Brigitte Bardot, ¿Símbolo erótico o actriz de cine?

Siempre pensé que era fea, y al principio
los críticos estuvieron de acuerdo conmigo.”

Brigitte Bardot

Brigitte Bardot. Cortesía doctormacro.com

En mi niñez todo los hombres se alborotaban por ver los senos de Brigitte Bardot (BB), era como si uno fuera a ver la Luna. Realmente eran atractivos y si aparecían en pantalla, los ojos de uno no se despegaban del busto de la actriz francesa. Hasta aquí, de acuerdo, tenía sex appeal, Oh lá, lá!! ¿Era la más bella de su época? Lo diré en francés, jamais!

No obstante, las cosas cambian cuando se comienza a ver los filmes protagonizados por la BB. Hay un viejo refrán, “cría fama y acuéstate a dormir”, muy cierto y válido en el caso de la BB.

La actriz nació el 28 de setiembre de 1934 en París, Francia, hija de padre ingeniero y propietario de un negocio familiar. Desde pequeña a la BB se le indujo a aprender a bailar y cantar, algo que no le vino mal. En su infancia practicó mucho el ballet. Su sencillo cuerpo, con sus senos bien ajustaditos a su figura le ayudó a iniciarse como modelo, luego aparecer en la revista “Elle”. Se daba a conocer, y el director Marc Allegret la descubrió y la llevó a actuar en cine. La exuberancia de su busto era una garantía de la taquilla que podía ofrecer.

Cuando BB tenía 15 años conoció al director Roger Vadim, quien inicialmente era asistente de Allegret. Vadim se enamoró de BB y no dudó más tarde en pedir la mano al padre de la enamorada. Dicen que el padre estaba esperando al joven director con un revolver en mano y al final lo echó de la casa. Así y todo, BB y Roger lograron casarse en diciembre de 1952. Entonces era ya una reconocida modelo.

Su debut en cine fue en un papelillo de la comedia “Le trou normand (1952)” (El agujero normando) de Jean Boyer con Bourvil y Pierre Larqueil. Su siguiente actuación fue protagónica en la comedia-aventura “Manina, la chica de la isla (1952) de Willy Rozier, donde su figura en playa fue expuesta y causó agrado dentro del público, sobre todo el masculino.

Otro papelillo sin importancia le llegó en el drama “Les dents longues (1953)” (Los dientes largos), uno más importante en la comedia “Le portrait de son père (1953)” (El retrato de su padre) de André Berthomieu, hasta que Anatole Litvak la incluyó en el reparto del drama-film bélico “Acto de amor (1953), protagonizado por Kirk Douglas, actuación que fue la presentación de BB en los EE.UU., donde nuevamente agradó al público masculino. Después vinieron otras actuaciones, en papeles de reparto de la comedia-drama “Las maniobras del amor (1955)” de René Clair con Michèle Morgan y Gérard Philipe, y del film histórico “Helena de Troya (1956)” de Robert Wise.

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Fue en 1956 que BB tuvo una actuación que atrajo la atención de todo el público a nivel mundial, fue en el drama “Y Dios creó la mujer”, dirigido por Vadim, y con el co-protagonismo de Jean-Louis Trintignant y Curd Jürgens, que triunfara por su atrevido contenido sexual. Quien vea la película hoy en día, dirá que no tiene nada de escandaloso, pero para su época sí lo fue, al extremo que la iglesia católica protestó y exigió su prohibición en pantalla. El Vaticano catalogó a la BB como la encarnación del pecado. BB aparece como una especie de Marilyn Monroe francesa, con una combinación de inocencia y de atrevimiento, siempre alegre, sonriente, bailadora, capaz de captar la imaginación de los hombres que la vieron actuar. BB rompió la tradición conservadora en el cine, su actuación fue el inicio de lo que vendría después en otras cintas francesas o franco-italianas, muy por delante de las norteamericanas en materia de realismo. Para completar, se sabe que BB y Trintignant no se conformaron con hacer papeles en pantalla, ya que fuera de la misma sucedió un romance real entre ambos.

BB en una escena del film Y Dios creó la mujer

BB en una escena del film “Y Dios creó la mujer (1956)”. Cortesía doctormacro.com

Con un nombre ya famoso, finalizó la década de los 50 protagonizando las comedias:

  • “Una parisina (1957)” de Boisrond con Charles Boyer y Henri Vidal,
BB en una escena de "Una Parisina (1957)"

BB en una escena de “Una Parisina (1957)”

  • “Babette se va a la guerra (1959)” de Christian Jacque con su entonces nuevo esposo Jacques Charrier
  • Intercalado con el drama-suspense “Los joyeros del claro de luna (1958)” de Vadim con Stephen Boyd y Alida Valli, film muy polémico por sus escenas de desnudez.
  • El drama “La femme et le pantin (1959)” (La mujer y la marioneta) de Julien Duvivier con el portugués Antonio Vilar y la actriz rusa Lila Kedrova, película sobre un triángulo amoroso y adulterio.
  • Los dramas-filmes de crimen “En caso de desgracia (1959)” de Claude Autant- Lara con Jean Gabin, abogado defensor de una ladrona como BB en el film
  • “¿Quiere Ud. bailar conmigo? (1959)” de Boisrond con Vidal, donde esta vez la mujer traicionada es el papel que interpreta BB

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En casi todas esas pelis, hubo enredos de amor, escenas de sexo, de manera que el exigente “macho” no saliera decepcionado de la sala de cine. Entre sus actuaciones más destacadas en las siguientes décadas están:

  • Los dramas “La verdad (1960)” de Henri-George Clouzot con Paul Meurisse, una de las películas más serias que BB protagonizó.
  • “El desprecio (1963)” de Jean-Luc Godard con Michel Piccoli y Jack Palance, una verdadera decepción de película, la que no la salva la aparición en pantalla del director Fritz Lanz. La actuación de BB es para recordar, pero más por la pésima de la misma que por otra cosa. El demérito es también de Godard.
  • La comedia-oeste “Viva Maria! (1965)” de Louis Malle con Jeanne Moreau, una peliculilla de taquilla y nada más.
  • El oeste “Shalako (1968)” de Edward Dmytryk con Sean Connery y Stephen Boyd, si la BB no hubiera actuado, nada habría sucedido.
  • El drama “Las mujeres (1969)” de Jean Aurel con Michel Ronet, modesta cinta sobre un escritor, cuya secretaria le debe servir en todo lo que se le antoje.
  • La comedia “La profesional y la debutante (1970)” de Guy Casaril con Annie Girardot, donde BB interpreta a su manera el papel de monja, algo que no realizó con mucho éxito
  • La comedia-oeste “Las petroleras (1971)” de Christian-Jaque y Guy Casaril con Claudia Cardinale, muy similar en su objetivo a “Viva María”.
  • El drama “Si Don Juan fuese mujer (1973)” de Vadim, un reencuentro con su anterior marido, que la lleva a protagonizar una peli con un poco de fantasía y llena de erotismo y humor. La peli tuvo a Robert Hossein y a Mathieu Carrière como co-protagonistas.
  • Su última película, aquí como actriz de reparto, la comedia “L’histoire très bonne et très joyeuse de Colinot Trousse-Chemise (1973)” (La historia muy buena y divertida de Colinot Trousse-Chemise) de Nina Companéez con Francis Huster y Nathalie Delon.

Si se evalúa las evaluaciones de los críticos sobre las películas protagonizadas por BB, se ve que las mismas, en una escala de 10 (excelente), clasifican como promedio entre 5 y 5.5, lo cual se corresponde con la visión personal del que suscribe sobre la calidad de actriz que fue BB. Su mérito fue romper una tradición conservadora adversa al sexo y al amor libre en escena. Su cuerpo hablaba en cada película que protagonizó. Su imagen revolucionó el mundo y probablemente haya ayudado a liberar más a la mujer de los prejuicios existentes. La propia BB reconoce que ella no fue una actriz de gran calibre. Las comparaciones no son buenas, pero en el marco del cine francés e italiano de la época, había otras actrices mucho más convincentes, como fueron Simone Signoret, Jeanne Moreau, Sophia Loren, Annie Girardot, Claudia Cardinale y Monica Vitti.

Así y todo, BB fue escogida por la Revista Empire como la actriz 49 entre las 100 mejores de todos los tiempos en el cine en octubre de 1997, a la vez que la había situado como la número 9 entre las estrellas más sexy en la historia del cine en 1995.

La gatita sexual, como fue apodada en sus tiempos iniciales, actuó en un total de 51 filmes entre 1952 y 1973, y productora de una película. Retirada de la gran pantalla se dedicó a la protección animal. En su casa de St Tropez posee unas cincuenta mascotas. Muchas de sus pertenencias fueron vendidas en subasta y así poder crear su fundación animalista. Es tanta su dedicación en este empeño que no dudó en criticar, en carta abierta, a Sophia Loren cuando la actriz italiana apareció haciendo publicidad a un abrigo de piel de la compañía Annabella, que la BB calificó de degradante, repugnante, lamentable e indigno de aceptar dinero manchado con la sangre de los animales, y al final añadió: “nunca olvides que vistiendo una piel como esa es como vestirse con un cementerio en tus espaldas”.

Es paradójico que una persona se preocupe tanto por los animales y discrimine a personas por el credo religioso que posee o por ser homosexual. BB es xenófoba y contraria a la integración racial. Fue demandada por incitar al odio racial al referirse a los aborígenes de la isla francesa de Reunión como gente que ha guardado los genes de los salvajes. Es además anti-musulmana, a los que considera bestias y enemigos. Igualmente es anti-gay. No dudó en integrarse al llamado Frente ultraderechista del político Jean-Marie Le Pen, cuyos ideales comparte.

La vida de BB ha sido llena de tormento, lo que se evidencia con sus seis intentos de suicidio. Los chismosos del cine cuantificaron 46 amantes en la vida de esta señora, de ahí que entre tanto enredo de amor y sexo, haya hombres que solo buscaran un entretenimiento pasajero con la actriz. A este respecto BB fue sincera y convincente cuando declaró: “El amor como tal no sirve para nada si no es pasional. Es por eso que, con frecuencia, fui infiel. En cada relación, cuando el presente era un poco tibio, volvía a recomenzar en busca de otros amores. Siempre busqué la pasión.” BB se ha casado cuatro veces, actualmente vive junto a su cuarto esposo en St Tropez.

Fuentes

Cantalapiedra Emma. 2014. Brigitte Bardot, retrato de un icono octogenario. El Mundo, 28 sept. https://www.elmundo.es/album/loc/2014/09/28/5419c47e22601d39218b4587_6.html

De Beauvoir Simone. 1959. Brigitte Bardot: leyenda y realidad de una niña perdida. Bohemia, 6 setiembre, pp 40-41.

De Masi Anatolia. La inolvidable Brigitte Bardot. Biografías y vida. https://www.biografiasyvidas.com/actores/brigitte_bardot.htm

Fuentes Héctor. 2019. La historia de Brigitte Bardot: El mito erótico que fue considerado “la encarnación misma del pecado”. Guioteca. https://www.guioteca.com/mitos-y-enigmas/la-historia-de-brigitte-bardot-el-mito-erotico-que-fue-considerado-la-encarnacion-misma-del-pecado/

Jackson Denny. Brigitte Bardot. IMDB.com. https://www.imdb.com/name/nm0000003/bio?ref_=nm_ov_bio_sm

 

Escrito por Esteban Hernández, el 13 setiembre de 2019

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Una crítica al film “Camino a Santa Fe (1940)”

Espero que las personas finalmente se den cuenta de que solo hay una
raza – la raza humana-y que todos somos miembros de ella
.”
Margaret Atwood (1939, escritora canadiense)

Esta vez el tema es sobre un film bastante viejo, de aquellos que el director húngaro Michael Curtis realizaba uno tras otro, casi siempre con un mismo elenco de actrices y actores, entre ellos Erroly Flynn, Olivia de Havilland y Alan Hale entre otros.

Su afición era por la historia de los EE.UU., aunque con argumentos no siempre correctos, ese es el caso de “Camino a Santa Fe” (Santa Fe trail), donde nuevamente recurre a la pareja de Flynn-De Havilland para darle un toque de romance, además de incluir a Ronald Reagan en el papel de George Armstrong Custer, y al mejor en esa película, Raymond Massey, en el papel del “terrorista” John Brown.

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La película transcurre en el año 1854 cuando el Acta Kansas-Nebraska pasó al Congreso del país, la cual permitía a la población de los futuros estados de Kansas y Nebraska decidir por sí solos de permitir o no la esclavitud dentro de sus territorios. Esta Acta rechazaba el Compromiso de Missouri de 1820, el cual prohibía la esclavitud al norte de la latitud 36°30´. No obstante, el que suscribe no vio nada en el marco de la peli que dijera algo sobre estos instrumentos legales y su discusión en aquellos lares, pero sí hubo no poco sobre la construcción de una nueva línea férrea.

De hecho la aprobación de un Acta como esa fue la que promovió la formación del Partido Republicano, opuesto a la esclavitud, y la que provocó enfrentamientos entre los esclavistas y sus opositores, entre estos últimos, la figura de John Brown al frente de los antiesclavistas.

El film de Curtis muestra a John Brown como una persona recta, de profundos principios religiosos, y a la vez cruel con sus enemigos. Se puede decir que la peli fue afortunada que al final se dejara a Massey, magistral en el papel de Brown, pronunciar palabras importantes sobre el final inexorable de la esclavitud en el epílogo de la película.

Dudosa es la inclusión del tristemente célebre George Armstrong Custer en esta peli, ya que históricamente no se reconoce que haya participado en la batalla de Harpers Ferry, en 1859, en la cual Brown y sus hombres fueran vencidos.  Tampoco se vio a alguien interpretando el papel del primer teniente Israel Greene, quien dirigió la compañía de marines en esa batalla, pero tampoco a Shields Green, hombre que peleó junto a Brown.   Casi todos los negros que se muestran en la película son gente asustada, carente de coraje, lo cual no fue así. Incluso se quiso sutilmente sugerir que los esclavos no querían ser liberados, ya que no sabían qué hacer después y tampoco tendrían a personas que se ocuparían de su supervivencia. Es como decir de que no querían ser libres al no saber luego qué hacer con sus vidas.

Brown Raymond Massey se enfrenta a Rader Van Heflin cuando descubre su traición

Brown (Raymond Massey) se enfrenta a Rader (Van Heflin) cuando descubre la traición de este último

El héroe Jeb Stuart, hombre de entera confianza del General Lee, papel que interpretó Errol Flynn, sí realmente participó en la batalla de Harpers Ferry, y una vez comenzada la Guerra de Secesión pasó a formar parte del ejército de los Confederados. Es justo reconocer que Stuart en el film aparece como un hombre defensor de las ideas del Sur esclavista. Su esposa en la vida real fue Flora Cooke, hija de Phillip St George Cooke, alto oficial de caballería, y no la dama “Kit Carson” Holliday, personaje ficticio y que encarnó Olivia de Havilland. En una escena aparece Stuart regocijado de encontrarse con Jefferson Davis, opositor sistemático de las ideas de Abraham Lincoln y hombre que fuera presidente de los Estados Confederados durante la Guerra Civil, quién, terminada la guerra, fue acusado y detenido en prisión por 2 años, aunque nunca se le juzgó. Opositor de Lincoln desde sus inicios, a Davis en esta cinta lo hacen aparecer como una figura ilustre del Sur Confederado.

La impresión que uno tiene al final de ver esta cinta, es que Curtis quería rendir homenaje a los graduados militares de West Point de hasta 1854, aunque la inclusión de Custer fue errónea, ya que el mismo se graduó en 1857 y fue el último de su clase.

Curtis incluyó a una figura negativa en el personaje de Rader, interpretado por Van Heflin, una invención de un hombre incoherente, que cursó estudios en West Point, donde ya leía sobre las ideas antiesclavistas de John Brown, lo cual le valió la crítica de sus compañeros de estudio, aquellos que hablaban de respetar las leyes, así estas fueran injustas con una parte de la población. Al final Rader era el malo, quien se une a Brown en su lucha, pero con exigencias de dinero, lo cual resulta muy difícil de creer. Quien abraza una causa no lo hace por dinero, Rader fue una incoherencia de la trama de la película, primero defensor de ideales, luego ambicioso por dinero, finalmente delator, demasiados defectos que no se conjugan en la vida real.

El romance estaba presente en la cinta, pero no faltó el de la comedia, para ello se prestaron Alan Hale y Guinn “Big Boy” Williams. No faltó escena para poner a un recepcionista negro como todo un idiota, algo que era muy habitual en el cine de Hollywood de aquel tiempo.

