paolo Villaggio

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Lina Wertmuller (Foto: Adam Scull/PHOTOlink.net)

Luigi Zampa (1905-1991)
Director del cine italiano, seguidor de la democracia cristiana en su país, notable por sus denuncias sarcásticas a la corrupción, sus burlas a los cánones establecidos, los que presentaba a través de dramas o comedias. Una muestra de ello fueron los filmes a continuación

– Los dramas “Vivir en paz (1947)” con Aldo Fabrizi, el cual fue un verdadero mensaje a la paz y considerado como toda una joya del neorrealismo italiano,
– “La diputada Angelina (1947)” con Anna Magnani, film satírico sobre cómo lograr un ambiente democrático en la Italia de pos- guerra
– “Años difíciles (1948)” con Umberto Spadaro,
– “Cuori senza frontiere (1949)” (Corazones sin frontera) con Gina Lollobrigida y Raf Vallone, film que aborda los problemas derivados de la guerra en el territorio de Trieste, cuya soberanía estaba en litigio por la parte italiana y la yugoslava,
– “Proceso a la ciudad (1952)” con Amedeo Nazzari y Silvana Pampanini,
– Las comedias-dramas “Una cuestión de honor (1965)” con Ugo Tognazzi
– La comedia “El médico de la mutua (1968)” con Sordi, film que pone en evidencia los problemas de un servicio de salud
– “Bisturi, la mafia bianca (1973)” con Gabrielle Ferzetti y Senta Berger

Luigi Zampa

Luigi Zampa

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine italiano I

Las ideas mueven el mundo sólo si antes
se han transformado en sentimientos.”
Elizabeth Taylor

Esteban Hernández

Michelangelo Antonioni (1912-2007)
Considerado uno de los mejores realizadores del cine italiano de todos los tiempos, cuyos filmes se han caracterizado por el neorrealismo. La estructura de sus obras no se basa en tramas particulares o análisis de un personaje, son peliculas que reflejan un paisaje real o un ambiente. Aquí las personas son partes móviles del ambiente, con sus sueños y aspiraciones, sus reservas emocionales y sus defectos. Entre sus mejores filmes están:

– “La aventura (1960)” conn Monica Vitti y Gabriele Ferzetti, film que entrecruza la vida de dos personas que se conocían pero no intimamente,
– “La noche (1961)” con Jeanne Moreau, Marcello Mastroianni y Monica Vitti, que muestra la deteriorada relación entre marido y mujer,
– “El eclipse (1962)” con Monica Vitti una vez más y Alain Delon, film que muestra la normal incomprensión entre los seres humanos,
– “El desierto rojo (1964)” con Monica Vitti y Richard Harris,
– “Blowup, deseo de una mañana de verano (1966)”, su primer film en inglés y rodado en Londres, con Vanessa Redgrave, película que guarda algún parecido en su realización con “La aventura”, con la diferencia que el guión es aquí mucho más liberal,
– “Zabriskie Point (1970)”, film realizado en EE.UU., que no tuvo tanto éxito, con Mark Frechette y Daria Halprin,
– El drama-suspense “El reportero (1975)” con Jack Nicholson y Maria Schneider, donde un corresponsal de guerra no hace lo indicado y toma otro camino en su vida laboral

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Michelangelo Antonioni

Mario Bava (1914-1980)
Notable director de filmes de aventura y de horror-misterio-suspense. Como cinematógrafo trabajó hasta 1960 colaborando con realizadores como Riccardo Freda, Jacques Tourneur y Raoul Walsh. Como director debutó con el film de horror “La máscara del demonio (1960)”. Entre sus más mejores filmes dirigidos:

– Los filmes de aventura “Hércules en el centro de la Tierra (1961)” co-dirigido con Franco Prosperi y protagonizado por Reg Park,
– “La furia de los vikingos (1961)” con Cameron Mitchell
– El film de misterio-suspense “La muchacha que sabía demasiado (1963)” con Letícia Román y John Saxon
– Los filmes de horror “Las tres caras del miedo (1963)” co-dirigido con Salvatore Billitteri y protagonizado por Michèle Mercier,
– “Seis mujeres para el asesino (1964)” con Cameron Mitchell y Eva Bartok,
– “Terrore nello spazio (1965)” con Barry Sullivan
– “Bahía de sangre (1971)” con Claudine Auger,
– “Barón Blood (1972)” con Joseph Cotten,
– “El diablo se lleva los muertos (1973)” co-dirigido con Alfredo Leone y protagonizado por Telly Savalas

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Mario Bava

Bernardo Bertolucci (1940)
Director de renombre internacional, que gusta de abordar temas históricos y políticos, en los que añade el ingrediente amoroso o sexual, en ocasiones exageradamente para algunos críticos. Sus filmes tienen su originalidad, éstos se apartan drásticamente de lo habitual en las realizaciones. Entre sus filmes están:

– El drama “Prima della Rivoluzione (1964)” (Antes de la revolución) con Evelina Alpi y Gianni Amico, film que le dio fama y puede considerarse como su primer gran éxito
– “El conformista (1970)” con Stefania Sandrelli y Jean-Louis Trintignant, film que aborda los elementos de simpatía logrados inicialmente por el fascismo
– El famoso drama “El último tango en París (1972)” con Marlon Brando y Maria Schneider, film que posee un final trágico cuando todo parecía color de rosa en el amor de un hombre y una mujer, cuyas escenas provocadoras dieron lugar a mucho ruido y críticas de distintos sectores moralistas de la sociedad, que llegaron a considerarlas obscenas
– El drama-film de guerra “1900 (1976)” con Robert De Niro y Gérard Depardieu, que aborda como se termina al final de una guerra cuando no hay programa o no hay nada previsto para cambiar lo existente.
– El drama “Historia de un hombre ridículo (1981)” con Anouk Aimée, Ugo Tognazzi y Laura Morante
– El drama histórico “El último emperador (1987)” con John Lone y Peter O´Toole, film que es uno de los mejores en la filmografía de Bertolucci y que trata sobre la vida del último monarca antes y después de la Revolución china durante el siglo XX
– Los dramas “El cielo protector (1990)” con Debra Winger y John Malkovich, film que se desarrolla en el norte de África, que presenta un desenlace inesperado entre momentos de alegría y desgracias, y que en la modesta opinión del que suscribe, este es el mejor film de Bertolucci,
– “Pequeño Buda (1993)” con Keanu Reeve y Ruocheng Ying, cuya trama aborda a su manera la vida del principe Siddharta entrelazada con una historia del mundo actual

Bernardo Bertolucci

Bernardo Bertolucci

Mauro Bolognini (1922-2001)
Famoso director de cine italiano, que fuera conocido por sus agradables modales y sus peliculas en variados temas, la gran mayoría basadas en obras de grandes escritores como Alberto Moravia, Stendhal y otros más. Notables son los siguientes filmes:

– Los dramas “La notte brava (1959)” con Rosanna Schiaffino, film considerado entre sus mejores realizaciones,
– “La giornata balorda (1959)” (Día de los inocentes) con Lea Massari y Jean Sorel.
– El drama-comedia “El bello Antonio (1960)” del escritor Vitaliano Brancati con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Pierre Brasseur y Tomás Milian, film que trata la historia de un bello joven burgués impotente que desilusiona a la novia que toma por esposa
– Los dramas “La corruzione (1963)” con Alain Cuny y Rosanna Schiaffino
– “Las cuatro brujas (1966) con Claudia Cardinale y Alberto Sordi entre otros actores/actrices
– El film de aventura “Mademoiselle de Maupin (1966)” con guión de Gautier y protagonizado por Catherine Spaak y Tomás Milian
– Las comedias “Arabella (1967)” con Virna Lisi y James Fox,
– El segmento “Nuites romances” (Noches románticas) de “Le plus vieux métier du monde (1967)” (El oficio más viejo del mundo) con Elsa Martinelli y Gastone Moschin

Mauro Bolognini

Mauro Bolognini

Luigi Comencini (1916-2007)
Uno de los grandes promotores de la cinemateca italiana y del neorrealismo en el cine, quien pasó su infancia en Francia, y de adolescente se trasladó a Milán para estudiar arquitectura. En sus años estudiantiles creó un grupo de aficionados al cine, donde conoció a futuros directores, como fueron Alberto Lattuada y Mario Ferrari. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “La tratta delle bianche (1952)” (La trata de las blancas) con Silvana Pampanini, Vittorio Gassman y Eleonora Rossi Drago
– Las comedias “Pan, amor y fantasía (1953)” y “Pan, amor y celos (1954)”, ambas protagonizadas por Vittorio De Sica y Gina Lollogibrida, filmes que confirman el estilo neorrealístico de Comencini y que llevaron a la Lollobrigida al estrellato,
– “El signo de Venus (1955)” con Sofía Loren y Franca Valeri,
– “La bella de Roma (1955)” con Silvana Pampini y Alberto Sordi,
– El excelente drama “La chica de Bube (1963)” con Claudia Cardinale y George Chakiris, film que aborda la vida de una joven italiana enamorada de un joven comunista encarcelado de un dudoso delito en la pos-guerra
– Las comedias “Le bambole (1964)” (Las muñecas) con Virna Lisi, Gina Lollobrigida y Nino Manfredi,
– “El camarada Don Camilo (1965)” con Gino Cervi y Fernandel

Luigi Comencini

Luigi Comencini

Sergio Corbucci (1927-1990)
Uno de los mejores directores del cine de entretenimiento italiano, quien siempre mostró una alta capacidad de creatividad en cada una de sus películas, fueran éstas, comedias, filmes de acción e incluso oestes. En su filmografía hallamos:

– “Chi si ferma è perduto (1960)” (El que se para está perdido),
– “I due marescialli (1961)” (Los dos mariscales) con Vittorio De Sica también,
– “Totò, Peppino e la dolce vita (1961)”,
– “Lo smemorato di Collegno (1962)” (El olvidadizo de Collegno),
– “El día más corto (1962)” con Ciccio Ingrassia, Franco Franchi y Ugo Tognazzi también,
– “Gli onorevoli (1963)” (Los honorables),
– El drama-comedia “Il monaco di Monza (1963)” (El monje de Monza), todas estas películas protagonizadas por Totò
– Las películas épicas, de aventura u oestes “Rómulo y Remo (1961)” con Steeve Reeves y Virna Lisi,
– “El hijo de Espartaco (1963)” con Reeves y Jacques Sernas,
– “Joe, el implacable (1966)” con Burt Reynolds,
– “Django (1966)” con Franco Nero
– La comedia “Rimini Rimini (1987)” con Laura Antonelli, Virna Lisi y Jerry Calà

Sergio Corbucci

Sergio Corbucci

Vittorio DeSica (1901-1974)
Extraordinario actor-director del cine italiano, toda una estrella del séptimo arte, quien proviene de una familia humilde italiana. Como director, su obra se caracterizó por el amor, pero lejos de caer en el melodrama acostumbrado, él lo abordó con ironía exponiendo las mismas imperfecciones de cualquier ser humano en muchas de sus comedias. Su sátira fue todo un arte y fue fiel exponente del neorrealismo en el cine.  Entre sus realizaciones están:

– Los dramas “Ladrones de bicicletas (1948)” con Lamberto Maggiorani,
– “Corazón (1948)” co-dirigido con Duilio Coletti y protagonizado por el proprio De Sica,
– El famoso “Umberto D (1952)” con Carlo Battisti,
– “Stazione Termini (1953)” con Montgomery Clift, Jennifer Jones y Gino Cervi
– La comedia “El oro de Nápoles (1954)” con Totò
– El sobresaliente drama “Dos mujeres (1960)” con Sofía Loren y Jean-Paul Belmondo, film que se desarrolla en el período previo al fin de la guerra en una localidad montañosa al sur de Roma
– La comedia “El juicio universal (1961)”, con un extenso reparto encabezado por Alberto Sordi, Fernandel, Vittorio Gassman entre otros
– El segmento de la comedia “Boccaccio ’70 (1962)” con Sofía Loren nuevamente
– Las comedias “Il boom (1963)” con Sordi nuevamente,
– “Ayer, hoy y mañana (1963)” y “Matrimonio a la italiana (1964)” basada en la obra de E. De Filippo, “Filumena Maturano”, estas dos últimas películas protagonizadas por la Loren y Marcello Mastroianni
– Los dramas “Amanti (1968)” con Faye Dunaway y Marcello Mastroianni,
– “Los girasoles (1970)” con el dúo Loren-Mastroianni, sobre una historia de un combatiente que no regresa a su patria y decide quedarse a residir en la URSS.

Vittorio De Sica con Gina Lollobrigida

Vittorio De Sica junto a Gina Lollobrigida

Federico Fellini (1920-1993)
Cineasta que prácticamente marcó toda una época en el cine italiano, quien mostraba tramas poco convencionales, que corrían a veces de forma irracional, con imagenes que parecían revelaciones de sus sueños o sus ideas, ese fue Fellini, a quien se le considera todo un genio de la cinematografía nivel mundial y uno de los grandes exponentes del surrealismo en el cine. Entre sus filmes más famosos están:

– Los dramas “Los inútiles (1953)” con Franco Interlenghi y Alberto Sordi,
– “La strada (1954)” (La calle) con Anthony Quinn,
– “Almas sin conciencia (1955)” con Broderick Crawford, film que trata sobre un grupo de tramposos,
– “Las noches de Cabiria (1956)” con Giulietta Masina, quien fue probablemente su actriz preferida, film que trató la cuestión de la prostitución desde una perspectiva social más justa
– “La Dolce Vita (1960)” con Marcelo Mastroianni, Anita Ekberg y Anouk Aimée, film cuya estructura es difícil de seguir o entender, donde el movimiento de las personas parece que no tiene una ruta definida. El film tiene el mérito de mostrar las bellezas de Roma, desde la Fuente de Trevi, donde la Ekberg entra atrevidamente en el agua, hasta los restoranes de vía Veneto, donde los turistas ricos gastan dinero sin pensarlo
– “Ocho ½ (1963)” con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Anouk Aimée nuevamente, cuya trama es la de un director que logra un éxito y luego no sabe como seguir adelante en su trabajo
– Las comedias-dramas “Giulietta de los espíritus (1965)” con Giulietta Masina y Sandra Milo, donde se muestra como una mujer casada que al final abandona a su marido impertinente,
– “Roma (1972)” con Peter Gonzales, donde de nuevo no hay una secuencia clara del film, que más bien busca mostrar a Roma a los ojos de un simple espectador, cuando llegó a ella en el período de guerra y como la ve ahora en el presente
– El drama-comedia “Amarcord (1973)” con Pupella Maggio y Armando Brancia, que refleja la situación de la ciudad de Rimini, lugar de nacimiento de Fellini, durante el período de guerra

FEDERICO FELLINIPIP/GLOBE PHOTOS, INC.

Federico Fellini

Marco Ferreri (1928-1997)
Siempre se caracterizó por abordar temas atrevidos que rompían los prejuicios y preceptos establecidos. En su filmografía contestataria logró mezclar algo de dulzura con una crítica despiadada a los cánones existentes.

– Los dramas-comedias “El cochecito (1960)” con José Isbert
– “Se acabó el negocio (1963)” con Ugo Tognazzi y Annie Girardot, película que aborda las relaciones entre los sexos, donde suele predominar la explotación del más desprotegido y cuyo final fue cortado por su productor,
– “L’ape regina (1962)” (La abeja reina) con Tognazzi y Marina Vlady, film satírico anticatólico, donde se hace una burla al matrimonio al extremo que fue censurado y hubo que hacer cortes de algunas tomas, además de modificar el título
– El segmento “Il professore” del drama “Controsesso (1964)” con Tognazzi
– El estupendo drama “Dillinger ha muerto (1969)” con Annie Girardot y Michel Piccoli, donde se aborda el hecho de la soledad del hombre en la sociedad contemporánea
– El drama fantástico “Il seme dell’uomo (1970)” (La semilla del hombre) con la Girardot y Marco Margine
– El drama “Liza (1972)” con Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni
– El drama “La última mujer (1976)” con Gérard Depardieu y Ornella Muti
– Las comedias “Adiós al macho (1978)” con Gérard Depardieu y Mastroianni,
– “Un profesor singular (1979)” con Roberto Benigni,
– “La casa de la sonrisa (1988)” con Ingrid Thulin

Marco Ferreri

Marco Ferreri

Pietro Germi (1914-1974)
Uno de los maestros del cine neorrealista italiano, quien gustaba de abordar temas de prejuicios en la sociedad italiana, así como las formalidades llenas de hipocresía y doble moral. Sus filmes fueron siempre un ataque frontal a esas actitudes, donde se incluye el compromiso de hijas con hijos de buena fortuna, el problema del divorcio entonces existente en Italia, el adulterio y los celos. Dirigió:

– El film de crimen-drama “La ciudad se defiende (1951)” con Gina Lollobrigida
– La comedia “La presidenta (1952)” con Silvana Pampanini
– El drama “Gelosia (1953)” (Celos) con Alessandro Fersen,
– El film de crimen-drama “Un maldito embrollo (1959)” con Claudia Cardinale, estos tres últimos filmes protagonizados por el propio Germi
– La comedia-drama “Divorcio a la italiana (1961)”, todo un clásico del cine italiano protagonizado por Marcello Mastroianni y Stefania Sandrelli, film que aborda las peripecias de un hombre casado que quiere vivir con otra bella de su pueblo.
– El drama “Seducida y abandonada (1964)” con Stefania Sandrelli, cuya trama aborda la tragedia de una joven, la que sus padres quieren casar, como en tiempos medievales, con un joven no de su gusto pero si de buena posición económica.
– Las comedias “Señoras y señores (1965)” con Virna Lisi,
– “Muchas cuerdas para un violín (1967)” con Ugo Tognazzi y la Sandrelli,
– “El divorcio es cosa de tres (1972)” (conocido en otros países como “Alfredo, Alfredo”), con Dustin Hoffman y Stefania Sandrelli

Pietro Germi

Afiche alegórico al centenario del nacimiento de Pietro Germi

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Henryk Sienkiewicz, destacado escritor polaco

La profesión del escritor tiene sus espinas
sobre la que el lector no sueña
Henryk Sienkiewicz

Ricardo Labrada

En 2005 visitaba en misión de trabajo a Plonsk, Polonia. El colega polaco que me acompañaba me llevó a una casita rustica y me dijo que allí había vivido un escritor famoso de ese país. Al inicio no entendí bien quien era por la pronunciación, pero unos segundos después me di cuenta que era el conocido Henryk Sienkiewicz. Acto seguido le hablé de la trilogía de ese escritor: A sangre y fuego, El diluvio y Un héroe polaco. Realmente me las había leído en una época que en Cuba comprar libros por menos de un peso era muy normal. Las famosas ediciones Huracán me dieron esa posibilidad y así leer mucho de lo que desconocía de países como Polonia, Lituania, Ucrania, y sus guerras, donde los adversarios cambiaban continuamente unas veces era Turquía, otras Rusia, luego Suecia. Como había pasado mis estudios universitarios en Kiev, Ucrania, no me simpatizó mucho como Sienkiewicz caracterizó a Bogdan Khmelnitski, el famoso atamán de los cosacos de Zaporozhia, que uniera a Ucrania con Rusia siglos atrás en el primer tomo de su trilogía, cuyo título aceptado en español es “A Sangre y Fuego”, pero que en polaco se llama textualmente Ogniem i Mieczem (A Fuego y Espada). No obstante, puedo decir que me deleité leyendo esas obras y pude conocer mucho de la historia de esa región. Gran parte de sus obras han sido llevadas al cine, muchas de las cuales he también logrado ver, por lo que Sienkiewicz no era en este caso ningún desconocido.

Mi contraparte polaca se sorprendió que le conociera y que le hablara de algunas de las obras de este gran escritor, del cual quiero aquí hablar y cuyo nombre completo era Henryk Adam Aleksander Pius Sienkiewicz de Oszyk, con el pseudónimo de “Litwos”, palabra que traducida al español significa Lituania, pero que no representa a la Lituania que actualmente conocemos, sino toda una región que en su época ocuparon los territorios de las actuales naciones de Polonia, Lituania, Ucrania y Bielorrusia. El apodado Litwos había nacido en Wola Okrzejska el 5 de mayo de 1846, en el seno de una familia noble polaca empobrecida. Entonces Polonia estaba bajo el dominio del zarismo ruso.

Henry Sienkiewicz (Litwos)

Henryk Sienkiewicz (Litwos)

A los 19 años tomó un trabajo de tutor en el mismo Plonsk y fue durante ese período que escribió su primera obra (Sacrificio), la que posteriormente él mismo destruyó. Igualmente completó estudios de secundaria que los finalizó en 1866, y a la vez escribió su obra “En Vano”.

Litwos pensó estudiar inicialmente medicina, luego hacerse abogado en la Universidad Imperial de Varsovia, pero finalmente se decidió estudiar lengua polaca en el Instituto de Filología e Historia de la misma Universidad.

A partir de 1867 comenzó de manera intensiva su obra literaria. Una de sus primeras contribuciones fue “El idilio de la Juventud”, que fuera rechazado por la revista Semanario Ilustrado. Luego escribió un artículo sobre el poeta polaco de la época del renacimiento, Mikolaj Sep Szarzynski. En 1873 tenía una columna llamada “Sin un título” en la Revista Polaca, y en 1874 tuvo otra, “Asuntos Cotidianos” para la revista Niwa. En 1875 escribía en otro medio de prensa, su página se llamaba “El presente momento”.

Lo interesante fue que en 1871 no llegó a recibir diploma por sus estudios universitarios al no haber aprobado el examen de idioma griego.

Sienkiewicz igualmente colaboró en la traducción de la novela “El 93” de Víctor Hugo y a finales de la década de los 70 del siglo XIX se convirtió en co-propietario de la revista Niwa.

En su carrera literaria pudo viajar a varios lugares de Europa y EEUU. Sus viajes eran financiados por la revista Gazeta Polska. Durante esas visitas en el extranjero escribió algunas obras como “Cartas de un viaje”, “Cartas de Litwos de un viaje”, las que publicó en Gazeta Polska, así como otros artículos en Przegląd Tygodniowy (Reseña Semanal) y Przewodnik Naukowy i Literacki (Guía aprendida y literaria). Sienkiewicz, en sus viajes, vivió algún tiempo en San Francisco y luego en Anaheim, California, igualmente visitó muchos lugares no solo de California, sino otros en Nevada.

Regresó a Polonia y estuvo por un tiempo escribiendo en Lviv (actualmente territorio ucraniano) y luego en la capital polaca, Varsovia. Allí dio algunas conferencias y luego partió para Italia, visitando Venecia y Roma, donde conoció a Maria Szetkiewicz, quien fuera después su esposa de por vida.

Su trabajo continuó en la década de los 80 con mayor intensidad. En 1880 escribió la novella “Niewola tatarska” (Cautividad tártara), se convirtió en editor del periódico Słowo (La palabra). Poco después perdió interés por su trabajo de periodismo y fue entonces que se dedicó a escribir sus grandes obras. En 1883 inició su trabajo en la famosa trilogía. Su primera obra “A sangre y fuego”, él la había titulado al inicio “La guarida del lobo”. Escribió su segunda obra, Potop (El diluvio), entre diciembre de 1884 y septiembre de 1886. Después viajó con su esposa a sanatorios fuera de su país. Su esposa murió y continuó viajando. Su regreso a Varsovia tuvo lugar en 1887, fue cuando comenzó a escribir la tercera obra de su trilogía, Pan Wołodyjowski (Un héroe polaco o Sir Michael en inglés), que la terminó en mayo de 1888.

Afiche del film A sangre y fuego

Afiche del film polaco “Con sangre y fuego (1999)”

Escena de la película Diluvio (1974)

Escena del film polaco “El diluvio (1974)”

Daniel Olbrychski en una escena del film (Un héroe polaco 1969)

Daniel Olbrychski en una escena del film polaco “Un héroe polaco (1969)”

En 1891 concluyó su novela Bez Dogmatu (Sin dogma), la que fue publicando poco a poco en forma de serial en La Palabra. Algo similar hizo con otra novela, Rodzina Połanieckich (Familia de Polanieckich), que concluyó en 1894.

A continuación Litwos, como buen católico, escribió la obra que le hizo famoso, “Quo vadis? (1896)” (¿Adónde vas?). Según la obra, San Pedro y Cristo tuvieron un encuentro en las afueras de Roma durante el reinado del demente emperador Nerón.

Deborah Kerr y Robert Taylor en Quo Vadis (1951)

Deborah Kerr y Robert Taylor en “Quo Vadis (1951)”

En el período de 1897-1900 terminó su obra conocida como “Krzyzacy” (Los Cruzados o Los Caballeros Teutónicos), ambientada en la Polonia Medieval (finales del siglo XIV y comienzos del XV), historia de dos guerreros polacos que acuden a luchar en el frente durante la guerra polaco-lituana-teutona. Durante la batalla final de Grunwald, tendrán que enfrentarse a la orden de los caballeros teutónicos.

Los Caballeros Teutónicos (1960)

Los Caballeros Teutónicos (1960)

Otras de sus famosas obras fueron “Nadie es profeta en su tierra (1872)”, “Bocetos al carbón (1880)”, las novelas cortas “Bartek el vencedor (1882)”, y “El torrero (1880)”, “Sachem (1889)”. Durante el siglo XX escribió otra obra muy apreciada, W pustyni i w puszczy (A través del desierto y de la selva), que la concluyera en 1912.

W pustyni i w puszczy (1973)

Escena del film “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva)

Sienkiewicz fue un gran defensor de la causa de la independencia de su país. Famosa fue la carta que él dirigiera al Kaiser del imperio alemán, Guillermo II, donde claramente se oponía a la germanización de la Posnania, reconocida como cuna de la nación polaca, que fue capital de Estado y residencia de los monarcas polacos. Igualmente, al iniciarse la II Guerra Mundial, organizó en Suiza un comité para las víctimas de la guerra en Polonia.

Por sus aportes a la literatura, Litwos obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1905. De hecho se convirtió en el quinto premio Nobel en la historia de este galardón y el primero en obtenerlo de Europa Oriental. Él fue la viva representación del realismo en sus obras, donde quiso reflejar mucho de lo que aconteció en el territorio que le sirvió de sobrenombre de por vida, Litwos. Su visión patriótica exponía los peligros de la existencia de Polonia, y sin proponérselo realmente, hacía otro tanto para naciones actualmente reconocidas como Bielorrusia, Lituania y Ucrania. Tantos unos como otros vivían en eterno conflicto de territorios, de religión y de costumbres, ninguno quería ser dominado por el otro.

Varias obras de Litwos o Sinkiewicz fueron llevadas a la gran pantalla, entre ellas:

– El famoso film “Quo Vadis (1951)” dirigido por Mervyn LeRoy y Anthony Mann, protagonizado por Robert Taylor, Deborah Kerr y un convincente Peter Ustinov en el papel de Nerón, así como:

– Los filmes épicos “Los Caballeros Teutónicos (1960)” de Aleksandr Ford con Urszula Modrzynska y Grazyna Stanizewska, de producción polaca

– Col ferro e col fuoco (A sangre y fuego) (1962) de Fernando Cerchio con Jeanne Crain, Pierre Brice y Elena Zaresch, de producción franco-italo-yugoslava.

– “Pan Wolodyjowski (1969)” (Un héroe polaco) de Jerzy Hoffman con Tadeusz Lomnicki, Magdalena Zawadzka y Daniel Olbrychski

– “Potop (1974)” (El diluvio) de Jerzy Hoffman con Daniel Olbrychski y Malgorzata Braunek,

– “W pustyni i w puszczy (1973)” (A través del desierto y de la selva) de Wladyslaw Slesicki con Monika Rosca y Tomasz Medrzak o la versión en miniserie para la TV de Gavin Hood de 2001.

El destacado escritor murió el 15 de noviembre de 1916 en Vevey, Suiza.