La moraleja de esta película, falsa por cierto, es que los racistas eran los buenos, supuestamente antes de que surgiera la guerra civil, ya que defendían las leyes vigentes, mientras que los malvados eran los abolicionistas, lo que resulta ser injusto con el sentido de humanidad en una sociedad que buscaba el progreso en general Para suerte, la presentación de John Brown no es tan mala, aunque por momentos Massey, con su mirada, se parecía bastante a un ser tan abominable como Rasputín.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 2 agosto de 2019, con información extraída en línea y de IMDB.com

Doris Day fue una destacada comediante y cantante

Lo realmente aterrador de la mediana edad,
es saber que envejecerás aún más a partir de entonces
.”
Doris Day

Doris Day

Doris Day. Cortesía doctormacro.com

El  13 de mayo de 2019 fallecía, en Camel Valley, California, la notable cantante y comediante del cine de las décadas de los 40 hasta los 60, Doris Day, que se caracterizó por ser incansable tanto en cine como en la TV.  Doris falleció producto de una neumonía. Tenía en ese momento 95 años. Había nacido como Doris Mary Ann Kappelhoff el 3 de abril de 1924, en Cincinnati, Ohio, hija de padres alemanes, todos inmigrantes en los EE.UU. Su padre era maestro de música y director de coro, pero la infancia de Doris transcurrió en unión de su madre, ya que sus padres se divorciaron en ese entonces.

La vocación de Doris cuando niña fue el baile, llegó a hacer dúo con otro adolescente, de nombre Jerry Doherty, cuando sólo tenía 14 años, y lograron ganar un concurso válido por 500 dólares, su arte como bailarina quedó truncado cuando tuvo un accidente automovilístico, nada menos que una colisión de su auto con un tren. Después cursó clases de canto y lo hizo tan bien que pudo cantar por radio para integrar la banda de Les Brown.. En realidad su nuevo apellido, Day, lo tomó de una canción que gustaba cantar mucho (Day by Day). En el cine debutó en la comedia “Romance en alta mar (1948)” de Michael Curtiz con Jack Carson, film en el que Doris cantó la famosa pieza “It’s magic”.

Luego actuó en:

  • Las comedias “Mi sueño eres tú (1949)” también de Curtiz,
  • “El amor no puede esperar (1949)” de David Butler, en ambas con Jack Carson
  • El drama “El trompetista (1950)” de Curtiz con Kirk Douglas y Lauren Bacall
  • Protagonizó el musical “Té para dos (1950)” de David Butler con Gordon MacRae, donde interpretó el papel de Clara Bixby, que se le quedó como apodo para toda su vida.

Doris Day afiches

En la década de los 50 actuó en:

  • El suspense “Aviso de tormenta (1951)” de Stuart Heisler con Ginger Rogers y Ronald Reagan
  • El film biográfico “The winning team (1952)” (El equipo vencedor) de Lewis Seiler con Reagan nuevamente, peli sobre la vida del famoso lanzador de béisbol, Grover Cleveland Alexander
  • El oeste -musical “Doris Day en el Oeste (1953)” de Butler con Howard Keel
  • Los dramas- musicales “Siempre tú y yo (1955)” de Gordon Douglas con Frank Sinatra,
  • “Quiéreme o déjame (1955)” de Charles Vidor con James Cagney, una película que contó con una de sus mejores actuaciones en cine a criterio del que suscribe
  • Hizo su primera incursión en un suspense, en “El hombre que sabía demasiado (1956)” de Alfred Hitchcock con James Stewart
  • Actuó junto a Richard Widmark en la comedia “Mi marido se divierte (1958)” de Gene Kelly
  • Otras comedias picantes “Enséñame a querer (1958)” de George Seaton con Clark Gable,
  • “Confidencias de medianoche (1959)” de Michael Gordon,
  • “Pijama para dos (1961)” de Delbert Mann, éstas dos últimas junto a Rock Hudson, en estas dos pelis, Day actuó cabalmente y la excelencia de los filmes se debe a esas interpretaciones.

Doris Day afiches II

En la siguiente década actuó en:

  • Las comedias “No os comais las margaritas (1961)” de Charles Walters con David Niven,
  • “Suave como el visón (1962)” de Mann con Cary Grant,
  • “Jumbo, la sensación del circo (1962)” de Charles Walters con Stephen Boyd,
  • “Apártate, cariño (1963)” de Michael Gordon con James Garner,
  • “Su pequeña aventura (1963)” con Garner nuevamente,
  • “No me mandes flores (1964)” con Hudson, estas dos últimas de Norman Jewison
  • Protagonizó el suspense “Un grito en la niebla (1960)” de David Miller con Rex Harrison

Doris Day afiches III

Doris en su carrera fue una incansable animadora y actriz de programas para la TV, sobre todo de su propio espectáculo, “The Doris Day Show”. Desde mediados de los 60 sus actuaciones en la gran pantalla comenzaron a disminuir, siendo las más destacadas entonces, las comedias:

  • “Por favor, no molesten (1965)” de Ralph Levy
  • “Una sirena sospechosa (1966)” de Frank Tashlin, con Rod Taylor en estas dos últimas pelis
  • “Desafío en el rancho (1967)” de Andrew V. McLaglen con Peter Graves y George Kennedy,
  • “Capricho (1967)” de Tashlin con Richard Harris
  • “Anoche cuando se apagó la luz (1968)” de Hy Averback con Robert Morse
  • Su última aparición en la gran pantalla hasta ahora, “El novio de mamá (1968)” de Howard Morris con Brian Keith

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Confidencias de medianoche (1959)”. Obtuvo premio a su carrera del American Comedy Awards en 1991.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en comedia/musical por “Mi marido se divierte (1958)”, “Confidencias de medianoche (1959),  “Jumbo, la sensación del circo (1962)” y  “Apártate, cariño (1963)”; y como mejor actriz en drama por “Un grito en la niebla (1960)”. Nominada como mejor actriz de la TV por “The Doris Day show (1968)” en 1969. Obtuvo Globos de Oro como Actriz Favorita en 1955, 1958, 1960 y 1963. Recibió el premio Cecil B. DeMille en 1989.

En el orden personal, estuvo casada con el productor fílmico Terry Melcher, con el cual adoptó a un niño. Tuvo un segundo matrimonio con el saxofonista George Weidler. En resumen, actuó en 43 filmes desde 1948 y productora de 1. Su biografía está publicada en el libro “Who’s Who in Comedy (1992)” de Ronald L. Smith.

 

Escrito por Esteban Hernández, 21 mayo de 2019, con información consultada en IMDB.com

 

 

La espía roja (2018), film bien realizado pero inexacto históricamente

Conocer la situación del enemigo
no es posible sin el espionaje.”
Sun Tzu (600-500 a.C.
filósofo y militar chino)

La espía roja afiche

Las películas con contenido histórico son siempre bienvenidas, ya que ayudan a elevar los conocimientos de la población. De tanta basura de acción, suspense y ciencia ficción que se fabrica, estos filmes son refrescantes. “La espía roja (2018)” (Red Joan, título original) es el caso, cuya trama está basada en un guión de Lindsay Shapero y cuenta con la dirección de Trevor Nunn, y el protagonismo de la experimentada Judi Dench en el papel de Joan vieja y Sophie Cookson como Joan joven.

La trama es alrededor de una anciana que al final de su vida se descubre su asidua colaboración con los órganos del KGB soviético, al extremo de servirle  valiosa información a la URSS, que sirvió para fabricar la bomba atómica, la que detonaron por primera vez en 1949. En realidad la agente representada como Joan Stanley fue en la vida real la física inglesa Melita Norwood.

La trama está edulcorada realmente. Tal parece como si Joan o Melita toman conciencia del problema de la bomba nuclear cuando Truman decidió tirar sendas bombas en Hiroshima y Nagasaki en 1945, lo cual no es cierto.

Melita era hija de madre inglesa y padre letón, ambos simpatizantes de la Revolución de Octubre de 1917, por lo que desde niña tuvo una formación casi comunista en casa. Por suerte para ella, supo guardar muy bien esos sentimientos y lograr comenzar a trabajar en un centro de investigaciones en Inglaterra. Ya desde 1937 Melita fue reclutada por el KGB y comenzó su colaboración, con la entrega de datos importantes. Fue tanto lo que hizo esta científica, que fue condecorada secretamente por la URSS en 1972. Se le conocía como la agente Hola por los agentes del KGB.

Desde 1992, el MI tenía ya todas las evidencias que Melita colaboró con el KGB. El espía y luego desertor Vassili Mitrokhin aportó la información necesaria sobre el trabajo de la espía en cuestión.

La película no entra en detalles de este tipo, pero trata de justificar que su actividad se debió a su rechazo al ataque nuclear en Japón por parte de EEUU., de lo cual ya se habló anteriormente. En ningún momento trata de hacer aparecer a Joan (Melita) como una persona de ideas comunistas y pro-soviéticas, lo cual es un error histórico en el film.

No obstante, la trama, siguiendo el guión elaborado, fue interesante, a lo cual ayudó las actuaciones de las actrices ya mencionadas. Lo que si se evidencia en la película es la  enorme red de informantes de datos científicos que disponía la URSS en el período de pre y post guerra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 29 abril de 2019, con información consultada en IMDB.com y http://www.libreonline.com/pdf/july/07-13-05/07-13-05pag%202-38.pdf

La tergiversación de la historia en algunas películas de Hollywood sobre temas bíblicos

El núcleo del Viejo Testamento es una narración,
más o menos dramatizada, de la migración de los
judíos desde el opresor Egipto hasta su patria original.

Javier Sampedro, El País

Hollywood ha sido bizarro en eso de fabricar películas históricas, pero si se trata de temas de la biblia, peor aún. Veamos algunas de esos filmes de forma breve y sus inexactitudes.

“La túnica sagrada (1953)”, conocida en algunos países hispanohablantes como “El manto sagrado”, fue de hecho la primera cinta estrenada en cine, en formato cinemascope en la historia del cine, la misma es dirigida por Henry Koster y se basa en un libro escrito por un cura luterano, Lloyd C. Douglas de Indiana, EE.UU. Es una ficción sobre el destino final del manto que llevaba Jesús al momento de su crucifixión. Personalmente no creo que Jesús llevara nada de esto en el momento de su ejecución. El otro personaje, el principal es un oficial romano, Marcellus Gallio, interpretado por Richard Burton, además de otros conocidos en la historia, como fueron Tiberio y Calígula, ambos emperadores de Roma, y Poncio Pilatos, el prefecto o gobernador de Judea, quien en realidad mandó a ejecutar a Cristo. Los evangelios indican que todo sucedió durante el reinado de Tiberio, quien gobernó hasta el 37 d.C., mientras que la crucifixión tuvo lugar en algún momento entre los años 29 y 33 d.C. Así que hasta aquí, se puede aceptar como veraz lo sucedido, excepto el manto ya mencionado, con el cual Calígula tuvo fuerte obsesión posteriormente en la película. En realidad, Marcellus es un personaje ficticio y el manto o túnica es como un detalle para poder desarrollar una trama, lo cual no implica que haya sido cierto.

Biíblico afiche

Un año después, el director Delmer Daves retomó el tema con la peli “Demetrio y los gladiadores”, donde Víctor Mature, quien había aparecido como esclavo cristiano de Marcellus en el film anterior, protagoniza esta peli en compañía de Susan Hayward como Mesalina, Jay Robinson como Calígula nuevamente, y Barry Jones como Claudio. La trama gira alrededor de la fe de Demetrio y como la misma es corrompida por la lujuria de Mesalina, la que en ese momento estaba casada con Claudio. Todo bien hasta que al final Calígula es ajusticiado, como así sucedió, mientras que Mesalina mejora su actitud, decide hacer mejor vida con Claudio, y hasta aceptan el cristianismo, le dan hasta la bienvenida al apóstol San Pedro. Realmente todo un disparate de carácter histórico. En la vida real, Mesalina pasó a mejor vida cuando matan al jefe de la guardia imperial, su amante principal, mientras que Claudio terminó casándose nuevamente con Agripina la Menor, hermana de Calígula, sobrina también de Claudio y madre de Nerón, cuyo progenitor fue el consúl romano Cneo Domicio Enobarbo, concebido por Agripina cuando tenía tan solo 13 años.

En cuanto a San Pedro, se puede decir que murió en alguna fecha del año 64 d.C., fue crucificado de cabeza abajo, en la Capilla Clementina en Roma. El cristianismo fue plenamente aceptado por el Imperio Romano en el 380 d.C., fecha muy lejos de los sucesos anteriormente vistos en la peli sobre Demetrio.

Por igual fecha de realización de las anteriores cintas, 1953, William Dieterle dirigió la peli “Salomé”, sobre la princesa, hija de Herodes Antipas y Herodías, esta última, mujer divorciada, matrimonio no aceptado por Juan Bautista, al considerar que se violaban las reglas del judaísmo, lo cual le costó su encierro en prisión. Hasta aquí todo bien en el film, llegó la danza de Salomé (Rita Hayworth) ante Herodes (Charles Laughton), el día de su cumpleaños. Salomé bailó tan bien que fascinó a Herodes, al extremo que este le dijo que ella podría pedir lo que deseara. Salomé no dudó en pedir la cabeza de Juan Bautista, y Herodes no demoró en satisfacerla, la que quedó horrorizada, en la peli, al ver la cabeza del predicador, lo cual es falso, ya que en la vida real, ella tomó la cabeza y se la llevó a su madre en señal de triunfo. En el film luego se ve una Salomé muy dolida y arrepentida, siempre al lado del apuesto Comandante Claudio (Stewart Granger).

Bíblico afiche 2

Robert Aldrich dirigió “Sodoma y Gomorra (1962)”, peli que trata de abordar un suceso bíblico, donde estuvo envuelto el sobrino de Abraham, el famoso Lot. Se sabe por la Biblia que Lot se separó de su tío por consejo del mismo Abraham, y se encaminó a las ciudades de Sodoma y Gomorra, donde logró asentarse y hasta olvidar sus buenos hábitos, de persona modesta y muy dada a ayudar a su pueblo. La peli da unas cuantas vueltas, muestra algunas batallas, en las que Lot inteligentemente dirige a su pueblo y vencen. A Lot, interpretado por Stewart Granger, lo presentan como hombre viudo con dos hijas, algo coquetonas, y ya aquí hay dos deslices. Según Génesis, Lot era hombre casado, nada viudo, mientras que en la peli lo ponen enamorado de una antigua esclava de la reina del lugar, otro desliz. La mujer real de Lot se llamaba Edith o Ado, con quien tuvo dos hijas, ambas no fueron tocadas por hombre alguno, pero en el film, una hace el amor con un oficial de Gomorra y la otra con un hebreo.

Sodoma y Gomorra, ubicado en las cercanías del actual Mar Muerto, eran lugares de lujuria, no era hospitalario como tal y maltrataba a los pobres, por lo que el Señor decidió destruirlas, para lo cual envió dos ángeles que dijeron a Lot de recoger y marcharse con sus hijas y mujer, pero con la advertencia de no mirar hacia atrás. En la peli, Lot y su pueblo salen huyendo antes de la destrucción, algo que no es cierto, aunque la cónyuge ex esclava de Lot en la peli comete el error de mirar atrás y ser convertida en una estatua de sal, algo que Génesis da por cierto para Edith.  A Lot se le había aconsejado dirigirse a Soar, pero en su lugar decidió internarse en los montes.

El desliz más grosero de esta última película fue adjudicarle a Lot palabras que habían sido pronunciadas por su tío, Abraham, quien conoció anticipadamente del plan de destrucción de Sodoma y Gomorra. Esas palabras, en su conversación con el Señor, fueron: “¿Así que vas a exterminar al justo junto con el culpable? Tal vez haya en la ciudad cincuenta justos. ¿Y tú vas a arrasar ese lugar, en vez de perdonarlo por amor a los cincuenta justos que hay en él? ¡Lejos de ti hacer semejante cosa! ¡Matar al justo juntamente con el culpable, haciendo que los dos corran la misma suerte! ¡Lejos de ti! ¿Acaso el Juez de toda la tierra no va a hacer justicia?” (vv. 23-25). El Señor le respondió: si la ciudad es culpable, es justo condenar el crimen e infligir la pena, pero sería injusto castigar de modo indiscriminado a todos los habitantes. Si en la ciudad hay inocentes, estos no pueden ser tratados como culpables. En realidad en esa ejecución pagaron también justos por pecadores y la promesa del Santo Padre no se materializó.

Un poco más vieja que las películas aquí reseñadas es la de “Sansón y Dalila (1949)” del legendario Cecil B. DeMille, donde Sansón es el apuesto Víctor Mature, y Dalila, la atractiva Hedy Lamarr. Es una historia muy conocida, pero el film trata de endulzar de cierta manera la figura de Dalila, algo que no coincide con lo recogido por la biblia. No hay ninguna evidencia que ella se haya arrepentido de cómo trató a Sansón para arrebatarle el secreto de su fuerza. Es posible que ese sentimiento lo haya tenido en el momento en que todo se desmoronó ante la fuerza recuperada de Sansón. La realidad es que la historia retrata a Dalila como una mujer voluptuosa, nada sincera y jamás enamorada de Sansón.

Bíblico afiche 3.png

Por ahora me detengo aquí, es probable que en próximos artículos, se vuelva a abordar otras pelis de similares contenidos. Es deber aclarar que aquí no se critica a los realizadores de este tipo de cine, que en ocasiones muestran algunos hechos reales según su criterio. Cualquiera es libre de imaginarse algo de una forma, lo que no es justo es que modifique a los protagonistas, lugares y fechas, aparte de representarlos muy distintos a cómo los recogen las sagradas escrituras.

Fuentes

IMDB.com

Sagrada Biblia. 2017. Conferencia Episcopal Española. 1598 p.

Sampedro J. 2015. La Biblia como organismo vivo. El País, 20 jun. https://elpais.com/cultura/2015/06/18/babelia/1434637897_541961.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 abril de 2019

Personajes de los comics: Batman

El cómics es un medio muy especializado de arte, donde
habitan muchas cosas raras, talento e imaginación
.”
Grant Morrison (1960, dibujante escocés)

Batman

Casi al mismo tiempo que el Capitán Marvel, surgió el personaje de Batman o el Hombre Murciélago. Su creación fue obra de Bob Kane y el escritor Bill Finger. Batman apareció en tira de comics en mayo de 1939.

A diferencia de Superman y el Capitán Marvel, Batman es un personaje diferente, ya que sus poderes se basan en el uso de avances tecnológicos, con los cuales pudo crear una serie de vehículos y artefactos para su protección y ataque a los enemigos.

La leyenda es de un niño que queda huérfano de sus padres, asesinados en un asalto. Ya desde ese entonces se comprometió combatir la delincuencia hasta sus últimas consecuencias, por lo que se entrenó física y mentalmente para lograr sus objetivos. Como en el caso de Superman y el Capitán Marvel, Batman también tenía una doble personalidad. En la vida civil es Bruce Wayne o Bruno Díaz en las tiras de América Latina, mientras que para atacar o sorprender a los delincuentes se viste de Batman, cuya identidad es desconocida.

Todas sus armas se guardan en la enorme mansión y subterráneos de su propiedad, parte de la herencia que dejaron sus padres. Allí él es constantemente ayudado por su mayordomo, Alfred Pennyworth. A la leyenda se unió más tarde un chico muy hábil, al que se le conoce como Robin y que participa con Batman en todas sus acciones heroicas.

Batman apareció por primera vez en cine, en 1943, en serial de 15 episodios, dirigido por Lambert Hillyer, donde Lewis Wilson interpreta el papel de Batman/Bruce Wayne, y Douglas Croft el de Robin.

Batman afiches

Otro nuevo serial, de 15 capítulos también, se estrenó en 1949, el cual se tituló “Batman y Robin”, dirigido por el experimentado en seriales de acción/aventura Spencer Gordon Bennet, donde Batman/Wayne es Robert Lowery, y Robin lo intepreta Johnny Duncan.

En el período de 1966-68, hubo otro serial, de mucha aceptación, bajo la dirección de Lorenzo Semple Jr. y William Dozier, en el que Batman fue interpretado por Adam West, y Robin por Burt Ward.

Batman fue resucitado 30 años (1989) después del último serial mencionado. El director Tim Burton lo llevó nuevamente a la pantalla, pero en filme de 126 minutos de duración. El comediante Michael Keaton fue el encargado de encarnar al personaje, mientras que el malvado Joker era interpretado por el famoso Jack Nicholson. La peli contó con un buen reparto de actores/actrices de renombre, entre ellos Kim Basinger, Jack Palance, Pat Hingle y Michael Gough. Su secuela, “Batman vuelve”, se estrenó en 1992, donde Keaton, Hingle y Gough repitieron, esta vez con Danny DeVito y Michelle Pfeiffer como malvados, además de Christopher Walken.

Batman afiches 2

El director Joel Schumacher retomó a este personaje en “Batman forever (1995)”, donde Val Kilmer es Batman, mientras Tommy Lee Jones y Jim Carrey son los malvados. Nicole Kidman es la dama de la peli. De los dos filmes anteriores repitieron Hingle y Gough. Schumacher dirigió “Batman y Robin (1997)”, donde se re-estrenó a Robin interpretado por Chris O´Donell`, y la figura de Batman es interpretada por George Clooney, mientras Arnold Schwarzenegger fungía de malvado. Hingle y Gough se mantuvieron en sus papeles, Comisario Gordon y  el mayordomo Alfred Pennyworth, respectivamente.

Ya en el nuevo milenio han aparecido muchos filmes sobre este personaje, al extremo que hacen a uno perder el interés por ver estas películas. Estos son:

  • “Batman begins (2005)” de Chris Nolan con Christian Bale como Batman, Michael Caine como el mayordomo Alfred, y un reparto adicional con Liam Neeson, y Gary Oldman en el papel del Comisionado Gordon, entre otros.
  • “El caballero oscuro (2008)” de Nolan, donde Bale, Caine y Oldman repiten, mientras el ya difunto Heath Ledger es el villano Joker.
  • “El caballero oscuro, la leyenda renace (2012)”, igualmente de Nolan con el trío anterior repitiendo.
  • “Batman v Superman: el amanecer de la justicia (2016)” de Zack Snyder con Ben Affleck como Batman y Henry Cavill como Superman. En realidad en las tiras de comics, muchas veces estos dos personajes aparecieron juntos, así que no es nada nuevo esta unión.

Batman afiches 3

Ya incluso hay un nuevo filme sobre el personaje, que se estrenará en 2021 y donde Affleck es nuevamente el héroe. A eso hay que añadir los videos y animados que han aparecido en los últimos años, donde Batman es la figura principal.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 marzo de 2019, con información consultada en IMDB.com y online.

 

 

Personajes de los comics: Capitán Marvel

Nada que aparezca en una página de un cómics es
 accidental,
antes pasó por nuestra mente e imaginación.”
Will Eissner (1917-2005, dibujante de comics)

Superman también tuvo su émulo y este fue el llamado Capitán Marvel, al que nosotros en Cuba llamábamos Capitán Maravilla. Se trataba de otro personaje con superpoderes, pero no tantos como los que poseía Superman. El Capitán podía volar y podía rechazar las balas disparadas por el enemigo, poseía una fuerza descomunal, era capaz de levantar a todo un tren.

Su creación es de 1939 y la realizó el dúo del guionista Bill Parker con el dibujante Clarence Charles Beck. Su aparición en tira cómica tuvo lugar en febrero de 1940. Este héroe tenía una doble personalidad. Naturalmente era el joven Billy Batson, quien, al formar parte de un equipo de búsqueda de tesoros arqueológicos, se niega a entrar en la tumba de un pueblo antiguo con maldición, por lo que es premiado por poderes sobrenaturales que le permitieron convertirse en el Capitán Marvel con tan solo pronunciar la palabra SHAZAM, que viene a ser un acrónimo de Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio.

Afiche Capitan Marvel

En más de una oportunidad niños, de los países donde se veía el serial de este personaje, pronunciaron Shazam con la idea de convertirse en el Capitán Marvel. Según leí en revistas en el pasado, más de un niño pronunció la palabrita y se lanzó al aire para volar en ciudades de Estados Unidos. Lamentable, pero sucedió.

El Capitán Marvel superó en popularidad a Superman en la década de los 40. Al final hubo querella judicial, donde finalmente se pusieron de acuerdo, y el Capitán Marvel y Superman terminan como “buenos amiguitos”.

El serial, de 12 capítulos, de este personaje (Aventuras del Capitán Maravillas) se estrenó en 1941, cuyos directores fueron John English y William Witney. La interpretación de Billy Batson corrió a cargo de Frank Coghlan Jr., mientras que el Capitán Marvel fue encarnado por el actor de Oestes, Tom Tyler. En el serial, la batalla es entre Batson y el Capitán Marvel contra un ser malvado, el Escorpión.

Afiche Capitana Marvel

Recientemente, en 2019, se estrenó un filme, donde en vez del protagonismo de un hombre, lo es de una mujer llamada Capitana Marvel. El filme está dirigido por Anna Bowden y Ryan Fleck. La interpretación de esta heroína corre a cargo de Brie Larson. Esta peli ha tenido una buena aceptación del público. Como es natural, los efectos especiales son superiores a cualquier película realizada en 1940.

Escrito por Esteban Hernández, 8 de marzo de 2019, información consultada en IMDB.com

Personajes de los comics: Flash Gordon

En los cómics, las imágenes son en general impresionistas.”
Will Eissner (1917-2005, dibujante estadounidense de comics)

Flash Gordon

Un año después de la invención de Superman, en 1934, hizo su aparición un héroe astronauta, Flash Gordon. Con la diferencia que Superman se hizo famoso después que Gordon.

El personaje en cuestión fue creado por el dibujante Alex Raymond en enero de 1934, y apareció en las tiras dominicales del King Features Syndicate. Gordon fue como una especie de émulo de Buck Rogers, por lo que levantó muchas ronchas entre los promotores de Rogers. La realidad es que en los años 30, Gordon le arrebató la popularidad a Rogers.

Se trataba de un joven deportista, rubio, alto, fuerte, dotado de habilidades para pelear, correr y nadar, todo un olímpico, el que se tropieza, en un vuelo, a la bella Dalia Arden. En el Planeta Tierra estaban sucediendo fenómenos atmosféricos inéditos, por lo que el avión se precipitó y Gordon saltó con paracaídas, no sin antes llevarse consigo a Dalia y salvarle la vida. Ambos cayeron en un lugar, donde el Dr. Zarkoff- vaya coincidencia de darle un apellido ruso- preparaba un viaje fuera de la Tierra a fin de desviar un meteorito, causante de todas las anomalías. Zarkoff obligó a Gordon y a Dalia que les acompañaran, lo que así sucedió.

En el trayecto, Zarkoff se dio cuenta de la interferencia de un Planeta desconocido, con posibilidades de colisión con la Tierra, llamado Mongo, donde ellos aterrizan y son detenidos por fuerzas militares del temible Emperador Ming. De nuevo otra coincidencia, esta vez de malvado, con nombre chino, algo que no fue casual. Podría haber sido el Emperador Saito, pero los autores de Flash Gordon no quisieron ser directos con los japoneses, mejor era dar a entender a alguien con ojos asiáticos. El Emperador Ming parecía realmente a alguien del Asia.

Ming se enamoró de Dalia, envió a Zarkoff a trabajar en sus laboratorios e hizo lo imposible por eliminar a Gordon. Fue con este inicio que se desarrollaron acciones, todas encaminadas a combatir a Ming y sus malévolas intenciones.

Flash Gordon afiches

En Cuba, este personaje apareció en tiras de comics con el nombre de Roldán el temerario, pero en seriales de matiné siempre fue Flash Gordon.

Los seriales realizados en la segunda mitad de la década de los 30 fueron:

  • “La invasion de Mongo (1936)” de Frederick Stephani y Ray Taylor, con Buster Crabbe- el mismo que años después encarnara a Buck Rogers- como Flash Gordon, Jean Rogers como Dalia, el irlandés Frank Shannon como el Dr Zarkoff y  Charles Middleton en el papel del cruel emperador Ming. Serial de 13 capítulos.
  • El siguiente fue “Flash Gordon viaja a Marte (1938)” de Ford Beebe y Robert F. Hill, con similar reparto y constó de 15 capítulos.
  • El tercero y último fue “Flash Gordon conquista el Universo (1940)” de Beebe y Taylor, donde el rol de Dalia lo interpretó Carol Hughes. Este último serial tuvo 12 episodios, y los fans, como el que suscribe, se quedaron añorando uno más.

Ha habido otros seriales o filmes posteriormente, como el de 1954-55, de co-producción germano-estadounidense, donde Steve Holland interpreta el papel de Flash Gordon e Irene Champlin el de Dalia. El serial tuvo 31 capítulos, pero no fue muy visto ni tuvo el éxito del anterior de los años 30.  El mejor intento fue la película,  producción de Dino de Laurentis, “Flash Gordon (1980)”, dirigido por Mike Hodges, donde el atlético Sam J. Jones interpreta el papel de Flash Gordon, Melody Anderson el de Dalia, el israelí Topol el de Dr Zarkoff  y Max Von Sydow  es el Emperador Ming. En realidad esta cinta fue un filme de acción-comedia, que tuvo una banda sonora muy famosa creada por el conjunto Queens.

flashgordon 1980

Hubo otro serial en 2007, con 21 episodios, de Peter Hume, con la actuación de Eric Johnson y Gina Holder en los papeles principales, el que pasó sin gloria y con una pobre aceptación de la crítica popular. En opinión del que suscribe, los seriales de la década de los 30 tuvieron mucha más calidad y generaron más emoción que los filmes o seriales posteriores.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 marzo de 2019, con información consultada en los filmes y seriales mencionados de Flash Gordon.

Personajes de los comics: Superman

Los personajes se imponen, son tiranos, aparecen todos los días.
Pero también permanecen más en el recuerdo.”
Caloi (1948-2012, dibujante argentino de comics)

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El siguiente personaje, en orden cronológico de creación, es el Hombre Hierro, el que lo puede todo con su fuerza, poder de vuelo, visión telescópica y microscópica, visión de rayos-x y velocidad única, el conocido Superman, inventado por el escritor estadounidense Jerry Siegel y el canadiense Joe Shuster en 1933, en Cleveland, Ohio, historieta que vendieran más tarde a Detective Comics, Inc. en 1938 por tan sólo 130 dólares.

La historieta relata el nacimiento de un niño, de nombre Kal-El, en el planeta Kryptón, hijo de padre científico, Jor-El, y su madre Lara Lor-Van, los que a sabiendas que el lugar donde vivían desaparecería,  enviaron al niño en una nave espacial hacia la Tierra. El niño, al llegar a la Tierra, fue recogido por una familia de granjeros, los que le educaron, a la vez que se daban cuenta de los superpoderes del infante, el que termina graduándose de periodista, labor que comienza a realizar en un diario, donde conoce a su amada Lois Lane, la que se enamora de Superman, pero no asi de su compañero Clark Kent, que en realidad es el mismo héroe, solo que guardaba su personalidad para evitar problemas y poder ejercer mejor la justicia contra los malvados. A la figura de Superman hay que agregar la del villano Luthor, hombre que conocía el poder adverso que tenía un mineral llamado kriptonita para reducir los poderes de Superman.

El superhombre se hizo famoso en tiras de comics y luego en el cine a través de seriales de matiné.  Ya en 1941 aparecía este personaje en film animado de Dave Fleischer, mientras que Kirk Alyn, en la misma década de los 40, se convirtió en el primer actor en interpretar este papel en el cine, mientras Noel Neill aparecía como Lois.

Años después apareció un largo serial (1952-58), cuyo protagonista fue  George Reeves con la Neill nuevamente como Lois. Este serial constó de 104 episodios y era muy visto en la Habana, en la sala del desaparecido Cinecito, en la calle San Rafael. Semanalmente aparecía un nuevo episodio con Reeves como el superhombre.

Los Superman.png

En pantalla, Superman se mantuvo gracias a cortos animados, de mucha aceptación entre los niños, pero con el tiempo, parecería que el personaje desaparecía. El director Richard Donner retomó al personaje y llevó al actor Christopher Reeve (ningún parentesco con George Reeves) a interpretarlo. El primer filme se estrenó en 1978, con Margot Kidder como Lois y Gene Hackman como el temible Luthor. Esta cinta tuvo tremendo éxito, sobre todo por sus efectos especiales. En 1980 se estrenó la secuela del primer filme, donde Richard Lester unió esfuerzos con Donner para dirigirlo. Nuevamente repitió el trío ya mencionado. Lester dirigió uno más en 1983, donde Hackman se ausentó, mientras que el malvado fue Robert Vaughn en el papel de Ross Webster. La cuarta y última película protagonizada por Reeve fue dirigida por Sidney J. Furie, con la actuación nuevamente de Kidder y Hackman.

Dos Lois Lane

Posteriormente se han sucedido seriales con Superman de joven o adolescente, algunas nuevas películas con nuevos interpretes del personaje, pero a criterio del que suscribe, tanto George Reeves en su extenso serial, como Christopher Reeve en sus cuatro filmes, lograron dar una idea muy certera del Superman inventado por Siegel y Shuster.