Bibliografía consultada

Anon. Henryk Sinkiewicz. Biografías y Vida. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sienkiewicz.htm

Anon. Henryk Sinkiewicz. Culture.Pl. http://culture.pl/pl/tworca/henryk-sienkiewicz

Anon. 2012. Henryk Sienkiewicz – krótka biografia. Sciaga. http://sciaga.pl/tekst/137848-138-henryk-sienkiewicz-krotka-biografia

IMDB.com. Quo Vadis (1951). http://www.imdb.com/title/tt0043949/?ref_=nm_flmg_wr_15

IMDB.com. Pan Wolodyjowski (1969). http://www.imdb.com/title/tt0064785/?ref_=nm_flmg_wr_11

IMDB.com. Potop (1974). http://www.imdb.com/title/tt0072021/?ref_=nm_flmg_wr_8

IMDB.com .W pustyni i w puszczy (1973) http://www.imdb.com/title/tt0070894/?ref_=fn_al_tt_2

IMDB.com. A Sangre y Fuego (1999). http://www.imdb.com/title/tt0128378/?ref_=fn_al_tt_1

Grandes directores del cine francés II

Memoria y olvido son como la vida y la muerte.
Vivir es recordar y recordar es vivir
Morir es olvidar y olvidar es morir
Samuel Butler

Esteban Hernández

Jean –Luc Godard (1930) destacado director francés, todo un rebelde en sus guiones, que ha realizado filmes y documentales con temas sumamente irreverentes. Sus filmes mayormente se han centrado en la crítica a la sociedad en que vive, y son catalogados de vanguardista y experimental en el montaje. Bajo el pseudónimo de Hans Lucas escribió varias críticas de cine e igualmente trabajó en muchas oportunidades junto a François Truffaut en la preparación de artículos sobre cine en la revista “Temps de Paris” editada por ambos. Entre sus mejores películas están:

– La comedia-drama “Una mujer es una mujer (1961)” con su primera esposa, Anna Karina, y Jean-Paul Belmondo
– El drama “Vivir su vida (1962)” con Anna Karina, otro ejemplo de película dentro de la nueva ola
– El segmento “La Paresse” en la comedia “Los siete pecados capitales (1962)” con Eddie Constantine
– El drama “El desprecio (1963)” con Brigitte Bardot y Michel Piccoli
– El film de crimen-drama “Pierrot el loco (1965)” con Belmondo y la Karina, que resultara ser otro clásico de la nueva ola
– Los dramas “La China (1967)” con su segunda esposa, Anne Wiazemsky, film que trata de discutir las posiciones maoístas predominantes en la China de aquel entonces,
– El segmento “L’amore” en el drama “Amor y rabia (1969)” con Christine Guého,
– “Todo va bien (1972)” con Yves Montand y Jane Fonda, que aborda el romance de una pareja en París
– El documental sobre Vietnam “Letter to Jane (1972)” (Carta a Jane), con narración de Jane Fonda,
– Los dramas “Pasión (1982)” con Isabelle Huppert
– “Yo te saludo, María (1985)” con Myriem Roussel en el papel de la virgen María, film atrevido sobre la vida de la virgen, que no fue realmente aceptado en los medios religiosos

Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard

Claude Lelouch (1937) realizador de dramas románticos, quien se adentró en el mundo del cine a temprana edad y obtuvo premio en el festival de Cannes como amateur al realizar el corto “La mal du siècle (1950)” (El mal del siglo). Cuando su carrera se veía en pleno descenso económico, Lelouch emprendió la filmación del drama “Un hombre y una mujer (1966)” que fuera protagonizado por Anouk Aimée y Jean Louis Trintignant, donde además de dirigir y realizar su montaje, dedicó buen tiempo para servir como camarógrafo. El film resultó ser todo un éxito y un clásico de romance de todos los tiempos, cuya trama gira alrededor de la relación entre una pareja de viudos. Entre sus otros filmes destacados están:

– “L’amour avec des si (1962)” (En la afirmación) con Guy Mairesse
– “Vivir por vivir (1967)” con Yves Montand, Annie Girardot y Candice Bergen, donde se relata la vida de un periodista, siempre en misiones en lugares peligrosos, por largos períodos de tiempo, y su esposa siempre en casa esperando por la feliz llegada de su compañero, la moraleja es que “nadie sabe lo que tiene hasta que no lo pierde”
– El documental deportivo sobre las olimpiadas de invierno en Grenoble, “13 jours en France (1968)” (13 días en Francia)
– La comedia-drama “Del amor y de la infidelidad (1969)” con Jean Paul Belmondo y la Girardot
– La comedia “Una dama y un bribón (1973)” con Lino Ventura
– El drama “Toute une vie (1974)” (Toda una vida) con Marthe Keller
– El oeste “Otro hombre, otra mujer (1977)” con James Caan y Geneviève Bujold.
– El film de ciencia ficción “Viva la vida (1984)” con Charlotte Rampling y Michel Piccoli
– El drama-musical “Los unos y los otros (1981)” con Robert Hossein, Geraldine Chaplin y Nicole Garcia
– La secuela de un hombre y una mujer, “Un hombre y una mujer: 20 años después (1986)” con Jean Louis Trintignant y Anouk Aimée nuevamente, historia del reencuentro de los dos amantes, quienes tratan de recordar lo sucedido pero sin éxito para continuar el romance 20 años antes iniciado
– El drama “Testigo de excepción (1995)” con la actuación de Belmondo, la Girardot y Alessandra Martines, su actual esposa, film con la enésima adaptación fílmica de la obra del escritor Victor Hugo
– Co-dirigió junto con Vicente Aranda, Theo Angelopoulos, Costa Gavras y otros directores más el documental “Lumiere y compañía (1996)”.

Claude Lelouch

Claude Lelouch

Louis Malle (1932-1995) fue uno de los directores de la llamada nueva ola del cine francés, que se destacó principalmente en los años de la década de los 1950 y 60, realizando películas tanto en Europa como en los EE.UU., muchas de ellas demasiado atrevidas en su contenido, pues se adentraba en la crítica de los convencionalismos “éticos” establecidos. Sus películas más notables fueron:

– El film de crimen “Ascensor para el cadalso (1958)” con Jeanne Moreau y Maurice Ronet
– El explosivo drama “Los amantes (1958)” con Jeanne Moreau, el cual provocó una violenta reacción de la crítica y público conservador, ya que la película aborda abiertamente el problema del adulterio con escenas algo eróticas para aquel entonces
– Los dramas “Una vida privada (1961)” con Brigitte Bardot y Marcello Mastroianni,
– “Fuego fatuo (1963)” con Maurice Ronet
– La comedia-oeste “Viva María! (1965)” con la Bardot y la Moreau nuevamente
– El drama “La pequeña (1978)” con Brooke Shields, Keith Carradine y la presentación de la entonces casi novata Susan Sarandon,
– El estupendo film de crimen- romance “Atlantic City (1980)” con Burt Lancaster y la Sarandon nuevamente
– Los dramas “La bahía del odio (1985)” con Amy Madigan y Ed Harris, película que aborda la discriminación de los emigrantes vietnamitas en EEUU
– “Adiós, muchachos (1987)” con Gaspard Manesse, que trata el problema de la ocupación nazi en Francia,
– “Herida (1992)” con Jeremy Irons y Juliette Binoche, film lleno de suspense, infidelidad y triángulo amoroso.

Louis Malle

Louis Malle

Jean-Pierre Melville (1917-1973) fue director de un número reducido de películas, pero uno de los más originales en el campo de la realización fílmica. De origen judío, su afición por el cine se vio detenida cuando tuvo que servir en el ejército de su país a partir de 1937 y luego ingresar en la resistencia al momento de la ocupación nazi. Después de la guerra, Melville intentó integrar el sindicato de técnicos franceses, cuya membresía le fue negada, por lo que decidió crear su propia compañía de producción fílmica. Entres sus filmes más recordados están:

– El drama “Los niños terribles (1950)” con Nicole Stéphane, film cuyo guión fuera escrito junto a Jean Cocteau,
– El drama-film de crimen “Bob le flambeur (1955)” (Bob, el hombre de la llama) con Isabelle Corey y Roger Duchesne, película que tuvo una buena aceptación del público, y que puede haber influido algo en el pensamiento de los entonces jóvenes realizadores Jean-Luc Godard y François Truffaut
– Los dramas “León Morín, cura (1961)” protagonizado por el entonces joven Jean-Paul Belmondo, film que aborda la vida de un sacerdote en un pequeño pueblo durante los años de guerra
– “El confidente (1961)” con Belmondo y Serge Reggiani,
– El inolvidable “El silencio de un hombre (1967)” con Alain Delon en el papel del flemático asesino Jeff Costello,
– “El círculo rojo (1970)” con Delon, Yves Montand y Gian-Maria Volonté
– El film de guerra que aborda aspectos de la resistencia francesa, “El ejército de las sombras (1969)” protagonizado por Lino Ventura
– Su última película, el film de crimen “Crónica negra (1972)” con Delon, Richard Crenna y Catherine Deneuve.

Jean-Pierre Melville

Jean-Pierre Melville

Roman Polansky es director de origen polaco, pero nacido en París en 1933, que clasifica como uno de los más notables directores de cine de la segunda mitad del siglo XX y hasta el presente, sus películas suelen abordar aspectos de la historia, como hechos irreales llenos de horror y, en ocasiones, repulsivos. También gusta de abordar enredadas historias de amor, donde el homosexualismo también puede estar presente e incluso el incesto. Su primera etapa como director la desarrolló en Polonia y luego emigró a Francia definitivamente. Entre sus mejores filmes están:

– El drama “El cuchillo en el agua (1962)” con León Niemczyk y Jolanta Umecka, que fue también su primera obra no asociada con la guerra, y cuya trama guarda cierta similitud con el filme franco-italiano “A pleno sol (1960)”.
– El suspense “Repulsión (1965)” con Catherine Deneuve
– El film de crimen “Chinatown (1974)” con Jack Nicholson y Faye Dunaway, film que denuncia un caso de incesto
– El drama-romance “Tess (1979)” con Nastassja Kinski, film que es una adaptación de la obra de Thomas Hardy, “Tess of the D’Urbervilles”
– El film de aventura “Piratas (1986)” con Walter Matthau
– El suspense “Frenético (1988)” con Harrison Ford y y la actual esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner
– El escandaloso suspense sexual “Lunas de hiel (1988)” con Hugh Grant, Peter Coyote, la Seigner y Kristin Scott Thomas
– El drama-suspense “La muerte y la doncella (1994)” con Sigourney Weaver
– El film de horror-misterio “La novena puerta (1999)” con Johnny Depp
– El formidable drama-film de guerra “El pianista (2002)” con Adrien Brody, que relata los horrores cometidos por los nazis sobre la población judía en Varsovia durante la Segunda Guerra Mundial
– El remake del drama “Oliver Twist (2005)” con Ben Kingsley y Barney Clark, basado en la obra del mismo nombre del escritor Charles Dickens.

Roman Polanski

Roman Polansky

Jean Renoir (1894-1979) era hijo del famoso pintor impresionista Pierre Auguste. Como director se caracterizó por producir filmes de mucha seriedad, siempre tratando de llegar a la verdad de los problemas planteados. Fue igualmente considerado como un director arriesgado y dispuesto a la innovación. Dentro de su amplia filmografía es necesario mencionar:

– El drama “La golfa (1931)” con Simon, considerado como una de sus mejores películas
– El film de crimen “La nuit du carrefour (1932)” (La noche del cruce) con la actuación de su hermano Pierre Renoir en el papel del inspector Maigret
– La comedia “Boudu salvado de las aguas (1932)” con Simon nuevamente
– La adaptación de “Madame Bovary (1934)” con Pierre Renoir y Valentine Tessier
– “Los bajos fondos (1936)” con Jean Gabin y Junie Astor, película basada en una obra del escritor Máximo Gorki
– El film de guerra “La gran ilusión (1937)” con Gabin, que fuera una de sus joyas fílmicas.
– “La bestia humana (1938)” con Jean Gabin y Simone Simon,
– “La regla del juego (1939)” con Nora Gregor, que es considerada como una de las mejores películas del cine de todos los tiempos
– El drama-film de guerra “Esta tierra es mía (1943)” con Charles Laughton y Maureen O’Hara
– Los dramas “The southerner (1945)” (El sureño) con Zachary Scott, film que aborda la vida de los agricultores en el sur de EE.UU.,
– “Memorias de una doncella (1946)” con Paulette Goddard,
– “Una mujer en la playa (1947)” protagonizado por Joan Bennett y Robert Ryan, con una trama sentimental muy original
– La muy recordada comedia-drama “La carroza de oro (1952)” con Anna Magnani y Odoardo Spadaro
– La comedia- musical “French Can-Can (1955)” con Jean Gabin, María Félix y Françoise Arnoul
– El drama “Elena y los hombres (1956)” con Ingrid Bergman y Jean Marais

Jean Renoir

Jean Renoir

Alan Resnais (1922-2014) destacado director de la nueva ola del cine francés, cuyos filmes denotan claramente posiciones antifascistas y en contra de la discriminación. Resnais fue un virtuoso de los cortos y los documentales, donde trató siempre de describir la vida de personajes o eventos célebres, además de incursionar en el género de los dramas. Así dirigió:

– “Hiroshima mon amour (1959)” con Emmanuelle Riva y Eiji Okada, una verdadera joya del cine de la nueva ola, que además contó con un buen nivel de documentación sobre las consecuencias de la guerra
– “La guerra ha terminado (1966)” con Yves Montand, Geneviève Bujold e Ingrid Thulin
– El documental “Loin du Vietnam (1967)” (Lejos de Vietnam) co-dirigido con otros varios directores
– Los dramas “Stavisky… (1974)” con Jean Paul Belmondo, film sobre la vida de un estafador muy hábil en la Francia de los años 30,
– “Providence (1977)” con Dirk Bogarde y Ellen Burstyn, donde un escritor reflexiona alrededor de su última novela antes de morir,
– “Mi tío de América (1980)” con Gérard Depardieu y Nicole Garcia
– La comedia “Smoking/no smoking (1993)” con Pierre Arditi y Sabine Azéma
– El drama “Asuntos privados en lugares públicos (2006)” con Sabine Azéma e Isabelle Carré, película que aborda el problema de la depresión de un joven soldado desmovilizado y que se entrega al alcoholismo

Alan Resnais

Alan Resnais

Eric Rohmer (nacido como Jean-Marie Maurice Scherer, 1920-2010) fue un reconocido director internacionalmente, quien sobresalió por la realización de dramas y algunas comedias, donde participan actores o actrices de poco renombre en Francia. Sus filmes son simples en su narrativa, muy fieles a sus convicciones e ideas sobre el movimiento de la nueva ola del cine francés, los que fueron realizados en períodos de dos a tres años:

– Los cortos “La sonate à Kreutzer (1956)”,
– “Véronique et son cancre (1958)” (Veronique y su burro)
– Su primer largometraje, el drama “Le signe du lion (1959)” con Catherine Sée
– La comedia- romance “Présentation ou Charlotte et son steak (1960)” (Presentación o Charlotte y su chuleta) con Jean-Luc Godard
– Junto a Claude Chabrol realizó el film descriptivo “París visto por…1965)”
– Los dramas “La coleccionista (1967)” con Patrick Bauchau,
– “Mi noche con Maud (1969)” con Jean-Louis Trintignant
– El drama “La mujer del aviador (1980)” con Philippe Marlaud y Marie Rivière
– La comedia “La buena boda (1982)” con Béatrice Romand y André Dussollier
– La comedia-drama “Pauline en la playa (1983)” con Amanda Langlet
– Los dramas “Las noches de la Luna llena (1984)” con Pascale Ogier,
– “El rayo verde (1986)” con Marie Rivière

Eric Rohmer

Eric Rohmer

Claude Sautet (1924-2000), director que no fue miembro de la llamada nueva ola del cine francés, aunque su estilo fue siempre de innovación. Sus filmes más destacados fueron:

– El drama policiaco “A todo riesgo (1960)” con Michel Ardan, Lino Ventura y Jean-Paul Belmondo
– El film de crimen “Armas para el Caribe (1964)” con Ventura y Sylva Koscina
– El drama “Las cosas de la vida (1969)” con Romy Schneider y Michel Piccoli, film donde se hace un análisis de una vida a partir de un accidente de tránsito
– La comedia-drama “Ella, yo y… el otro (1972)” con Romy Schneider e Yves Montand
– Los dramas “Tres amigos, sus mujeres y los otros (1974)” con Montand, Piccoli y Gérard Depardieu,
– “Una vida de mujer (1978)” con Rommy Schneider y Bruno Cremer
– “Un corazón en invierno (1992) con Auteuil y Emmanuelle Béart,
– “Nelly y el Sr. Arnaud (1995)” con Emmanuelle Béart y Michel Serrault

Claude Sautet

Claude Sautet

Jacques Tati (1909-1982), fue un notable actor- director, que a pesar de no tener una extensa filmografía, fue toda una leyenda dentro de los realizadores de cine debido a la calidad de sus películas. En seis de sus filmes, Tati mostró la eterna contradicción entre el hombre y la máquina, así como hombres casi vencidos por el progreso tecnológico. Tati gustaba de las comedias silentes, carentes de diálogo, para poder desarrollar mejor los problemas que planteaba. Entre sus mejores realizaciones están:

– La renombrada comedia “Día de fiesta (1948)”, donde Tati interpreta el papel de un cartero de un pueblo, el cual vive obsesionado con la modernización de su trabajo
– Las comedias “Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953)”, verdaderamente cómica y donde Tati es un huesped bien intencionado que llega a un hotel y sin darse cuenta, crea todo una revolución en el lugar
– El Señor Hulot volvió a la escena, una vez más interpretado por Tati, en la siguiente comedia, “Mi tío (1958)”, que fue su primer film a color, donde Hulot es “maltratado” por una casa donde todo está automatizado y donde la persona siempre está en el lugar equivocado
– Seis años después, Hulot volvió en las comedias “Playtime (1967)”, que aborda las vicisitudes de algunos turistas en el ya entonces tecnificado París,
– “Tráfico (1972)”

Jacques Tati

Jacques Tati

Jacques Tourneur (1904-1977) se distinguió por dirigir filmes de variados géneros, entre ellos suspenses, filmes de cine negro, de horror, de crimen y de aventura. Tourneur era hijo del director de cine Maurice Tourneur, con quien llegó a Hollywood en 1913. Después de dirigir unas veinte películas, dirigió una serie de películas, cuyo héroe era Nick Carter dentro de los filmes de misterio “Nick Carter- Master Detective” (1939) con Walter Pidgeon y Rita Johnson, y su secuela “Phantom raiders (1940)” (Atracadores fantasmas) con Pidgeon nuevamente; luego dirigió filmes de horror, como “La mujer pantera (1943)” con Simone Simon, al que le siguieron:

– El oeste “Tierra generosa (1946)” con Dana Andrews y Susan Hayward
– Los filmes de cine negro “Retorno al pasado (1947)” con Robert Mitchum, Jane Greer y Kirk Douglas, otra joya del cine negro de todos los tiempos,
– “Berlin Express (1948)” con Merle Oberon y Robert Ryan
– El film de aventura “El halcón y la flecha (1950)” con Burt Lancaster y Virginia Mayo
– El film de misterio “Circle of danger (1951)” (Círculo de peligro) con Ray Milland
– Los filmes de aventura “La mujer pirata (1951)” con Jean Peters y Debra Paget
– “Appointment in Honduras (1953)” (Cita en Honduras) con Glenn Ford y Ann Sheridan
– El reconocido oeste “Wichita (1955)” con Joel McCrea y Vera Miles
– la comedia-film de horror “La comedia de los terrores (1963)” con Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff
– Su último film para la gran pantalla, la película de ciencia ficción “La ciudad sumergida (1965)” con Price nuevamente

Jacques Tourneur

Jacques Tourneur

François Truffaut (1932-1984) realizador importante dentro de la nueva ola del cine europeo, la que en el transcurso de su carrera abandonó y se dedicó más a realizar filmes con mensajes de afecto y amor. Sus filmes se caracterizaban por algo distinto a la narrativa tradicional.

– El film de crimen-drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” con Jean-Pierre Léaud, película que describe parte de la vida del propio Truffaut en el personaje de Antoine Doinel y que viene a ser todo un clásico de la nueva ola en el cine
– El suspense “Disparen sobre el pianista (1960)” con Charles Aznavour
– Los dramas “Jules y Jim (1961)” con Jeanne Moreau y Oskar Werner, drama atrevido en su época sobre un triangulo amoroso de tres amigos y difícil de aceptar según las convenciones establecidas,
– “El amor a los veinte años (1962)” con Jean-Pierre Léaud nuevamente como Antoine Doinel,
– “Mata-Hari (1964)” con Jeanne Moureau y Jean Louis Trintignant, film sobre la historia de la famosa espía,
– “La piel suave (1964)” con Jean Desailly, film sobre el amor de un hombre casado por su esposa y su amante, y su indecisión fatal al respecto,
– “La novia vestida de negro (1968)” con la Moureau y Michel Bouquet,
– “Besos robados (1968)”,
– “Domicilio conyugal (1970)”, en ambos con Léaud, quien de nuevo encarna el papel de Doinel,
– “La sirena del Mississippi (1969)” con Jean Paul Belmondo y Catherine Deneuve, film con un clásico mensaje de amor,
– “El pequeño salvaje (1970)” con Jean-Pierre Cargol y el proprio Truffaut, película acerca de un científico que trata de civilizar a un niño encontrado viviendo en los bosques
– El film de ciencia- ficción “Fahrenheit 451 (1966)” con Oskar Werner y Julie Christie, película basada en una novela de Ray Bradbury
– La comedia-drama “La noche americana (1973)” con Jacqueline Bisset
– Los dramas “El último metro (1980)” con Catherine Deneuve y Gérard Depardieu,
– “La mujer de al lado (1981)” con Dépardieu y Fanny Ardant, film sobre la resurrección de un viejo amor
– Su última película, la comedia-film de crimen “Vivamente el domingo (1983)” con la Ardant y Trintignant nuevamente

François Truffaut

François Truffaut

Roger Vadim (1928-2000) es otro director de la corriente de la nueva ola, que dirigió películas con buena carga erótica y gustaba poner a mujeres como protagonistas principales de sus filmes, en muchos casos que fueron sus esposas (Jane Fonda y Brigitte Bardot). Entre sus películas están:

– El escandaloso drama “Y Dios creó la mujer (1956)” protagonizado por la Bardot, Curd Jürgens y Jean.Louis Trintignant
– El drama “Sait-on jamais… (1957)” (Dilo nunca) con Françoise Arnoul
– Otro escandaloso drama y ejemplo de nueva ola, “Las amistades peligrosas (1959)” con Jeanne Moureau y Gérard Philipe, sobre una pareja casada, la que sostiene relaciones amorosas con otras personas a cambio de beneficios
– El segmento “El orgullo” de la comedia “Los siete pecados capitales (1962)”, que protagonizara él mismo
– “El vicio y la virtud (1963)” con Annie Girardot y Catherine Deneuve,
– “La ronda (1964)” con Jane Fonda, quien a la postre fuera su segunda esposa, y Anna Karina,
– “La presa erótica (1966)” con la Fonda y Michel Piccoli
– Los dramas “Don Juan ou si Don Juan était une femme… (1973)” (Don Juan o si él hubiera sido una mujer) con el dúo Bardot-Hossein,
– “Une femme fidèle (1976)” (Una mujer fiel) con Sylvia Kristel y Nathalie Delon
– La comedia-drama “Y Dios la creó para el escándalo (1988)” con Rebecca De Mornay

Roger Vadim con Jane Fonda

Roger Vadim con su entonces esposa, Jane Fonda

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine francés I

“No perdamos nada del pasado. Sólo con el pasado se forma el porvenir”.
Anatole France

Esteban Hernández

El cine tiene sus orígenes en Francia gracias a la labor de los hermanos Lumiére y en ese país europeo se han producido importantes películas, algunas olvidadas totalmente. Lamentablemente esos filmes clásicos hoy día son desconocidos y no es que se recuerde mucho el aporte de los directores galos al séptimo arte. En esta serie de artículos el que suscribe tiene por objetivo dar una síntesis sobre la labor de cada director francés y que las películas de ellos sean conocidas o que sean motivo de búsqueda por los cinéfilos. Personalmente les puedo asegurar, que aunque muchos de esos filmes son viejos y aparecen en blanco y negro, su calidad es indiscutible y su mensaje en muchos casos es realmente educativo.

Marc Allégret (1900-1973) es uno de los realizadores de cine más reconocido en toda Europa, nacido en Suiza y fallecido en París en 1973, fue un notable director de documentales y de películas de varios géneros, además de haber descubierto a algunos talentos del cine, entre ellos al actor Alain Delon. Sus primeros pasos en el cine los encaminó junto al realizador André Gide, quien fuera autor de varias decenas de películas. A la edad de 17 años, Allégret se inició con Gide, quien le tomó como asistente principal. Entre sus mejores películas están:

– El romance “Les petites du quai aux fleurs (1944)” (Los pequeños en el muelle de las flores) con Odette Joyeux, Louis Jourdan y Gérard Philipe
– El drama-suspense de producción británica “Blackmailed (1951)” (Chantajeado) con Mai Zetterling y Dirk Bogarde
– El documental “Avec André Gide (1952)” (Con André Gide) con Gérard Philipe
– Los dramas “Futures vedettes (1955)” con Brigitte Bardot (BB) y Jean Marais, “L’amant de lady Chatterley (1955)” con Danielle Darrieux
– Las comedias “Deshojando la margarita (1956)” con BB,
– “Una rubia peligrosa (1958)” con Jean Paul Belmondo, Alain Delon y Mylene Demongeot,
– “Un domingo maravilloso (1958)” con Danielle Darrieux nuevamente, Arletty y Bourvil

Marc Allégret

Marc Allégret

Claude Autant-Lara (1901-2000), figura controvertida por sus ideas inicialmente de izquierda que con el tiempo terminaron en ser pro-fascistas y muy propias del ultraderechista Frente Nacional de Francia. Habiendo sido elegido miembro del parlamento europeo, se vio obligado a renunciar al mismo debido a sus posiciones extremas y de declarar que las historias sobre los campos de concentración de los nazis, durante la segunda guerra mundial, no eran más que una ensarta de mentiras. Dirigió unas 50 películas, entre ellas:

– El romance “El diablo en el cuerpo (1946)” con Gérard Philipe, cuya trama relata como un muchacho de solo 17 años sostiene una relación con una mujer casada, cuyo esposo estaba combatiendo en el frente
– La comedia “Occupe-toi D’Amelie (1949)” (Ocúpate de Amelia) con Danielle Darrieux, en adaptación de una novela de George Feydeau,
– Los dramas “El albergue rojo (1951)” con Fernandel, film que llegó a catalogarse como blasfémico y macabro, que le valió la censura en Gran Bretaña, cuya trama es sobre un grupo de turistas que junto con un monje se quedan en una hostería en montaña, cuyo dueño le revela al cura que normalmente él envenenaba a los huéspedes y los enterraba, luego de lo cual el monje trata de salvar a sus compañeros, pero sin revelar el secreto de la confesión
– “Le bon Dieu sans confesión (1953)” (El buen Dios sin confesión) con Danielle Darrieux,
– “Le blé en herbe (1954)” (El trigo en hierba) con Edwige Feuillère, film con adaptación de una novela de Colette, que aborda la seducción de un joven por una mujer de avanzada edad, trama también considerada obscena e inmoral,
– “Le rouge et le noir (1954)” (El rojo y el negro) con Gérard Philipe y Danielle Darrieux, film basado en la novela de Stendhal del mismo nombre,
– “El jugador (1958)” con Philipe nuevamente, con trama de la novela del mismo nombre de Dostoievsky
– La comedia “La travesía de París (1956)” con Jean Gabin y Bourvil, quienes se dedicaban a mover maletines al mercado negro de París durante la ocupación nazi
– Los dramas “En cas de malheur (1958)” (En caso de desdicha) con Gabin y Brigitte Bardot, basado en una novela de Georges Simenon, donde BB no deja de mostrar sus virtudes físicas
– “Journal d´une femme en blanc (1965)” (Diario de una mujer en blanco) con Marie-José Nat, donde se discute los derechos de la mujer a la contracepción, película realizada en Yugoslavia y prohibida su exhibición en Francia

Claude Autant Lara

Claude Autant-Lara

Marcel Carné (1906-1996), director que se destacó por realizar varios filmes dentro de la corriente del realismo durante el período de 1935-45. Fue un hombre de ideas antifascistas, que supo continuar su obra en la propia Francia durante el período de la ocupación nazi. Lógicamente fue llevado a juicio y luego de ser absuelto, continuó sus faenas, pero ya no con la misma intensidad de siempre. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “El muelle de las brumas (1938)” con Simon y Jean Gabin,
– “Hôtel du Nord (1938)” con Annabella y Jean- Pierre Aumont,
– “Le jour se léve (1939)” (Amanece) con Gabin y Arletty
– “Las puertas de la noche (1946)” con Pierre Brasseur, Yves Montand y Serge Reggiani,
– “La Marie du port (1949)” (La María del puerto) con Jean Gabin,
– “Juliette ou la clé des songes (1950)” (Julieta o la llave de los sonidos) con Gérard Philipe,
– “Teresa Raquin (1953)” con Simone Signoret y Raf Vallone, film basado en la obra del mismo nombre del escritor Emile Zola,
– “El aire de París (1954)” con Gabin y Arletty nuevamente

Marcel Carné

Marcel Carné

André Cayatte (1909-1989), famoso por sus películas de crimen y aspectos judiciales en Francia. Había abandonado su trabajo como abogado para convertirse en escritor y luego realizador de filmes. Muchas de sus realizaciones tenían que ver con aspectos de causas en tribunales. Su entrada en el mundo del cine fue en 1938 al presentar guiones y colaborar con los directores Marc Allégret y Jean Gremillon. Entre sus mejores filmes están:

– Los dramas “Los amantes de Verona (1949)” con Pierre Brasseur y Serge Reggiani, film considerado como uno de los mejores de Cayatte,
– “Ojo por ojo (1957)” con Curd Jürgens y Lea Padovani
– “Dos son culpables (1963)” con Anthony Perkins,
– “El veredicto (1974)” con Sofía Loren y Jean Gabin, donde nuevamente aborda el problema judicial y sus debilidades en Francia
– El drama-film de misterio “Cada uno con su infierno (1977)” con Annie Girardot nuevamente
– El suspense “L’amour en question (1978)” con la Girardot una vez más, que fuera su último film para la gran pantalla

André Cayatte

André Cayatte

René Clair (1898-1981) logró destacarse tanto en la época silente como la sonora, realizando comedias y otras películas llenas de humor y burla. El trabajo de Clair fue siempre en la constante búsqueda de nuevos estilos y formas, que lo diferencian de una buena parte de los realizadores de su época y del presente. Para Clair el cine fue un experimento eterno y un medio de expresar las ideas, sean de manera seria o humorísticamente, que pecaba de cierto anarquismo. Dirigió entre otros filmes:

– La comedia-drama “Sobre los techos de París (1930)” con Préjean, que fuera la primera película sonora en el cine francés
– Clair tuvo la capacidad de construir escenas cómicas mediante el uso de las imágenes y los sonidos de manera independiente, como fue en la comedia “El último millonario (1934)” con Max Dearly, film antifascista que fuera prohibido en Alemania y gran parte de la Europa de aquel entonces
– La comedia “Me casé con una bruja (1942)” con Fredric March y Susan Hayward
– El film de misterio “Diez negritos (1945)” con Walter Huston y Barry Fitzgerald, cuya trama es una adaptación de una novela de misterio de Agatha Christie
– La comedia-drama “El silencio es oro (1947)” con Maurice Chevalier, film que describe de forma impecable su juventud y su pasado en París
– Las comedias “Mujeres soñadas (1952)” con Gérard Philipe, Gina Lollobrigida y Martine Carol,
– “Las maniobras del amor (1955)” con Michèle Morgan y Gérard Philipe nuevamente
– El drama “Puerta de las Lilas (1957)” con Pierre Brasseur

René Clair

René Clair

René Clément (1913-1996) fue un destacado director francés de la pos-guerra, cuyos filmes giraron casi siempre sobre temas bélicos, realistas y muy cercanos a lo que recién había acontecido en la Segunda Guerra Mundial. Entre sus mejores filmes están:

– El famoso drama-film de guerra “Juegos prohibidos (1952)” con Georges Poujouly, film que trata sobre una niña huérfana que pierde a sus padres y su perro en la guerra y es recogida por otra familia, donde ella se decide a crear un cementerio de animales
– Los dramas “Monsieur Ripois (1954)” con Gérard Philipe, film basado en una obra del escritor Louis Hemon,
– “Gervaise (1956)” con Maria Schell, cuyo argumento es la adaptación de una conocida obra del escritor Émile Zola
– La comedia “Qué alegría vivir! (1960)”
– El famoso film de crimen “A pleno sol (1960)”, que viene a ser una historia más acabada del astuto Mr. Ripley, estos dos últimos filmes protagonizados por el entonces joven actor Alain Delon
– El drama histórico sobre la guerra mundial “¿Arde París? (1966)” con un extenso reparto encabezado por Jean Paul Belmondo y Charles Boyer
– El film de crimen “Pasajero de la lluvia (1969)” con un despiadado Charles Bronson y Marlène Jobert
– El drama-film de misterio “La mansión bajo los árboles (1971)” con Faye Dunaway y Frank Langella

René Clément

René Clément

Jean Cocteau (1889-1963) fue un artista polifacético, escribió guiones y dirigió películas, fue poeta, escritor, pintor, diseñador, coreógrafo y actor en varios filmes. Sus trabajos de dirección fílmica son reconocido como vanguardista, los que guardan la frescura y el deseo de continua renovación en cada nueva realización. Su primer gran éxito fue el drama fantástico “La bella y la bestia (1946)” con su actor preferido, Jean Marais, el que interpretó dos papeles a la vez muy eficientemente, luego:

– Los dramas “El águila de dos cabezas (1947)” con Marais, Edwige Feuillère y Silvia Monfort, que gira en torno a los amores de una reina por un anarquista,
– “Les parents terribles (1948)” (Los terribles padres) con Marais, Josette Day y el propio Cocteau, cuyo argumento gira alrededor de una madre enferma que solo atiende a su hijo e ignora a su marido
– El drama fantástico “Orfeo (1950)” con Marais y François Périer, donde el bien se enfrenta al mal en una serie de pesadillas. Esta película tuvo su secuela en “Le testament d’Orphée (1960)” con un extenso reparto, incluido Marais, Yul Brynner, Charles Aznavour, María Casares entre otros.