Los malvados Hakcman y Vaugh

 

Escrito por Esteban Romero, el 3 marzo de 2019, con información consultada en línea

Personajes de los comics: Buck Rogers

El cómics es un medio muy especializado de arte,
donde habitan muchas cosas raras, talento e imaginación
.”
Grant Morrison (1960, Escocia, autor de comics)

Buck Rogers 1939

Los héroes inventados y luego publicados extensamente en las tiras de los comics son varios, por lo que aquí se relatarán aquellos considerados como los pioneros y probablemente los más importantes, cuyas figuras fueron igualmente llevadas al cine en más de una oportunidad, sea en seriales de TV o de matiné como en películas de cine.

Al seguir un orden cronológico, a Buck Rogers le pertenece este primer breve relato, personaje de ciencia ficción, que apareció en 1928 bajo el nombre de Anthony Rogers. Su autor fue Philip Francis Nowlan, quien publicó dos novelas sobre el héroe, el que fue el pionero en introducir el tema de la exploración espacial en los medios masivos.

La primera novela se tituló “Armageddon 2491 A.D.”, publicada en la revista Amazing Stories. Su secuela, “The Airlords of Han” (Los amos aéreos de Han), apareció en marzo de 1929. Cuatro años después, Nowlan y Dick Calkins publicaron una tercera novela, “Buck Rogers in the 25th Century” (BR en el siglo 25).

Buck Rogers 1939- 2

Este personaje se hizo aún más popular cuando se estrenó el serial “Buck Rogers (1939)”, de 12 capítulos, dirigido por Ford Beebe y Saul A. Goodkind, donde contó con Buster Crabbe (aparece en el reparto como Larry Crabbe) en el papel principal, además de Constance Moore como Wilma Deering, Jackie Moran como Buddy y Anthony Warde como el temible Killer (Asesino) Kane. En aquella época, el serial era pan caliente de matiné todos los sábados. Esta versión fue luego adaptada, en la década de los 50, para llevarla a la TV. En Cuba, fue de hecho el primer serial televisivo de aventuras en la pequeña pantalla.

Wheeler Oakman con Constance Moore en Buck Rogers (1940)

Wheeler Oakman con Constance Moore (Wilma) en Buck Rogers (1939)

Pasaron seis décadas para que Buck Rogers apareciera nuevamente en pantalla. Esta vez en un extenso serial de 39 capítulos, titulado “Buck Rogers in the 25th Century” (BR en el siglo 25), llevado a la TV por la cadena NBC. En esta serie, el papel principal fue interpretado por Gil Gerard, quien aparece como capitán William “Buck” Rogers, o sea que el nombre de Anthony desapareció en este caso. Erin Gray es la que interpreta el papel de Wilma. No hubo Buddy, y el actor Buster Crabbe extrañamente aparece en el papel del Brigadier Flash Gordon, personaje al que nos referiremos en otro escrito.

Buck Rogers en el 25to siglo

A pesar de que el serial de 1979 contó con más medios modernos tecnológicos, cinta a color y otros detalles, el realizado en 1939 fue más emocionante en su trama en general. Muchos adelantos mostrados en esta última serie, son ahora normales, como hablar directamente en pantalla con otra persona, los viajes interplanetarios, armas con rayos mortales y otros. Para aquel entonces parecían exageraciones, la vida ha demostrado que no lo eran.

Ahora Buck Rogers aparece no sólo en tiras cómicas, ya se le puede encontrar en videojuegos y el personaje se hace inmortal.

Fuentes

Anon. Buck Rogers. Toonopedia. https://www.webcitation.org/5a4rimqLN?url=http://www.toonopedia.com/buckrog.htm

https://www.IMDB.com

http://www.buck-rogers.com/

 

Escrito por Esteban Hernández, 21 febrero de 2019

Jackie Coogan, el primer niño actor destacado en el cine

Otros niños iban a ver a Babe Ruth[i].
Babe Ruth venía a verme a mí
.”
Jackie Coogan

Jackie Coogan

Esta vez se habla de Jackie Coogan, un actor niño, quien incluso actuó cuando tenía tan solo tres años en el film “Skinner’s baby (1917)” (El bebé de Skinner) de Harry Beaumont.

John Leslie Coogan Jr. nació el 26 de octubre de 1914 en Los Ángeles, en el seno de una familia de artistas de vodevil, donde su padre era un experto bailarín, y su madre había igualmente actuado desde su niñez. Es por eso, que desde temprana edad, Jackie viajaba con su familia y aparecía en escenarios donde sus padres actuaban. Para su suerte, Charles Chaplin lo descubrió y lo llevó a actuar en su corto “Un día de juerga (1919)”.

Su siguiente actuación fue en la comedia de Chaplin, “El chico (1921)”, de donde le viene el pseudónimo de Kid (Chico). En esta breve cinta, una pobre mujer tiene un hijo siendo soltera, cuyo padre la abandona y la deja desamparada, por lo que ella decide igualmente abandonar al niño esperanzada que pueda él caer en manos de gente de recursos. Cosas de la vida, el niño cayó en manos de un vagabundo (Tramp), el que se encariña  y decide criarlo.

Las siguientes actuaciones de Jackie fueron en:

  • “Peck’s bad boy” (El niño malo de Peck) de Sam Wood con Wheeler Oakman y Raymond Hatton,
  • “My boy” (Mi niño) de Albert Austin y Victor Heerman

Jackie protagonizó la primera versión fílmica de “Oliver Twist (1922)” de Frank Lloyd, donde interpreta el papel del famoso niño perdido y raptado. Luego protagonizó dos películas:

  • “La orfandad de Chiquilín (1923)” de E. Mason Hopper
  • “Chiquilín, artista de circo (1923)” de Edward F. Cline
  • “Viva el rey (1923)” de Victor Schertzinger

Jackie Coogan afiche

En lo sucesivo, dentro del cine silente, Jackie protagonizó:

  • La comedia “El pequeño Robinson (1924)” con Daniel J. O’Brien
  • El drama “Ropa vieja (1925)” con Joan Crawford, ambos filmes dirigidos por Edward F. Cline
  • El drama “El botones (1927)” de George W. Hill con Lars Hanson

Llegado el cine sonoro, no tuvo dificultades para adaptarse al mismo, entonces sus primeras actuaciones de importancia fueron en los filmes de aventura:

  • “Tom Sawyer (1930)” de John Cromwell,
  • “Huckleberry Finn (1931)” de Norman Taurog, en ambos con Junior Durkin

Jackie desapareció por cuatro años de la pantalla y regresó ya adulto para protagonizar el drama-oeste “La ley del oeste (1935)” de Arthur Jacobson con Randolph Scott, al que le siguieron:

  • El corto “Love in September (1936)” (Amor en setiembre) de Edward F. Cline
  • En papel de reparto de las comedias “Collage swing (1938)” de Raoul Walsh con Bob Hope y Betty Grable,
  • “Million dollar legs (1939)” (Piernas de un millón de dólares) de Nick Grinde con Betty Grable,
  • Del film de aventura “Sky patrol (1939)” (Patrulla del cielo) de Howard Bretherton con John Trent y Marjorie Reynolds

Nuevamente Jackie desapareció de la gran pantalla al alistarse en el ejército de su país durante la Segunda Guerra Mundial. Su retorno tuvo lugar en las comedias:

  • “Kilroy was here (1947)” (Kilroy estuvo aquí) de Phil Karlson,
  • “French leave (1948)” (Permiso francés) de Frank McDonald, en ambas con Jackie Cooper

En la década de los 50 se le vio actuar en papeles de reparto:

  • Del film de ciencia ficción “El ataque de las mujeres arañas (1952)” de Ron Ormond y Herbert Tevos con Allan Nixon y Richard Travis
  • Del musical “La máscara del dolor (1957)” de Charles Vidor con Frank Sinatra
  • De los dramas “Corazones solitario (1958)” de Vincent J. Donohue con Montgomery Clift y Robert Ryan
  • “High school confidential!! (1958)” (Escuela superior confidencial) de Jack Arnold con Russ Tamblyn y Jan Sterling

Jackie Coogan afiche 2

En los 60 y 70, sus mejores actuaciones fueron también en papeles de reparto de:

  • La comedia “Una yanqui en el Harén (1965)” de J. Lee Thompson con Shirley MacLaine y Peter Ustinov,
  • la comedia-drama “Un loco maravilloso (1966)” de Irvin Kershner con Sean Connery y Joanne Woodward
  • Del film de misterio “Marlowe, detective muy privado (1969)” de Paul Bogart con James Garner
  • Del oeste “La soga de la horca (1973)” de Andrew V. MacLaglen con John Wayne y George Kennedy
  • Co-protagonizó con Linda Haynes el film de horror “Human experiments (1979)” (Experimentos humanos) de Gregory Goodell.
  • Su última actuación, en el drama “Maestro en fugas (1982)” de Caleb Deschanel con Raul Julia y Teri Garr

Jackie trabajó regularmente para la TV a partir de los años 70 hasta el final de su carrera. Su vida no fue del todo feliz, ya que siendo niño ganó mucho dinero, que pasó a manos de sus padres. Cuando llegó a la edad adulta, en la década de los 30, él solicitó parte de su dinero, y su madre, viuda de su padre y vuelta a casar, junto con su entonces esposo, le negaron el dinero, lo que conllevó a que Jackie iniciara pleito judicial reclamando cuatro millones de dólares. El fallo judicial, aunque a su favor, solo le devolvió 126 000 dólares en 1939. Por esta razón, la legislatura de California pasó y aprobó la llamada Cuenta de Niños Actores (The Child Actors Bill), también conocida como el Acta de Coogan, que establece un fondo fiduciario para proteger las ganancias que tenga cualquier niño actor.

Jackie Coogan actuó en 147 películas entre 1917 y 1984, y dirigió un filme. Falleció de un infarto el 1 de marzo de 1984 en Santa Monica, California.

 

[i] Babe Ruth fue un famoso jugador de béisbol de los Yankees de Nueva York en las décadas de los 20 y 30.

 

Escrito por Esteban Hernández, 11 febrero de 2019, con información extraída de su obra inédita “Grandes del Cine Clásico de Todos los Tiempos” y de la web IMB.com

La tragedia del actor Richard Jaeckel

Conozco personas que se preocupan por mi problema, pues que brinden
en el bar por mí y que dejen que todo lo demás vaya como sea
.”
Richard Jaeckel

richard jaeckel al frente en cowboy 1958

Richard Jaeckel al frente en una escena de “Cowboy (1958)”

Uno de los actores más vistos en el cine en papeles de reparto fue el pequeño, apenas medía 170 cm, y fornido Richard Hanley Jaeckel, más conocido como Richard Jaeckel, el que naciera el 10 de octubre de 1926 en Long Beach, Long Island, Nueva York. Cuando era un adolescente, su familia se trasladó a vivir para Los Ángeles, donde cursó Escuela Superior de Hollywood. Para ganarse la vida, trabajó de mensajero para la 20th Century Fox, y fue en estas faenas que un director de reparto le descubrió. Al principio la idea de actuación a Jaeckel no le gustó, algo a lo que se adaptó al entender que era un mejor medio de vida.

Este actor debutó en el film bélico “Guadalcanal (1943) de Lewis Seiler. Luego fue un joven piloto en otra peli bélica, “Alas y plegaria (1944)” de Henry Hathaway. Vino su reclutamiento por el ejército de su país, donde cumplió cuatro años de servicio, y regresó al cine con actuación secundaria en otro film de guerra, “Arenas sangrientas (1949)” de Allan Dwan y protagonizado por John Wayne, película sobre la batalla de Iwo Jima.

Posteriormente, actuó en los oestes “El pistolero (1950)” de Henry King con Gregory Peck, quien fuera verdadero amigo suyo en la vida real, donde tuvo una breve presentación como un “guapo”; “Hombres violentos (1955)” de Rudolph Maté con Glenn Ford, Barbara Stanwyck y Edward G. Robinson; nuevamente en un filme bélico, “Ataque (1956)” de Robert Aldrich con Jack Palance y Eddie Albert; y los oestes “El tren de las 3:10 (1957)” de Delmer Daves con Glenn Ford y Van Heflin; y “Cowboy (1958)” de Delmer Daves con Glenn Ford y Jack Lemmon. A todas esas actuaciones hay que añadir la que tuvo en el drama “Vuelve, pequeña Sheba (1952)” de Daniel Mann protagonizado por Burt Lancaster y Shirley Booth.

richard jaeckel afiches

En lo sucesivo actuó, siempre como actor secundario, en:

  • El filme de crimen “Contrabando (1958)” de Don Siegel con Elli Wallach y Robert Keith
  • El filme bélico “Los tigres del mar (1960)” de Robert Montgomery con James Cagney
  • El filme de crimen “Ciudad sin piedad (1961)” de Gottfried Reinhardt con Kirk Douglas y Christine Kaufman
  • Filmes bélico “Doce del patíbulo (1967)” de Robert Aldrich con Lee Marvin y Ernest Borgnine, y su secuela, “Doce del Patíbulo: la siguiente misión (1985)” de Andrew V. McLaglen con Marvin y Borgnine
  • “La brigada del diablo (1968)” de Andrew V. McLaglen con William Holden y Cliff Robertson
  • El filme de acción “Casta invencible (1971)” (Sometimes a Great Notion) de Paul Newman con Paul Newman y Henry Fonda, donde Jaeckel fue realmente el más destacado en esa cinta.
  • Los oestes “La venganza de Ulsana (1972)” de Aldrich con Burt Lancaster
  • “Pat Garret y Billy el Niño (1973)” de Sam Peckinpah con James Coburn y Kris Kristofferson
  • El drama-suspense “Alerta: misiles (1977)” de Aldrich con Lancaster y Richard Widmark
  • El filme de ciencia ficción “Starman, el hombre de las estrellas (1985)” de John Carpenter con Jeff Bridges y Karen Allen
  • El filme de acción “Delta Force 2 (1990)” de Aaron Norris con Chuck Norris
  • Su último en la gran pantalla, el de acción “El rey de los kickboxers (1990)” de Lucas Lowe, que protagonizara junto a Loren Avedon.

richard jaeckel afiches 2

Obtuvo nominación a Oscar como mejor actor de reparto por su actuación en “Casta invencible (1971)”, y Golden Boot en 1992.

En resumen, actuó en 192 filmes de 1943 a 1994 y ha sido considerado como uno de los actores de reparto más perseverantes y laboriosos en el cine. Hay muchos artículos que alaban el trabajo de Jaeckel. Fue sin dudas un actor preferido por directores, como Robert Aldrich y Delmer Daves; y compañero de actores, como Paul Newman, Burt Lancaster, Gregory Peck y Glenn Ford. Sin embargo, muy pocos hablan o no hablan de las vicisitudes de este actor y de la esposa del mismo en los finales de su vida.

Jaeckel llegó a crear una fortuna con su trabajo en el cine, estuvo unas cinco décadas laborando en este ambiente, hasta que tropezó con una gran piedra en su camino, su esposa, Antoinette Marches, afectada de Alzhmeier. A esa desgracia se añadió poco después el cáncer de Jaeckel, y toda la fortuna que poseía hizo agua. En los inicios de 1994, tuvo que declararse en bancarrota y aún así, quedó debiendo 1.7 millones de dólares. Perdió su casa en Brentwood, California y todas sus propiedades para pagar la deuda por la atención médica que recibía. Para colmo, se le negó la entrada en el asilo y hospital de la Motion Picture and Television Country. De no haber sido por la intervención rápida de Gregory Peck, este actor y su esposa habrían muerto en las calles sin asistencia médica. Para suerte de ambos, Peck solucionó el asunto de los gastos en hospital y Jaeckel permaneció 3 años en dicho lugar. Su fallecimiento ocurrió el 14 de junio de 1997.

 

Escrito por Esteban Hernández, 28 enero de 2019, con información de IMDB.com y https://deportescineyotros.wordpress.com/2017/07/24/gregory-peck/

El “héroe” Tarzán tiene más de un siglo de existencia

Tarzán se convirtió en uno de los personajes
más icónicos del cine, debido a muchas
adaptaciones cinematográficas
.”
Gabriel Carvalho (bloguero y crítico de cine)

Hace unos días oía por la TV española algo de unos 90 años de existencia del personaje Tarzán. Es posible que no haya oído bien, pero la realidad es que el hombre mono saltó a la luz pública en octubre de 1912, en la revista All Story Magazine, personaje creado por el estadounidense Edgar Rice Burroughs, oriundo de Chicago, Illinois. Las historietas de Tarzán tuvieron buena acogida y Rice Burroughs se planteó explotar bien al personaje.

Se trataba, lógicamente, de un rubio, alto, fornido, que de bebé había caído en un avión, junto con sus padres, en una selva africana. El bebé fue recogido por los simios del lugar, los que le criaron y  así surgió la figura de Tarzán. Años después, aparecieron unos ingleses, entre los que se encontraba la bella Jane, los que descubrieron a Tarzán, descendiente de la familia noble de los Greystoke. El joven causó buena impresión por sus habilidades para saltar de árbol en árbol, brincar, correr y nadar, así como poder hablar con los animales del lugar. Jane se enamoró de Tarzán, y el “héroe” tampoco perdió la ocasión para iniciar el rollo con la bella inglesa.

Tarzán entretiene y no es más que otra versión de cómo Occidente ha tratado de significar una supuesta superioridad de los blancos sobre los negros. Los nativos en África no eran capaces de entenderse con los animales, Tarzán sí. Tampoco los nativos eran pacíficos con los que venían de fuera, Tarzán les daba la bienvenida, aunque siempre rechazó las armas de fuego, un punto a su favor.

Al parecer Tarzán era incapaz de procrear, pues jamás logró que Jane le pariera un hijo, y era una época que no había TV y los anticonceptivos no estaban a la mano como ahora. Hay quien en broma dice que es muy posible, que de salto en salto, un testículo se le haya quedado colgado en una rama de un árbol. El único hijo que se le conoció fue Boy, que corrió igual suerte que el bebé de los Greystoke, adoptado pero no por monos.

Rice Burroughs escribió algunas sandeces, lo que demostraba que su cultura tenía límites. En ocasiones, exhibía a Tarzán combatiendo tigres, animales inexistentes en África, lo cual ocasionó la protesta de personas conocedoras de la fauna africana.

No obstante, Rice Burroughs logró hacer fortuna, al extremo de adquirir un gran rancho al norte de Los Ángeles, California, al que llamó “Tarzana”, y luego la comunidad de ese lugar igualmente adoptó ese nombre en 1927. La popularidad de Tarzán conllevó a que en Texas fuera así llamada otra comunidad. Rice Burroughs, en 1923, creó su propia productora de impresión de sus libros, la que se mantuvo durante buen tiempo en esas funciones.

Tarzán logró más popularidad con los filmes alrededor de su personaje. El primero en interpretar este papel fue Elmo Lincoln, un hombre con más facultades de minero que de actor, quien protagonizó el film silente “Tarzán de los monos (1918)” del director Scott Sidney, aunque el papel de Tarzán niño recayó en Gordon Griffith, que si vamos al caso, éste fue el primero. Lincoln no tenía ningún atractivo, no era atlético ni nada parecido, a Rice Burroughs no le gustaba. Así y todo, volvió a interpretar a Tarzán en el film “The Romance of Tarzan (1918)” de Wilfred Lukas, y en el serial “Las aventuras de Tarzán” (1921) de Robert Hill y Scott Sidney. En estas pelis, Enid Markey interpretó el papel de Jane, excepto en las aventuras de 1921, donde Louise Lorraine la sustituyó.

Paralelamente se estrenaron dos películas sobre Tarzán en 1920, la primera fue “The revenge of Tarzan (1920)” (La revancha de Tarzán) de Harry Revier y George M. Merrick con Gene Pollar como Tarzán y Karla Schramm como Jane, mientras que la segunda fue “The son of Tarzan (1920)” (El hijo de Tarzán) de Arthur J. Flaven y Harry Revier con P. Dempsey Tabler como Tarzán y Karla Schramm nuevamente como Jane.

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James Pierce fue un destacado jugador de fútbol americano en la Universidad de Indiana. Fue el mismo Edgar Rice Burroughs, en el rancho Tarzana, quien convenció a Pierce para interpretar el papel de Tarzán. Pierce aceptó, además de casarse con la hija de Rice Burroughs. Fue así que protagonizó el film “Tarzán y el león dorado (1927)” dirigido por J.P. McGowan con Edna Murphy como Betty Greystoke en lugar de Jane. Esta peli fue un desastre. Pierce había renunciado a protagonizar el famoso film “Alas (1927)” de William A. Wellman, que en 1929 se llevó el Oscar a la mejor película, para protagonizar otra peli de aventuras de la que nadie se acuerda. Más tarde se dedicó a interpretar distintos papeles en seriales de aventura, y seguro está el que suscribe que lo reconocen y recuerdan más como el rey de los hombres leones, en el primer serial de Flash Gordon de 1936, que como Tarzán.

Las siguientes películas, con Tarzán como héroe, fueron protagonizadas por Frank Merrill, quien había sido doble para Elmo Lincoln en los dos primeros filmes de este actor, además de guardia árabe en “Las aventuras de Tarzán (1921)”. Así se estrenó “Tarzan the mighty (1928)” (Tarzán el poderoso), último filme silente de Jack Nelson y Ray Taylor, con Frank Merrill como Tarzán, y no hubo Jane, pero sí una dama de nombre Mary Trevor interpretada por Natalie Kingston. Le siguió “Tarzan the Tiger (1929)” (Tarzán, el Tigre) de Henry McRae, mientras que el papel de Jane retornó, interpretado por la misma Natalie Kingston. Este fue el primer filme sonoro sobre la figura de Tarzán.

Hasta aquí, sin incluir a Gordon Griffith, hay cinco actores que interpretaron el papel de Tarzán. Esta cronología es importante, ya que unos ponen de cuarto o quinto a actores que lo fueron algo después. El sexto fue el considerado como el mejor de todos los tiempos, se trata de Johnny Weissmuller, quien había ganado tres medallas de oro en natación, en los Juegos Olímpicos de Paris de 1924, y otras dos en Ámsterdam, en 1928, además de dejar implantados 67 récords mundiales. A eso se suma el hecho de que Weissmuller fue miembro del equipo de polo acuático de EE.UU. a las olimpiadas. Weissmuller era oriundo de Freidorf, distrito de Timisoara, Rumania, y sus padres habían emigrado a EE.UU. cuando el pequeño Peter Johann (su nombre original) tenía apenas  siete meses de nacido.

Como actor Weissmuller no era de gran calidad, ni remotamente, pero podía hacer cosas en el orden físico, además de inventar el grito, que lo hizo aún más famoso. Su primera película en este papel fue “Tarzán de los monos (1932)” de W.S. Van Dyke con Maureen O’Sullivan como Jane. A continuación la pareja Weissmuller- O´Sullivan protagonizó:

  1. “Tarzán y su compañera (1934)” de Cedric Gibbons, James C. McKay y Jack Conway
  2. “La fuga de Tarzán (1936)” de Richard Thorpe y John Farrow. Después de estrenada esta peli el director Farrow se casó con Maureen O´Sullivan, a lo cual ni el mismo Tarzán se pudo oponer
  3. “Tarzán y su hijo (1939)” donde debutó Johnny Sheffield como Boy, el hijo adoptivo de Tarzán y de Jane.
  4. “El tesoro de Tarzán (1941)”
  5. “Tarzán en Nueva York (1942)”, última peli de Maureen O´Sullivan como Jane, todos estos dirigidos por Richard Thorpe.
  6. “El triunfo de Tarzán (1943)”
  7. “Tarzán el temerario (1943)”, estos dos últimos dirigidos por Wilhelm Thiele, protagonizados por Johnnie Weissmuller y Johnny Sheffield, con ausencia de Jane
  8. “Tarzán y las Amazonas (1945)” de Kurt Neumann, film en el que debutó Brenda Joyce como Jane
  9. “Tarzán y la mujer leopardo (1946) de Kurt Neumann con Johnnie Weissmuller, Brenda Joyce y Johnny Sheffield
  10. “Tarzán y la cazadora (1947)” de Kurt Neumann con Johnnie Weissmuller, Brenda Joyce y Johnny Sheffield, estos tres últimos del director Kurt Neumann.
  11. “Tarzán y las sirenas (1948)” de Robert Florey con Johnnie Weissmuller y Brenda Joyce. Johnny Sheffield no actuó ni se le vio más actuar en el rol de Boy.

Mientras Weissmuller era visto como el Super Tarzán, hubo intentos de otras productoras de arrebatarle el personaje con otros actores, igualmente de escasa calidad, pero con dotes igualmente deportivas.

El primero de ellos fue Larry “Buster” Crabbe, el que con el tiempo logró mejorar sus habilidades de actuación. Crabbe fue campeón olímpico de 400 metros estilo libre en las Olimpiadas de 1932 en Los Ángeles, y había protagonizado el film de aventura “El hombre león (1933)”, igualmente llamado “Kaspa”, de H. Bruce Humberstone y Max Macin, cinta de poca monta, pero que le valío a Crabbe para, cinco meses después, protagonizar el serial “Tarzán de las fieras (1933)” de Robert F. Hill, donde a falta de Jane, apareció el personaje de Mary Brooks interpretado por Julie Bishop. Este material actualmente está disponible como película, donde se eliminaron algunas partes, se redujo su extensión para poder comercializarlo como DVD.

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El siguiente Tarzán era muy sui generis, lo interpretó el sub-campeón olímpico de 1928, en lanzamiento de la bala, Herman Brix, luego conocido como Bruce Bennett. Su película fue un serial,  “Las nuevas aventuras de Tarzán (1935)” de Edward A. Kull, donde Lord Greystoke, Tarzán, aparece como un hombre culto y poliglota, en realidad nada que ver con la historia original de Rice Burroughs. Le siguió “La venganza de Tarzán (1938)” de D. Ross Lederman, esta vez Tarzán fue encarnado  por Glenn Morris, campeón de decatlón en los juegos olímpicos de 1936 en Alemania, mientras que Eleanor Holm interpretó el papel de Eleanor Reed, sustituta de Jane.

Así que Morris fue el noveno Tarzán, mientras que el décimo le tocó a un hombre bien parecido, alto, todo un galán, por supuesto, rubio. Se trata de Lex Barker, un hombre que pasó su corta vida artística interpretando papeles de héroes en Oestes, pelis de aventuras y acción. Los filmes de Tarzán, en todos con una actriz distinta como Jane, protagonizados por Barker fueron:

  1. “Tarzán y la fuente mágica (1949)” con Brenda Joyce por última vez como Jane
  2. “Tarzán y la esclava (1950)” con Vanessa Brown como Jane, ambos filmes dirigidos por Lee Sholem
  3. “Tarzán en peligro (1951)” de Byron Haskin con Virginia Huston como Jane
  4. “Tarzán, furia salvaje (1952)” de Cy Endfield con Dorothy Hart como Jane
  5. “Tarzán y la mujer diablo (1953)” de Kurt Neumann con Joyce McKenzie como Jane

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El siguiente Tarzán fue un hombre de figura atlética, una especie de Charles Atlas en su época, era judoca, especialista en combates cuerpo a cuerpo en la infantería de su país, se trata de Gordon Scott, en cuyos filmes de Tarzán, se eliminó de hecho la figura de Jane, mientras que la de Boy pasó a mejor olvido. Sus filmes fueron:

  1. “Tarzán en la selva escondida (1955)” de Harold D. Schuster con Vera Miles
  2. “Tarzán lucha por su vida (1958)”
  3. “Tarzán y el safari perdido (1958)”, estos dos dirigidos por H. Bruce Humberstone
  4. “La gran aventura de Tarzán (1959)” de John Guillermin, donde Sean Connery es uno de los malvados del film
  5. “Tarzán el justiciero (1960)” de Robert Day
  6. “Tarzán y los cazadores (1960)” de Charles F. Haas y Sandy Howard

Mientras se estrenaban las pelis protagonizadas por Scott, se realizó otro film, con otro actor, Denny Miller, destacado jugador de baloncesto, el que protagonizó una nueva versión de “Tarzán de los monos (1959)”, dirigido por Joseph M. Newman con Joanna Barnes en el papel de Jane Parker. Miller fue el duodécimo Tarzán.

Jock Mahoney fue un excelente deportista, quien igualmente sobresalió como nadador, jugador de baloncesto y fútbol. Su debut en película de Tarzán fue como villano en “Tarzán el justiciero (1960)”, luego se hizo cargo del personaje y protagonizó:

  1. “Tarzán en la India (1962)” de John Guillermin con Jock Mahoney
  2. “Tarzán en peligro (1963)”de Robert Day con Jock Mahoney
  3. Serial TV “Tarzán (1966-67)”

Se dice que Mahoney enfermó de disentería durante el rodaje de su último filme, perdió mucho peso y la MGM lo despidió.

Los filmes de Tarzán eran todos de producción estadounidense, la mayoría filmados en México o en áreas meridionales de los EE.UU. Italia fue el primer país que produjo por su cuenta una cinta sobre este tema, fue “Tarzán contra los hombres leopardos (1964)” del director Carlo Veo con Ralph Hudson en el papel del héroe.

El décimo cuarto Tarzán fue Mike Henry, estelar jugador de fútbol en los equipos de los Pittsburgh Steelers (1958-61) y Los Angeles Rams (1962-64), quien poco después interpretó el rol de Tarzán en:

  1. “Tarzan 66 (1966)” (originalmente “Tarzan and the valley of gold”)
  2. “Tarzán en el Amazonas (1967)”, estos dos primeros de Robert Day
  3. “Tarzán y el niño de la jungla (1968)” de Robert Gordon, todos estos filmes, co-producción suiza-estadounidense

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El décimo quinto Tarzán fue Ron Ely, de quien se afirma, que era el que mejor encarnaba al personaje tal como fuera descrito por Edgar Rice Burroughs. Ely se negaba a que usaran dobles en las escenas de sus filmes, en que saltaba de liana en liana o tenía combates con fieras, por lo que muchas veces resultó lesionado. Así protagonizó:

  1. “Tarzán y la rebelión en la jungla (1967)” de William Witney
  2. “Tarzan and the four o´clock army (1968) de Alex Nicol
  3. “Tarzan´s deadly silence (1970)” de Robert L. Friend
  4. “Tarzán en Nairobi (1971)” de Alex Nicol nuevamente

Los siguientes intérpretes de este personaje han sido:

  1. El croata Steve Hawkes en “Tarzán en la gruta de oro (1968)”, film de co-producción hispano-italo-boricua, y.
  2. “Tarzán y el arco iris (1972)”, co-producción hispano-italo-filipina, ambos de Manuel Caño

El canario David Carpenter, cuyo nombre real es Domingo Codesido Ascanio, en “Tarzán en las minas del rey Salomón (1974)” de José Luis Meriño,  de producción española

El neoyorquino Christopher Lambert en “Greystokes: La leyenda de Tarzán, el rey de los monos (1984)” de Hugh Hudson con Andie McDowell como Jane. Probablemente la película que mejor refleja la historia de Tarzán o de Lord Greystokes.

Luego Joe Lara, ex-doble, encarnó a Tarzán en:

  1. “Tarzán en Manhattan (1989)” de Michael Schulz, remake de la peli de 1942, a colores, en la que actúa el estelar Tony Curtis como padre de Jane Porter (Kim Crosby)
  2. El filme para la TV “El retorno de Tarzán (1996)” de Brian Yuzna
  3. El serial para la TV “Tarzan: the epic adventures (1996)”

El sueco Alexander Skarsgård  fue Tarzán en “La leyenda de Tarzán (2016)” de David Yates con Margot Robbie como Jane, peli en la que igualmente actúa Samuel L. Jackson.  Muchas partes de esta cinta resultan cómicas en realidad.

Tarzán ha aparecido en otros seriales, como:

  1. “Tarzán (1991-95)” con el alemán Wolf Larson como Tarzán.
  2. “Tarzán y Jane (2002)”,
  3. “Tarzán (2003)” de Eric Kripke, Michael Colleary, Mike Werb con Travis Fimmel como Tarzán y Sarah Wayne Callies como Jane.

Igualmente en animados:

  1. “Tarzan, lord of the jungle (1976-78)”
  2. “Tarzán (1998)” de Mark Young, de producción estadounidense.
  3. Tarzán (2013)”, de Reinhardt Klooss.
  4. “Tarzán, la serie animada (2001-03)”,

Además de comedias, donde la figura de Tarzán es objeto de chanza o burla:

  1. El corto “Nature in the wrong (1933)” (Naturaleza equivocada) dirigida y protagonizada por Charley Chase, realmente para reír.
  2. Comedia-drama “Tarzanova smrt (1963)” (La muerte de Tarzán) de Jaroslav Balík con Rudolf Krusínský como Tarzán, film de producción checoslovaca.
  3. La comedia y film de acción “Tarzun and the valley of Lust (1970)” (Tarzún en el valle de la lujuria) de W.P. Mogul con Duane Prodd como Tarzun y Chris Robin como Jayne.
  4. La comedia y film de acción “Tarzán el fabuloso hombre de la jungla (1972)” de Demofilo Fidani con Armando Bottín en el papel de Karzán y Simonetta Vitelli como Shirán, de producción italiana.
  5. “Adventures of Tarzan (1985)” de Babbar Subhash con Kim Katkar como Tarzán, de producción india.