JEAN COCTEAU y  EDDIE CONSTANTINE

Jean Cocteau (der.) con Eddie Constantine

Claude Chabrol (1930-2010) formó parte de la llamada nueva ola del cine francés, destacado en la realización de dramas, películas de misterio y suspenses, que usualmente giraron alrededor de temas de adulterio, relaciones humanas y crimenes, casi siempre con críticas despiadadas al ambiente burgués. Chabrol fue igualmente considerado todo un maestro del cine de misterio. Sus filmes más destacados fueron:

– Los dramas “Champaña para un asesino (1966)” con Anthony Perkins y Maurice Ronet,
– Las ciervas (1968)” con Jean Louis Trintignant, película con buena carga de erotismo
– Los dramas-suspenses “La mujer infiel (1969)”,
– “El carnicero (1969)”, historia de un amor de una maestra por un carnicero y asesino a su vez, estos dos últimos filmes protagonizados por Stéphane Audran
– El film de misterio “La década prodigiosa (1971)” con Orson Welles y Marlène Jobert
– El drama-suspense “Relaciones sangrientas (1973)” con Audran y Michel Piccoli
– El film de crimen “Prostituta de día, señorita de noche (1978)” con Isabelle Huppert y Stéphane Audran
– Los dramas “Un asunto de mujeres (1988)”,
– Una nueva versión fílmica de “Madame Bovary” (1991),
– “Gracias por el chocolate (2000)”, estos tres últimos protagonizados por Isabelle Huppert,
– “La flor del mal (2003)” con Benoît Magimel y Natalie Baye

BELLAMY PHOTOCALL

Claude Chabrol

Philippe De Broca (1933-2004) reconocido y excéntrico realizador de atrevidas comedias, que siempre dejaron satisfacción en el público cine-vidente. Entre sus más famosos filmes están:

– Las comedias “Los juegos del amor (1960)” con Jean-Pierre Cassel,
– “L’amant de cinq tours (1961)” (El amante de cinco giras) con Jean Seberg y Casell
– Colaboró en la dirección del drama “Los siete pecados capitales (1962)”
– El film de aventura “Cartouche (1962)” con Jean-Paul Belmondo y Claudia Cardinale
– Las comedias-filmes de acción “El hombre de Río (1964)”,
– “Las tribulaciones de un chino en China (1965)”, en todas éstas con Belmondo nuevamente,
– “Un monsieur pour compagnie (1965)” (Un señor por compañía) con Casell y Catherine Deneuve
– El drama-comedia “Rey de corazones (1966)” con Pierre Brasseur
– Las comedias “Pecados de otoño (1972)” con Jeanne Moureau,
– “Cómo destruir al más famoso agente del mundo (1973)” con Belmondo y Jacqueline Bisset,
– “El incorregible (1975)” con Belmondo y Geneviève Bujold
– El drama-aventura “¡En guardia! (1997)” con Daniel Auteuil, que está basado en la obra del jorobado/Enrique Lagardère
– La comedia-aventura “Amazone (2000)” nuevamente con Belmondo, que fuera rodada en Cuba

Philippe de Broca

Philippe de Broca

Julien Duvivier (1896-1967), también conocido con el nombre de Henri Nicolas, es considerado uno de los cinco directores más destacados del cine francés y artífice del llamado realismo poético. Para Duvivier, realizar un film era como contar una buena historia. Su trabajo lo realizó siempre en los escenarios más convenientes para cada película que dirigió. Lo mismo se rodaba en Francia, Alemania, Gran Bretaña, África septentrional, Italia o los EE.UU. Entre sus más reconocidos filmes están:

– El drama “Au bonheur des dames (1929)” (En la felicidad de las mujeres) con Dita Parlo y Pierre de Guingand
– El film de aventura “Golgota (1935)” con Jean Gabin en papel de Poncio Pilatus, película de carácter religioso
– El film de crimen “Pépé le Moko (1937)” con Gabin, filme que relata parte de la vida del famoso gánster francés refugiado en Argel
– La comedia-drama “Seis destinos (1942)” con Charles Boyer y Rita Hayworth
– El drama “Al margen de la vida (1943)” con Edward G. Robinson y Boyer
– El drama-film de guerra “The impostor (1944)” con Jean Gabin nuevamente
– El drama de producción británica “Anna Karenina (1948)” con Vivien Leigh y Ralph Richardson
– Las comedias “Don Camilo (1951)” con Fernandel y Gino Cervi, que relata las disputas entre el cura con el líder comunista de un pueblo en Italia,
– “El regreso de Don Camilo (1953)” con Fernandel y Cervi
– La comedia “El diablo y los diez mandamientos (1962)” con un extenso reparto encabezado por Louis deFunes, Alain Delon y Mel Ferrer entre otros, film que incluye varios capítulos independientes con anécdotas picantes ocurridas en el acontecer diario
– Su último film, el suspense-film de crimen “Diabólicamente tuya (1967)” con Alain Delon y Senta Berger.

Julien Duvivier

Julien Duvivier

Bibliografía consultada

Hernández E. (en preparación). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- directores.

Grandes directores del cine japonés

Los instructores pueden impartir solo una fracción de la enseñanza. Es a través de tu propia práctica dedicada que los misterios del Arte de La Paz se manifiesten en tu vida.”
Morihei Ueshiba

Esteban Hernández

No es propósito aquí hacer una historia sobre el desarrollo del cine japonés, pero sí de hablar de tres grandes directores que le han dado suficiente brillo al séptimo arte en ese país del lejano oriente.

Me refiero a Yasujiro Ozu, Akira Kurosawa e Hiroshi Inagaki, los cuales trataron de dar una imagen de la historia, tradiciones y cultura en general de su país.

Ozu era nacido en 1903 en Tokyo y murió a los 60 años de edad, afectado de cáncer. Sin embargo, Ozu tuvo tiempo de dirigir 54 películas y escribir 26 guiones. Él era lo que se llama un realizador lírico del cine, quien a su manera supo adentrarse en los problemas de la sociedad japonesa. Ozu gustaba de tocar el tema de las clases pudientes en Japón y las tensiones existentes entre las mismas. En 1927 se estrenó como director de un film silente “Zange no yaiba (1927)” (La espada del castigo), al que le siguieron varias películas silentes más, entre ellas la comedia “Wakaki Hi (1929)” (Días de juventud) y el drama “Tokyo no gassho (1931)” (Coro de Tokyo), los que versaron sobre temas relacionados con los estudiantes.

Yasuhiro Ozu

Yasuhiro Ozu

Ozu dirigió unos 33 filmes silentes, él mismo se declaraba no muy favorable al ruido dentro del cine. Su primera película sonora fue el drama “Hakoiri musume (1935)” (La sirvienta inocente) con Tomio Aoki, a la que le siguió el drama “Shukujo wa nani o wasureta ka (1937)” (¿Que olvidó la dama?) de nuevo con Aoki, mientras que su primer gran éxito fue con el drama “Hermanos y hermanas de la familia Toda (1941)” protagonizado por Mieko Takamine.

Luego dirigió los dramas “Primavera tardía (1949)” protagonizado por Aoki, “Principios de verano (1951)” con Setsuko Hara, y “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)” con Ganjiro Nakamura, filmes que le valieron premios Kinepa y que tuvieran una buena acogida del público nipón.

Afiche de “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)”

Afiche de “El otoño de la familia Kohayagawa (1961)”

Las películas de Ozu fueron conocidas en el extranjero prácticamente con el fallecimiento de este realizador. En Japón fue una figura muy reconocida y se le concedió una medalla por parte del gobierno de su país.

El otro destacado fue Hiroshi Inagaki nacido en 1905 en Tokyo, quien como director se hizo famoso al dirigir películas basadas en leyendas e historias de su país. Su primer gran éxito fue dirigir la famosa trilogía Samurái, cuyos tres filmes fueron: “Samurái I: Musashi Miyamoto (1954)”, “Samurái II: Duelo en templo Ichijoji (1955)” y “Samurái III: Duelo en la isla Ganryu (1956)”, todos estos filmes protagonizados por ese gran actor que fue Toshiro Mifune. El primero de esta trilogía le valió Oscar como mejor película extranjera en 1954.

Hiroshi Inagaki

Hiroshi Inagaki

Toshiro Mifune en

Toshiro Mifune en “Samurai (1954)”

Durante ese período dirigió también el drama “El hombre del carrito (1958)” nuevamente protagonizado por Mifune, película que se desarrolla en el Japón feudal y tiene que ver con un pobre conductor de carro, que logra rescatar y devolver a casa un niño perdido, pero que igualmente ayuda a educar al niño, el cual crece y logra encaminarse en estudios universitarios. Esta película tuvo un reconocimiento en occidente al recibir premio en el Festival Internacional de Cine de Venecia 1958. En realidad la película premiada vino a ser la segunda versión que Inagaki dirigía, la primera fue realizada en 1943 y se llamó “La vida de Muhomatsu”.

Mifune en

Mifune en “El Hombre del Carrito (1958)”

La película que más le ha gustado al que suscribe, de las realizadas por Inagaki es “Nippon tanjo (1959)” (Tres tesoros), film basado en una novela de Eiji Yoshikawa, que puede interpretarse como una historia de cómo surge la nación del Japón, con una trama llena de mitos comparable con la creación de Roma a partir de los hermanos Romulo y Remo amamantados por la loba. Ver una película como Nippon Tanjo es sencillamente algo de leyenda lleno de pinceladas e historias creíbles e increíbles. El film es igualmente protagonizado por el incansable Toshiro Mifune.

Escena de

Escena de “Tres Tesoros (1959)”

Inagaki murió en 1980 seriamente afectado por su adicción al alcohol. Se dice que este director le dio por la bebida al ver que muchos de sus nuevas propuestas de filmes no eran aceptados por ser costosos en su realización. Aparte de eso ya existía una figura que le hacía sombra y resultaba ser más rentable para el cine, hablo aquí de ese otro gran director que fue Akira Kurosawa, igualmente nacido en Tokyo en 1910 y que se convirtió en un coloso de la gran pantalla de su país.

Kurosawa era un hombre de amplios conocimientos de la literatura universal, la pintura y el arte en general, lo cual le ayudó extraordinariamente a realizar las más variadas. Algunos argumentos de sus películas sirvieron para luego ser adaptados a nuevas películas en un ambiente occidental. Al igual que Ozu e Inagaki, sus películas de ayudaron a conocer muchas de las leyendas y costumbres del Japón.

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Kurosawa dirigió 32 filmes entre 1941 y 1993 además de haber escrito 67 guiones y ser productor de 12 filmes. Su gran mérito estriba en que no se encerró en un género de film determinado, lo mismo dirigió películas de acción, épicas, dramas y otras.

Sus primeros éxitos versaron sobre el arte marcial del judo, “Sugata Sanshirô (1943)” (La leyenda del judo) y “Zoku Sugata Sanshirô (1945)” (La nueva leyenda del gran judo) protagonizados por Denjirô Ôkôchi. Más adelante Kurosawa conoció al gran Toshiro Mifune, que si bien actuó para Inagaki varias veces, se convirtió en el actor preferido de AK desde 1948 cuando se realizó el drama-suspense “El perro ambulante (1948)”, al que le siguió el film de crimen “El ángel ebrio (1948)” también con Mifune.

Su gran éxito llegó con el drama “Rashômon (1950)” con Mifune, excelente film basado en las historias del escritor Ryunosuke Akutagawa, donde se demuestra como una verdad puede ser deformada por distintas fuentes.

Mifune en

Mifune en “Rashomon (1950)”

Se sirvió de Fiodor Dostoyevski para dirigir el drama “El idiota (1951)” protagonizado por Setsuko Hara. A continuación vino el famoso film épico “Los siete samurais (1954)” con Mifune, un clásico de todos los tiempos que cuenta la historia de siete valientes samurais que luchan por defender la causa de un grupo de campesinos pobres, Luego llegó el film de guerra-acción “Trono de sangre (1957)”, cuya trama es una adaptación de la obra “Macbeth” llevada a la vida del Japón medieval.

“Los siete samurais (1954)” con Mifune al frente

En la década de los 60 Kurosawa dirigió famosas películas, como fueron los filmes de acción “Yojimbo, el bravo (1961)”, “Sanjuro, el camelias (1962)”, y el drama-suspense “Infierno del odio (1963)”, el drama “Barbarroja (1965), todos éstos protagonizados por Mifune; y el drama “Dodeskaden (1970)” con Yoshitaka Zushi y Kin Sugai, que aborda la vida de gente pobre en Tokyo.

Mifune en

Mifune en “Yojimbo (1961)”

“Barbarroja (1965)”

Kurosawa tuvo una pausa como director, posteriormente dirigió el estupendo film de acción “Dersu Uzala (1974)” con Maksim Munzuk, film de co-producción nipona-rusa que demoró dos años su filmación en Siberia y que trata sobre la vida de un cazador siberiano; y el film épico “Kagemusha (1980)” con Tatsuya Nakadai, que contó con la co-producción de Francis Ford Coppola y George Lucas, film sobre como un ladrón suplanta a un señor feudal todopoderoso del Japón.

Afiche de

Afiche de “Dersu Uzala (1974)”

Muchos de esos éxitos Kurosawa luego logró adaptar  sus tramas en filmes occidentales, al cooperar en el montaje de los mismos. Estos fueron los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges, que no es más que una versión de “Los siete samurais”; “Por un puñado de dólares (1964)” de Sergio Leone, versión de “Yojimbo, el bravo”; y “Cuatro confesiones (1964)” de Martin Ritt, versión de “Rashomon”.

Los premios recibidos por Kurosawa sobrepasan ampliamente a los obtenidos por Ozu e Inagaki, lo que indica la popularidad que alcanzaron los mismos fuera del Japón.

El gran director nipón murió en 1998 siempre en su natal Tokyo, y su nombre hoy día es reconocido como uno de los grandes de la dirección en el cine universal de todos los tiempos.

Aunque el presente artículo gira alrededor de estos tres grandes directores, es evidente la gran contribución del actor Toshiro Mifune, protagonista de muchas de las mejores películas de dos de los tres directores aquí descritos.

Bibliografía consultada

  • Hernández, Esteban. Grandes del cine de todos los tiempos-directores (en preparación).

CORRIENTES EN EL CINE

El cine tiene una tarea que también es un deber: contar la realidad para que el público la entienda mejor. Sobre todo para el público joven.

Ettore Scola

El contenido de este artículo es parte del libro inédito “Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Directores” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

El séptimo arte tampoco se resiste a la sucesión de estilos y corrientes, que a veces resulta ser temporal, otras veces influyente, al extremo que perdura. A continuación se da una breve descripción de estas corrientes, su origen y ejemplos de directores y filmes que se hayan realizado bajo una u otra óptica.

Surrealismo

Para explicar el surrealismo es necesario primero conocer el Dadaismo, corriente que surge en Suiza en 1916 y que se caracterizaba por expresiones destructivas de todas las convenciones artísticas. Muchos llegaron llamar al dadaísmo como el antiarte. La palabra dadá no tiene en realidad un significado definido, hay quienes afirman que es la afirmación rusa (Da) pronunciada dos veces, o “caballo de madera” en francés. Los promotores de esta corriente fueron el alemán Hugo Ball en Suiza, Tristán Tzara (pseudónimo del poeta y ensayista Samuel Rosenstock) en Rumania, los italianos, el poeta Filippo Tommaso Marinetti, el escultor Amedeo Modigliani, el novelista francés Guillaume Apollinaire y el pintor español Pablo Picasso. Luego se agregaron a esta lista de simpatizantes, los poetas, los franceses André Bretton y Louis Aragón, y el italiano Giuseppe Ungaretti. El dadaísmo de Europa brincó a Norteamérica y tuvo su mayor auge en Nueva York.

Hugo Ball

Hugo Ball

Tristán Tzara

Tristán Tzara

El surrealismo surge en la década de los 20 y viene a ser como un nuevo producto a partir del dadaísmo, donde el pensamiento lógico o racional no tiene siempre que estar presente para expresar una idea. El surrealismo viene a ser la práctica del libre ejercicio del pensamiento o como lo definiera Bretton en 1924: “pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”.

El surrealismo cinematográfico tiende a mostrar imágenes reales que se trasponen sin guardar una lógica, y que a la vez, logra la introspección de los cinevidentes, los que sin proponérselo pueden bien expresar posteriormente su pensamiento y creatividad sin ataduras a las convenciones establecidas en la sociedad. Esta corriente hace su aparición en el cine en algunos filmes de inicios de la década de 1921, como fueron los cortos  “Rhythmus 21 (1921)” de Hans Richter, “Entreacto (1924)” de René Clair, “La coquille et le clergyman (1928)” (La concha y el cura), de Germaine Dulac, “Un perro andaluz (1929)”, y la comedia “La edad de oro (1930)”, ambas de Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí. Alfred Hitchcok también incursionó en el surrealismo, un ejemplo es el film de cine negro-misterio “Recuerda (1945)” protagonizada por Ingrid Bergman y Gregory Peck.

René Clair

René Clair

De las obras mencionadas, “Un perro andaluz (1929)” viene a ser la mejor representación de este género, considerada, además, por muchos como la única realización puramente surrealista, ya que en este film se integran todas las características propias de la corriente. La película consigue romper con las convenciones de la narrativa habitual, causa un impacto en el espectador sobre todo ante la navaja que secciona el ojo de una mujer, donde el mismo Buñuel aparece como actor ejerciendo el corte, y se logra una sucesión de escenas que recuerdan el mundo de los sueños, ya que las mismas fluyen como ideas carentes de asociación lógica. Incluso el título del film se escogió por no tener ninguna relación con los temas tratados en el corto.

Cartel del film

Cartel del film “Un perro andaluz (1929)”

Neorrealismo

La principal característica de esta corriente, que también se le puede llamar nuevo realismo, es la de representar la vida cotidiana a través de personajes en las calles, los que de manera original reemplazan a los actores y actrices habituales. Esta corriente halló sitio en la Italia de post guerra, hay quienes afirman que por falta de recursos para realizar los filmes tradicionales. Sin embargo, su puesta en práctica era buscar algo novedoso o revolucionario dentro del séptimo arte, lo que consigue nuevos y originales testimonios dentro de las películas que se realizan.

El preámbulo del neorrealismo se puede afirmar que radicó en la realización de obras, como “Cuatro pasos por las nubes (1942)” de Alessandro Blasetti y “Los niños nos miran (1943)” de Vittorio De Sica. Sin embargo, la consolidación de la corriente en el cine italiano se encuentra en el film “Obsesión (1942)” de Luchino Visconti, película que viene a ser una versión italiana del drama “El cartero siempre llama dos veces” de James M. Cain. Filmes de distintos directores fueron realizados en lo sucesivo, como fueron “Roma, ciudad abierta (1945)”, “Paisa (1946)” y “Alemania, año cero (1947)”, todas de Rossellini, o las memorables películas “El limpiabotas (1946)”, Ladrones de bicicletas (1948)”, “Milagro en Milán (1951)” y “Umberto D (1952)” de Vittorio De Sica; y “Arroz amargo (1949)” de Giuseppe de Santis, película que convirtió en estrellas a sus protagonistas principales, Vittorio Gassman y Silvana Mangano. Sin embargo, no faltan algunos estudiosos del tema que afirman que el film “Roma, ciudad abierta (1945)” marca el inicio del neorrealismo en el cine, ya que la trama del film, sus personajes y forma de realización sirvieron de modelo para autores seguidores del neorrealismo.

Cartel del film

Cartel del film “Roma ciudad abierta (1945)”

Cartel del film

Cartel del film “Arroz amargo (1949)”

Cinéma Vérité

El también llamado Cine de la Verdad ha sido más utilizado en la realización de documentales, la mayoría rodados con modernas cámaras portátiles. Esta corriente consiste en llevar al celuloide imágenes reales de sucesos de la vida cotidiana, como puede ser una manifestación pública, de guerra, de discusiones públicas o disertaciones. El cinema verité tuvo mucha influencia del neorrealismo italiano, a partir de imágenes logradas por De Sica, Rossellini y otros, en varios de sus filmes, así como también del realizador soviético, Dziga Vertov, quien promovió, lo que él llamó Cine Ojo. Se puede decir que entre los exponentes más claros de esta corriente está el norteamericano Oliver Stone.

Dziga Vertov

Dziga Vertov

Un ejemplo clásico de Cinéma verité lo encontramos en la película “Los espigadores y la espigadora (2000)” de Agnès Varda, a quien muchos han considerado por años como seguidora de la nueva ola francesa.

Agnés Varda durante la filmación de

Agnés Varda durante la filmación de “Los espigadores y la espigadora (2000)”

Nouvelle Vague

La llamada Nueva Ola es una corriente que trata de eliminar la exuberancia de recursos para la realización fílmica y así lograr una expresión natural y menos comercial en términos generales. El principal promotor de esta corriente fue François Truffaut, quien publicó un primer artículo sobre el tema en la revista Cahiers de enero de 1954. En ese escrito, Truffaut planteaba la necesidad de usar escenarios exteriores y menos en estudios, actuaciones más espontáneas de sus protagonistas y una mayor iniciativa del director en el rodaje de la película. En síntesis, Truffaut proponía eliminar los formalismos dentro del cine. Entre los primeros filmes que se realizaron siguiendo los planteamientos de Truffaut están“Y Dios creó a la mujer (1956)” y “Las amistades peligrosas (1959)” de Roger Vadim, y “Ascensor para el cadalso (1957)” y “Los amantes (1958)” de Louis Malle. Sin embargo, como filmes modelos de la nueva ola son considerados el drama “Los cuatrocientos golpes (1959)” de Truffaut, el drama “Hiroshima, mon amour (1959)” de Alain Resnais, y “Al final de la escapada (1960)” de Jean Luc Godard. Las películas de Truffaut y Godard mostraban claramente las características teóricas de esta corriente, mientras que la de Resnais resultaba ser más individualista e incursionaba en la experimentación mediante un formato más documental. Se considera que el mejor exponente de esta corriente ha sido Godard, quien realizó filmes como “Vivir su vida (1962)”, “Una mujer casada (1964)” y “Pierrot el loco (1965)”, que verdaderamente siguen el nuevo formato propuesto por esta corriente.

Jean-Louis Trintignant con Briggitte Bardot en

Jean-Louis Trintignant con Briggitte Bardot en el film “,,, Y Dios creó la mujer (1956)”

Cartel de

Cartel del film “Ascensor para el cadalso (1957)”

Free Cinema

Free Cinema o Cine Libre encontró su ambiente de desarrollo en la Gran Bretaña de la década de los 50. De hecho se le llegó a llamar British Social Realism, y consistía, como en el caso de las anteriores corrientes, en la eliminación de la narrativa artificial, muy de moda en Hollywood. Se puede decir que sus bases permanecen y es una corriente muy practicada por varios realizadores británicos en la actualidad. Su principal exponente fue el director Tony Richardson en unión de Karel Reisz, quienes recibieron bastante influencia de la corriente del cinema verité. Entre los filmes de Richardson que muestran el uso de esta corriente están “Mirando hacia atrás con ira (1959)”, “Réquiem por una mujer (1961)” y “La soledad del corredor de fondo (1962)”. Stephen Frears es uno de los exponentes actuales de esta escuela, con sus filmes “Mi hermosa lavandería (1985)” y “Ábrete de orejas (1986)” entre otros.

Cartel del film

Cartel del film “La soledad del corredor de fondo (1962)”

Cinema Novo

Como se podrá apreciar la aparición y práctica de las corrientes, como la nouvelle vague y el free cinema, atrajeron a un buen número de directores de todo el mundo. En Brasil surgió lo que se llamó el cinema nôvo opuesto a los convencionalismos establecidos en el cine y al régimen taquillero impuesto por Hollywood.  Esta corriente fue posible gracias a la aparición de realizadores independientes, todos alejados de las grandes distribuidoras y productoras comerciales de películas. El principal exponente de esta corriente es el director Glauber Rocha, quien, bajo esta óptica, realizó los filmes Dios y “Dios y el diablo en la tierra del sol (1964)” y “Antonio das Mortes (1969)”. Rocha también escribió el libro “Revisâo crítica do cinema brasileiro”, en el que se exponen los fundamentos de esta corriente.

Cartel del film

Cartel del film “Dios y el diablo en la Tierra del Sol (1964)”

Vanguardia estadounidense

Los EE UU no ha estado tampoco alejado de las nuevas corrientes. Se puede decir que desde finales de la segunda guerra, varios directores, entre ellos Stanley Kramer, Otto Preminger, John Cassavetes, Arthur Penn, John Schlesinger, Sidney Lumet y Robert Redford han logrado realizar películas muy originales, con tramas sobre problemas sociales, y alejadas de la tradicional filmografía hollywoodiana. Muchos de estos realizadores tuvieron una buena carga de influencia en corrientes, como la nouvelle vague y cinéma verité.

Hay miles de ejemplos de películas que se apartan de lo tradicional y se adentran en nuevos senderos, entre ellas “Doce hombres en pugna (1957)” de Sidney Lumet, “La noche del cazador (1955)” de Charles Laughton, “Cowboy de medianoche (1969)” de John Schlesinger, y otros muchos más.

Una escena del drama

Una escena del drama “12 hombres en pugna (1957)”

Dogma 95

Se trata de un nuevo movimiento promovido por un grupo de cineastas daneses, cuyo propósito era el de recuperar la originalidad del séptimo arte, para lo cual era necesario alejar a este cine de efectos especiales y otros recursos (filtros e iluminación artificial), con lo cual se podría lograr una imagen natural dentro del film. Igualmente, el rodaje se hace con sonido natural.  Esta corriente tiene sus precursores en el neorrealismo y en el cinéma verité, aunque Dogma no se plantea la visualización de tanto realismo como se persigue en las corrientes citadas. Lars von Trier es el mejor exponente de esta corriente, quien ha realizado los filmes “El elemento del crimen (1984)”, “Europa (1991)” y “Bailando en la oscuridad (2000)”.

Cartel del film

Cartel del film “El elemento del crimen (1984)”

Bibliografía consultada

Bordwell D., Staiger Janet y Thompson Kristin. 1985. The classical Hollywood cinema: Film style & mode of production to 1960.  Columbia University Press, 506 p.

Caparrós Lera, J.M. 1995. 100 grandes directores de cine. Alianza Editorial S.A., Madrid, 376 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

ORIGEN Y EVOLUCIÓN DEL CINE. II Parte.

“Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta”.
Orson Welles

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. DESARROLLO DEL CINE FUERA DE EE.UU.

El cine llegó a América Latina a través de Argentina, donde poco después de su lanzamiento en París, apareció en Buenos Aires. En este país, se comenzaron a producir filmes, siendo el primero, el corto “La bandera argentina (1897)” del realizador francés, residente en Argentina, Eugene Py. Algo parecido sucedió en México, adonde el cine llegó en menos de un año después de su debut en París. El presidente de la República, Porfirio Díaz y su familia vieron el estreno de este arte en uno de los salones del Castillo de Chapultepec. Se trataba de una de las películas realizadas por los hermanos Lumière.

En 1897 llegó el cine a Bolivia también, realizándose las primeras proyecciones en el local del Teatro Municipal de La Paz. En este país las primeras filmaciones se llegaron a realizar en 1904, que aparecieron en el film “Retrato de personajes históricos y de actualidad”.

En España el cine llegó igualmente poco después de su estreno en París, pero según los analistas, el despegue de la industria nacional comienza a partir de 1906 cuando se comenzó la realización de los cortos “Amor que mata (1908)” de Fructuoso Gelabert, y “Corazón de madre (1909)” de José María Bosch y Gelabert.

Escena del film español

Escena del film español “Amor que mata (1908)”

Un gran auge tuvo el cine en Alemania y Austria, donde se llegaron a realizar filmes de indiscutible calidad durante la época del cine silente. La cinematografía de estos países se caracterizó por llevar obras clásicas del teatro a la pantalla, así como películas con argumentos acerca de lo sobrenatural. Ejemplos de esto último son los filmes de horror o ciencia ficción “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922)” de F. W. Murnau, y “Metropolis (1927)” de Fritz Lang.

Escena del film alemán

Escena del film alemán “Nosferatu (1922)”

No menos importante ha sido la contribución del cine británico en general al cine europeo y norteamericano. El primer corto británico data de 1895, fue “Incident at Clovelly Cottage” de los realizadores Birt Acres y Robert William Paul. La tradición del teatro en Gran Bretaña ayudó a desarrollar un número elevado de actores y actrices, así como directores que luego se involucraron en el cine. Basta señalar que a lo largo de varias décadas, muchos de ellos, algunos convertidos en ciudadanos de EE.UU., fueron los que le dieron verdadero colorido al cine de Hollywood. Entre estas figuras están Cary Grant, Charles Laughton, Vivien Leigh, Jean Simmons, Deborah Kerr, Richard Burton, Stewart Granger, James Mason y Peter O´Toole entre otros.

Escena del film británico

Tomas del film británico “Incident at Clovelly Cottage (1895)”

En Italia el cine comenzó en 1895 con un documental del director Vittorio Calcina llamado “Umberto e Margherita di Savoia a passeggio per il parco” (Umberto y Margarita de Savoia de paseo por el parque). Hasta 1930 en Italia se realizaron 9 816 filmes. Sin embargo, el verdadero despegue del cine italiano tuvo lugar a partir de la década de los 40 en el siglo pasado, y realmente se convirtió en uno de los más novedosos con su estilo neorrrealista o surrealista, además de una calidad indiscutible de directores como Fellini, Visconti y Antonioni, y de una escuela de divertidos comediantes y actores/actrices dramáticos como Anna Magnani, Vittorio DeSica, Vittorio Gassman, Marcelo Mastroianni, Sofia Loren, Claudia Cardinale, Monica Vitti entre otros.

Federico Fellini

Federico Fellini

El cine francés continuó su desarrollo, muchas veces en estrecha colaboración con el italiano, cuyo estilo siempre ha diferido del norteamericano. Actores y actrices como Gérard Philipe, Jean Gabin, Yves Montand, Jeanne Moreau, Simone Signoret han brillado en la gran pantalla parisina usualmente dirigidos por Jean-Luc Godard, Marc Allegret y Julien Duvivier entre otros.

Jean-Luc Godard

Jean-Luc Godard

No se puede hablar de cine y obviar el desarrollo y aporte del cine de la desaparecida Unión Soviética, el cual era también extensamente utilizado para la instrucción del pueblo o para trasmitir sus ideas políticas. El cine soviético llegó a utilizar algunas técnicas de edición que lograban crear emoción en su visión. Famosos fueron los aportes al cine del cineasta soviético Sergei M. Eisenstein, quien realizó un drama-film de guerra para recordar, “El acorazado de Potemkin (1925)”, película basada en hechos reales ocurridos en 1905 en Odessa.

Sergei M. Eisenstein

Sergei M. Eisenstein

Desarrollo muy acorde a sus posibilidades tuvo el cine en Suecia, donde realizadores como Mauritz Stiller y Victor Sjöstrom filmaron materiales para recrear la vista con las maravillas del paisaje de ese país nórdico. Años después, un director haría historia en el cine, Ingmar Bergman, quien realmente clasifica entre los mejores de todos los tiempos.

Victor Sjöstrom

Victor Sjöstrom

Ingmar Bergman

Ingmar Bergman

El cine ha tenido también un extraordinario desarrollo en Asia. La India es actualmente el primer productor de filmes a nivel mundial, mientras que Japón posee una potente industria productora de filmes variados, incluyendo numerosos animados. El cine nipón se hizo famoso con las obras de los directores Yasujiro Ozu y Akira Kurosawa, éste último todo un émulo del director sueco Bergman.

Yasujiro Ozu

Yasujiro Ozu

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa

Por su parte el cine norteamericano se ha visto beneficiado directamente por todos los logros de la cinematografía del resto del mundo. Para cualquier actor o actriz trabajar en Hollywood ha sido una meta, alcanzada por algunos y fracasos para otros. Además de los actores y actrices británicos ya mencionados, cabe resaltar los nombres de otros interpretes extranjeros, quienes alcanzaron la gloria en Hollywood, como fueron el francés Charles Boyer, los suecos Ingrid Bergman y Max Von Sydow, los hermanos austriacos Maximilian y María Schell, los puertorriqueños José Ferrer y Raúl Julia, los alemanes Marlene Dietrich y Emil Jannings, el húngaro Bela Lugosi, los australianos Errol Flynn y Nicole Kidman, los actores-actrices de origen judío como June Allyson, Theda Bara, Piper Laurie, Alla Nazimova, Paul Muni, Edward G. Robinson, Peter Lorre, John Garfield, Richard Dreyfuss, los hermanos Marx, Lee J. Cobb y otros muchos más, así como una extensa lista de actores canadienses, entre ellos Glenn Ford, John Ireland, Leslie Nielsen, Michael J. Fox y Jim Carrey.

2. LOS PREMIOS EN EL CINE

En los inicios del cine existían muy pocas premiaciones. Hoy en día éstos han aumentado extraordinariamente. Para más detalles, vea más adelante la parte de descripciones de premios existentes en cinematografía.

El más famoso de todos los premios y el más viejo también es el otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood. Esta institución fue creada el 4 de mayo de 1927, durante una reunión convocada por el presidente de la Metro Goldwing Mayer (MGM), Samuel B. Mayer, donde se decidió que la Academia otorgara un premio anual a los mejores en el cine. El premio consiste en una estatuilla diseñada por Cedric Gibbons, que viene a ser un hombre desnudo de pie sobre una bobina de una cinta con cinco agujeros, cada uno correspondiente a las secciones a premiar: actores/actrices, directores, escritores, técnicos y productores. Esa estatuilla fue luego bautizada con el nombre de “Oscar” en 1931, cuando una bibliotecaria de la Academia, Margaret Herrich, al ver la estatuilla dijo: “¡Si se parece a mi tío Oscar…!”. Otra versión es que en 1934 el realizador Walt Disney bautizó a este premio con el nombre de Oscar.

Estatuilla Oscar

Estatuilla Oscar

El 16 de mayo de 1929 se efectuó la primera entrega de los premios de la Academia. El primer film premiado fue la película de guerra “Alas (1927)” de William A. Wellman, mientras que el actor agraciado fue Emil Jannings por sus actuaciones en “El destino de la carne (1927)” y “Mando perdido (1928)”, la actriz vencedora fue Janet Gaynor por sus actuaciones en “Amanecer (1927)”, “El séptimo cielo (1927)” y “El ángel de la calle (1928)”. Lewis Milestone fue el director vencedor en comedia por “Two Arabian nights (1927)” (Dos noches árabes), y Frank Borzage en drama por “El séptimo cielo (1927)”.

Como se observa, los primeros premios se concedían por categoría en el caso de los directores, mientras que los actores y actrices lo recibían por un conjunto de buenas actuaciones. Esto varió en la siguiente concesión de premios que ocurrió en 1930. Para ese entonces, se daba un premio al mejor actor o actriz por una determinada película, y en el caso de directores, no se hacía más diferenciación entre dramas o comedias, por lo que el premio era solo uno en esta categoría. Igualmente se incluyeron premios para actores y actrices de reparto o de apoyo.

3. FESTIVALES DE CINE MÁS IMPORTANTES Y PREMIOS EN OTROS CERTÁMENES

A. OSCAR o PREMIO de ACADEMIA. El nombre de este premio fue casual y se debe a que la ejecutiva de cine Margaret Herrick dijo que la estatuilla, que se entrega anualmente en Los Angeles, EE.UU., a los mejores interpretes, directores y películas, se parecía a un tío de ella llamado OSCAR. Sin embargo, este certamen tuvo lugar por primera vez el 16 de mayo de 1929, y no fue hasta finales de los años 30 que se le llegó a llamar OSCAR. El diseño de la estatuilla fue de Cedric Gibbons, y luego su escultura fue desarrollada por George Stanley en Los Angeles.

El OSCAR se entrega en la actualidad al mejor actor y actriz protagónicos, al mejor actor y actriz de reparto o secundario, al mejor director, a la mejor columna sonora, a los mejores efectos especiales, a la mejor imagen, al mejor montaje, mejor film y mejor film extranjero. Para decidir el ganador en cada caso, se hace una selección de cinco candidatos o nominaciones.

B. GLOBOS de ORO. Se puede decir que este certamen es el preámbulo en EE.UU. de los OSCAR. También tiene lugar en Los Angeles, es patrocinado por el cine y la TV, y comprende más premios de acuerdo a los géneros de películas, seriales para la TV y otros. Se desarrolla todos los años desde 1956.

Globos de Oro

Globos de Oro

C. Premios BAFTA. Su nombre se origina de la abreviación de British Academy of Film and Television Arts. Este certamen tiene lugar anualmente en Inglaterra, también es auspiciado por la televisión y el cine de la Gran Bretaña. Su primer evento tuvo lugar en 1947 impulsado por el director David Lean. Como BAFTA se le conoce desde 1976 cuando la Academia en cuestión adoptó el nombre que actualmente posee. Los premios se entregan a los mejores filmes, actores, actrices protagónicos y de reparto, directores, tanto británicos como extranjeros.

Premio BAFTA

Premio BAFTA

D. EMMY. Premio auspiciado por la televisión norteamericana, que suele concederse a aquellos directores, actores y actrices más destacados en filmes y seriales para la TV.

E. EUROPEAN FILM AWARDS (EFA). Este es un premio que se otorga desde 1988 por la sociedad europea fílmica. Su promotor fue el destacado director sueco Ingmar Bergman. Las categorías de premios son similares a las de los anteriores certámenes anteriormente descritos.

Premio EFA

Premio EFA

F. PREMIOS del NATIONAL BOARD OF REVIEW de EE.UU. Estos premios se entregan anualmente desde 1920 a los mejores filmes, directores, actores y actrices. El National Board Review es una sociedad integrada por varios profesionales dedicados al arte del cine.

G. PREMIOS del DIRECTOR GUILD of AMERICA (sindicato de directores de EE UU) o DGA. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores directores.

H. PREMIOS del SCREEN ACTORS GUILD (premios a los actores del gremio de la pantalla) o SAG. Certamen anual de cine y TV que entrega estatuillas a los mejores filmes, actores y actrices en 13 categorías, que incluye premios a aquellos que lo merecen por su destacada carrera en el cine o en la TV.

I. SATÉLITE DE ORO. Premios de cine y TV que se entregan por la prensa de EE.UU. anualmente desde 1997.

J. PREMIOS LAUREL. No existe certamen para la entrega de estos premios en 15 categorías del cine, sino que son publicados anualmente por la revista Motion Picture Exhibitor.

K. PREMIOS CÉSAR o LAS NOCHES DE LOS CÉSARES. Evento anual de entrega de premios a los mejores filmes, directores, actores y actrices, que tiene lugar en Francia desde 1975. El certamen es auspiciado por la industria cinematográfica francesa y el premio se otorga luego de dos votaciones de los miembros de la Academia de Artes y Técnicas Cinematográficas de Francia. En la primera se realizan las nominaciones y en la segunda se escogen los títulos vencedores. El nombre de César se le dio al premio en honor al escultor diseñador de la estatuilla.

Premio César

Premio César

L. PREMIO LOUIS DELLUC. Premio en honor al periodista, crítico de cine y fundador de los llamados cines clubes, Louis Delluc, que se otorga desde 1937 en Francia a las mejores producciones de ese país.

M. PREMIOS DAVID di DONATELLO. Se entregan desde 1956 auspiciados por el Club Internazionale del Cinema de Italia. El principal premio se llama David, y los criterios de selección son muy similares a los del OSCAR.

Premio David

N. HASTY PUDDING THEATRICALS de EE.UU. Premios que se entregan en el mundo del cine de EE.UU. en el teatro Hasty Pudding de Cambridge, Massachusetts. Antes de la ceremonia de premiación, tiene lugar un desfile de lo ocurrido durante el año en el cine norteamericano. El evento se desarrolla desde 1951. Los premios más importantes son los de actor o actriz del año.

O. PREMIOS FRAMBUESA (RAZZIE). Desde 1969, en EE.UU., se entregan premios de carácter negativo anualmente a quienes se consideran los peores filmes, directores, actores y actrices del año en Hollywood.

Premio Frambuesa

Premio Frambuesa

P. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. Evento anual auspiciado por la Federación Internacional de Productores de Cine, y que se desarrolla desde 1956. Los principales premios de este festival son los Osos de Oro y de Plata.

Oso de Oro

Oso de Oro

Q. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES. Evento anual para la entrega de premios en el mundo del cine, que tiene lugar en Cannes, Francia desde 1946. A partir de 1955 se comenzó a entregar el premio mayor llamado Grand Prix du Festival International du Film. El premio más usual es la Palma de Oro.

Palma de Oro

Palma de Oro

R. FESTIVAL DE CINE DE VENECIA. Este certamen, inicialmente conocido como Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, es el festival más viejo en entrega de premios a los realizadores, actores y actrices de cine. Su primer festival tuvo lugar en 1932, aunque no siempre el mismo fue de carácter competitivo. Su principal premio es el León de Oro.

León de Oro

León de Oro

S. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN. Festival que tiene lugar en San Sebastián, España, desde 1953. En sus inicios solo competían filmes de producción española, pero a partir de 1980 el certamen se hizo extensivo a filmes de todo el mundo.

Premio Donostia

Premio Donostia

T. FESTIVAL DE CINE DE GIFFONI, ITALIA. Es un evento, que tiene lugar anualmente desde 1971 en una localidad cercana a Salerno, que premia los mejores filmes dedicados a los niños y a los jovenes.

U. PREMIOS ESPECIALES EN CERTAMENES DE CINE.
– FIPRESCI (Fédération Internationale de la Presse Cinématographique o Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)
– OCIC (Premio de la Organización Católica Internacional del Cine y Audivisual)
– NETPAC (The Network for the Promotion of Asian Cinema o Red para la promoción del cine asiático)
– INTERFAITH (Premio para la promoción de los valores humanos)

El número de festivales es extenso en la actualidad. Así se organizan anualmente festivales internacionales en La Habana, Montreal, Los Angeles, Karlovy Vary (República Checa), Moscú, Shanghai, Lugano (Suiza), y otras ciudades más, mientras que hay un sinfín de sociedades y círculos de críticos de cine nacionales y de algunas ciudades, que entregan premios a los mejores directores, actores y actrices anualmente.

Bibliografía consultada

Bergman, A. 1976. James Cagney. Storia illustrata del cinema, Milano libri edizioni, 158 p.

Lloyd Ann, Hill R., Bergan R., Darke C. y Frost-Sharratt Cara. 2004. 501 Must-see movies. Bounty books, Londres, 544 p.

Mills B. 2008. 101 Forgotten films. Kamera books, Harpenden, UK, 159 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol I: 1915-1959. Taschen GmbH, 400 p.

Muller J. 2008. 100 Capolavori del cinema, vol II: 1960- 2000. Taschen GmbH, 400 p.

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

International Movies Data Base (IMDB). http://imdb.com/name-search

ORIGEN Y EVOLUCIÓN DEL CINE. I Parte.

La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo”.
Jean Luc Goddard

Tomado del libro inédito “Grandes del cine de todos los tiempos” de Esteban Hernández

Por Marlene Labrada y Esteban Hernández

1. Fotografía y cinematógrafo

La ilusión de las imagenes en movimiento tiene su fundamento en la persistencia de aquello que llamamos visión, que nos permite retener en nuestro cerebro las imagenes recibidas a través de la retina ocular. El primer invento importante en este contexto fue la fotografía, la que llegó a establecerse a partir de mediados del siglo XIX. La fotografía nos da la posibilidad de registrar una imagen y después guardarla para observarla cuando así lo necesitemos. El pintor francés Louis-Jacques-Mandé Daguerre logró crear un proceso muy avanzado de fotografía positiva, entonces conocida como daguerreotipía, y poco después el científico inglés William Henry Fox Talbot demostró con éxito el proceso de fotografía negativa, que permitía la impresión ilimitada de varias fotos a partir de un solo negativo. De hecho el invento de la fotografía fue desplazando poco a poco a la pintura, la que con anterioridad era la que nos reflejaba el porte y rostro de las personas.

Louis-Jacques Mande-Daguerre

Louis-Jacques Mande-Daguerre

William Henry Fox Talbot

William Henry Fox Talbot

A lo largo del siglo XIX la fotografía continuó su desarrollo, la que inicialmente consistía en obtener una imagen fija, pero los profesionales de esta técnica, no conformes con este logro, decidieron diseñar equipos capaces de tomar las imagenes en movimiento. Uno de los científicos que logró sacar un número de fotos en series con el uso de un instrumento sencillo, fue el fisiólogo francés Étienne-Jules Marey.

Étienne-Jules Marey

Étienne-Jules Marey

El instrumento utilizado por Marey se le llamó arma cronofotográfica, que no era más que una cámara en forma de rifle capaz de registrar doce fotografías por segundo de forma sucesiva, y que permitó por primera vez estudiar el movimiento de las aves en su vuelo. Anteriormente, el fotógrafo británico Edward Muybridge había experimentado con un número de cámaras para tomar fotografías sucesivas y así observar el movimiento de los caballos. No obstante, la invención de Marey fue superior y más sencilla a la de Muybridge. A finales de la década de los 80 del siglo XIX, el religioso Hannibal Goodwin había logrado preparar el primer rollo de celuloide a partir de emulsiones, invento que fuera luego perfeccionado y comercializado por George Eastman.

 Hannibal Goodwin

Hannibal Goodwin

Edward Muybridge

Edward Muybridge

También por esa época había sido inventado el fonógrafo, el cual Thomas Edison se lo entregó a William Kennedy Laurie Dickson con la idea de combinar los elementos fotográficos ya inventados por Marey y Muybridge. Fue así que Dickson, en 1893, inventó una nueva cámara que se le llamó cinetógrafo o cinetóscopio, la que era capaz de registrar unos 16 metros de celuloide y una proporción de 40 marcos de fotografía por segundo. Casi al mismo tiempo, otros investigadores europeos hicieron desarrollos en igual dirección, como fueron el francés Louis Le Prince y el inglés William Friese-Greene, pero sin lograr el éxito de Dickson. En 1894 se comenzaron a comercializar los primeros cinestóscopios. Cabe aclarar que a Edison no le interesó patentar ninguno de sus equipos, lo que trajo por resultado que los mismos fueran copiados y fabricados en varias partes del planeta, donde fueron modificados y mejorados, sobre todo por Auguste y Louis Lumière en Francia, quienes finalmente lanzaron el primer proyector comercial de películas.

William Kennedy Laurie Dickson

William Kennedy Laurie Dickson

Thomas Edison

Thomas Edison

La primera proyección con el cinematógrafo Lumière ocurrió el 28 de Diciembre de 1895 en el Salón indio del Grand Café de París. Aquel programa constaba de once peliculas de 15 a 20 metros cada una, con una duración total de 20 minutos en total. Los materiales proyectados eran cortos interpretados por la propia familia y amigos de Louis Lumière, como fueron “La sortie des usine Lumière, à Lyon-Montplaisir”; “L’arrive d’un train en Gare”, y la comedia “L’Arroseur arrosé”. Louis Lumière (1864-1948) llegó a dirigir un total de 77 filmes, y el primero fue realizado en 1892 y no en 1895, que fuera el año más productivo de su carrera, al dirigir más de 30 películas.

Louis Lumière

Louis Lumière

A partir de aquella primera presentación en París, se adoptó la palabra “cine” o “cinema”, derivada del cinematógrafo, para llamar a este nuevo arte.

El primer largometraje apareció en 1907, que fue el film francés “L’Enfant prodigue” de Michel Carré (1865-1945). Al mismo tiempo las compañìas de cine comenzaron a formarse y aparecieron salas de cine en diversas partes del mundo. Las principales productoras fílmicas en Estados Unidos fueron MGM, Paramount, Warners, 20th Century-Fox y RKO; y en menos escala Republic, Monogram, y Grand National.

2. El cine sonoro

En la medida que el tiempo pasaba llegaban nuevos inventos y mejoras al cine, como fue la adaptación del sonido a una pieza fotográfica lograda por el francés Eugene Lauste. Años después llegó el cronofono inventado por el francés Léon Gaumont (1864-1946) en 1910, que permitió la sonorización sincrónica de las películas. Sin embargo, el cine de los primeros años hasta finales de la década de los 20 del siglo XX fue silente y en blanco y negro, solo con la combinación del cronofono. El primer film con acompañamiento musical y algunos otros efectos sonoros fue el film de aventura “Don Juan” (1926) de Alan Crosland, quien también dirigió poco después el musical “The Jazz Singer” (1927) con Al Jolson, que si se produjo con sonido. Se puede considerar que el mayor éxito en película sonora se logró con el musical “The Singing Fool” (1928) de Lloyd Bacon con Jolson nuevamente, mientras que el primer OSCAR a este tipo de película lo recibió el musical “The Broadway Melody” (1929) de Harry Beaumont con Charles King y Anita Page. El primer largometraje sonoro fue el drama-musical “Hallelujah” (1929) de King Vidor con Daniel L. Haynes y Nina Mae McKinney.

Léon Gaumont

Léon Gaumont

3. La llegada del cine a color

El primer film a color data de 1906 cuando el inglés George Albert Smith desarrolló un proceso que él llamó Kinemacolor, consistente en un procedimiento aditivo, en el que la filmación y proyección se realizaban a través de dos filtros, uno rojo y otro verde. El primer film comercial fue el documental de producción británica, “A visit to the seaside (1908)” (Una visita al mar) de George Albert Smith.

El color en las películas no se extendió mucho inicialmente, pero el sistema mejoró cuando los norteamericanos Herbert Kalmus (1881-1963), Daniel Comstock y Burton Westcott aplicaron el sistema de Technicolor, que a fin de cuentas era el kinemacolor mejorado. Las primeras películas que tuvieron este sistema de color fueron la comedia-drama “The gulf between (1917)” (Entre el golfo) de Wray Bartlett Physioc, el drama “The toll of the sea (1922)” (El peaje del mar) de Chester M. Franklin, y el film de aventura “El pirata negro (1926)” de Albert Parker con Douglas Fairbanks, Sr.

Herbert T. Kalmus

Herbert T. Kalmus

Este sistema evolucionó después en tres colores, lo cual proporcionó mejoras sustanciales al cine animado de Walt Disney y su compañía, como fue el cartón “Flowers and trees (1932)” (Flores y árboles) de Burt Gilett.

Una toma del cartón

Una toma del cartón “Flores y árboles (1932)”

La primera película con el tricolor de la Technicolor fue el drama “La feria de la vanidad (1935)” de Rouben Mamoulian con Miriam Hopkins

Afiche de

Afiche de “La feria de la vanidad (1935)”

4. El cine animado

Walt Disney tuvo la idea de combinar el sonido y la imagen asincronicamente en filmes animados, fue así que el famoso ratón Mickey debutó en el cartón “Steamboat Willie (1928)” de Disney y Ub Iwerks. Algo después apareció otro famoso cartón “The three little pigs (1933)” (Los tres pequeños cerdos) de Burt Gillett.

El ratón Mickey en

El ratón Mickey en “Steamboat Willie (1928)”

5. El cine en tres dimensiones

El término 3-D o tercera dimensión se utiliza para describir un sistema de presentación visual dirigido a crear una ilusión de profundidad de lo que ve el espectador. El principio de este sistema se basa en dos imágenes, sean inmóviles o en movimiento, a partir de cámaras iguales técnicamente situadas una al lado de la otra. Así, cada foco capta una imagen, que al final se verá como una sola y que viene a ser lo que se llama tercera dimensión o 3-D.

Desde 1853 el inglés Charles Wheatstone había experimentado con un esteroscopio modificado para mostrar imágenes en 3-D. Sin embargo, los pioneros del sistema fueron los hermanos Lumière, quienes realizaron el primer film de este tipo, “L’arrivée du train (1903)” (La llegada del tren), que mostraba la llegada de un tren a una estación terminal. El film fue presentado en la exposición de 1903 en París.

En el estreno del film

En el estreno del film “L’arrivee du train (1903)”

La primera película sonora en 3-D fue “Nozze vagabunde (1936)” (Matrimonio vagabundo) del director italiano Guido Brignone, film que fuera posteriormente distribuido por sucursal italiana de la compañía Warner Bros. Destacados filmes en 3-D han sido “Bwana devil (1952)” (El diablo de Bwana) del productor Sidney W. Pink, y luego el 3-D a color “House of wax (1953)” (Casa de cera).

6. Desarrollo del cine en la década de los 50

El cine en blanco y negro predominó a lo largo de dos décadas a partir de la aparición del cine sonoro, mientras que el cine a color hizo su gran irrupción con el largometraje “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming.

Vivien Leigh y Clark Gable en

Vivien Leigh y Clark Gable en “Lo que el viento se llevó (1939)”

Posteriormente se estrenaron las películas en amplias pantallas, sistema conocido como Cinemascope desarrollado por la Todd and American Optical Co. La primera película en Cinemascope fue el drama “El manto o La túnica sagrada (1953)” de Henry Koster con Richard Burton y Jean Simmons.

Richard Burton y Victor Mature en

Richard Burton y Victor Mature en “La Túnica Sagrada (1953)”

Casi al mismo tiempo se desarrollaba el cine con pantalla panorámica o circular, conocido como Cinerama, que fue realmente un exitoso sistema de proyección y sonido. Entre las primeras películas que se presentaron con este sistema están los documentales “This is Cinerama (1952)” de Merian C. Cooper y Gunther von Fritsch; “Cinerama Holiday (1955)” de Robert L. Bendick y Philippe De Lacy; “Las siete maravillas del mundo (1956)” de Tay Garnett, Paul Mantz y Andrew Marton entre otros; “South seas adventure (1958)” (Aventura en mares meridionales) de Carl Dudley y Richard Goldstone; y el drama “Grand Prix (1966)” de John Frankenheimer con James Garner, Yves Montand y Toshiro Mifune.