La figura de Jane o Juana aparece en los filmes de Tarzán a conveniencia del director de turno. Unas veces como Jane Porter, otras como Jane Clayton, en otras no aparece, como sucedió en la mayoría de los filmes de Gordon Scott, Jock Mahoney, Mike Henry y Ron Ely. El niño Boy estuvo solo presente en las películas protagonizadas por Johnny Weissmuller. No obstante, casi siempre el chimpancé Cheetah ha acompañado a Tarzán en sus aventuras. Se dice que chimpancés de seis generaciones han pasado por la gran pantalla.

El tema de Tarzán se desarrolla casi siempre en África, donde el menor protagonismo lo han tenido los nativos de este continente, o sea como gente que no sabe hacer nada o que no son amistosos. Por lo que el vestigio de discriminación está presente, a veces sutilmente. Para los que hemos tenido la suerte de conocer una parte de África, y no poca, podemos afirmar que realmente Tarzán vive en un mundo inventado, que tiene algunas similitudes con algunas partes de África. En otros filmes, Tarzán cómicamente aparece viajando a países de América Latina como todo un Superman a resolver conflictos locales, algo que mueve a risa. No obstante, estos filmes son del agrado de los niños y resultan entretenidos, al menos son menos dañinos que la caterva de filmes plagados de escenas, donde los humanos mueren como moscas, o aquellos que giran demasiado alrededor del problema de la droga. Tarzán tiene a su favor el hecho de ser promotor de la protección del ambiente y el de oponerse firmemente al uso de las armas de fuego. Ya en la cinta de 2016, “La leyenda de Tarzán” vino con un acento anticolonialista, donde se relata algo de la independencia del Congo de Bélgica.

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 enero de 2019, con información extraída de IMDB.com

 

“Le Soldatesse (1965)”, un filme con historia y profundidad

Preferiría la paz más injusta a la más justa de las guerras.”
Cicerón (106-43 AC, escritor, orador y político romano)

le soldatesse

Hace muchos años tuve la oportunidad de ver por primera vez el filme de referencia en Kiev, capital de Ucrania, entonces parte de la desaparecida URSS. Hace poco, la volví a ver, creo que por tercera vez. La peli se presentaba en la URSS con el título “Они шли на восток” (Ellos fueron al oriente), dirigida por Valerio Zurlini, con el protagonismo del actor cubano Tomás Milián (La fiesta del chivo, 2005), la eficiente actriz danesa Anna Karina (Una mujer es una mujer, 1961), la francésa Marie Laforêt, muy conocida en Cuba por su actuación en el filme franco-italiano “A pleno sol (1960)”, que fuera coincidentemente su debut en la gran pantalla; la atractiva italiana Lea Massari (El coloso de Rodas, 1961) y el actor italo-suizo Mario Adorf (El caso Matteotti, 1973).  Ese reparto se completaba con el actor serbio Aleksandar Gavric, que interpretara cabalmente el papel del Mayor Alessi de las Camisas Negras, durante la ocupación de Grecia por las tropas italianas, en la II Guerra Mundial.

La trama es interesante, triste y cómica en algunas ocasiones. Como dijera el Mayor Alessi, nos puede faltar la comida, pero no las mujeres. No se equivocaba, la misión dada a los regulares del ejército, al teniente Martino (Milián) y al sargento Castagnoli (Adorf) era llevar a un grupo de prostitutas, algunas que se iniciaban en este antiguo oficio, a destacamentos italianos para su entretenimiento. El desarrollo del filme muestra claramente que una cosa era el ejército regular italiano y otra las Camisas Negras, tropas de choque, utilizadas por Mussolini a su antojo. Los militares tenían otra ética, buscaban la forma de relacionarse con los locales, las Camisas Negras actuaban muy distinto, nada de lo local, excepto el sexo, les agradaba. Esa contradicción resulta evidente entre el comportamiento de Martino y Castagnoli, muy diferente al de Alessi.

Las prostitutas tenían también comportamiento diferenciado, unas se acogían a su trabajo con pragmatismo, otras lo hacían, pero en el fondo rechazaban todo lo que viniera de los ocupantes. Tanto el comportamiento de los militares como de las prostitutas ocasionó conflictos inesperados durante la travesía.

Sin embargo, Martino era un hombre de principios, adolorido por todo lo que veía en el campo de batalla, añoraba regresar a su patria y dedicarse a alguna actividad productiva. Su trato con las prostitutas le valió el amor de casi todas, aunque él rechazaba aprovecharse, y solo había puesto sus ojos en la más negada a la ocupación de su país.

Las Camisas Negras eran crueles, y cobardes también, eso se evidencia a lo largo del filme. Gente de bravuconería barata, los que cuando se tenían que enfrentar a las guerrillas griegas, les temblaban las piernas; gente individualista, incapaz de sentir por el dolor ajeno de las tropas en combate.

Soldatesse significa mujeres soldados, probablemente una burla de parte del director Zurlini, ya que esas mujeres lo que menos hacían era labores como militares. Esta cinta, en blanco y negro, es aconsejable para todos los amantes del Cine Clásico. A los seres humanos se les debe ver en las malas y en las buenas, este filme ayuda a verlos en las malas, y a entender nuevamente las miserias de la guerra y las bajezas humanas ante la tragedia.

Escrito por Esteban Hernández, 26 enero de 2019, con consulta a IMDB.com

 

Ivo italiano, luego Yves, Cantante-Actor Francés

 Las respuestas nos hacen sabios,
las preguntas nos hacen humanos
.”
Yves Montand

yves montand

No sabía el niño Ivo que la dictadura de Mussolini, si bien obligó a su familia a emigrar a Francia, al final se revertiría en una carrera artística llena de éxitos. El artista en cuestión es el conocido Yves Montand, a quien este autor le vio primero por la radio, oía algunas de sus canciones que poseían un sello muy particular por su voz y entonación, no entendía entonces lo que decía, pero era tan melódico que realmente fascinaba. Luego pasó un tiempo para que le viera en un papel de malvado en el drama “La ley (1959)” de Jules Dassin con Gina Lollobrigida y Marcello Mastroianni entre otras actrices y actores, película que se estrenó en Cuba por la TV en el mismo año 1959.

El niño Ivo Livi nació en el 13 de octubre de 1921 en Monsummaso Terme, Italia, justamente en ese año es que su familia, de padre campesino y comunista, decidió escapar de la persecución del régimen ya imperante en Italia. De niño su familia le hablaba en el dialecto de la Toscana, y dice la leyenda que su madre acostumbraba a llamarlo: “Ivo, monta”, o sea, Ivo, sube, y fue así que surgió su apellido artístico Montand. Su familia se asentó en la cosmopolita Marsella, donde Yves ya de joven, tuvo que trabajar en barbería y en los muelles. Su debut artístico fue en el canto, sucedió en 1944, año en el que conoció a la brillante cantante Edith Piaf, con la cual tuvo relaciones íntimas por espacio de dos años. Usualmente cantaba en cabarets y teatros de las grandes ciudades de Francia. Unas de sus canciones de mayor éxito fueron “A Paris” y “Les feuilles mortes” (Las hojas muertas). Montand siempre amó el teatro, sea para cantar en el Olympia de París como para interpretar en alguna obra. Aún en su vejez, allá por 1980, cantaba en este famoso teatro. En 1954, había obtenido un gran éxito actuando en la pieza teatral “Las brujas de Salem” de A. Miller, que años después protagonizaría en la gran pantalla.

En el cine, no le resultó difícil ser escogido para actuar, era de alta estatura, elegante, bien parecido, de hablar pausado, con todos los dotes de un galán. Debutó en el drama “Etoile sans lumière (1946)” (Estrella sin luz) de Marcel Blistène con Edith Piaf, Jules y Mady Berry, al que le siguió otro drama, “Las puertas de la noche (1946)” de Marcel Carné con Pierre Brasseur y Serge Reggiani. Posteriormente actuó:

  • En el suspense “El salario del miedo (1953)” de Henri-Georges Clouzot con Charles Vanel, donde Montand realmente brilló con su interpretación. Un filme que aborda la explotación laboral en un pueblo de EE.UU.
  • El film de aventura “Los héroes están cansados (1955)” de Yves Ciampi con María Félix, donde la trama gira alrededor de un contrabando de diamantes
  • Los dramas “Napoleón (1955)” de Sacha Guitry con Jean-Pierre Aumont y Jeanne Boitel, donde encarna el papel del mariscal Lefebvre
  • “Hombres y lobos (1956)” de Giusseppe De Santis con Silvana Mangano y Pedro Armendáriz, trama con un triángulo de amor que ve envuelto a dos cazadores de lobos
  • “Las brujas de Salem (1957)” de Raymond Rouleau con Simone Signoret, papel que le era conocido por su interpretación en teatro
  • “La ley (1958)” de Jules Dassin con Gina Lollobrigida, Marcello Mastroianni, Melina Mercouri y Pierre Brasseur, film del que hablamos al inicio y donde Montand encarna a un individuo del sur italiano carente de toda ética

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Aunque en la década de los 60, Yves Montand como su esposa, la actriz Simone Signoret, eran miembros activos del movimiento comunista, Montand decidió probar suerte en el cine norteamericano, donde debutó en la comedia “El multimillonario (1960)” de George Cukor con Marylin Monroe. Se rumoró entonces que la Monroe había tenido un romance intenso con Montand, al extremo que Simone le escribió a la famosa actriz norteamericana para que no rompiera el matrimonio existente. Luego Montand actuó en:

  • Los dramas “No me digas adiós (1961)” de Anatoli Litvak con Ingrid Bergman y Anthony Perkins,
  • “Réquiem para una mujer (1961)” de Tony Richardson con Lee Remick
  • La comedia “Mi dulce Geisha (1961)” de Jack Cardiff con Shirley MacLaine y Edward G. Robinson
  • El film de misterio “Los raíles del crimen (1965)” bajo la guía de Costa Gavras por primera vez, y con Simone Signoret y Jacques Perrin entre otros
  • Los dramas “La guerra ha terminado (1966)” de Alain Resnais con Ingrid Thulin y Geneviève Bujold,
  • “Grand Prix” (1966) de John Frankenheimer con James Garner y Toshiro Mifune
  • El film bélico “¿Arde París? (1966)” de René Clément con Charles Boyer, Jean-Paul Belmondo entre otros destacados actores
  • Los dramas “Vivir para vivir (1967)” de Claude Lelouch con Annie Girardot y Candice Bergen,
  • “Z (1969)” de Costa-Gavras con Jean-Louis Trintignant, film que trata sobre la Grecia bajo la dictadura militar en los años 60
  • En papel de reparto de la comedia “El diablo por la cola (1969)” de Philippe De Broca con Jacques Balutin

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Ya en ese entonces Montand y Simone Signoret, totalmente enojados con la intervención soviética en Checoslovaquia (1968), decidieron renunciar a su militancia comunista y, a su vez, unieron fuerzas con el director Costa-Gavras nuevamente, para protagonizar el drama “La confesión (1970)”, film sobre la represión en Checoslovaquia y que fuera estrenado en este país europeo en 1990, justamente con la salida de esta nación del Pacto de Varsovia y del bloque soviético. Así y todo, igualmente Montand protagonizó otro interesante filme entonces muy actual, “Estado de sitio (1973)” de Costa-Gavras con Renato Salvatori, cuya trama gira sobre la acción de los famosos guerrilleros tupamaros en Uruguay y la captura del agente de la CIA, Dan Mitrione, papel que Montand interpretó. También actuó en:

  • El film de crimen “El círculo rojo (1970)” de Jean- Pierre Melville con Alain Delon
  • Las comedias “Vuelve a mi lado (1970)” de Vincente Minnelli con Barbra Streissand, “Ella, yo y el otro (1972)” de Claude Sautet con Romy Schneider
  • Los dramas “El azar y la violencia (1974)” de Philippe Labro con Katharine Ross,
  • “Tres amigos, sus mujeres y los otros (1974)” de Sautet con Michel Piccoli y Regge Serggiani
  • El film de acción-drama “Mi hombre es un salvaje (1975)” de Jean-Paul Rappeneau con Catherine Deneuve
  • El suspense “Police Python 357 (1976)” de Alain Corneau con François Périer y Simone Signoret
  • Los dramas “Las rutas del sur (1978)” de Joseph Losey con Miou-Miou,
  • “Una mujer singular (1979)” de Costa –Gavras con Roberto Benigni
  • El suspense “I …como Icaro (1979)” de Henri Verneuil con Michel Albertini

yves montand afiches 3

En la década de los 80, continuó su labor, pero con menos intensidad que en períodos anteriores, así actuó en:

  • La comedia “Tout feu, tout flamme (1981)” (Todo fuego, todo llama) de Jean-Paul Rappeneau con Isabelle Adjani
  • El drama “Garçon! (1983)” (Camarero) de Sautet con Nicole García
  • Los dramas “El manantial de las colinas (1986)” con Gérard Depardieu y Daniel Auteuil,
  • “La venganza de Manon (1986)” con Auteuil nuevamente, ambos del director Claude Berri

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “El multimillonario (1960)” y como mejor actor por “El manantial de las colinas (1986)”. Nominado para premio César como mejor actor por “I…..como Icaro (1979)” y “Garçon! (1983)”. Obtuvo premio en el festival de Karlovy Vary como mejor actor por “Las brujas de Salem (1957)”. Obtuvo premio Gala Tribute del Centro de la Sociedad Fílmica Lincoln.

Montand era incansable, actuó en un total de 61 películas entre 1941 y 1992, productor de un filme. Falleció de un infarto el 9 de noviembre de 1991 en Seulise, Francia, mientras transcurría la filmación del drama “IP 5: la isla de los paquidermos (1992)” de Jean-Jacques Beineix con Olivier Martinez. Sus restos yacen junto a los de su esposa, Simone Signoret, en el cementerio de Père Lachaise en París.

 

Escrito por Esteban Hernández, 8 enero de 2019, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

“El Valle de la Violencia” o “Shenandoah (1965)”

La humanidad no puede liberarse de la violencia
más que por medio de la no violencia
.”
Mahatma Gandhi

El Valle de la Violencia

Si alguien lee la sinopsis del film de referencia, verá que está catalogado como drama, film de guerra y oeste, pero de esto último realmente tiene poco, excepto aquellos soldados que cabalgan. Aquí no hay duelos, ni vaqueros sacando sus pistolas rápidamente o golpeando al adversario a puño limpio. Nada de eso, es una cinta por la paz, así lo vi y así aún lo veo, con clara exposición de las vicisitudes de una guerra, donde incluso aquellos que no se involucran, no pueden evitar el hecho que sus vidas o las de sus seres queridos sean dañadas a veces mortalmente.

La trama transcurre en la Virginia del sur norteamericano, otrora esclavista, donde una familia no entiende que deba implicarse en la guerra civil, al no tener esclavos y haber creado una fortuna con el trabajo familiar, el de un padre con todos sus hijos y una hija. La causa de defender la esclavitud no es su asunto, por lo que siempre se niegan a alistarse en el ejército y participar, obviamente, en acciones militares.

Una cosa es lo que uno pretende hacer, otra es lo que puede lograr y luego suceder, a veces de forma casual y es el caso que nos muestra este drama bélico. Una causa tiene su efecto, el cual, a su vez, provoca una nueva causa, muy útil para aquellos que no entiendan algo de la dialéctica del filósofo alemán Georg Wilhelm Friedrich Hegel. “El Valle de la Violencia” nos muestra una y otra causa, seguidas de efectos en correspondencia, lamentablemente dañinos e irreversibles. Eso es lo que da una guerra, sea justa o injusta. Usualmente cuando uno ve las desgracias que una guerra provoca, se pregunta si aquellos gobernantes que bravuconean e invitan a la confrontación militar, han alguna vez sufrido en carne propia o de sus seres queridos estas vicisitudes.

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El director inglés Andrew V. McLaglen- hijo del actor Víctor McLaglen, conocido por haber integrado al grupo de actores de reparto de varios Oestes protagonizados por John Wayne y bajo la dirección de John Ford- logró realizar un film que, a pesar de mostrar las injusticias de la guerra, muestra también la belleza de una familia, donde los hijos poseen la debida educación formal recibida de sus padres, donde prima el respeto ausente muchas veces en familias de la época actual. Igualmente, la estética de la película es indudable, tanto interna como externamente. La vulgaridad e indecencia de otros sobresalen ante la decencia de la familia protagonista del film.