Afiche de

Afiche de “Las siete maravillas del mundo (1956)”

Una actriz joven cubana en Hollywood

“El inmigrante mira hacia el futuro, dispuesto a aprovechar las oportunidades a su alcance.”
Isabel Allende

Esteban Hernández

Sin uno darse cuenta surgen artistas que al cabo del tiempo nos enteramos que son cubanos, y que por suerte triunfan en su quehacer. Ese es el caso de la joven Ana Celia de Armas Caso, más conocida como Ana de Armas, la que nació en la Habana el 30 de abril de 1988.

Con tan solo 14 años Ana inició estudios de interpretación en la Escuela Nacional de Arte en la Habana, donde estudió y se graduó a los 18 años. Previamente, a los 16 Ana debutaba en el cine como actriz de reparto del drama “Una rosa de Francia (2006)” del director Manuel Gutiérrez Aragón y protagonizado por Jorge Perugorría. A continuación actuó en otro papel secundario del film de ciencia ficción “Madrigal (2007)” dirigido por Fernando Pérez, de nuevo como reparto, y co-protagonizó con Carlos Enrique Almirante, el drama para la TV “El edén perdido (2007)” de Manuel Estudillo.

Ana de Armas

Ana de Armas

Ya en el año 2006 Ana se trasladó a España, donde continuó su carrera artística. Su primera interpretación allí fue co-protagonizando con Mario Casas, la comedia-drama “Mentiras y gordas (2009)” de los directores Alfonso Albacete y David Menkes. Nuevamente en papeles de reparto se le vio en el serial de misterio “El internado (2007-10)”, así como en el serial “Hispania, la leyenda (2010-11)”.

El director Antonio Trashorras le dio el papel protagónico del film de acción-suspense “El callejón (2011)”, donde interpreta dos papeles, el de Rosa y el de Laura. Luego actuó en un film similar, “Faraday (2011)” del director Norberto Ramos del Val. Participó en papel de reparto del drama “Por un puñado de besos (2014)” del director David Menkes, y volvió bajo la dirección de Trashorras para protagonizar un film de horror-misterio “Anabel (2015)”.

Ana se trasladó a Hollywood en fecha reciente e hizo su primera interpretación en la meca del cine, en el film de horror-misterio “Knock Knock (2015)”, donde actuó junto a Keanu Reeves y la chilena Lorenza Izzo. Este traslado significó todo un reto para la cubana, ya que en Hollywood está obligada a realizar sus interpretaciones en inglés.

Ana nuevamente volvió a la pantalla junto a Reeves y a la italo-americana Mira Sorvino en el drama “Daughter of God (2015)” (Hija de Dios) de Gee Malik Linton, en el que Ana interpreta el papel de Isabel de la Cruz. Para el 2016 está previsto el estreno del drama biográfico “Hands of Stone” (Manos de Piedra), sobre la vida del famoso boxeador Roberto Durán, película protagonizada por Robert De Niro y Ana.

Ana de Armas con Keanu Reeves

Ana de Armas con Keanu Reeves

Actrices cubanas en Hollywood se pueden contar con algunos dedos de una mano. A la mente me viene la cienfueguera María Conchita Alonso, nacida en Cuba, pero criada en Venezuela, y que llegó a ser Miss Venezuela, además de quedar entre las siete clasificadas para Miss Universo en 1975. Luego han estado actrices de éxito, descendientes de cubanos, como son los casos de Cameron Díaz, de padre cubano, y Eva Mendes, hija de inmigrantes cubanos. Nacidas en Cuba, realmente no conozco a ninguna más en Hollywood.

Esperemos que Ana triunfe realmente y la veamos en un futuro como estrella en la Meca del cine.

  • Información tomada y elaborada de IMDB.com

Grandes parejas del cine

Individualmente, somos una gota. Juntos, somos un océano.
Ryunosuke Satoro.

Esteban Hernández

Tradicionalmente el cine ha buscado siempre el protagonismo de actores y actrices del agrado del público, para ello casi siempre han escogido artistas de belleza singular o con suficiente atractivo físico y en su actuación. El hecho de la pareja conlleva agregar el tema del romance dentro de la película que se quiera realizar. El film puede ser de cualquier género, bélica, de acción, aventuras, oestes o de terror, nada importa, solo que el amor debe integrarse al conjunto de la trama que se quiera establecer.

Una buena pareja protagonista es sin dudas un gancho de taquilla. Puede que el film no sea de esa gran calidad, pero la presencia de la pareja famosa garantiza que todos los curiosos la vayan a ver. Aunque una pareja de buena actriz y buen actor no estarían muy de acuerdo en protagonizar una peliculilla sin buena trama y calidad, así que el hecho que ambos se den por protagonizar el film es porque el mismo realmente vale la pena.

Muchas parejas se han creado a lo largo de décadas de cine silente y sonoro. Unas se han creado por afinidad artística, ejemplo: Jane Fonda y Robert Redford, Katharine Hepburn y Spencer Tracy, Greer Garson y Walter Pidgeon, y Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Otras han tenido lugar durante el matrimonio de las parejas, así sucedió en el caso de Janet Leigh y Tony Curtis mientras estuvieron casados, de Lauren Bacall con Humphrey Bogart, de Joanne Woodward con Paul Newman, y de Liz Taylor con Richard Burton, los que se casaron en dos oportunidades. Algunas parejas se disolvieron por problemas ajenos a su voluntad, ese fue el caso de John Gilbert, el mejor actor acompañante de Greta Garbo en el cine silente, el que por su horrible voz, se vio obligado a abandonar el cine sonoro. Otras parejas no duraron mucho o más bien actuaron juntos por pura coincidencia, como fue el caso de Joan Crawford con Clark Gable.

Muchas actrices y actores gustaban variar, sabían que en esa variación habría más taquilla y los contratos serían más elevados. Juntar a Liz Taylor con Paul Newman o Marlon Brando tenía una publicidad garantizada y todos querrían ver el film, pero ninguno de esos actores estaría de acuerdo en encasillarse con alguien en particular, a menos que estuvieran casados.

Muchos directores también prefieren una pareja en particular y con esas se “casan”. Eso fue lo que le sucedió a Vittorio De Sica con la Loren y Mastroianni o a Charles Vidor con Rita Hayworth y Glenn Ford. A veces el mismo director es el protagonista de la película y opta por poner a su esposa como co-protagonista, como sucedió varias veces a Paul Newman con su cónyuge Joanne Woodward.

Desde el punto de vista de calidad, es algo difícil definir una pareja mejor que otra, ya que por lo regular éstos suelen acoplar bien y se conocen mejor después de una primera actuación. Sin embargo, creo que la pareja de la Loren con Mastroianni ha sido de tan buena calidad como la de Katharine Hepburn con Spencer Tracy, lo mismo se puede decir de Garson-Pidgeon, Woodward-Newman o de Liz Taylor con Richard Burton.

En conclusiones las buenas parejas deben ser capaces lo mismo de protagonizar un drama, que un film de aventura o acción, un suspense o una comedia. Pero es cierto que la mayoría de éstas prefieren el drama o la comedia por encima de cualquier otro género.

A continuación se describen los filmes y sus directores, en los que notables parejas del cine han protagonizado.

John Gilbert y Greta Garbo en

John Gilbert y Greta Garbo en “La Mujer Ligera (1928)”

Greta Garbo y John Gilbert

1. “El demonio y la carne (1926)” de Clarence Brown
2. “Anna Karenina (1927)” de Edmund Goulding
3. “La mujer ligera (1928)” de Clarence Brown
4. “La reina Cristina de Suecia (1933)” de Rouben Mamoulian

Clark Gable y Joan Crawford en

Clark Gable y Joan Crawford en “Laughing Sinners (1931)”

Joan Crawford y Clark Gable

1. “Danzad, locos, danzad (1931)” de Harry Beaumont
2. “Amor en venta (1931)” de Clarence Brown
3. “Alma bailarina (1933)” de Robert Z. Leonard

Spencer Tracy y Katharine Hepburn en

Spencer Tracy y Katharine Hepburn en “Mar de Hierba (1947)”

Katharine Hepburn y Spencer Tracy

1. “La mujer del año (1942)” de George Stevens
2. “La llama sagrada (1942)” de George Cukor
3. “Sin amor (1945)” de Harold Bucquet
4. “Mar de hierba (1947)” de Elia Kazan
5. “El estado de la Unión (1948)” de Frank Capra
6. “La costilla de Adán (1949)” de George Cukor
7. “La impetuosa (1952)” de George Cukor
8. “Su otra esposa (1957)” de Walter Lang
9. “Adivina quien viene esta noche (1967)” de Stanley Kramer

Greer Garson y Walter Pidgeon en

Greer Garson y Walter Pidgeon en “La Sra. Miniver (1942)”

Greer Garson y Walter Pidgeon

1. “De corazón a corazón (1941)” de Mervyn LeRoy
2. “La señora Miniver (1942)” de William Wyler
3. “Madame Curie (1943)” de Mervyn LeRoy
4. “La señora Parkington (1944)” de Tay Garnett
5. “Julia se porta mal (1948)” de Jack Conway

Rita Hayworth y Glenn Ford en

Rita Hayworth y Glenn Ford en “Los Amores de Carmen (1948)”

Rita Hayworth y Glenn Ford

1. La dama en cuestión (1940) de Charles Vidor
2. Gilda (1946) de Charles Vidor
3. Los amores de Carmen (1948) de Charles Vidor
4. La dama de Trinidad (1952) de Vincent Sherman

Humphrey Bogart y Lauren Bacall en

Humphrey Bogart y Lauren Bacall en “El Sueño Eterno (1946)”

Lauren Bacall y Humphrey Bogart

1. “Tener o no tener (1944)” de Howard Hawks
2. “El sueño eterno (1946)” de Howard Hawks
3. “La senda tenebrosa (1947)” de Delmer Daves
4. “Cayo Largo (1948)” de John Huston

Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, junto a Eva Marie Saint en

Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, junto a Eva Marie Saint en “El Árbol de la Vida (1957)”

Elizabeth Taylor y Montgomery Clift

1. “Un lugar en el sol (1951)” de George Stevens
2. “El árbol de la vida (1957)” de Edward Dmytryk
3. “De repente el último verano (1959)” de Joseph Mankiewicz

Tony Curtis y Janet Leigh en

Tony Curtis y Janet Leigh en “El Gran Houdini (1953)”

Janet Leigh y Tony Curtis

1. “El Gran Houdini (1953)” de George Marshall
2. “Coraza negra (1954)” de Rudolph Maté
3. “Los Vikingos (1958)” de Richard Fleischer
4. “Vacaciones sin novia (1958)” de Blake Edwards
5. “¿Quién era esta Chica? (1960)” de George Sydney

Joanne Woodward y Paul Newman en

Joanne Woodward y Paul Newman en “Paris Blues (1961)”

Joanne Woodward y Paul Newman

1. “El largo y cálido verano (1958)” de Martin Ritt
2. “Desde la terraza (1960)” de Mark Robson
3. “Paris Blues (1961)” de Martin Ritt
4. “Samantha (1963)” de Melville Shavelson
5. “Raquel, Raquel (1968)” de Paul Newman
6. “Quinientas millas (1969)” de James Goldstone
7. “Un hombre de hoy (1970)” de Stuart Rosenberg
8. “El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (1972) de Paul Newman
9. “Con el agua al cuello (1975)” de Stuart Rosenberg
10. “The shadow box (1980)” (La caja de sombra) de Paul Newman
11. “Harry e hijo (1984)” de Paul Newman
12. “Esperando al señor Bridge (1990)” de James Ivory

Richard Burton y Elizabeth Taylor en

Richard Burton y Elizabeth Taylor en “La Fierecilla Indomable (1967)”

Elizabeth Taylor y Richard Burton

1. “Cleopatra (1963)” de Joseph Mankiewicz
2. “Hotel Internacional (1963)” de Anthony Asquith
3. “Castillos de arena (1965)” de Vincente Minnelli
4. “¿Quién teme a Virginia Woolf ? (1966)” de Mike Nichols
5. “La fierecilla indomable (1967)” de Franco Zefirelli
6. “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville
7. “Doctor Faustus (1968)” de Richard Burton y Nevill Coghill
8. “Boom (1968)” de Joseph Losey
9. “Pacto con el diablo (1972)” de Peter Ustinov,
10. “Divorce his- Divorce her (1973)” (Divorciate y divorcialo) de Waris Hussein
11. “Bajo el bosque lácteo (1973)” de Andrew Sinclair

Sofía Loren y Marcelo Mastroianni en

Sofía Loren y Marcelo Mastroianni en “Matrimonio a la Italiana (1964)”

Sofía Loren y Marcello Mastroianni

1. “Cuori sul mare (1950)” (Corazones sobre el mar) de Giorgio Bianchi
2. “La ladrona, su padre y el taxista (1954)” de Alessandro Blasetti
3. “Tempi nostri (1954)” de Alessandro Blasetti y Paul Paviot
4. “La bella campesina (1955)” de Mario Camerini “La suerte de ser mujer (1956)” de Alessandro Blasetti
5. “Ayer, hoy y mañana (1963)” de Vittorio De Sica
6. “Matrimonio a la italiana (1964)” de Vittorio De Sica
7. “La guapa y su fantasma (1968)” de Renato Castellani,
8. “Los girasoles (1969)” de Vittorio De Sica
9. “La mujer del cura (1971)” de Dino Risi
10. “La pupa del gangster (1975)” de Giorgio Capitani
11. “Una jornada particular (1977)” de Ettore Scola
12. “Prêt-à-Porter (1994)” de Robert Altman

Annie Girardot y Alain Delon en

Annie Girardot y Alain Delon en “Rocco y sus hermanos (1960)”

Annie Girardot y Alain Delon

1. “Rocco y sus hermanos (1960)” de Luchino Visconti
2. “Le gitan (1974)” de José Giovanni
3. “Traitement de choc (1973)” de Alain Jessua

Jane Fonda y Robert Redford

Jane Fonda y Robert Redford

Jane Fonda y Robert Redford

1. “Descalzos por el parque (1967)” de Gene Saks
2. “La jauría humana (1966)” de Arthur Penn
3. “El jinete eléctrico (1978)” de Sydney Pollack

Recordando a Lon Chaney

Nada sobre esta tierra puede detener al hombre que posee la correcta actitud mental para lograr su meta.
Thomas Jefferson

Por Esteban Hernández

Lon Chaney fue un famoso actor de las primeras décadas del cine, cuyo nombre real es Leonidas Frank Chaney, igualmente conocido como El hombre de las mil caras, nacido el 1 de abril de 1883 en Colorado Springs, hijo de familia pobre y padres sordomudos, lo que le obligó a comunicarse con sus progenitores con pantomimas.

Chaney de niño se vio obligado a atender a sus hermanos pequeños producto que su madre igualmente padecía de fuertes dolores de reuma. A su vez, la economía familiar se sabe que no era la mejor. La realidad es que ya a la edad de 19 años debutaba en las tablas, actuó por un tiempo en teatros itinerantes casi siempre como comediante, donde además de actuar, bailaba. Su hermano John igualmente participó en parte de estas actividades de interpretación. Luego pasó a trabajar en la compañía Columbia Musical Repertory, donde conoció a la cantante y luego su primera esposa, Cleve Creighton, la que desconocía que sus suegros eran sordomudos, por lo que al saberlo se horrorizó cuando salió embarazada de Chaney. Al final y para suerte de ambos, el niño resultó normal, pero como Chaney era incansable no dejaba mucho tiempo para hacer vida familiar, Cleve resultó adicta a la bebida y terminó en una aventura de infidelidad, de la cual Chaney, al enterarse, no la perdonó. El asunto se conoció cuando ella tuvo un infortunio, al parecer por intento de suicidio, y quedar privada de su voz para cantar. La custodia del hijo legalmente pasó a Chaney, quien le hizo creer que su madre había muerto. El hijo creció y llegó a conocer a su verdadera madre lo que provocó una pelea y alejamiento entre padre e hijo. Para colmo el hijo quería ser actor y Chaney se oponía, él quería que estudiara y fuera algo más que un actor en la vida.

Lon Chaney

Lon Chaney

En 1912 Chaney comenzó a trabajar en la Universal, debutando en el corto “El honor de familia”, luego continuó actuando en cortos hasta 1916. De ahí en lo adelante actuaría en películas de mayor duración.

Con el tiempo Chaney conoció a otra mujer, la corista Hazel Hastings, que tampoco tenía una historia alegre, con un matrimonio fallido igualmente, pero que sí logró acoplarse con el gran actor. En 1915 ambos lograron casarse.

Como actor Chaney siempre fue interpretando personajes despreciables, otros sin suerte en la vida, minusválidos, gente desfavorecida, o sea todo aquello que él tocó con sus manos en la vida real. La primera película de mayor duración en la que actuó Chaney fue como actor de reparto del drama “Father and the boys (1915)” (padre e hijos) del director Joseph De Grasse. Su primer gran éxito fue protagonizando el corto dramático “El milagro (1919)” del director George Loane Tucker.

Lon Chaney en

Lon Chaney en “El Milagro (1919)”

A continuación protagonizó algunos filmes para recordar, como fueron:

– El drama “De carne y hueso (1922)” de Irving Cummings
– El drama-film horror y misterio “La obsesión de un sabio (1922)” de Wallace Worsley, donde Chaney interpretó dos papelese, del Dr Arthur Lamb y el del Hombre Mono
– En papel de reparto del film de aventuras-drama “Todos los hermanos fueron valientes (1923)” de Irvin Willat
– En el papel del jorobado Quasimodo en el drama “El jorobado de Notre Dame (1923)” de Worsley. Patsy Ruth Miller es la actriz que interpretó el papel de Esmeralda en esta versión de la obra clásica de Víctor Hugo
– Los filmes de horror “El fantasma de la ópera (1925)” de Rupert Julian y que contó con la colaboración en este quehacer de dirección del mismo Chaney
– “The monster (1925)” (El monstruo) de Ronald West
– Nuevamente en un doble papel del film de crimen “Maldad encubierta (1926)” de Tod Browning
– El film de horror “Garras humanas (1927)” de Browning, film en el que Chaney utilizó un arnés para simular ser una persona carente de ambas manos
– El film de crimen “Los antros del crimen (1928)”,
– El drama-film de misterio “Los pantanos de Zanzíbar (1928)”, estos tres últimos de Browning igualmente

Lon Chaney en

Lon Chaney en “El Fantasma de la Opera (1925)”

El único film sonoro que Chaney protagonizó fue el film de crimen-drama “El trio fantástico (1930)” de Jack Conway, donde Chaney interpretó el papel del Dr Echo.

Chaney habría podido triunfar en el cine sonoro, pero su llegada coincidió con su enfermedad, de la que jamás se recuperó. Murió el 26 de agosto de 1930 en Los Ángeles.

La vida de Chaney es descrita con claridad en el film “El hombre de las mil caras (1957)” del director Joseph Pevney, donde el protagonista que interpreta a Chaney es el gran James Cagney, soberbia actuación de este hombre que en su época de esplendor fue uno de los actores mejor pagados de Hollywood. Secundó su actuación la eficiente Dorothy Malone en el papel de Cleve, la esposa de Chaney, y la veterana Jane Greer como la segunda esposa.

James Cagney en El hombre de las mil caras (1957)

James Cagney en El hombre de las mil caras (1957)”

Su hijo, Creighton Chaney, más conocido como Lon Chaney Jr. llegó a actuar en muchos filmes en Hollywood, pero jamás alcanzó el estrellato como su padre.

Bibliografia

Anon. Lon Chaney. Biografías y Vida, la enciclopedia biográfica en línea. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chaney.htm

Bunch. J. 2012. Lon Chaney created many faces for deaf parents, classmates in Colorado Springs. The Archive, 6 Aug.

IMDB. Lon Chaney. http://www.imdb.com/name/nm0151606/?ref_=fn_al_nm_2

Muskii I.A. 2006. Sto Velikikh Actiorov. Editorial Veche, Moscú, 527 p.

Breve recorrido por el género del oeste en el cine

No existe otro clima o suelo como el de Arizona. Es mi tierra, mi casa, la tierra de mi padre, a la que ahora no me dejan volver. Quiero terminar allí mis días, y ser enterrado entre aquellas montañas“.
Gerónimo

Esteban Hernández

El oeste o western se refiere a un género de película muy abordado en EE UU, que al inicio se refería a hechos ocurridos en la zona occidental de ese país, pero que con el tiempo fue incluyendo otras zonas norteamericanas, tanto de EE UU, de Canadá y de México. El oeste es de por si el género de vaqueros o de jinetes donde aparece gente “buena” y “mala”.

El estereotipo del vaquero bondadoso es el de vestir bien, siempre limpio, con un sombrero de lujo, el que a veces no se cae ni en las broncas más intensas (ejemplo: Hopalong Cassidy), de buenos modales, caballo blanco o negro azabache, buen jinete, rápido al sacar su revolver de la funda, capaz de darle tantas trompadas como necesite al adversario, y siempre al servicio de la ley. El villano es por lo general una persona poco afeítada, con bigotes horribles, sombrero grande y tosco, a veces gordo, otras veces delgado y largo, ladrón y delincuente en todo, para los que la la ley no significa nada. Estas son las imágenes que nos han trasmitido durante décadas sobre el vaquero bueno y el malo en los filmes del oeste que hemos visto.

El primer film del oeste se realizó en 1903, “Asalto y robo de un tren” del director Edwin S. Porter y producido por la Edison Company. La película solo dura 12 minutos, en la que actuaron dos personas que se mantuvieron por mucho tiempo en el cine, uno fue Gilbert M. “Bronco Billy”, cuyo nombre real era Max H. Aronson, y el otro, Tom London.

Siete años después hizo su debut en cine el famoso Tom Mix, hombre nacido en la parte oriental de EE UU, Pensilvania y que había ya impresionado a sus coterráneos con una cabalgada de 50 hombres, que trataba de asemejarse a los “Rough Riders” de Teddy Roosevelt, los mismos que invadieron Cuba durante la guerra hispano-americana. Se llegó a afirmar que Mix era un Rough Rider (Jinete tosco), lo cual no era cierto. Lo que si es cierto es que Mix se convirtió en la estrella del cine del oeste y llegó a ganar hasta US$ 20000 semanales. Varias decenas de oeste silentes fueron protagonizados por el “valiente” Mix, el que siempre combatía a los malos y al final se alzaba con la victoria.

Tom Mix, protagonista pionero de los Oestes

Tom Mix, protagonista pionero de los Oestes

Con la llegada del cine sonoro cambiaron muchas cosas en el mundo del séptimo arte, los grandes actores y actrices, cuyas voces no eran las mejores, tuvieron que ceder sus puestos a otros mejor dotados para hablar. En esos momentos fue cuando Mix se fue a actuar en circos y abandonaba el mundo del cine.

Los oestes se clasifican en:
– Clásicos, cuyas mejores realizaciones tuvieron lugar en su época de oro, dirigidos por sea por John Ford (John Martin “Jack” Feeney), Howard Hawks, Bud Boetticher, Sidney Salkow o Anthony Mann entre otros, así como otros directores ocasionales como fueron los casos de Michael Curtiz, Nicholas Ray, King Vidor, Delmer Daves, George Stevens, Raoul Walsh y Robert Aldrich.
– de categoría B. Estos últimos eran filmes de poca duración, máximo 70 minutos, que usualmente la televisión cubana, en la década de los 50, ponía en el horario de 7 a 8 p.m.
– Crepusculares, surgidos en la década de los 60 y con un buen número de antihéroes como personajes principales. Entre esas películas están Mayor Dundee (1964), Grupo salvaje (1969), Pat Garrett & Billy the Kid (1973)
– Spaghetti, ocasionalmente con buenas tramas, pero sencillos en su realización por lo general. Se denominan spaghettis por estar realizados en Europa con dirección y protagonismo italiano. Ejemplos son Por un puñado de dólares (1964), El bueno, el feo y el malo (1966), Hasta que llegó su hora (1968) (también conocido como Érase una vez en el oeste).
– Chili, donde se incluyen los oestes de realización mexicana.

Los oestes, en opinión del que suscribe, pueden clasificarse por su contenido como:

– Épicos e históricos <Murieron con las botas puestas (1941), Fort Apache (1948), Entre dos juramentos (1950), Río Grande (1950), Toro Sentado (1954), La última orden (1955), Los siete magníficos (1960), El Álamo (1960), El último de los Mohicanos (1992) Gerónimo, la leyenda (1993)>
– Con acento criminal <Pasión de los fuertes (1946), Llega un pistolero (1956), Duelo de titanes (1957), El árbol de la horca (1968), Río Bravo (1959), El hombre que mató a Liberty Valance (1962)>
– Con énfasis dramático <Duelo al sol (1946), Río Rojo (1948), Solo ante el peligro (1952), Hombres errantes (1952), Raíces profundas o Shane (1953), Hondo (1953), Johnny Guitar (1954), Johnny Concho (1956)>
– Con énfasis de comedia <El día de los tramposos (1970), Le llamaban Trinidad (1971), Mi nombre es… ninguno (1973) >
– De entretenimiento, donde el bueno vence siempre al malo, películas de pocos argumentos, que por lo general corresponden a los llamados filmes de categoría B.

En los años 60 el oeste comenzó a hacer mayor énfasis en los antihéroes. Su principal promotor fue el director Sam Peckinpagh, a cuyos filmes se le llamaron “crepusculares”. Al mismo tiempo surgieron los spaghettis fabricados en Europa, algunos de calidad, otros para olvidar, los que se realizaban fundamentalmente cerca de Almería, España, en una zona árida, a la que se llama “El pequeño Hollywood”. Entre esa oleada de oestes italianos surgió el director Sergio Leone, el que reclutaba a hombres como Clint Eastwood, Henry Fonda, Charles Bronson, Eli Wallach y Lee Van Cleef entre otros, como sus principales protagonistas. Del cine italiano también emergieron algunas figuras protagónicas como Franco Nero en el papel de Django y el cubano Tomas Milian. Tampoco se pueden omitir los oestes co-producidos por Alemania-Francia-Italia-Yugoslavia, dirigidos por Harald Reini, sobre el héroe indio apache Winnetou (Pierre Brice) con su eterno amigo blanco Old Shatterhand (Viejo Mano Cortante) interpretado por el ex- Tarzan, Lex Barker.

Ford es considerado por todos como el padre de este género y gran parte de su éxito se debió al poder agrupar a actores destacados. El más famoso de todos ellos fue John Wayne, el que regularmente era acompañado en sus películas por John Carradine, Ward Bond, Harry Carey y Noah Beery Jr. entre otros. James Stewart y Henry Fonda también llegaron a actuar bajo la dirección de Ford en oestes, sea como protagonistas o co-protagonistas con Wayne. Dentro de las damas, las más asiduas fueron Claire Trevor, Maureen O’Hara, Barbara Stanwyck, Joanne Dru y Susan Hayward.

Wayne (Marion Robert Morrison), nativo de Iowa, había debutado justamente al inicio del cine sonoro y su primer oeste importante fue “La gran jornada (1930)” de Raoul Walsh, donde actúa el también joven Tyrone Power. Su figura atlética, alto y de buen parecido le hacían el ideal para convertirse en el más legendario de los vaqueros que hayan pasado por Hollywood. Durante años Wayne protagonizó oestes dirigidos por Robert N. Bradbury y luego se convirtió en el personaje de Stony Brooke dirigido por George Sherman hasta que Ford lo reclutó como su estrella principal.

Otros actores que se destacaron notablemente en este género fueron Randolph Scott, el que debutó en cine como maestro de la joven estrella Gary Cooper para hablar en dialecto de Virginia en la interpretación de GC en el film “El virginiano (1929)”, película en la que RS llegó a actuar también; el amigo de Scott, Joel McCrea, Errol Flynn, Barry Sullivan, Lex Barker, Gregory Peck, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Widmark, Tyrone Power, Henry Fonda, James Stewart, Audie Murphy, Charles Bronson, Steve McQueen, Lee Marvin, Clint Eastwood y otros más.

Gary Cooper en

Gary Cooper en “El Virginiano (1928)”

Los entonces veteranos vaqueros, Randolph Scott y Joel McCrea, en

Los entonces veteranos vaqueros, Randolph Scott y Joel McCrea, en “Duelo en la alta sierra (1962)”

En realidad era muy extraño ver a un actor del cine americano del pasado que no haya actuado en algún oeste. Hasta estrellas como Humphrey Bogart y James Cagney incursionaron este género, como fue en la película “Oklahoma Kid (1939)” de Lloyd Bacon. Una de las primera películas sonoras de Clark Gable fue el oeste “Desierto pintado (1931)” junto con William Boyd. Edward G. Robinson no dejó de ser el malo en el oeste “Ciudad sin ley (1935)” de Howard Hawks con Joel McCrea como hombre bueno y dulce con la protagonista principal, Miriam Hopkins. Hasta Omar Sharif se le vio como villano en el oeste “El oro de McKenna (1969)” de J. Lee Thompson, protagonizado por Gregory Peck y donde también actuaron Robinson, Telly Savalas y Lee J. Cobb en papeles de reparto.

Si de villanos se trata en oestes clásicos habría que mencionar a Victor Jory, John Ireland, Elli Wallach, Telly Savalas, entre otros.

Los actores que más interpretaron los papeles de indio son los mexicanos Gilbert Roland (Luis Antonio Dámaso de Alonso), Ricardo Montalbán, Anthony Quinn (Antonio Rodolfo Quinn Oaxaca), así como Henry Brandon (Heinrich von Kleinbach, nacido en Alemania), Charles Bronson (Charles Bruchinsky de origen lituano), Jeff Chandler, Victor Mature, Sal Mineo (de origen italiano).

El indio Cherokee, Wes Studi, ha interpretado varios papeles en cine del oeste, fue el duro Pawnee en “Bailando con los lobos (1990)”, el malvado Magua de “El último de los Mohicanos (1992)”, el Gerónimo del film de 1993, así como en otros oestes donde se aborda la vida o lucha de los indios. Entre las mujeres, las que más han interpretado papeles de india están la mexicana Dolores del Río, Debra Paget y Jean Peters.

Wes Studi en el papel de Magua en

Wes Studi en el papel de Magua en “El último de los mohicanos (1992)”

Gilbert Roland y Dolores del Río en papeles de indios en

Gilbert Roland y Dolores del Río en papeles de indios en “El Gran Combate (1964)”

En los oestes B la lista de actores es larga, entre los más conocidos están Hopalong Cassidy (William Boyd), Buster Crabbe cuando dejó de ser Flash Gordon y Buck Rogers, Tim McCoy, Bob Steele, Rod Cameron, Sunset Carson, Johnny Mack Brown, Ray Corrigan, Tex Ritter (Woodward Maurice Ritter), Don Barry, Robert Livingston, hasta llegar a los oestes musicales con Gene Autry y Roy Rogers. El actor Robert Mitchum se había iniciado en el cine actuando como villano en las películas de Cassidy, luego se hizo otro buen vaquero del cine clásico. No faltaban los comediantes en los oestes, los más usuales eran Al St John, Raymond Hatton, Guinn “Big Boy” Williams y George “Gabby” Hayes, quien llegó a tener su propio show en la TV. Entre los directores más asiduos de oeste B estaban Sam Newfield, John English, Lester Orlebeck, Lesley Selander y William Witney entre otros.

Sunset Carson, protagonista asiduo de Oestes B

Sunset Carson, protagonista asiduo de Oestes B

George

George “Gabby” Hayes comediante regulara en los Oestes

Los mismos oestes B fueron los que dieron lugar a la aparición de muchos seriales sobre varios héroes, como el Zorro, el Llanero solitario, Red Ryder, Cisco Kid con Duncan Renaldo, y otros más. Estos seriales hicieron aparición desde inicio de los años 30, primero en salas de cine, luego por la televisión.

En 1965 el director Spencer Gordon Bennet reunió a varios actores del oeste en el pasado, entre ellos Dan Duryea, Rod Cameron, Buster Crabbe, Bob Steele, Richard Arlen, Johnny Mack Brown, Edmund Cobb, Gilbert M. ‘Broncho Billy’ Anderson y Norman Willis en el film “The bounty killer” (El asesino generoso), donde Duryea es un hombre que aprende de la vida y de los matones hasta convertirse en un hombre que mata por recompensa y por venganza a otros asesinos que casi lo logran aniquilar en una ocasión. Este oeste puede considerarse como un homenaje a esos tantos actores que trabajaban duramente en el año, actuando en decenas de películas por sueldos sumamente bajos. Ni que decir de aquellos que hacían los papeles de malvados, como fueron Glenn Strange, Charles King, Roy Barcroft, Jack Ingram, John Merton (Myrtland La Varre) entre otros, los que tienen en su haber actuado en más de 400 películas cada uno.

El villano eterno, Charles King, al centro con Al Fuzzy Jones y Buster Crabbe (der.) en

El villano eterno, Charles King, al centro con Al Fuzzy Jones y Buster Crabbe (der.) en “Ghost of Hidden Valley (1946)”

Fuera de escena, el villano Glenn Strange estrecha la mano de su rival, William Boyd (Hopalong Cassidy)

Fuera de escena, el villano Glenn Strange estrecha la mano de su rival, William Boyd (Hopalong Cassidy)

Los personajes positivos y negativos abundaron como héroes en estas películas. Los más usados fueron Billy The Kid, personaje interpretado por varios actores como Buster Crabbe y Bob Steele, en la era moderna por Paul Newman de forma muy convincente y Val Kilmer; y el Zorro con Reed Hadley, que para el que suscribe fue el mejor de todos, Tyrone Power, Guy Williams hasta llegar al mediocre papel interpretado por Antonio Banderas. Clayton Moore interpretó varias veces el papel del Llanero Solitario, mientras que el delincuente de Jesse James fue convertido en héroe e interpretado por Tyrone Power, Alan Baxter, Robert Wagner, James Keach hasta llegar a nuestros días en las interpretaciones de Colin Farrell y Brad Pitt. Wyatt Earp ha sido otro personaje llevado a la pantalla en varias ocasiones, así se ha visto actuar a Henry Fonda, Burt Lancaster, Buster Crabbe, James Stewart hasta los más recientes con Kevin Costner y Kurt Russell. El primer Cisco Kid lo interpretó Warner Baxter en 1928, luego Cesar Romero y Gilbert Roland se hicieron de ese papel hasta que Duncan Renaldo lo obtuvo para el serial televisivo, muy famoso en Cuba todos los domingos durante la década de los 50. Jimmy Smits puede considerarse el último Cisco Kid, rol que interpretó en 1994.

Clayton Moore en el papel del Llanero Solitario

Clayton Moore en el papel del Llanero Solitario

“La diligencia (1939)” protagonizada por Wayne, en el papel de Ringo Kid, y Claire Trevor fue probablemente el primer éxito de John Ford en este género y el oeste de más renombre entonces. Sin embargo, esta película en lo personal no motivó al que suscribe. En la misma se ve a los indios detrás de una diligencia, en la que Wayne y John Carradine no se cansan de matar a los nativos de su propia tierra. Considerar a Ford como defensor de los indios es una aseveración que no tiene todo fundamento.

John Wayne y Claire Trevor en

John Wayne y Claire Trevor en “La Diligencia (1939)”

Lo más adverso de este género de cine es que nunca se dice la razón por la cual los indios estaban en guerra. En ese error cayeron una extensa mayoría de los directores norteamericanos de los oestes clásicos. Lo mismo Ford, que Hawks o Aldrich. Pintar a Gerónimo, Toro Sentado, Caballo Loco y a otros grandes jefes indios como terroristas fue una constante de ese género de cine.

Volviendo a Ford, sus oestes no cambiaron mucho de 1939 hasta la década de los 50. “Centauros del desierto (1956)” es una película polémica, también conocida en América Latina como “Más corazón que odio”. Los indios en este film eran secuestradores natos, se entretenían secuestrando mujeres y niños blancos. Si hubo maldad era menester abordar las causas.

Natalie Wood con John Wayne en

Natalie Wood con John Wayne en “Centauros del desierto (1956)”

John Huston, por suerte, aborda el tema de la discriminación en el oeste “Lo que no se perdona (1960)”, donde muestra a una familia con una hija adoptiva (Audrey Hepburn), india Kiowa secuestrada cuando pequeña por la familia blanca. Sus hermanos, Burt Lancaster y Audie Murphy, adoraban a su hermana hasta que un día el menor de ellos conoce que ella era Kiowa. Los indios continuamente atacaban la casa donde vivía la Kiowa, siempre buscando hacerla regresar a sus orígenes. Murphy rechazó el ser hermano de una india como su hermana adoptiva, Lancaster la defendió hasta el final pues conocía toda la historia anterior. Este film muestra cómo se maltrataba a cualquiera que fuera indio.

Burt Lancaster y Audrey Hepburn en

Burt Lancaster y Audrey Hepburn en “Lo que no se perdona (1960)”

Aldrich se mostraba igualmente defensor de los indios, pero ni “Apache (1954)”, ni “La venganza de Ulzana (1972)” justifican que se le dé ese título. En el primer film aparece un rebelde indio llamado Masai, quien reniega del pacto de paz firmado por Gerónimo. Esta película como aspecto real de la historia presenta cómo los Apaches eran desterrados y segregados por todo el país. Sin embargo, su final es poco convincente, Masai se rinde con la esperanza de convertirse en un buen agricultor y padre de familia, ya que hasta entonces había sido un “malhechor”. En “Ulzana”, Lancaster esta vez no es indio sino perseguidor de un jefe rebelde indio de nombre Ulzana. En toda la película no se da una razón del por qué Ulzana estaba en rebeldía.

Jean Peters en papel de la india compañera de Masai en el film

Jean Peters en papel de la india compañera de Masai en el film “Apache (1954)”

Esta situación fue bien entendida por los actores Marlon Brando y Paul Newman, los que radicalmente rechazaban los oestes de Hollywood por su intrínseca discriminación al indio norteamericano. Brando se negó a recibir el premio Oscar de mejor actor que se le otorgó por “El Padrino (1972)” como protesta por los oestes producidos por Hollywood. Newman protagonizó dos filmes que claramente ponen al indio en su lugar justo. Uno fue “Un hombre (1967) de Martin Ritt, en el que se ven las discrepancias de un blanco criado (Newman) por los indios con un burgués americano (Frederick March), y “Buffalo Bill y los indios (1976) de Robert Altman, donde se pone en tela de juicio el coraje de Bill Cody y la cantidad de indios que él aseveraba haber matado.

Paul Newman en

Paul Newman en “Un Hombre (1967)”

Las películas del oeste tienen también ingredientes falsos de la historia. El ejemplo más claro es “El Álamo (1960)” dirigido y protagonizado por Wayne, quien interpreta el papel de David Crockett. Los que conocen la historia dicen que en esa batalla cruenta y decisiva de los norteamericanos para conquistar el dominio de ese territorio mexicano, David Crockett no tuvo todo el coraje que se muestra en la película. “Tambores de guerra (1954)” de Delmer Daves muestra a un indio rebelde (Charles Bronson) de la tribu de los Modocs en el Norte de California como todo un terrorista, mientras que el enviado de paz por el presidente norteamericano, Alan Ladd, es el bondadoso. El final de ese film luce ser realmente falso.

En ese tipo de películas siempre aparecía un blanco negociador de la paz, unas veces era un James Stewart, otras Alan Ladd, como ya mencionado. Estos eran los héroes, siempre aparecía algún indio rebelde, por cuya mala voluntad se malograba la paz. En ningún momento ese cine decía cómo los blancos habían conquistado las tierras de los indios y cómo éstos eran bien relegados a un pedacito de su tierra o desterrados totalmente de la misma.

También estas películas podían tener su desliz y mostrar características no muy conocidas de algún que otro gobernante. Charlton Heston interpretó el papel del presidente Andrew Jackson, séptimo primer mandatario de los EE UU, en el drama “The president’s lady (1953)” (La dama del presidente) de Henry Levin, donde se muestra a Jackson matando indios al inicio del film.

Hay películas sobre los indios que tratan de abordar el tema generosamente pero no llegan a feliz destino. Entre ellas hay que mencionar “Flecha rota (1950)” de Delmer Daves con Jeff Chandler en el papel de Cochise, “El piel roja (1950) con protagonismo de Van Heflin, “The battle at Apache pass (1952)” con Chandler nuevamente en el papel de Cochise, “El gran jefe (1955) (o Jefe Toro Sentado) con Victor Mature como el gran jefe indio, todos éstos del director de George Sherman; y “Toro Sentado (1954)” de Sidney Salkow. De todos ellos, el más acertado fue Sherman.

Jeff Chandler en el papel de Cochise junto a James Stewart en

Jeff Chandler en el papel de Cochise junto a James Stewart en “Flecha Rota (1950”

Muy entretenida resulta ver “El último de los Mohicanos (1992)” de Michael Mann con Daniel Day Lewis, aunque con anterioridad esta novela había sido llevado al cine por otros directores. “Chato (1972)” de Michael Winner fue una historia que exalta a un indio (Charles Bronson), el que venga la violación de su mujer por un grupo de blancos. Realmente como historia de cine vale la pena, pero es muy dudoso que algo así haya sucedido jamás. Los indios tienen sus formas de pensar y no se caracterizan por albergar odio y rencor.

El tema mexicano es también abordado de una manera simplista en muchos oestes. Hacer aparecer a todos los mexicanos como un hato de bandoleros o de gente sin sentido no es nada consecuente con la historia real de los hechos. El oeste “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks, con Lancaster y Lee Marvin entre otros, es probablemente una película que da una idea de cómo un mexicano puede amar y un americano cree poder comprarlo todo con el dinero. El final de esta película es realmente inesperado y estimulante. La bella Claudia Cardinale va en busca de su amado jefe mexicano y malherido (Jack Palance), mientras que Lancaster y Marvin evitan que a la pareja se le haga ningún daño y puedan retornar a México.

Lee Marvin con Claudia Cardinale y Burt Lancaster en

Lee Marvin con Claudia Cardinale y Burt Lancaster en “Los Profesionales (1966)”

Como verdaderas joyas del género del oeste se pueden considerar “Duelo al sol (1946)” de King Vidor, el que logró agrupar a una verdadera constelación de estrellas del cine como fueron Jeniffer Jones, Joseph Cotten, Gregory Peck, Lionel Barrymore, Herbert Marshall, Lillian Gish y Walter Huston; “Johnny Guitar (1954)” de Nicholas Ray, película que no le faltaba nada, buen tema musical y actuaciones de primer orden de Joanne Crawford, Sterling Hayden y Mercedes McCambridge; “Llega un pistolero (1956)” con Glenn Ford y Broderick Crawford, con un duelo que uno se tiene que imaginar, ya que no se llega a mostrar; y “Cazador de forajidos (1957)” de Anthony Mann con Henry Fonda y Anthony Perkins, entre otros.

Joan Crawford y Sterling Hayden en

Joan Crawford y Sterling Hayden en “Johnny Guitar (1954)”

“Johnny Concho (1956)” de Don McGuire es probablemente el primer oeste de un antihéroe interpretado por Frank Sinatra, individuo que ejercía el papel de sheriff en un pueblo y donde todos le temían hasta que un día un forastero matón lo retó a duelo, el que Sinatra esquivó, con lo que toda la leyenda de su coraje se vino a tierra.

Frank Sinatra es Johnny Concho

Frank Sinatra es Johnny Concho

Sería injusto no mencionar un oeste que fue una verdadera joya de actuación de Richard Dix. Se trata de “Cimarrón (1931)” de Wesley Ruggles, basado en la obra homónima de Edna Ferber. La realidad de cómo el oeste se fue conformando, las conquistas, los negocios que se iniciaron, cómo en realidad surgió una parte importante de ese territorio estadounidense es lo que muestra este film, que en ocasiones más parece una obra teatral llevada a la gran pantalla que una película de nuestros tiempos. Este film muy merecidamente obtuvo Oscar como mejor cinematografía, mejor dirección artística y mejor guión, a la vez que resultaban nominados como mejor actor, mejor actriz, mejor cinematógrafo y mejor director, Dix, Irene Dunne, Edward Cronjager y Ruggles, respectivamente. El remake de este film de Anthony Mann en 1960, protagonizado por Glenn Ford y María Schell, puede catalogarse también como de buena calidad.

Irenne Dunne y Richard Dix en

Irenne Dunne y Richard Dix en “Cimarrón (1931)”

Otros oestes para recordar son “Hombres errantes (1952)” de Nicholas Ray, cuya trama gira alrededor de un triángulo amoroso compuesto por Susan Hayward, Robert Mitchum y Arthur Kennedy, uno de ellos un vaquero avezado y el otro un aprendiz celoso, la elección final dependía de ella; “El jardín del diablo (1954)” de Henry Hathaway, donde un casi delincuente interpretado por Richard Widmark, muestra un ápice final de buenos sentimientos ante el amor que logran hacer crecer la Hayward y Gary Cooper. Widmark se entrega al combate en un desfiladero repleto de indios, todo por salvar a la pareja enamorada.

Paul Newman y Robert Redford protagonizaron un oeste memorable, “Dos hombres y un destino (1969)” (Butch Cassidy & the Sundance Kid) de George Roy Hill, donde son dos vaqueros que comienzan por robar una vez y de eso se hace un hábito hasta que tienen que emigrar a América del Sur, donde continúan sus fechorías y son finalmente aniquilados. El mismo Redford protagonizó otros oestes para recordar, como “El valle del fugitivo (1969)” de Abraham Polonsky y “Aventuras de Jeremiah Johnson (1972)” de Sydney Pollack.

Los amantes del oeste siempre esperan un duelo emotivo entre el bueno y el malo, esos duelos abundan en las películas B. Sin embargo, los más recordados son aquellos del cine clásico, como el de Gary Cooper contra Burt Lancaster en “Veracruz (1954)” de Aldrich, el ya mencionado “Llega un pistolero (1956)”, “Warlock, el hombre de las pistolas de oro (1959)” de Edward Dmytryk, duelo final entre Widmark y Henry Fonda; “El último atardecer (1961)” de Aldrich también, en el que se baten Kirk Douglas y Rock Hudson, con un final casi idéntico al de Veracruz; “En nombre de la ley (1970)” de Michael Winner, y “Que viene Valdez (1970)” de Edwin Sherin, ambos oestes protagonizados por un ya envejecido Burt Lancaster, y “El gran duelo (1971) de Lamont Johnson con Kirk Douglas nuevamente y Johnny Cash.

Burt Lancaster y Gary Cooper en

Burt Lancaster y Gary Cooper en “Veracruz (1954)”

Hay oestes que son realmente de baja calidad, solo quiero mencionar algunos de ellos, la comedia “La batalla de las colinas del Whisky (1965)” de John Sturges con Burt Lancaster y Lee Remick, película que como comedia no hace reír a nadie y como oeste no provoca ninguna emoción; “Sol rojo (1971)” de Terence Young, film en el que se agrupa a varios estelares como Bronson, Toshiro Mifune, Ursula Andress y Alain Delon, cuya trama más necia no puede ser. El otro oeste es “Catlow (1971)” de Sam Wanamaker con Yul Brynner y Richard Crenna. Hay muchos más sean dentro del cine clásico como el B.

El cine del oeste comenzó a cambiar algo justamente con el inicio de la guerra en Vietnam. Fue ahí cuando Sam Peckinpagh incursionó felizmente en el género y creó varios antihéroes. También aparecieron algunos materiales que mostraban claramente al general Custer como un asesino y a otros “héroes” blancos con sus reales cualidades. Dentro de esos nuevos filmes encontramos “Soldado azul (1970)” de Ralph Nelson, y “Pequeño gran hombre (1970)” de Arthur Penn.

Dustin hoffman en

Dustin hoffman en “Pequeño Gran Hombre (1970)”

Como dijera un experto, las películas de Peckinpagh presentan a héroes perdedores, personajes anacrónicos, incapaces de adaptarse a los cambios que brinda el progreso, los que tratan de conservar sus privilegios a pesar de la evolución de la sociedad en la que viven.

Los oestes de Sergio Leone tenían como trama moralejas de sucesos del pasado y del presente. Leone un poco que combinaba la comedia con el drama para mostrar lo que en realidad él deseaba. Su mensaje así llegaba fácil al espectador.

El interés por el oeste ha descendido notablemente en las últimas cuatro décadas. Han aparecido algunos filmes de este género como el épico-dramático “Silverado (1985) de Lawrence Kasdan con Scott Glenn, Kevin Kline, Kevin Costner y Danny Glover; “Bailando con los lobos (1990)” dirigido y protagonizado por Kevin Costner, donde el indio ocupa el lugar justo que merece; los remakes del duelo de OK Corral en “Wyatt Earp (1994)” de Kasdan con Kevin Costner y Dennis Quaid o mejor aún en “Tombstone (1993)” de George P. Cosmatos con Kurt Russell y Val Kilmer.

Clint Eastwood dirigió y protagonizó un exitoso oeste crepuscular con el film “Sin perdón (1992)”, que contó con las actuaciones de Gene Hackman, Richard Harris y Morgan Freeman.

Clint Eastwood en

Clint Eastwood en “Sin perdón (1992)”

El tema indio, por su parte, ha recibido tratamiento aparte en películas dramáticas como “Dead Man (1995)” (Hombre muerto) de Jim Jarmusch y “The brave (1997)” (El bravo) dirigida por Johnny Depp, ambas protagonizadas por el propio Depp, y en la segunda mencionada con la actuación especial de Marlon Brando. Estas películas tratan de reflejar el estado de pobreza y aislamiento de los ciudadanos indios en EE UU, los que si bien no pagan impuestos, tienen muchas limitaciones por discriminación en su vida en general.

Hemos tratado en apretada síntesis de abordar un tema tan amplio como el oeste, donde damos nuestra opinión sobre varios filmes y lo injusto que se ha sido con el tema indio. Nuevos remakes de oestes se harán, pero dudamos que surjan nuevos originales. El tema ya está gastado, aunque nunca es tarde para rectificar y filmar nuevos materiales con el indio en el lugar que merece. El oeste, sobre todo los de categoría B, tienen la virtud de entretener sin hacerlo a uno pensar mucho.

El arte de Anthony Perkins

La gente debe ser libre con el sexo
Elton John

Por Esteban Hernández

Uno de los actores de mayor éxito durante las décadas de los 50 hasta los 70 lo fue Anthony Perkins, hombre que incursionó en varios géneros de películas, pero que pudo triunfar en aquel lleno de terror interpretando papeles de hombres desequilibrados mentalmente.

Nacido el 4 de abril de 1942 en Nueva York, Perkins cursó estudios en la Universidad de Columbia. Posteriormente incursionó el mundo del teatro en Broadway y el de la TV. En el cine debutó en papel de reparto del drama “La actriz (1953)” de George Cukor protagonizado por Jean Simmons y Spencer Tracy, y luego en igual papel apareció en otro drama, “La gran prueba (1956)” de William Wyler con Gary Cooper y Dorothy McGuire.

Anthony Perkins y Dorothy McGuire en un afiche del film

Anthony Perkins y Dorothy McGuire en un afiche del film “La Gran Prueba (1956)”

Su primer papel de ente desequilibrado lo tuvo en su siguiente film el drama llamado en Cuba “Mi obsesión me condena” y “El precio del éxito” en España, cuyo título original es “Fear strikes out” (El temor poncha) en EE UU, dirigido por Robert Mulligan y que contara con la actuación de reparto de Karl Malden como padre del pelotero Jimmie Piersall (Perkins). Se trataba de un hecho real llevado a la gran pantalla sobre el famoso jugador de béisbol de los Medias Rojas de Boston.

Afiche del film

Afiche del film “El precio del éxito (1957)”

La vida fue poco a poco mostrando que Perkins estaba hecho para protagonizar suspenses y filmes de terror, pero en sus inicios transitó por el mundo del drama. Como hombre era bien parecido, delgado, alto, con una sonrisa que no se sabía cuándo era real, ya que siempre se mostraba irónica o burlona. Tenía en su contra el hecho que en Hollywood abundaban los galanes, ya estaban los Marlon Brando y Paul Newman haciendo de las suyas, mientras que otras figuras prometedoras como el propio Robert Wagner iban quedando relegadas a un plano de estrella pero no de superestrella. A Perkins le pasaba algo similar y es muy probable que se haya dado cuenta que podía triunfar en un género de cine no precisamente dramático.

En el mismo año 1957, Perkins co-protagonizó con el gran Henry Fonda un oeste memorable “Cazador de forajidos” dirigido por Anthony Mann. Que nadie se piense que Perkins hizo un papel estilo John Wayne, nada de eso, era un sheriff nombrado pero incapaz de perseguir a un delincuente por falta de pericia en el oficio que le habían dado. Fonda, en el papel de un pistolero experimentado, le enseña que él es un Don Nadie y que su oficio había que hacerlo con diligencia y coraje. La actuación de Perkins como hombre indeciso e incapaz de tomar una decisión fue sencillamente brillante.

Perkins con Henry Fonda en

Perkins con Henry Fonda en “Cazador de forajidos (1957)”

Al año siguiente Delbert Mann lo llevó a co-protagonizar, con la joven Sofía Loren, el drama “Deseos bajo los olmos”, en el que también actúa el siempre eficiente Burl Ives, hombre que del canto pasó a la actuación y que en esta película interpretó el papel de padre del joven Perkins y casado con la joven Loren. El film muestra un perfecto triángulo amoroso, aunque en realidad el amor solo existía entre la madastra y el hijo. El final es típico de cualquier tragedia.

Sofía Loren y Anthony Perkins en una escena de

Sofía Loren y Anthony Perkins en una escena de “Deseos bajo los olmos (1958)”

En 1959 protagonizó el drama ficticio “Mansiones verdes” que termina en un amor con la joven Audrey Hepburn, luego actuó como secundario en el film bélico “La hora final” de Stanley Kramer que fuera protagonizado por Gregory Peck y Ava Gardner.

En 1960 Alfred Hitchcock lo lanzó al estrellato al interpretar el papel de Norman Bates en “Psicosis”. Hace un tiempo visité los estudios de la Universal en Hollywood. Cuando llegó el tour dentro de lo que es propiamente el área de rodaje, iba viéndolo todo en el trencito sobre ruedas de goma, y de pronto veo una casa que me lució conocida, salía de la misma un hombre que era el mismísimo Norman Bates. Los altoparlantes nos anunciaban que allí se había filmado parte del film. Cosas de la vida, nunca había visto la película y la vine a ver cuando visité por primera vez los EE UU. Les digo que me impresionó muchísimo la escena en la que Bates asesina a la huésped (Janet Leigh). Creo que esa escena es verdaderamente impactante y quedó grabada en mi memoria como algo horripilante. El mismo Perkins aseveró que la escena le resultó escalofriante cuando la vio en pantalla por primera vez. Naturalmente, los méritos fueron para Hitchcock, pero Perkins logró concretar bien su papel en el film. Creo que fue ahí que él mismo se dio cuenta que protagonizando tales películas tendría un éxito que ni Brando o Newman jamás lograrían.

Anthony Perkins en el papel de Norman Bates en

Anthony Perkins en el papel de Norman Bates en “Psicosis (1960)”

Psicosis tuvo tres películas más, una en 1983, en la que el director Richard Franklyn realizó una historia sobre el regreso de Bates, una tercera en 1986 dirigida por el propio Perkins, y la última de Mick Garris en 1990, que versa sobre la vida previa de Bates, o sea la vida antes de cometer el asesinato, todas ellas protagonizadas por Perkins.

Un drama para recordar protagonizado por Perkins fue “Faedra (1962)” del director Jules Dassin, esposo de la eficiente actriz griega Melina Mercouri, con quien estableció una colaboración estrecha. Dassin dirigía y Melina actuaba, “Faedra” no fue la excepción. De nuevo Perkins es el osado hijo que termina en un amor perdido con su madrastra, la Mercouri. La película es una adaptación de una tragedia griega a la vida moderna, en la que también actúa con acierto el italiano Raf Vallone interpretando el papel de padre de Perkins y como empresario reparador de barcos, una especie de Onassis.

Melina Mercouri y Perkins en

Melina Mercouri y Perkins en “Phaedra (1962)”

A continuación Orson Welles llevó a Perkins a protagonizar el drama “El proceso”, donde la co-protagonista es la famosa Jeanne Moreau, entonces en pleno auge en su carrera. El film tiene una trama interesante de un hombre que se le lleva juicio sin saber los cargos por los que se juzgaba, como dijera un crítico de esta película, una verdadera pesadilla kafkiana.

Del resto de las películas protagonizadas por Perkins vale destacar el drama-film de crimen “Alguien detrás de la puerta (1971) de Nicolas Gessner, película de producción francesa que tuvo la también actuación de Charles Bronson como desequilibrado mental, mientras que Perkins era el psiquiatra. Al final de la película uno no sabe cuál de los dos era el más desquiciado.

Anthony Perkins y Charles Bronson en

Anthony Perkins y Charles Bronson en “Alguien detrás de la puerta (1971)”

Anthony Perkins en

Anthony Perkins en “El Proceso (1962)”

Junto a Paul Newman y a Jacqueline Bisset actuó en el drama-oeste “El juez de la horca (1972)”. Aquí Perkins era un predicador y la vez un farsante. Perkins y Newman brillaron en esta película, el segundo como otro juez inventado y todo un farsante de la justicia.

Anthony Perkins en

Anthony Perkins en “El juez de la horca (1972)”

Con Maximilian Schell co-protagonizó el film de ciencia ficción “El abismo negro (1979)” del director Gary Nelson, que tuvo un éxito moderado. Probablemente fue la única vez que Perkins actuó en película de este género.

Otra interpretación para recordar, en un papel bastante repugnante, así lo catalogo, tuvo en el drama-film de crimen “La pasión de China Blue (1984)” de Ken Russell con una despampanante Kathleen Turner. De nuevo Perkins es un predicador obsesionado con el cuerpo de China Blue, la rubia rompecorazones, a la que observa desde su ventana a cada instante e intenta cada vez que puede violarla. Todo eso a sabiendas que China era una prostituta y no tenía otra salida que entregarse a cualquiera que intentara acusarla ante la ley.