James Stewart, con 57 años de edad en ese momento, logró encarnar bien a Charlie, un padre de familia que gozaba del amor de sus hijos y del respeto de la comunidad circundante, a pesar de no compartir sus ideas sobre la guerra.  El veterano George Kennedy tuvo un pequeño papel en el film, el cual interpretó al más alto nivel.

Es un film con más de 50 años de realizado, pero que bien vale la pena volver a ver y reflexionar sobre el mismo.

 

Escrito por Esteban Hernández, 25 noviembre de 2018, con información extraída de IMDB.com

La accidentada vida del actor Sal Mineo

Sería fácil culpar a Hollywood de haberme encasillado
en un mismo papel repetidamente, algo que hice por un tiempo,
pero la verdad es que sabía lo que hacía y me divertía
.”
Sal Mineo

Sal Mineo a la der. junto a Natalie Wood y James Dean en Rebelde sin causa

Sal Mineo a la derecha, junto a Natalie Wood y James Dean, en “Rebelde sin causa (1955)”. Cortesía Doctormacro.com

En las décadas de los 50 y 60, hubo un actor de baja estatura, trigueño, que usualmente interpretaba papeles de adolescente descontento, frustrado, o de muchacho propenso al robo y a acciones prohibidas en la sociedad. Algo de eso tenía el actor en su vida real  hasta que llegó al teatro-cine. Se trata de la figura de Salvatore Mineo Jr., nacido el 10 de enero de 1939 en el Bronx, ciudad Nueva York, hijo de padre siciliano, fabricante de ataudes, y de madre estadounidense, hija de padres napolitanos. La vida de Sal desde pequeño fue la de un pandillero dentro de la barriada del Bronx. Por su conducta, a los ochos años fue expulsado de una escuela parroquial. Su madre desesperada optó por llevarlo a una escuela de baile, pero nuevamente fue detenido por robo a la edad de 10 años, fue entonces que se le dio a escoger, encierro en cárcel de jóvenes o vincularse a una escuela de actuación profesional. Lógicamente, aceptó la segunda opción, así se integró ala escuela Quintano para Profesionales Jóvenes, institución privada de segunda enseñanza

Su desarrollo artístico fue rápido, lo que le permitió debutar en teatro, en la obra “La rosa tatuada” con Maureen Stapleton y Eli Wallach; luego como joven príncipe en la obra “El rey y yo” protagonizada por Yul Brynner y Gertrud Lawrence. Actuó también en algunos filmes o seriales para la TV.

En el cine debutó a la edad de 16 años, interpretando el papel de un niño delincuente de nombre Jerry Florea, en el film de crimen “El robo del siglo (1955)”[1] de Joseph Pevney con Tony Curtis, quien interpreta el papel de Florea adulto. A continuación actuó:

  • Con James Dean y Natalie Wood, en el drama “Rebelde sin causa (1955)” de Nicholas Ray, donde interpreta el papel de un joven acomplejado y con serios problemas en familia
  • Un pequeño papel de reparto tuvo en el drama “Gigante (1956)” de George Stevens con Rock Hudson, Elizabeth Taylor y Dean nuevamente
  • Protagonizó el drama “Dino (1957)” de Thomas Carr con Brian Keith, una vez más como delincuente juvenil y liberado bajo palabra
  • El entretenido y original oeste “Tonka (1958)” de Lewis R. Foster con Philip Carey, donde encarna el papel de un joven indio
  • El drama “Negocios del corazón (1959)” de Raoul Walsh con Christine Carère y Barry Coe,
  • El drama-musical “The Gene Krupa story (1950)” de Don Weis con Susan Kohner y James Darren, donde Mineo interpreta el papel del famoso baterista, Gene Krupa, el cual tuvo igualmente una vida accidentada producto de su adición por la droga. Mineo había aprendido a tocar batería, por lo que este papel le vino como anillo al dedo.
  • Un papel de reparto muy destacado tuvo en el drama “Exodo (1960)” de Otto Preminger con Paul Newman y Lee J. Cobb entre otros.

Sal Mineo afiches

En la década de los 60 y en lo sucesivo Mineo actuó en papeles de reparto:

  • Del film de guerra “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton con Henry Fonda, Robert Mitchum y John Wayne entre otros
  • Del oeste “El gran combate (1964)” de John Ford con Richard Widmark y Caroll Baker, donde, como en “Tonka”, interpreta el papel de indio
  • Del drama “La historia más grande jamás contada (1965)” de George Stevens y David Lean con Max Von Sydow y Dorothy McGuire entre otros actores y actrices destacados
  • Protagonizó el film de crimen “Who killed Teddy Bear (1965)” (¿Quién mató al Oso Teddy?) de Joseph Cates con Juliet Prowse
  • En papel de reparto del film fantástico “Huida del planeta de los simios (1971)” de Don Taylor con Roddy McDowall y Kim Hunter

Sal Mineo afiches 2

Mineo no dejó de trabajar en teatro y durante las décadas de los 60 y parte de los 70, participó en varias obras teatrales, entre ellas:

  • “Fortune and men’s eyes (1969)” (Fortuna y ojos de hombres) de su propia dirección, donde aparece como prisionero en una cárcel para homosexuales.
  • “P.S. Your cat is dead” (D. Su gato está muerto)

También actuó con éxito en varias películas para la TV. Su último film en la gran pantalla fue el corto-comedia “Sonic Boom (1974)” con Ricky Nelson y George Kennedy.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Rebelde sin causa (1955)” y “Éxodo (1960)”. Obtuvo Globo y Laurel de Oro como mejor actor de reparto por “Éxodo (1960)”.

En el orden personal, Mineo reconoció su bisexualidad en 1972, pero para la mayoría de los que les conocieron personalmente, este actor era solo homosexual. En realidad nunca se casó. Se dice que la vida del padre de Mineo inspiró al personaje, fabricante italiano de féretros, que viene a pedirle ayuda a Don Corleone en la película “El padrino (1972)”. Los dos hermanos y hermana de Mineo fueron también actores y actriz de cine.

En resumen, Sal Mineo actuó en 72 filmes entre 1952 y 1956,  y murió el 12 de febrero de 1976 en West Hollywood, California. Su muerte tuvo lugar cuando se hallaba en los preparativos de presentar la obra “P.S. your cat….” en teatro de San Francisco, cuando apareció uno de esos tantos criminales dementes, de nombre Lionel Ray Williams,  quien apuñaló a Mineo para atracarlo. El delincuente tenía 17 años, era un drogadicto, que ni sabía quién era Sal Mineo. Se le condenó a muerte, la que fue conmutada por cadena perpetua, y liberado en 1990 bajo palabra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 26 diciembre de 2018, con información extraída de IMDB.com y de sus apuntes sobre distintas actrices y actores.

[1]En España este film se le conoce como “Atraco sin huellas”.

Cine para aprender: “Gett: El divorcio de Viviane Amsalem (2014)”

La causa de la mujer es la causa del hombre:
los dos se levantan o sucumben juntos.”
Alfred Tennyson (1809-1892,
poeta y dramaturgo inglés)

El divorcio de Viviane Amsalem

No sabe el canal televisivo LA2 cuanto uno aprecia este tipo de filmes, los que nos enseñan sobre la vida y costumbre en otros países, y nos hacen pensar sobre los defectos y virtudes en esas tierras.

El filme de referencia es de producción israelí, el que tiene que ver con la negativa a conceder el divorcio de un marido, supuestamente enamorado de su bella mujer. Este drama contó con la dirección y guión de Ronit Elkabetz y Shlomi Elkabetz, mientras que el protagonismo recayó sobre la misma directora, Ronit Elkabetz, en el papel de Viviane, del actor judío-francés Simon Abkarian, como el esposo obstinado, y Menashe Noy como el abogado defensor de Viviane.

Resolver un asunto de divorcio en un juzgado conducido por rabinos no parece ser una tarea fácil. Uno que desconoce las interioridades del Talmud, solo puede suponer que haya preceptos o leyes que aparecen descritos en el Tanaj o Biblia hebrea, en los que se fundamentan las decisiones de los jueces.

Sin entrar en detalles religiosos, se observa que el hombre, como en el resto de las religiones, tiene un poder que no posee la mujer. El hombre puede negarse a dar el divorcio y no hay ley que lo obligue a hacer lo contrario, mientras que si fuera a la inversa, no creo que sucediera lo mismo.

La evolución de esas costumbres, por no decir abandono de las mismas, ya se va sintiendo en una sociedad que posee más de un 20% de su población venida de la desaparecida URSS, cuya mayorÍA no es creyente, ni está dispuesta a poner sus libertades personales a merced de la religión, algo que se plantea suavemente en las discusiones dentro del filme. A su vez, como me decía un buen amigo judío, no es para tener creencias después de haber sufrido un holocausto.

La película tiene una trama interesante y de bajo presupuesto, las polémicas y las declaraciones en sus escenas le confieren un alto valor. El resultado final no es el que uno siempre espera, pero es algo que está dentro de lo establecido en esa sociedad.

Si no la ha visto y gusta del buen cine, de ese que aumenta nuestros conocimientos sobre el mundo en que vivimos, anímese a ver esta peli, no lo lamentará.

Escrito por Esteban Hernández, 27 noviembre de 2018, con información de la peli extraída de IMDB.com

Cornel Wilde, deportista y actor

Me percaté hace mucho tiempo que no podía
depender de la suerte para lograr el éxito
.”
Cornel Wilde

Cornel Wilde

Las apariencias engañan, sabio refrán, y eso fue lo que pasó con un actor, al que todos los cinéfilos daban como de origen latino, se trata de Cornel Wilde, excelente esgrimista en su juventud, al extremo que fue seleccionado para formar parte del equipo de EE.UU. a las olimpiadas de Berlín (1936), propuesta que declinó por su gran afición a la actuación dramática.

Volviendo a su origen, su nombre real es Kornel Lajos Weisz, nacido el 13 de octubre de 1915 en Prievidza, entonces Hungría, actualmente Eslovaquia, en el seno de una familia judío-húngara, con padre comerciante de cosméticos, la que emigró a EE.UU.  en 1920, después de lo cual decidieron americanizar sus nombres, y Kornel se convirtió en Cornelius Louis Wilde. Sus primeros años en EE.UU. fueron para estudiar y practicar la esgrima, además de viajar algo por el mundo, lo que le sirvió para aprender o perfeccionar el conocimiento de idiomas. Este actor llegó a hablar fluentemente en húngaro, alemán e inglés, además de saber ruso, italiano y francés. Inicialmente estudió en el Instituto Towsend Harris de Brooklyn para prepararse como futuro estudiante de medicina, pero nuevamente dejó esas aspiraciones para dedicarse a la actuación.

La entrada en el mundo teatral le llevó a abreviar su nombre por el conocido Cornel Wilde, así actuó en Broadway en la obra “Pasándola bien”, a la que le siguió una actuación secundaria en el drama “Romeo y Julieta” protagonizado por las estrellas inglesas, Vivien Leigh y Laurence Olivier. Fue en ese momento que Cornel fue descubierto por los cazatalentos de Hollywood y contratado. Así debutó en el corto de 10 minutos, “The rhythm party (1936)” (El ritmo de la fiesta) de Fred Waller. A continuación actuó en papel de reparto del film de crimen “El último refugio (1941)” de Raoul Walsh con Ida Lupino y Humphrey Bogart. Es posible que muchos espectadores hayan pensado que Wilde era latino por el hecho que el actor haya interpretado en esta peli el papel de un personaje llamado Louis Mendoza..

Sus actuaciones en lo sucesivo fueron de reparto igualmente hasta que protagonizó el drama “Canción inolvidable (1945)” de Charles Vidor con Paul Muni y Merle Oberon, donde Wilde interpreta con acierto el papel del famoso compositor y músico Federico Chopin. En lo sucesivo fue protagonista más que todo de películas de aventura y dramas. Debido a su dominio de la esgrima, podía interpretar papeles de buen espadachín y actuar en esas escenas directamente sin necesidad de dobles. Sus siguientes actuaciones importantes fueron:

  • Protagonizando el film de aventuras “Aladino y la lámpara maravillosa (1945)” de Alfred E. Green con Evelyn Keyes
  • El film de cine negro “Que el cielo la juzgue (1945)” de Stahl con Gene Tierney, una peli que contó con actuaciones sobresalientes de Tierney y Wilde
  • El film de aventura “El hijo de Robin de los bosques (1946)” de Henry Levin y George Sherman con Anita Louise, donde Wilde interpretó el papel del hijo de Robin Hood
  • El musical “Centennial summer (1946)” (Verano secular) de Otto Preminger con Jeanne Crain, peli en la que Wilde es un ciudadano francés
  • Los dramas “Ambiciosa (1947)” de Preminger, con trama basada en una novela de la escritora Kathleen Windsor
  • “Murallas humanas (1948)” de John M. Stahl, en ambos con Linda Darnell, film en el que también actuó Kirk Douglas
  • El drama-film de cine negro “El parador del camino (1948)” de Jean Negulesco con Ida Lupino nuevamente y Richard Widmark, del cual se derivaría su eterna amistad con la Lupino.
  • El film de crimen “Más fuerte que la ley (1949)” de Douglas Sirk con Patricia Knight, que fuera su primera esposa
  • En papel de reparto del oeste “Entre dos juramentos (1950)” de Robert Wise con Linda Darnell una vez más, Joseph Cotten y Jeff Chandler

Cornel Wilde afiches

En la siguiente década continuando actuando más que todo en películas de aventura-acción, así se le vio en:

  • El drama “El mayor espectáculo del mundo (1952)” de Cecil B. DeMille con Charlton Heston, James Stewart y Betty Hutton
  • El film de aventura “Los hijos de los mosqueteros (1952)” de Lewis Allen con Maureen O’Hara, donde interpreta el papel de hijo de D’Artagnan,
  • El oeste “El hidalgo (1952)” de Lew Landers con Teresa Wright
  • Los filmes de cine negro “Agente especial (1955)” de Joseph H. Lewis con Richard Conte,
  • “Miedo en la tormenta (1955)” de su propia dirección con Jean Wallace nuevamente
  • Los filmes de aventura “La estrella de la India (1954)” de Arthur Lubin con Leslie Linder y Jean Wallace, que fuera su segunda esposa
  • “Omar Khayyam (1957)” de William Dieterle con Michael Rennie
  • El film de acción “Al borde de la eternidad (1959)” de Don Siegel con Victoria Shaw

Cornel Wilde afiches 2

En lo sucesivo, Wilde, quien ya había creado en 1955 su propia compañía de producción fílmica, dirigió y protagonizó varios filmes, entre ellos:

  • El film de acción “The devil’s Hairpin (1957)” (El diablo de Hairpin) con Jean Wallace y Arthur Franz
  • El drama-film de aventura, co-producción yugoslavo-italiana, “Constatino el Grande (1961)” de Lionello de Felice con Belinda Lee
  • El film de aventura “La espada de Lancelot (1963)” con Jean Wallace y Brian Aherne, donde Wilde interpreta el papel del famoso Lancelot
  • El drama-film de aventura “La presa desnuda (1965)” con Gert van den Bergh y Ken Gampu, co-producción sudafricana-norteamericana, filmada en Botswana
  • El drama-film de guerra “Playa roja (1967)” con Rip Torn, donde Wilde interpreta el papel de capitán militar y es el narrador del film
  • El drama-film fantástico “Contaminación (1970)” con Nigel Davenport y Jean Wallace, de producción británica y con trama sobre un extraño virus diseminado en Londres
  • El film de aventura “El tesoro de los tiburones (1975)” con Yaphet Kotto y John Neilson

Cornel Wilde afiches 3

Igualmente actuó en papeles de reparto:

  • Del film de aventura “El quinto mosquetero (1979)” de Ken Annakin con Sylvia Kristel, Ursula Andress y Beau Bridges, donde Wilde es D’Artagnan
  • Del film de crimen “Flesh and bullets (1985)” (Carne y balas) de Carlos Tobalina con la ya entonces veterana Yvonne DeCarlo y Cydney Hill, que fuera su última presentación en la gran pantalla y aparece como un ente con un alto cargo en el departamento de policía

Su autobiografía, “My very Wilde life”, algo así como “Mi muy vida a los Wilde”, fue terminada en 1987. Nominado para OSCAR como mejor actor por “Canción inolvidable (1945)”. Su film “La presa desnuda (1965)” tuvo una notable aceptación de la exigente crítica.

En resumen, actuó en 69 filmes entre 1936 y 1987, guionista de 5, dirigió y produjo nueve películas. Falleció, debido a leucemia, el 16 de octubre de 1987 en Los Ángeles, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 24 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com.