Perkins en

Perkins en “La pasión de China Blue (1984)”

En 1991 fue su última presentación en la gran pantalla y al siguiente año murió de SIDA a la edad de 60 años.

Por tratarse de una persona que murió de SIDA, surge la pregunta que todos se hacen, ¿era Perkins un homosexual?, en realidad era un bisexual. Perkins se había casado con la hermana de una cabaretera a la edad de 41 años. Con esa persona tuvo sus únicos dos hijos Sin embargo, se sabía que él había tenido relaciones con otros hombres.

En conclusiones, se puede considerar que Perkins fue un actor destacado del género de terror y suspense, pero también capaz de protagonizar dramas, incluso románticos, con mucha aceptación de la crítica y del público.

Bibliografía consultada

Hernández E. (inédito). Grandes del cine de todos los tiempos, vol. I.

El cine negro (film noir)

Si el cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces, el cine ha conseguido su objetivo
Billy Wilder

Por Esteban Hernández

Los amantes del cine clásico tienen puesto en buen lugar de preferencia los llamados filmes del cine negro, término que se deriva del francés film noir. La primera persona que usó el término de film noir fue el crítico italiano Nino Frank, quien había estudiado en Francia.

Este género incluye películas con ingredientes de criminalidad dentro de una sociedad realmente corrupta. Los entes mafiosos, el contrabando y otras prácticas delictivas son puestas en evidencia, su diferencia con los filmes netamente de crimen estriban en los escenarios que se escogen, que son generalmente de lugares oscuros, con neblina, lluvias, tormentas, muchas escenas tomadas durante la noche, donde el sol está casi ausente. Por lo general se tienen héroes que pueden finalmente ser antihéroes, la generosidad no se ve por ninguna parte, ni de la justicia, ni de sus detectives y mucho menos de los malhechores. El lenguaje que se utiliza es metafórico, nada se habla por directo, lo que obliga al público a crear un poco de imaginación.

Se entiende que el primer film de este género fue el famoso “Halcón maltés (1941)” del director John Huston, quien escogió como protagonistas a Humphrey Bogart y a Mary Astor respaldado por el dúo de Peter Lorre y Sidney Greenstreet. Inicialmente se pensó en darle el protagonismo de este film a George Raft, pero Huston se plantó y pidió que fuera Bogart, quien hasta ese entonces había sido solo actor de reparto o co-protagonista. Al inicio los productores no estuvieron muy de acuerdo y finalmente Raft desechó la idea de actuar. Todo quedó listo para que Bogart se convirtiera en el detective Sam Spade, mientras que Mary Astor realizaba una de sus mejores interpretaciones como la perversa Brigid O’Shaughnessy. En esa cinta también se estrenaba un dúo para recordar, el eslovaco-húngaro-judío Peter Lorre, hombre que venía con una vasta experiencia de actuación en el cine alemán, el que tuvo que abandonar cuando Hitler llegó al poder, y el inglés, grueso, Sidney Greenstreet, quien debutaba en el cine a la edad de 69 años, y que había hecho anteriormente de todo en su vida, incluido la producción de té en Sri Lanka. Ambos le dieron el sabor necesario a ese film que es pionero y joya del cine negro de todos los tiempos.

Mary Astor con Humphrey Bogart en una escena de

Mary Astor con Humphrey Bogart en una escena de “El Halcón Maltés (1941)”

Los escépticos de Bogart se dieron cuenta que éste era un actor muy completo y desde entonces el gran Humprhey DeForest pasó de villano secundario a villano principal o héroe protagonista de sus filmes hasta el día de su muerte. Bogart fue sin lugar a dudas el mejor protagonista de filmes de cine negro. También Lorre- Greenstreet hicieron toda una yunta con Bogart y se les vio actuar juntos en varios filmes en lo sucesivo. Otras actuaciones notables de Humphrey DeForest en filmes de cine negro fueron en “El sueño eterno (1946)” de Howard Hawks con Lauren Bacall, que fuera su esposa, “Callejón sin salida (1947)” de John Cromwell con Lizabeth Scott, “La senda tenebrosa (1947)” de Delmer Daves con la Bacall nuevamente, “Cayo Largo (1948)” de Huston, película que se inclinaba más a ser un film de crimen y donde por primera vez Edward G. Robinson pasaba a un plano secundario con respecto al héroe del film interpretado por Bogart. Lauren Bacall, Claire Trevor y Lionel Barrymore también actuaron en esta interesante y famosa película del cine clásico. El eficiente director Nicholas Ray incluyó a Bogart en algunos de sus filmes de cine negro, como fueron “Llamad a cualquier puerta (1949)” con John Derek, y “En un lugar solitario (1950)” con Gloria Grahame, mientras que los directores Bretaigne Windust y Raoul Walsh le dieron a Bogart el protagonismo de “Sin conciencia (1951)”.

Lizabeth Scott y Humphrey Bogart en

Lizabeth Scott y Humphrey Bogart en “Callejón sin Salida (1947)”

Gloria Grahame y Humphrey Bogart en

Gloria Grahame y Humphrey Bogart en “Un Lugar Solitario (1950)”

Billy Wilder fue otro de los buenos directores en este género, la evidencia es otra joya del cine, se trata de “El crepúsculo de los Dioses (1950)” que fuera protagonizado por la entonces ya veterana Gloria Swanson al lado de un destacado de la época, como lo fue William Holden. Muchos críticos sitúan esta película por delante del “Halcón Maltés” en cuanto a su excelencia. La trama de este film trata precisamente de la corrupción en el cine hollywoodense. Wilder previamente había obtenido un rotundo éxito con otra película de este género, “Perdición (1944)”, que contó con el protagonismo de Barbara Stanwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson, película muy original en la perversidad y ambición de los entes interpretados por la Stanwyck y MacMurray.

Gloria Swanson y William Holden en

Gloria Swanson y William Holden en “El Crepúsculo de los Dioses (1950)”

William Wyler logró un buen trabajo con “La carta (1940)”, protagonizado por Bette Davis, mujer adúltera y embustera, y el ingenuo marido, interpretado por Herbert Marshall. Desde un inicio se sabe quién es el culpable, el problema es saber cómo llegan los otros a saberlo ante tanto mal manejo.

Michael Curtiz hizo su aporte en este campo al dirigir “Alma en suplicio (1945)” protagonizado por la eficiente, y difícil de actuar con ella, según varios actores, Joan Crawford acompañada del muy subestimado Zachary Scott, y Jack Carson. El film trata sobre madre que ve como su hija se va con su propio amante, todo un gángster de su mundo criminal.

“Gilda (1946)” fue una película que lanzó a Rita Hayworth y al canadiense Glenn Ford a la fama. El director Charles Vidor logró componer un film lleno de expectativas, con romance y criminalidad, que ha pasado a la historia del cine como una de sus grandes obras. La interpretación de la Hayworth hizo que su entonces esposo, el gran realizador Orson Welles, la llevara a co-protagonizar con el mismo otra película de este género, “La dama de Shanghai (1947)”.

Rita Hayworth y Glenn Ford en una escena de

Rita Hayworth y Glenn Ford en una escena de “Gilda (1946)”

Huston también dirigió “La jungla de asfalto (1950)”, película sobre un atraco a una joyería, donde se describe con bastante nitidez la personalidad de cada uno de los ladrones. Esta película contó con los servicios de Sterling Hayden y Louis Calhern, el hombre que solía interpretar papeles de gente fina y aristocrática, y de Marylin Monroe en un papel secundario. La convincente interpretación de Sterling Hayden puede haber sido el motivo para que Stanley Kubrick lo haya escogido para protagonizar “Atraco perfecto (1956)”.

Jean Hagen y Sterling Hayden en

Jean Hagen y Sterling Hayden en “La Jungla de Asfalto (1950)”

La manipulación sentimental y al adulterio es abordado por Fritz Lang en “Perversidad (1945)”, donde Edward G. Robinson es traicionado por su esposa (Joan Bennett), la que a su vez es manipulada por un estafador (Dan Duryea). Con casi igual reparto de actores, Lang dirigió “La mujer del cuadro (1944)”, donde un profesor (Edward G. Robinson) entre en contacto con una modelo (Joan Bennett), la que aparece en un cuadro en exhibición en una vidriera, y aquí comienzan las vicisitudes del profesor que se ve involucrado en el asesinato de un amante rabioso (Arthur Loft) y la aparición macabra de un hampón y chantajista (Dan Duryea). Años después Lang dirigió la cinta “Los sobornados (1953)”, donde Glenn Ford, el hombre de la justicia, se ve empeñado en una batalla contra un enorme grupo mafioso, en el que participa un gángster, interpretado por Lee Marvin.

Edgar G. Robinson en

Edgar G. Robinson en “La Mujer del Cuadro (1944)”

“Laura (1944)”, de Otto Preminger, tiene algo de similitud con “La mujer del cuadro” de Lang, aunque lo que parece al inicio ficticio luego resulta ser real. El film es protagonizado por Dana Andrews y Gene Tierney (Laura Hunt), y es muy original en su narración, que incluye tomas del pasado y del presente. El director mencionado no tuvo problemas en volver a juntar a Andrews y Gene Tierney para protagonizar otro film de este género, “Al borde del peligro (1950).

El gran Burt Lancaster debutó en el cine protagonizando “Forajidos (1946)” de Robert Siodmak, donde la bella Ava Gardner interpreta un papel de perversa y ambiciosa. El relato de la película es parecido al de “Laura”, tomas de lo sucedido anteriormente con tomas del presente, todo entretejido que da una narración muy original. La actuación de Lancaster, hombre que venía de ser acróbata de circo, convenció tanto que le sirvió para protagonizar varios filmes de este género, como fue “Fuerza bruta (1947)” de Jules Dassin, cuya trama se desarrolla en prisión; el film poco conocido “la hija del pecado (1947)” de Lewis Allen, “Al volver a la vida (1947)” de Byron Haskin, film en el que se junta por primera vez en escena con Kirk Douglas, en el papel de un jefe depravado, con un Lancaster recién salido de prisión, y donde también actúan la atractiva Lizabeth Scott y Wendell Corey, que también habian actuado en la cinta precedente con Lancaster; “Voces de muerte (1948)” de Anatole Litvak, film que se puede catalogar también de suspense y en el que Barbara Stanwyck interpreta de forma magistral el papel de esposa psicótica de un marido desentendido como Lancaster; el también poco conocido y hasta olvidado “Sangre en las manos (1948)” de Norman Foster co-protagonizado por Joan Fontaine; “El abrazo de la muerte (1949)” de Siodmak, que logra juntar con eficiencia a Lancaster, Yvonne DeCarlo y Dan Duryea en una macabra trama de infidelidad amorosa y crimen. En este film, por cierto, aparece por primera vez en pantalla y lo hizo como extra, bailando con la DeCarlo, el entonces joven Tony Curtis.

Burt Lancaster en

Burt Lancaster en “Fuerza Bruta (1947)”

Pasaron los años para que Lancaster volviera a protagonizar otro film de cine negro, éste fue “Chantaje en Broadway (1957)” de Alexander Mackendrick, donde Lancaster (J.J. Hunsecker) es un poderoso y famoso columnista, manipulador de la información en toda una ciudad de 60 millones de lectores. Para conseguir y consolidar su poderío usa a un secuaz inescrupoloso interpretado por Tony Curtis, el que comete el fallo de querer tener relaciones con la hermana de J.J. Esta es una película algo subestimada, pero que posee interpretaciones casi magistrales de Lancaster y Curtis por segunda vez juntos en escena como actores.

Tony Curtis y Burt Lancaster en

Tony Curtis y Burt Lancaster en “Chantaje en Broadway (1957)”

El perseguido director Jules Dassin, el hombre acusado de comunista durante la cacería de brujas, fue otro destacado del género de cine negro. Su primer éxito fue con el ya mencionado “Fuerza Bruta”, luego dirigió “Mercado de ladrones (1949)”, donde el buenazo de Richard Conte, al saber que su padre, camionero, había sido asesinado por delincuentes del mercado adonde llevaba sus mercancias, decide conocer los hechos para vengar su muerte, pero las cosas no salen como él desea, pues se verá enredado con una prostituta, rol interpretado por Valentina Cortese, la que a su vez servía al malvado que había asesinado a su padre (Lee J. Cobb). Uno de sus siguientes filmes en la misma vertiente fue “Noche en la ciudad (1950)” con un delincuente sin límites y sin cerebro interpretado por Richard Widmark. Después de este film, a Dassin se le llamó a testificar de su militancia comunista pero jamás se presentó en la corte, y emigró a Europa a inicios de los 50, inicialmente a Inglaterra y luego a Francia, donde dirigió otro excelente film, muy original dentro de este género, “Rififi (1955)”, cuyo título no tiene nada que ver con la película. Se puede decir que Dassin la bautizó así en honor a la cantante que aparece en el film, que trata sobre los manejos de la mafia en Francia y donde aparece un personaje cruel con el enemigo, pero de buenos sentimientos con sus amigos, Tony El Estefanés, interpretado por Jean Servais. La omertà mafiosa se deja ver en el film, o sea nunca digas nada de lo que ocurra, debes siempre callar, si no callas la muerte es la pena automática por haberla incumplido. Tony se entrega a acabar con sus enemigos dentro de la propia mafia y al final lo sacrifica todo por la sobrevivencia de un niño. Los valores de este film sobrepasan los de cualquier otro de este género. Volviendo al problema de Dassin, se casó con la actriz griega Melina Mercoury, y jamás regresó a su país.

Una escena de

Una escena de “Rififi (1955)”

Jacques Tourneur dirigió “Retorno al pasado (1947)”, con protagonismo de Robert Mitchum, Kirk Douglas y Jane Greer, film con una trama bastante complicada, que obliga al espectador a no perder nada de lo que acontece durante la muestra de la película. Mitchum en realidad resultó ser otro de los grandes actores protagonistas de este género. Con anterioridad a este film, habia actuado en “La huella de un recuerdo (1946)” de John Brahm, “Perseguido (1947)” de Raoul Walsh con Teresa Wright, y luego en el estupendo “Encrucijada de odios (1947)” de Edward Dmytryk, también con Robert Young y Robert Ryan; “El gran robo (1949)” de Don Siegel con Jane Greer y William Bendix; “Donde habita el peligro (1950)” con Faith Domergue, “Las fronteras del crimen (1951)” con Jane Russell, estas dos últimas del director John Farrow; “La trampa (1951)” de John Cromwell con Lizabeth Scott, quizás la mejor actriz protagonista de este género, y Robert Ryan; y “Cara de ángel (1952)” de Preminger y co-protagonizado por otro ente perverso interpretado por Jean Simmons.

Kirk Douglas y Robert Mitchum en

Kirk Douglas y Robert Mitchum en “Retorno al Pasado (1947)”

Robert Rossen secundado por el guión de Abraham Polonsky logró una buena cinta del género en cuestión con “Cuerpo y alma (1945)”, film protagonizado por John Garfield y que trata el problema de la crueldad del boxeo profesional. En ese mismo año John Stahl dirigió “Que el cielo la juzgue”, película donde la bondad de los hombres es ocasionalmente explotada por mujeres perversas. Ese fue el caso de la esposa (Gene Tierney) de un escritor de buenos sentimientos (Cornel Wilde). Este es otra película que no se debe dejar de ver por lo que muestra y enseña.

Alfred Hitchcock también hizo su aporte con “La sombra de una duda (1943)”, en el que Teresa Wright comienza con justificación a dudar de la personalidad de su tío, Joseph Cotten. “Encadenados (1946)” es otro film para recordar del gran Hitchcock, cuya trama gira alrededor de una mujer (Ingrid Bergman) infiltrada para descubrir a un criminal que es la persona con la que se debe juntar, y a la vez el romance que comienza con su jefe y agente principal (Cary Grant). Si de excelencia se trata este es una joya como film de cine negro.

Cary Grant e Ingrid Bergman en

Cary Grant e Ingrid Bergman en “Encadenados 1946)”

Este género de películas halló todo su esplendor en las décadas de los 40 y 50. Otros filmes memorables de cine negro fueron:

– “El último refugio (1941)” de Raoul Walsh con Humphrey Bogart e Ida Lupino
– “Contratado para matar (1942)” de Frank Tuttle con Veronica Lake y Robert Preston
– “Historia de un detective (1944)” de Edward Dmytryk con Dick Powell y Claire Trevor
– “Recuerda (1945)” de Alfred Hitchcock con Gregory Peck e Ingrid Bergman
– “Amantes de la noche (1948)” de Nicholas Ray con Farley Granger
– “El reloj asesino (1948)” de John Farrow con Ray Milland y Charles Laughton
– “La ciudad desnuda (1948)” de Jules Dassin con Barry Fitzgerald
– “Secreto de mujer (1949)” de Nicholas Ray con Melvyn Douglas, Maureen O’Hara y Gloria Grahame
– ”El tercer hombre (1949)” de Carol Reed con Joseph Cotten
– “Al rojo vivo (1949)” de Raoul Walsh con James Cagney y Vera Miles
– “El gran carnaval (1951)” de Bily Wilder con Kirk Douglas
– “Extraños en un tren (1951) de Alfred Hitchcock con Farley Granger,
– “Manos peligrosas (1953)” de Samuell Fuller con Richard Widmark y Jean Peters
– “Perseguida (1953)” de Rudolph Maté con Robert Mitchum y Linda Darnell
– “La noche del cazador (1955)” de Charles Lauhgton con Robert Mitchum y Shelley Winters
– “Bob le flambeur (1956)” de Jean Pierre Melville con Isabelle Corey

En los años 60 el realizador francés Jean Pierre Melville dirigió “El silencio de un hombre (1967)”, también conocido como “El samurai”, con un gángster calmado y calculador en la figura de Alain Delon. Aunque los críticos sitúan a la película como de crimen, más la veo como otro buen ejemplo de cine negro, la diferencia con respecto a los otros filmes mencionados está en que la película es a colores.

Alain Delon en

Alain Delon en “El Silencio de un Hombre (1967)”

Bibliografía consultada

Agustí P. 1998. Humphrey Bogart. Edimat Libros, Madrid, 188 p.

Belinchón G. 2005. El halcón maltés. Diario El País, 55 p.

Belinchón G. 2005. Cayo Largo. Diario El País, 55 p.

Hernández E. (inédito). Grandes del Cine de Todos los Tiempos, vol. I y II.

Mills B. 2008. 101 Forgotten films. Kamera books, Harpenden, UK, 159 p.

Los seriales de aventuras

El entretenimiento y el aprendizaje no se oponen;
El entretenimiento puede ser el modo más efectivo de aprender.
Herbert Marcuse

Por Esteban Hernández

Si algo me gustaba en mi niñez eran los seriales que trasmitía la CMQ, en Cuba, en horas del mediodía y en la tarde también. Para ser más exacto, se comenzaron a trasmitir por las tardes y luego se llevaron a un horario de mediodía. Las escuelas primarias y la superior (secundarias) en los años 50 daban clases de 8 a 11 de la mañana. El bachillerato tenía las clases hasta las 11:30, normalmente 4 clases, c/u de 40 minutos. Yo no pasé por la superior, pero si por el antiguo bachillerato. Los seriales a que me refiero surgieron en los años 30, o sea con el desarrollo del cine sonoro, los que entonces se trasmitían en horarios de las matinés sabatinas y dominicales. Como ya expliqué, el cine de barrio solía poner 3 películas, un episodio de serial, 3-4 cartones y una revista de noticias y chistes, todo eso por unos 15 centavos de peso (igual a dólar americano en aquel entonces). El hecho de poner el episodio del serial obligaba a que el espectador viniera 12-13 veces más al cine para darle continuidad a la serie. Los seriales regularmente tenían 12 episodios, pero los había de 13 y de 15 también. Con la llegada de la TV, esos seriales pasaron en buena parte del cine a la TV. Recuerdo que los domingos la TV cubana ponía algunas de las series que John Wayne protagonizó en sus años de juventud. Había un serial en el que Wayne en persona se situó por debajo de un tren en marcha. Naturalmente, el tren estaba andando lentamente, luego se procesó a más de 24 tomas por minuto, salió todo a tremenda velocidad y fue una escena muy creíble. En esa época el cine comenzaba a hacer de las suyas con algunos modestos efectos especiales.

Si me preguntan qué series más me impactaron fueron casi todas las que protagonizó Buster Crabbe, el mismo que fuera campeón olímpico de natación en las olimpiadas de los Ángeles en 1932. Crabbe ganó en una final muy reñida la distancia de 100 libres y se coronó como el nadador más veloz del orbe. Tuvo que esperar cuatro años para lograrlo, ya que hasta 1928 el campeón fue Johnny Weissmuller, el mismo que interpretara varias veces a Tarzan en el cine. Después de las olimpiadas a Crabbe se le ofreció contrato por la Universal para también interpretar el papel de Tarzan, lo que hizo en 1933 en un serial “Tarzán el temerario” que en Cuba se mostró al inicio de la TV. Luego protagonizó algunas películas de aventuras, todas ambientadas en la selva, actuó con Randolph Scott en un par de oestes, y hasta hizo papeles de villano en algunos filmes de categoría B. Sin embargo, su fama se debió al encarnar a Flash Gordon en tres seriales y el de Buck Rogers en otro más.

Buster Crabbe en el papel de Tarzan

Buster Crabbe en el papel de Tarzan

Cuando se estaba filmando “La invasión de Mongo (1936)”, Crabbe le dijo a Jean Rogers (Dalia) que ese serial era una basura. Lejos estaba él de imaginar que ellos se harían famosos con ese mismo serial. El director de esa serie fue Henry Stephenson, luego Ford Beebe recogió el argumento y reparto para realizar la segunda serie con “El viaje de Flash Gordon a Marte (1938)”, que constó de 15 epísodios, mientras que el primero fue de 13. El tema musical de ambos filmes fue el de Franz Wazman tomado de la película “Frankenstein (1932)”, la misma que llevó a Boris Karloff a la fama.

Buster Crabbe como Flash Gordon en

Buster Crabbe como Flash Gordon en “La Invasión de Mongo (1936)”

El director Ford Beebe vio el éxito y se lanzó a dirigir “Buck Rogers (1939)” en 12 capítulos, donde aparece la famosa actriz y animadora Constance Moore en el papel de Wilma. Los comics de Buck Rogers relatan que Wilma era muy coqueta con Buck, pero en el serial no hubo nada, ni se tocaron las manos. En los de Flash Gordon si hubo sus besos y sus intrigas amorosas.

Buster Crabbe como Buck Rogers en una escena junto a Jackie Moran y a Constance Moore

Buster Crabbe como Buck Rogers en una escena junto a Jackie Moran y a Constance Moore

Beebe se decidió hacer otro nuevo serial de FG, “Flash Gordon conquista el Universo (1940)”, donde tuvo que optar por nuevos actrices y actores para papeles como de Dalia y el príncipe Barin. Después de este serial, Crabbe se convirtió en protagonista de oestes de categoría B, aunque en la década de los 50 volvió a protagonizar dos seriales, que no he visto, uno de ellos “El Capitán Gallant de la legión extranjera (1955)” de 45 epísodios, y “Aventuras del Halcón de mar (1958)” de 18 capítulos. Otro serial que protagonizó Crabbe fue “Red Barry (1938)”, donde hace el papel del investigador Barry. Todos los expertos en este tema concluyen que Crabbe fue el mejor protagonista de seriales de todos los tiempos en el cine de aquella época.

Buster Crabbe con Edna Sedgewick en una escena del serial

Buster Crabbe con Edna Sedgewick en una escena del serial “Red Barry”.

Sin embargo, hay que hacer notar que hubo otros actores con papeles destacados pero en uno o dos seriales. Uno de ellos fue Don Terry interpretando el papel del oficial naval Don Winslow en los seriales “Winslow de la marina (1942)” y “Don Winslow y los guardacostas (1943)”, en ambos siempre en guerra con los japoneses, el director de ambos seriales fue de nuevo Ford Beebe, en el primero junto a Ray Taylor, quien luego dirigió el segundo.

Don Terry en el papel de Don Winslow, con Walter Sande detrás

Don Terry en el papel de Don Winslow, con Walter Sande detrás

Los otros dos notables fueron el actor Herman Brix, que se iniciara en el cine en el papel también de Tarzan y que fuera campeón olímpico en impulsión de la bala en 1928. Brix protagonizó dos seriales en 1938, que fueron puestos en la TV cubana no menos de dos veces. Uno fue “Los diablos del círculo rojo” de John English y William Witney, y donde el villano fue Charles Middleton, el mismo que encarnó varias veces al temible emperador Ming en los seriales de Flash Gordon. La otra serie fue ambientada en una isla del Pacífico, “El halcón de lo natural” de iguales directores a los antes mencionados, donde Brix mostró sus habilidades de natación y clavado. Un buen día Herman se cambió el nombre por el de Bruce Bennett y más nunca se le vio actuar en seriales de aventuras, se dedicó a encarnar papeles serios en filmes protagonizados por Humphrey Bogart, Joan Crawford, Charlton Heston entre otros.

Herman Brix (Bruce Bennett) junto a Charles Quigley y Dave Sharpe en

Herman Brix (Bruce Bennett) junto a Charles Quigley y Dave Sharpe en “Los Diablos del Círculo Rojo (1938)”

Herman Brix en combate con Monte Blue en el serial

Herman Brix en combate con Monte Blue en el serial “El halcón de lo natural”

El otro destacado y renombrado por la crítica fue Kane Richmond, hombre de no mucha estatura pero de buen parecido, que en los 30 fue actor secundario de seriales hasta que se hizo de papeles protagónicos. William Witney le dio el primer papel importante en “Destructor de espías (1942)”, luego Spencer Gordon Bennett le dio el papel principal en “Puerto asaltado (1944)”, Lesley Selander lo dirigió en “Vigilantes de la selva (1945)” y en 1946 se hizo del personaje “la Sombra” en “El regreso de la sombra”, “Detrás de la máscara” y “La dama ausente”, todas las series en el mismo año.

Kane Richmond con Roy Barcroft en el serial

Kane Richmond con Roy Barcroft en el serial “Puerto Asaltado (1944)”

Otras series inolvidables fueron “La suerte de Tim Tyler (1937)” de Ford Beebe, todo ambientado en África oriental, donde el joven Frankie Thomas la protagoniza. Cuando aquello Frankie era casi un niño y murió en abril de 2006 a la edad de 85 años.

Frankie Thomas en el serial

Frankie Thomas en el serial “La suerte de Tim Tyler (1937)”

De nuevo Beebe con Clifford Smith dirigió un serial para recordar “Drummond, el aviador (1936)”, donde John “Dusty” King encarnó al píloto Drummond. Lo interesante del serial fueron los combates aéreos en pleno cielo de una supuesta Mongolia. Jean Rogers actuó aquí antes de hacer el papel de Dalia en Flash Gordon en el mismo año.

John King con Jean Rogers en el serial

John King con Jean Rogers en el serial “Drummond, el aviador (1936)”

“Los vigilantes van llegando (1936)” de Ray Taylor, serial con un bonito fondo musical y una actuación muy buena de Robert Livingston en el papel de Don Loring que era en realidad el temible “Águila”, algo así como el Zorro.

Robert Livingston en el papel del Águila en el serial

Robert Livingston en el papel del Águila en el serial “Los vigilantes van llegando (1936)”

“La legión del Zorro (1939)” con Reed Hadley en el papel de Don Diego es también de hacer notar. La voz de Hadley era impresionante, no en balde fue luego narrador de películas y locutor de radio. Hubo hasta un Zorro mujer en un serial que protagonizara Linda Stirling en “El látigo del Zorro (1944)” de Gordon Bennett. Un año antes Linda había protagonizado otro serial muy recordado, “El monstruo púrpura ataca (1943)” de igual director y donde el villano monstruo fue el “vaquero” Roy Barcroft.

Reed Hadley en el papel del Zorro

Reed Hadley en el papel del Zorro

Linda Stirling en

Linda Stirling en “El Látigo del Zorro (1944)”

Muchos deben recordar a “Las aventuras del capitán maravilla (1941), donde Tom Tyler era el capitán que aparecía cuando Frank Coglan, en el papel de Billy Batson, decía en peligro “Shazam”. Recordando me río de eso, ya que muchos de nosotros seguramente dijimos Shazam esperando convertirnos en un hombre fuerte, capaz de volar y de resistir a cualquier enemigo como el capitán Maravilla.

Tom Tyler en el papel del Capitán Maravilla (1941)

Tom Tyler en el papel del Capitán Maravilla (1941)

De hecho este capitán salió algo después de la invención de Superman en 1938, pero llegó a la pantalla antes. El primer actor que encarnó al hombre de hierro fue Kirk Alyn en un serial de 15 capítulos en 1948, luego vino el experimentado George Reeve, que no tiene ningún parentesco con el otro Superman, Christopher Reeves. George mantuvo un serial de Superman durante 6 años, el que terminó con el fallecimiento del actor en 1959. Esos capítulos se mostraban generalmente en el Cinecito de la calle San Rafael en la Habana, adonde para uno como yo no era fácil asistir, ya que la entrada costaba 40 centavos. Yo llegué a ver dos solamente.

Kirk Alyn en el papel de Superman

Kirk Alyn en el papel de Superman

George Reeves como Superman

George Reeves como Superman

Los seriales no han perdido su vigencia, pero ya no guardan la misma ilusión de antes, al menos no motivan su seguimiento como los de antaño.

Si alguno de Uds. recuerda algún serial olvidado en este escrito, pues adelante, escriban.

Hablaba de niños en el cine, quién no se acuerda de Boy, el hijo adoptivo de Tarzán, papel interpretado por Johnny Sheffield varias veces. Johnny murió en agosto del 2010 a la edad de 79 años.

Dicen que recordar es volver a vivir, y aquí he resucitado algo que es parte inseparable de mi niñez, era pobre como mi familia, llena de necesidades, pero así y todo creo haber tenido una buena niñez.

Dos grandes del cine de todos los tiempos: Humphrey Bogart y Burt Lancaster

Por Esteban Hernández

En opinión de este autor, cuando se hable de grandes actores del cine, Humprhey Bogart y Burt Lancaster son dos obligadas referencias.

Para comenzar les traigo una anécdota de Lancaster relacionada con el cine italiano. Resulta que el gran director Luchino Visconti estaba buscando a un actor que protagonizara el film “Il gattopardo (1963)” (El leopardo) basado en la novela de Giussepe Tomasi di Lampedusa. Necesitaba a alguien de carácter para que interpretara el papel de Don Fabrizio Corbera, Príncipe de Salina. Una persona le sugirió el nombre de Burt Lancaster. Inmediatamente Visconti le respondió que él no estaba por hacer un oeste, un poco en sorna, otro en serio. Sin embargo, pocos días después Visconti tuvo la oportunidad de ver “Vencidos y vencedores (1961)” (The Nurmberg process), película histórica del director Stanley Kramer que contó con el protagonismo de Spencer Tracy en el papel de juez, Marlene Dietrich como una de las alemanas antifascistas, y Burt Lancaster haciendo el papel del ex Ministro de Justicia de Hitler. Esta película para quien no la haya visto se las recomiendo, ya que la misma describe como se gobierna un país bajo un sistema totalitario como el implantado por Hitler en Alemania. En ese film Lancaster realmente se robó el show con su alegato ante el tribunal, fue una interpretación realmente extraordinaria. Visconti al terminar de ver el film pidió que le mandaran a buscar a Lancaster con urgencia.

Burt Lancaster

Burt Lancaster

El famoso actor americano no decepcionó en lo más mínimo al exigente director italiano. Su papel de hombre de una sociedad feudal en Sicilia que ve cómo su tierra va cambiando con el proceso que ocurre entonces en todo el mundo, se va despojando de prejuicios adquiridos en su crianza y vida cotidiana, y comienza a ver la vida de otra manera, al extremo de acceder a bailar el vals con la novia (Claudia Cardinale) de su sobrino preferido (Alain Delon), con lo cual se cierra el film. El neoyorquino Lancaster fue un actor muy versátil, entre sus mejores actuaciones están las del film “El hombre de Alcatraz (1962)” del director John Frankeheimer, sobre la vida del hombre que se convirtió en prisión en uno de los más afamados ornitólogos, liberado después de años de prisión injusta en Alcatraz, todo impuesto por esa justicia que muchas veces peca de injusta. Por esta interpretación Lancaster obtuvo nominación para OSCAR como mejor actor, en mi opinión, debió haberlo obtenido. Cuando mi padre en 1997 vio ese film aquí, él se quedó asombrado de la calidad de ese material y de la formidable actuación de Burt Lancaster, para él la mejor que hubiera visto de este actor.

Burt Lancaster en El Hombre de Alcatraz junto a Telly Savalas (izq.)

Burt Lancaster en El Hombre de Alcatraz junto a Telly Savalas (izq.)

Previamente el Oscar le llegó con otra soberbia interpretación en el film del director Richard Brooks “El fuego y la palabra (1960)”. Destacado fue igualmente en dramas o filmes no de aventuras u oestes como en “De aquí a la eternidad (1953)” de Fred Zinnemann, en el que interpreta el papel de uno de los oficiales de los campamentos que serían afectados por el ataque criminal de Pearl Harbor, la comedia “La rosa tatuada (1955)” de Daniel Mann con Anna Magnani, donde Lancaster cuajó muy bien con la experimentada actriz italiana, “El farsante (1956) (The rainmaker) de Joseph Anthony con Katherine Hepburn, un verdadero farsante que decía provocar la lluvia, película que oscila entre el drama y la comedia; “Chantaje en Broadway (1957)” de Alexander Mackendrick con Tony Curtis, en el papel de JJ, el poderoso periodista que maneja a las grandes masas de Nueva York con sus artículos y chismes publicados; y “Siete días en mayo (1964)” de Frankenheimer con Kirk Douglas y Ava Gardner, interpretando el papel de un alto oficial del ejército de su país en posiciones cuasi fascistas, que intenta dar un golpe de estado al presidente norteamericano. Visconti lo volvió a contratar para protagonizar el drama “Confidencias (1974)” con Silvana Mangano, mientras que Louis Malle lo llevó a encabezar el reparto del drama “Atlantic City (1980)” con la entonces joven Susan Sarandon, película que no deben dejar de ver. Entre las últimas actuaciones de Lancaster está la del remake “El fantasma de la ópera (1990)” de Tony Richardson, que a mi esposa le deleitó bastante.

Burt Lancaster y Susan Sarandon en Atlantic City

Burt Lancaster y Susan Sarandon en Atlantic City

En cuanto a Bogart, se trata de un actor que fue relegado a un segundo plano durante años y que tuvo su buena primera oportunidad con el film de cine negro “El halcón Maltés (1941)” del director-actor John Huston, donde interpretó magistralmente el papel del detective Samuel Spade.

Humphrey Bogart en El Halcón Maltés

Humphrey Bogart en El Halcón Maltés

Bogart e Ingrid Bergman en “Casablanca.”

Ya desde entonces Bogart dejó de ser el secundón de los filmes de crimen, donde por lo regular era el malvado de la película y recibía tundas de parte de James Cagney, George Raft, Errol Flynn u otros “buenazos”, para convertirse en protagonista de sus películas sea como villano o como hombre de bien. Famosas fueron sus interpretaciones en los filmes “Tener o no tener (1944)”, “El sueño eterno (1946)”, “La senda tenebrosa (1947)” y “Cayo Largo (1948)”, siempre al lado de la joven Lauren Bacall, que fuera su última esposa.

Bogart y Lauren Bacall en Cayo Largo

Bogart y Lauren Bacall en Cayo Largo

Luego logró Oscar como mejor actor en “La Reina de África (1951)”, donde actuó conjuntamente con la consagrada de Kathryne Hepburn.

Bogart y Katharine Hepburn en La Reina de África

Bogart y Katharine Hepburn en La Reina de África

En el drama-film bélico “El amotinamiento del Caine (1954)” interpretó el papel de un capitán de navío totalmente desequilibrado, que le valió para una nueva nominación a Oscar, mientras que en “Sabrina (1954)” una vez más demostró que el género comedia no le era ajeno. En el drama “La condesa descalza (1954)” hizo un buen dúo con la destacada Ava Gardner. En “Horas desesperadas (1955)” volvió a ser el villano de siempre haciéndole la vida imposible al buenazo de Fredric March.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban. Grandes del Cine de Todos los Tiempos (inédito).

Los grandes comediantes del cine

El humor es el instinto de tomarse el dolor a broma.”
Max Eastman.

Por Esteban Hernández

La comedia contiene lo cómico o bufo sea en una presentación teatral o en el cine, y su efecto se puede producir mediante el enredo de las palabras y oraciones, lo que provoca risa fácilmente en una persona con cierta cultura, o la de adoptar gestos y muecas, algunas verdaderamente demenciales, que igualmente mueven a risas entre grandes y chicos.

El cine universal ha tenido grandes comediantes, los que han sido capaces de reflejar la comicidad con sus penas y sufrimientos en la sociedad que vivían.

Usualmente cuando se toca este tema de la comicidad, Charles Chaplin se convierte en el ejemplo máximo. Su personaje de Charlot era original, capaz de arrancar risas de todo el público. Chaplin fue la excelencia en realidad y su estilo dio que pensar a muchos, no para imitarlo, pero si para adoptar otras formas cómicas de interpretación.

Charlie Chaplin es considerado como el mejor comediante de todos los tiempos

Charlie Chaplin es considerado como el mejor comediante de todos los tiempos

Los italianos tuvieron en el napolitano Totò su mejor exponente de comediante, quien utilizaba el lenguaje como forma de mover a risa. Solía decir muchos disparates y muchos de ellos en dialectos napolitano o romano, como para darle un poco más de sabor popular a lo que decía. Totò es muy venerado en Italia y es muy posible que el espectador extranjero no lo vea en realidad tan cómico. Su debut en el cine fue protagonizando “Fermo con le mani! (1937)” (Quieto con las manos) de Gero Zambuto. Una buena parte de sus películas y sus títulos ridiculizaban algunas obras famosas de sus tiempos. Así sucedió con Cleopatra, Rodolfo Valentino, Tarzan, al Pepe Le Mokó de Jean Gabin, al Lawrence de Arabia de O’Toole y otros más. Otros filmes tocaban situaciones delicadas en la Italia, como es “Totò cerca casa (1949)” (Totò busca casa), donde apareció como un empleado de una familia numerosa que no acababa de encontrar donde vivir.

Totò en

Totò en “La ley es la ley (1958)”

Otro gran comediante fue el romano Alberto Sordi, quien provenía del teatro bufo y que solía hacerlo todo con su lenguaje y no necesitaba de muecas para hacer reír. Entre sus mejores interpretaciones están las comedias “Il medico della mutua (1968)” de Luigi Zampa, “El marqués del Grillo (1981)” de Mario Monicelli, estupendo film lleno de enseñanzas, “Amore mio aiutami” (1969) de su propia dirección, “Le coppie (1970)” (Las parejas) de Vittorio De Sica y Mario Monicelli, “Polvere di stelle (1973)” (Polvo estelar), y “Io so che tu sai che io so (1982)” (Sé que tú sabes que yo sé) , éstos últimos de su propia dirección y todos co-protagonizado por la excelente Monica Vitti.

Alberto Sordi en

Alberto Sordi en “Las Miserias del Sr Travet (1945)”

La escuela de comediantes italianos es vasta e incluye al genovés Paolo Villaggio, más conocido en pantalla como Fantozzi, el que utilizaba mucho el humor cínico y grosero. Villaggio hizo su primera presentación como Fantozzi en 1975, al que le siguió “Il secondo tragico Fantozzi (1976)” (El segundo trágico de Fant.), ambos del director Luciano Salce, “Fantozzi contro tutti (1980)” de su propia dirección, “Fantozzi padece de nuevo (1983)”, “Superfantozzi (1986)”, “Fantozzi va in pensione (1988)” éstos últimos de Neri Parenti; “Fantozzi alla riscossa (1990)” (Fantozzi al rescate), “Fantozzi in paradiso (1993)”, “Fantozzi – Il ritorno (1996)” y “Fantozzi 2000 – la clonazione (1999)” éstos últimos mencionados de Domenico Saverni.

Paolo Villaggio en “No tocar a la Mujer Blanca (1974)”

De esta lista de excelencia hay también que incluir a Ugo Tognazzi, protagonista de comedias duras por ser reflejo de realidades. Algunos de estos filmes a veces uno no sabe si ubicarlas como dramas o comedias. Tognazzi halló buena colaboración en su trabajo con Monica Vitti, Catherine Spaak y otras. Entre sus mejores interpretaciones están las de la comedia “L’Inmorale (1967)” de Pietro Germi con Stefania Sandrelli, “La bambolona (1968)” (La muñecona) de Franco Giraldi con Isabella Rey, y “Pato a la naranja (1975)” de Luciano Salce con Monica Vitti.

Ugo Tognazzi en la comedia

Ugo Tognazzi en la comedia “Pugne, Pupe e Marinai (1961)”

Renato Pozzetto es otra obligada referencia de la comedia italiana. El natural de la provincia de Varese siempre ha gustado de interpretar papeles de persona ingenua, a la que los timadores le pueden hacer cualquier cosa, o papeles de marido serio pero con posibilidades de cuernos. Marco Ferreri dirigió a Pozzetto en las comedias “L’ape regina (1963)” (La abeja reina) con Marina Vlady, “La donna scimmia (1964)” (La dama mona) con Annie Girardot, “Marcia nuziale (1965)” (Marcha nupcial) con Shirley Anne Field, “Nessuno è perfetto (1981)” (Nadie es perfecto) y “Un povero ricco (1983)” (Un pobre rico) ambos de Pasquale Festa Campanile y co-protagonizado por Ornella Muti.

Renato Pozzetto en una escena de la comedia

Renato Pozzetto en una escena de la comedia “Il ragazzo di campagna (1984)”

El cine francés tuvo en Fernandel a su mejor exponente, mientras que Louis De Funes con sus muecas y gestos le siguió. Fernandel era más natural, lo decía todo con su lenguaje y mirada, De Funes se veía forzado a cambiar de forma. Fernandel logró su fama gracias a la interpretación del cura Don Camilo, el siempre oponente del alcalde comunista de su pueblo, Peppone. Fueron cinco películas de Don Camilo, las primeras, “Don Camilo (1952)” y “Retorno de Don Camilo (1953)”, dirigidas por Julien Duvivier; luego por Carmine Gallone, “Don Camilo y el honorable Peppone (1955)”, “Don Camillo Monseñor (1961)”, y finalmente bajo la dirección de Luigi Comencini en “El camarada Don Camilo (1965)”, todas co-protagonizadas por Gino Cervi en el papel de Peppone.

Fernandel

Fernandel

En el caso de De Funes- muy recordado por su interpretación del papel del comisario Juve en los filmes sobre Fantomas- se sabe que estudió en detalle los movimientos del famoso pato Donald para así adaptar sus muecas.

Louis de Funes con Andrea Parisi en

Louis de Funes con Andrea Parisi en “Sálvese quien pueda (1968)”

México ha sido cuna de famosos comediantes, como lo fueron Germán Valdés, más conocido como Tin Tan, el gran Mario Moreno o Cantinflas, y Antonio Espino, más conocido como Clavillazo. Este último tuvo más actuaciones en el teatro de carpa y en el vodevil, mientras que su incursión en el cine fue menor que la de Tin Tan y Cantinflas.

Clavillazo se hizo famoso por la vestimenta que utilizaba, sobre todo pantalones bombachos y sombrero de tres picos, mientras que era muy habitual oírle decir “¡pura vida nomáaaas!”.

Clavillazo

Clavillazo

Tin Tan tenía la virtud de poder cantar, y su primer personaje en pantalla fue el famoso Pachuco, el que representaba a aquellos que sufrían de las desigualdades en una sociedad que se americanizaba cada vez más. Tin Tan vivió años en Ciudad Juárez, en la misma frontera con EE UU y pudo conocer este problema más de cerca. Una de sus características cuando actuaba era la de perder el hilo de la conversación, no entender el lenguaje con el que le hablaban o malentender lo que decían, usar trabalenguas, en fin de todo aquello que podía causar risa en el espectador. Es referencia obligatoria mencionar a Marcelo Chávez, quien fuera compañero de escena en varios filmes del gran Tin Tan.

Tin Tan

Tin Tan

Cantinflas es probablemente el comediante mexicano más famoso fuera de su país, quien al igual que Tin Tan representaba a un individuo salido de los barrios pobres de su país y cuyo arte consistía en los trabalenguas y oraciones sin límites, muchas dichas de manera irracional o incoherente. Su debut en el cine norteamericano fue en “La vuelta al mundo en 80 días (1956)” de Michael Anderson y John Farrow, que le valió una nominación para Globo de Oro. Años después Cantinflas protagonizó otra comedia de producción norteamericana, “Pepe (1950)” de George Sidney, que contó también con actuaciones breves de actores como Frank Sinatra, Maurice Chevalier, Bing Crosby, Bobby Darin, Edward G. Robinson entre otros. Lamentablemente la película no logró el éxito de la anterior, ya que al traducir al inglés el lenguaje de Cantinflas, el sentido del humor se perdía.

Cantinflas

Cantinflas

Argentina ha tenido su gordo y flaco, con los desaparecidos Jorge Porcel y Alberto Olmedo, los que en realidad eran maestros del uso del doble sentido, algo que gusta mucho entre los latinoamericanos, pero ocasionalmente perdían calidad al caer en la vulgaridad.

Alberto Olmedo y Jorge Porcel

Alberto Olmedo y Jorge Porcel

Regresando al mundo del cine norteamericano, ya se ha mencionado al más grande todo, a Charles Chaplin y su personaje de Charlot, el que es recordado por siempre por grandes y pequeños. Hablar de Chaplin y no hacerlo de Jackie Coogan es injusto. Coogan fue el famoso Kid (el niño) que acompañó a Chaplin en muchas de sus comedias y por su mérito como actor niño llegó a protagonizar la primera versión fílmica de “Oliver Twist (1922)” de Frank Lloyd, donde hace el papel del niño perdido y raptado.

Jackie Coogan

Jackie Coogan

Hay otros comediantes de calidad de las primeras décadas del cine, como fueron el olvidado Charley Chase (nombre real Charles Joseph Parrott), excelente actor y también director (se hacía llamar como director Charles Parrott), el cual siempre mostraba un bigotito que le daba bastante gracia en su actuación. Charley fue primero actor de vodevil y luego llegó a ser actor de reparto de la Universal. Poco después hizo su debut como director, actividad que simultaneaba con la actuación. Charley dirigió películas protagonizadas por el australiano Snub Pollard, Lloyd Hamilton y hasta Oliver Hardy (el gordo), también continuó actuando, sus personajes realmente arrancaban la risa del más serio. Igualmente coordinó esfuerzos con el realizador Leo McCarey en la producción de comedias protagonizadas por Stan y Oliver (el gordo y el flaco).

Charley Chase

Charley Chase

Otro grande de aquel período inicial del cine lo fue Buster Keaton, también conocido como “Cara de palo”. Keaton heredó el arte de sus padres, que fueron cómicos de vodevil. Keaton hacía reír con su mirada seria, era todo un artista en el uso de su rostro y mirada. Al poco tiempo de haber comenzado a actuar, Keaton creó su propia compañía productora, cuyas películas él protagonizaba y dirigía. Lamentablemente el alcoholismo fue mermando su capacidad artística y llegó un momento en que tuvo que interpretar papeles de reparto en comedias de los hermanos Marx. Su amigo y rival en el cine, Charles Chaplin, le dio la posibilidad de actuar en la comedia “Candilejas (1952)”, después actuó en “La vuelta al mundo en 80 días (1956)” de Michael Anderson con varios otros comediantes, entre ellos el gran Cantinflas, y Stanley Kramer lo incluyó en el reparto de la comedia “El mundo está loco, loco, loco (1963)”.

Buster en una escena de

Buster en una escena de “Doughboys (1930)”

Comediante famoso en su época fue Harold Lloyd, comediante de cine silente en los 20 y luego, en los 30, en el sonoro. No puedo hablar de alguien a quien no recuerdo haber visto actuar, pero si se recoge de tener el mérito de no haber necesitado de dobles para actuar en escenas de algún peligro.

Harold Lloyd

Harold Lloyd

De nuestra niñez un dúo que siempre recordamos será el de Laurel y Hardy (el gordo y el flaco), ellos eran personas gratas en casa, siempre hacían reír con un Hardy “ingenuo” y a la vez pícaro, un Laurel duro y fuerte con su compañero, que al final terminaba cediendo, sea por cansancio o por bondad. Laurel era norteamericano de Georgia, Hardy era de Cumbria, Inglaterra, y se había iniciado en trabajos de teatros itinerantes, que en una visita a EE UU junto a Chaplin, decidió quedarse, fue entonces que conoció a Oliver, e hicieron pareja de actuación durante décadas.

Laurel y Hardy en una escena de

Laurel y Hardy en una escena de “Our relations (1936)”

En la década de los 30 hizo su debut en cine sonoro el grupo de comediantes, los hermanos Marx, que lo único que tienen en común con el famoso economista-filósofo Carlos Marx, es que todos eran judíos. Fueron cuatro hermanos, Chico, Groucho, Harpo y Zeppo, donde cada uno tenía una característica diferente. Chico era el más locuaz, capaz de hablar con acentos variados, Harpo era el enamorado del grupo, Groucho era el amante de la música y Zeppo era el handsome o el bonitillo del grupo. Groucho era muy amigo de hablar enredado y los propios actores y actrices que actuaron con él, decían que no entendían nada de lo que Groucho decía en sus regaños. Al llegar a la comedia “Tienda de locos (1941)” de Charles Reisner, el grupo se desintegró, y se reintegró en “Una noche en Casablanca (1946)” de Archie Mayo, pero sin Groucho en el grupo, el que regresó al grupo en la comedia “Amor en conserva (1950)” de David Miller y Leo McCarey. El grupo no duró mucho tiempo, Groucho estaba empeñado en hacer sus propias comedias y al final terminó separándose definitivamente de sus hermanos en la escena.

Los hermanos Marx en una escena

Los hermanos Marx en una escena “Un día en las carreras (1937)”

A finales de la década de los 30 debutó otro dúo famoso, Abbott y Costello, una de las parejas de comediantes más famosas en el cine de Hollywood, donde ambos hacían otro dúo de gordo y flaco, y a diferencia del dúo Stan Laurel y Oliver Hardy, todas sus actuaciones fueron en la época sonora del cine. Ellos actuaron juntos en un total de 37 películas entre 1941 y 1956. Abbott era actor asiduo de teatro, mientras que Louis Francis Cristillo lo hacía ocasionalmente, ya que trabajaba también en oficinas. Un día se conocieron y Cristillo fungió reemplazó a otro actor ese día ausente. La actuación de ambos fue de tanta calidad, que decidieron seguir actuando juntos. Louis Francis adoptó el apellido Costello de la famosa actriz Dolores Costello, la que actuaba en Broadway en la misma época que Lou.

Abbott y Costello

Abbott y Costello

Bob Hope

Bob Hope

Jerry Lewis ha sido todo un artista en eso de hacer muecas, sea moviendo la boca, los ojos, la cabeza, todas buenas para provocar risas. Proveniente de una familia de padres actores de vodevil, de quienes logró aprender este difícil arte, se inició en el cine como dúo cómico junto con el cantante Dean Martin, cuya colaboración duró hasta 1956. Luego comenzó a dirigir gran parte de sus propias comedias, a la vez que actuaba con algún que otro gran actor. Así hizo en “Que me importa el dinero (1962)” con Zachary Scott, “Boeing Boeing (1965)” de John Rich con Tony Curtis, y “El rey de la comedia” de Martin Scorsese con el estelar Robert De Niro.

Jerry Lewis en

Jerry Lewis en “El Recluta (1957)”

Hay dos actores muy versátiles que en el género de la comedia han sido sumamente destacados, uno fue el gran Cary Grant y el otro Jack Lemmon. Estos actores lo mismo protagonizaban un drama, que film de acción, pero la comedia era el fuerte de ambos. Grant vino de Inglaterra, y a EE UU llegó en 1920. Su arte era muy natural, muy pocas muecas y todo un maestro del lenguaje. Entre sus actuaciones más recordadas están las comedias “La pícara puritana (1937)” de Leo McCarey, “Mi mujer favorita (1940)” de Garson Kanin, “Historias de Filadelfia (1940)” de George Cukor, y “Arsénico por compasión (1944)” de Frank Capra.

Cary Grant

Cary Grant

Jack Lemmon

Jack Lemmon

Lemmon tenía un estilo muy propio, en eso se parecía a Grant, no era tampoco dado a muecas y si manejaba bien su lenguaje y cuerpo dentro de la comedia. Lemmon logró su primer gran éxito con su soberbia interpretación en “Algunos prefieren quemarse (1958)” de Billy Wilder, película que co-protagonizó junto a Marylin Monroe y Tony Curtis. Blake Edwards le dio el papel protagónico de la comedia “La carrera del siglo (1965)”, donde de nuevo actuó Tony Curtis. Igualmente hizo dúo muy eficaz con Shirley MacLaine en las memorables comedias “El apartamento (1960)” e “Irma la dulce (1963), ambas de Wilder. Luego Richard Quine lo llevó a protagonizar “Cómo matar la propia esposa (1965)”, donde aparece junto a la bella actriz italiana Virna Lisi, y a continuación protagonizó “Préstame tu marido (1965)” de David Swift, donde la austriaca Romy Schneider es la co-protagonista.

Walter Matthau fue un actor que se inició haciendo papeles de villanos o de gente perversa en varios filmes, como fueron “El hombre de Kentucky (1955)” de Burt Lancaster, “Vecinos y amantes (1960)” (en España conocido con el título de “Un extraño en mi vida”) de Richard Quine, y “Charada (1963)” de Stanley Donen. Posteriormente Matthau se dedicó a la comedia con mucha eficiencia, su rostro y mirada de por si movían a risa y fue precisamente su colaboración con Lemmon la que le llevó al estrellato. Ambos actores actuaron juntos en 11 películas, algunas de ellas dirigidas por Billy Wilder, como fueron “En bandeja de plata (1966)”, “Primera plana (1974)” y “Aquí, un amigo (1981)”, y también en “La extraña pareja (1968)” de Gene Saks, “Señor Kotcher (1971)” del propio Lemmon, “Dos viejos gruñones (1993)” de Donald Petrie, “Discordias a la carta (1995)” y “La extraña pareja, otra vez (1998)”, estas dos últimas películas de Howard Deutch.

Walter Matthau en

Walter Matthau en “Guía para el hombre casado (1967)”

Otro inglés, el londinense Peter Sellers, llegó a ser famoso protagonizando la serie de películas sobre la Pantera Rosa, la mayoría dirigida por Blake Edwards. El papel del inspector Clouseau lo interpretó por primera vez en 1963, pero luego también protagonizó otras comedias con mucha eficiencia, como fueron “¿Qué tal Pussycat? (1965)” de Clive Donner, “Tras la pista del zorro (1966)” de Vittorio De Sica, y “Casino Royale (1967)” de Val Guest y Ken Hughes. Toda su fama y éxito estribaba en hacer de la ridiculez toda una comedia, Sellers representaba el absurdo en sus interpretaciones, siempre se titulaba de algo en lo cual al final resultaba ser todo un necio.

Peter Sellers en

Peter Sellers en “El Guateque (1969)”

Tres actores canadienses han tenido éxito en el cine americano como comediantes, el primero es el difunto Leslie Nielsen, quien inicialmente actuó en películas de acción y ciencia ficción, pero que a partir de 1969 comenzó a interpretar papeles como comediante. Nielsen gustaba mucho de las muecas y también del absurdo en su lenguaje. Entre sus mejores actuaciones en comedias están las de “How to commit marriage (1969)” (Como cometer matrimonio) de Norman Panama junto al gran Bob Hope, “Agárralo como puedas (1988)”, y sus secuelas “Agárralo como puedas 2 1/2 (1991)”, ambas de David Zucker, y “Agárralo como puedas: insulto finla (1994)” de Peter Segal.

Leslie Nielsen

Leslie Nielsen

Michael J. Fox es el segundo canadiense, hombre de baja estatura y gestos cómicos por lo general, pero también capaz de protagonizar dramas. Sus interpretaciones más recordadas fueron las de las comedias de ciencia ficción “Regreso al futuro (1985)”, y su secuelas de 1989 y 1990, todas de Robert Zemeckis. Fox actualmente está alejado de la pantalla por padecer del mal de Parkinson, lo cual lo afecta desde que tenía 30 años de edad.

Michael J. Fox

Michael J. Fox

El tercer canadiense es Jim Carrey, todo un maestro exagerado de las muecas, cuyas actuaciones me resultan a veces tan empalagosas como una torta extremadamente dulce. A mi entender, si Carrey moderase un poco la carga de muecas que hace, es posible que lograra más éxitos con espectadores como el que suscribe. Su primer gran éxito como comediante y protagonista fue en “Ace Ventura (1994)” de Tom Shadyac, luego ese papel lo volvió a interpretar en “Ace Ventura: Operación África (1995)” de Steve Oedekerk. Carrey sabiamente ha sabido orientarse a protagonizar comedias, algunas salpicadas de ciencia ficción, otras de drama, en fin de ingredientes diversos para hacer más interesante las películas que protagoniza.

Jim Carrey

Jim Carrey

Por las pantallas del cine americano han pasado otros comediantes, algunos muy consistentes, como es el caso de los actores negros Richard Pryor y Eddie Murphy, el primero muy dado a las muecas o a mostrar su rostro alegre o triste, mientras que Murphy se ha valido de los medios tecnológicos disponibles para interpretar varios papeles a la vez en película. Otro ha sido Gene Wilder, conocido como el rubio en el ámbito latinoamericano, quien también actuó con Pryor y otros actores como Harrison Ford y Richard Widmark. Steve Martin es de los llamados consistentes, quien ha llevado a escena problemas de carácter social al plano de la comedia. Generalmente Martin ha actuado con notables actrices como Diane Keaton, Debra Winger, Laura Dern y Helena Bonham Carter entre otras.

Richard Pryor en

Richard Pryor en “El Gran Despilfarro (1985)”