Un retrato de la vida en la sociedad actual: “Una familia de Tokio (2013)”

Es la propia naturaleza la que nos impulsa
a amar a los que nos han dado la vida
.”
Marco Tulio Cicerón

Una familia de Tokio

El filme en cuestión, de producción y realización japonesa, es una verdadera reflexión de cómo los valores familiares se pierden en este mundo de apuro por el negocio, el dinero y a veces la sobrevivencia.

La dirección y guión de la peli corrieron a cargo de Yoji Yamada, mientras que los protagonistas fueron varios, ya que cada cual tuvo una importante interpretación, entre ellos Isao Hashizume, Kazuko Yoshizuki, la bella Yu Aoi y Masahiko Nishimura entre otros.

La trama gira alrededor de una pareja de ancianos, padres de hijos, todos emigrantes a Tokio, que deciden en el ocaso de su vida visitar la capital de su país y así ver sus hijos y nietos. Suceden tantas cosas, que uno realmente no se las puede imaginar, quizás por el hecho que el que suscribe aún conserva mucho de ese amor por los padres y el deseo de estar juntos a ellos, incluso después de haber ya fallecido.

En la peli ese amor no es que sea evidente, la visita de los padres no es que transcurra bien, así la peli va mostrando, hace recordar algo a Visconti en “Rocco y sus hermanos (1960)”, el comportamiento de cada uno de los hijos, el proceder y pensamiento de los padres, sus aciertos y equivocaciones.

El epílogo de la peli es muy educativo, digno de analizar y pensar si no se puede hacer nada para corregir aquellos aspectos que ayuden a mejorar la vida en la sociedad actual. No se puede solo vivir pensando en lo material, lo espiritual tiene que ocupar buen espacio en nuestras vidas.

Una familia de Tokio 3

Isao Hashizume y la joven Yu Aoi en una de las escenas finales del film

“Una familia de Tokio (2013)” muestra que se puede hacer buen cine sin necesidad de siempre abordar tramas de crímenes, ficciones, o con escenas casi pornográficas. El cine debe servir para entretener, cierto, pero igualmente para educar, y esta película enseña y educa. Más filmes de este tipo son muy necesarios.

Este filme obtuvo Espiga de Oro a la Mejor Película en la Seminci del 2013 y el Berlinale Special del Festival de Berlin del 2013.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 noviembre de 2018

Jack Palance, famoso actor de origen ucraniano

La mayoría de las cosas que hago son basura.”
Jack Palance

Jack Palance

Jack Palance. Cortesía Doctormacro.com

Muchas figuras son conocidas y logran fama, pero el público desconoce sus orígenes y los conocimientos que puedan poseer. Por lo general, las revistas que abordan la vida de los artistas tratan de reseñar más sobre la vida sentimental de estas personas, y muy poco sobre lo anteriormente mencionado.

Esta vez le toca al turno al actor Volodymyr Ivanovich Palanuik, nacido el 18 de febrero de 1919 en Lattimer Mines, Pensilvania, en el seno de una familia ucraniana, cuyo padre era minero, el que murió a causa de neumoconiosis, enfermedad que se adquiere por larga exposición al polvo del carbón. El actor no es otro que Jack Palance, quien desde temprana edad trabajó con su padre en minas, pero que previendo un desenlace fatal como el de su padre, abandonó este trabajo. Palance en su juventud era un hombre fuerte, medía 193 cm, lo que posibilitó obtuviera una beca para estudiar en Universidad de Carolina del Norte y jugar fútbol americano, algo que abandonó para convertirse en boxeador de pesos completos bajo el pseudónimo de Jack Brazzo. Como boxeador ganó 15 combates, 12 de ellos por la vía rápida hasta que topó con Joe Baksi, uno de los pesos completos más destacados de la época, el que lo castigó en los primeros 4 asaltos del combate efectuado en diciembre de 1940. De hecho, su rostro estaba tan dañado por el boxeo, que se vio obligado a someterse a una cirugía plástica posteriormente. Su carrera como púgil se interrumpió con la guerra, al servir en la fuerza aérea de su país. Herido en combate, recibió por su valor la orden del Corazón Púrpura, y las medallas por buena conducta y la de la Victoria. Luego cursó estudios como periodista en la Universidad de Stanford para después convertirse en cronista deportivo del San Francisco Chronicle. Al mismo tiempo trabajó en una estación de radio hasta que se involucró en el mundo de la interpretación.

Como actor debutó en teatro, en la obra “The big two” (El gran dúo) en 1947, posteriormente se convirtió en un ocasional Stanley Kowalski, el personaje central de la novela “Un tranvía llamado deseo” del escritor Tennessee Williams. Según cuentan, Marlon Brando, el Kowalski habitual, invitó a Palance a una actividad de ejercicio físico incluido el boxeo con peras, Palance tiró un puñetazo al punching back que accidentalmente fue a parar al rostro del famoso actor, el que tuvo que ser hospitalizado. Fue así que Palance sustituyó a Brando en el papel ya mencionado en teatro. Su actividad en las tablas fue intensa y logró premio por su actuación en la obra “Darkness of noon (1948)” (Oscuridad de la tarde).

Al cine llegó con dificultad, su rostro no le daba para convertirse en galán, por lo que lo máximo sería interpretar, como así lo hizo, papeles de villanos. Así debutó en el film de crimen “Pánico en las calles (1950)” de Elia Kazan protagonizado por Richard Widmark, donde Palance interpretó el papel de un fugitivo. Le siguieron sus interpretaciones en:

  • El film de aventura “Situación desesperada (1950)” de Lewis Milestone con Widmark nuevamente y Robert Wagner, donde Palance es el marino boxeador
  • El film de horror “Miedo súbito (1952)” de David Miller con Joan Crawford, donde el actor fue el marido malvado y su interpretación le valió su primera nominación para Oscar como actor
  • Los oestes “Hoguera de odios (1953)” de Charles Marquis Warren con Charlton Heston y Katy Jurado, en el que Palance es un indio de nombre Toriano, lleno de un odio inconcebible hacia los blancos
  • “Raíces profundas (1953)” de George Stevens con Alan Ladd y Van Heflin, donde interpreta el papel del villano despiadado de la película y nuevamente tuvo muy buena acogida de la exigente crítica
  • Protagonizó el suspense “The man in the attic (1953)” (El hombre en el ático) de Hugo Fregonese con Constance Smith,
  • En papel de reparto del drama romántico “El cáliz de plata (1954)” de Victor Saville con Paul Newman, Pier Angeli y Virginia Mayo, interpretando el papel del egocéntrico mago Simón
  • El film épico “Atila frente a Roma (1954)” de Douglas Sirk con Jeff Chandler, donde encarnó el papel de Atila, rey de los hunos
  • Protagonizó los dramas-filmes de cine negro “El gran cuchillo (1955)” de Robert Aldrich con Ida Lupino y Rod Steiger, donde aparece como un hombre con alto grado de frustración en su carrera artística
  • “He muerto mil veces (1955)” de Stuart Heisler con Shelley Winters
  • El notable film de guerra “Ataque (1956)” de Aldrich con Eddie Albert y Lee Marvin, donde Palance es el hombre bondadoso y dado a ayudar a todos sus compañeros, muy por el contrario de un oficial arrogante y egoísta interpretado por Eddie Albert
  • El oeste “El hombre solitario (1957)” de Henry Levin con Anthony Perkins que interpreta el papel de hijo de Palance
  • El film de aventura-crimen “Conflicto íntimo (1958)” de John Gilling con Anita Ekberg
  • El drama-film de acción “A diez segundos del infierno (1959)” de Robert Aldrich con Jeff Chandler, donde el hombre de buenas intenciones es Palance y no Chandler esta vez
  • El drama “Flor de mayo (1959)” de Roberto Gavaldón con María Félix y Pedro Armendáriz

Jack Palance afiches

En la década de los 60, actuó en varias películas de aventuras y del oeste, algunas de ellas en Italia y Francia, como fue en:

  • “Revak, el rebelde (1961)” de Rudolph Maté con Milly Vitale, donde protagonizó el papel principal
  • El film de acción “Los mongoles (1961)” de André De Toth y Riccardo Freda con Anita Ekberg y Gabriele Antonini, film en el que vuelve a interpretar papel de mongol
  • En papeles de reparto de la comedia “El juicio final (1961)” de Vittorio De Sica con Anouk Aimée, Alberto Sordi y otros más actores y actrices
  • Del film bélico “La guerra continua (1962)” de Leopoldo Savona con Franco Balducci,
  • Del film de aventura “Barrabás (1962)” de Richard Fleischer con Anthony Quinn y Silvana Mangano, donde nuevamente interpreta el papel de un villano de nombre Torvald
  • El drama “El desprecio (1963)” de Jean-Luc Godard con Brigitte Bardot y Michel Piccoli
  • Los oestes “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks con Burt Lancaster y Lee Marvin, donde encarna a un líder rebelde mexicano durante la guerra de ese país,
  • “La marca de Caín (1969)” de Henry Levin con Vince Edwards y Sylvia Syms
  • El drama “Che! (1969)” de Fleischer con Omar Sharif, film en el que Palance interpretó el papel de Fidel Castro
  • El film bélico “Hora cero: Operación Rommel (1969)” de León Klimovski con Andrea Bosic y John Gramack

Jack Palance afiches 2

En lo sucesivo, sus mejores interpretaciones fueron en papeles secundarios de:

  • Del oeste “Chato, el apache (1972)” de Michael Winner con Charles Bronson
  • Del drama-oeste “Oklahoma año 10 (1973)” de Stanley Kramer con Faye Dunaway y George C. Scott
  • Del mediocre film de aventura “Africa Express (1975)” de Michele Lupo con Giuliano Gemma y Ursula Andrés
  • Del film de crimen “I padroni della città (1976)” (Los patronos de la ciudad) de Fernando Di Leo con Al Cliver, donde interpreta el papel de cara cortada
  • Con Gemma y Ursula Andrés nuevamente en otro film mediocre de aventura, “Safari Express (1976)” de Duccio Tessari
  • El film de aventura “Batman (1989)” de Tim Burton con Michael Keaton y Jack Nicholson
  • El film de aventura-comedia “Cowboys de ciudad (1991)” de Ron Underwood con Billy Crystal, donde logró reverdecer laureles, papel que inicialmente se le había ofrecido a Charles Bronson, quien lo rechazó
  • El suspense de ciencia ficción “Solar crisis (1992)” de Richard C. Sarafian y Alan Smithee con Charlton Heston y Tim Matheson
  • Protagonizó “El tesoro del capitán Flynt (1999)” de Peter Rowe con Kevin Zegers

Su última aparición en pantalla fue en papel de reparto del drama “Back when we were grownups (2004)” (Cuando éramos adultos) de Ron Underwood con Blyther Danner, Faye Dunaway y Peter Fonda.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Miedo súbito (1952)” y “Raíces profundas (1953)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Cowboys de ciudad (1991)”. Obtuvo premio de la American Comedy Awards como actor de reparto más cómico por “Cowboys de ciudad (1991)”, así como Globo de Oro como mejor actor de reparto en este film.

Palance dominaba tres lenguas, el inglés, el ruso, y el ucraniano, además de hablar italiano, francés y español. Gustaba pintar y componer poemas. A pesar de su físico, era vegetariano. En resumen, actuó en 126 filmes entre 1950 y 2004, y dirigió una película. Murió, por causas naturales, el 10 de noviembre de 2006 en Montecito, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 14 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com

Buchinsky o Bronson

Cuando Ud. ama a alguien,Ud. siente su dolor
Charles Bronson hablando de su
difunta esposa Jill Ireland

Charles Bronson. Cortesía Doctormacro.com
A veces la gente se inventa leyendas sobre determinados actores o actrices de cine, una de esas fue sobre el famoso actor Charles Bronson, de quien decían que había sido camionero, boxeador y otras actividades propias de gente ruda y fuerte. No faltó quien me dijera que era de origen indio.

Bien, el actor de referencia se llamó Charles Dennis Buchinsky, nacido el 3 de noviembre de 1921 en Ehrenfeld, Pensilvania, en el seno de una familia con padre lituano, que emigró a los EE.UU., y madre hija de padres lituanos, cuyo apellido original era Bučinskis, que se transformó en Buchinsky para hacerlo algo más americano. Eran quince hermanos, toda una prole, y Charles fue el único que terminó escuela superior. Lo interesante es que el famoso actor aprendió a hablar inglés casi llegando a su adolescencia, ya que en el medio familiar hablaba lituano o ruso. Inmediatamente se incorporó al trabajo en las minas como su padre, algo que recuerda la vida del actor de origen ucraniano Jack Palance, también con experiencia de minero en su juventud. Su familia vivía en la extrema pobreza, su padre había muerto, y el actor se vio obligado a vestir ropa de una de sus hermanas para poder salir a la calle. Llegada la Segunda Guerra Mundial, Charles se alistó y sirvió en la fuerza aérea, donde varias veces voló en ataques a posiciones japonesas, por las que fue herido y luego condecorado con el Corazón Purpura. Durante el servicio militar pudo perfeccionar su dominio del inglés. Terminada la conflagración, recibió beca para estudiar arte dramático, algo que siempre soñó realizar. Previamente actuó en grupos teatrales en Filadelfia, luego cursó estudios en el Pasadena Playhouse de California con tanto esmero, que una profesora no dudó en recomendárselo al director Henry Hathaway, quien lo hizo debutar como extra en la comedia “¡Esto es la marina! (1951)”, donde coincidió con Lee Marvin por primera vez.

Posteriormente, como actor de reparto apareció en:

  • El film de crimen “El caso O’Hara (1951)” de John Sturges con Spencer Tracy
  • El suspense “El poder invisible (1951)” de Robert Parrish con Broderick Crawford
  • El film de aventura “Cielo rojo de Montana (1952)” de Joseph M. Newman con Richard Widmark y Constance Smith
  • La comedia “La impetuosa (1952)” de George Cukor con la pareja Tracy- Katharine Hepburn
  • El film de crimen “Los crímenes del museo de cera (1953)” de André de Toth con Vincent Price, donde la actuación de Bronson fue más visible
  • Los oestes “Apache (1954)”, donde Bronson es otro apache,
  • “Vera Cruz (1954)”, con Burt Lancaster y Gary Cooper, estos dos últimos del director Robert Aldrich,
  • “Tambores de guerra (1954/I)” de Delmer Daves con Alan Ladd, nuevamente como indio, pero malvado

 

Terminado 1954, el actor decidió cambiar su apellido eslavo por otro que no diera sospecha de nada. La caza de brujas implementada por McCarthy estaba en proceso y el actor Steve McQueen le aconsejó este cambio para evitar malos entendidos. La leyenda es que Charles iba conduciendo y a su lado iba McQueen, quien después de darle el consejo, lo mandó a parar de improviso en una esquina de la calle Bronson, acto seguido McQueen le indicó que ese sería el apellido perfecto.

Ya como Charles Bronson actuó como secundario en:

  • El film bélico “Target Zero (1955)” de Harmon Jones con Richard Conte y Peggie Castle
  • El drama-film de crimen “La justicia al acecho (1955)” de Howard W. Koch con Broderick Crawford nuevamente y Ralph Meeker
  • Los Oestes “Jubal (1956)” de Delmer Daves con Glenn Ford, Rod Steiger y Ernest Borgnine, con éste último actuaría en varios filmes en su carrera,
  • “Yuma (1957)” de Samuel Fuller con Steiger de nuevo y Sarita Montiel, la que ya había actuado con él anteriormente en “Vera Cruz (1954)”

Su primer papel protagónico fue en el oeste “Showdown at Boot Hill (1958)” (Duelo en Boot Hill) de Gene Fowler Jr. con John Carradine, al que le siguieron, siempre como protagonista:

  • El film de guerra “Espías en el infierno (1958)” con Richard Jaeckel
  • El film de crimen “La ametralladora Kelly (1958)” de Roger Corman, que le dio cierta fama de hombre duro, aunque en la peli no es todo el tiempo tan duro como parece
  • Protagonizó la serie para la TV, “Man with a camera (1958)” (El hombre con la cámara), que se mantuvo hasta 1960 en pantalla

En la década de los 60, actuó en:

  • El oeste “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges con Yul Brynner y Steve McQueen, que viene a ser un remake estilo oeste del film “Los siete samurais (1954)” de Kurosawa
  • El film de ciencia ficción “El amo del mundo (1961)” de William Witney con Vincent Price
  • El oeste “Fort Comanche (1961)” de Joseph M. Newman,
  • El musical “Kid Galahad (1962)” de Phil Karlson con Elvis Presley
  • El film de guerra “La gran evasión (1963)” de Sturges con McQueen nuevamente y James Garner
  • Los dramas “Castillos de arena (1965)” de Vincente Minnelli con Richard Burton y Liz Taylor
  • “Propiedad condenada (1966)” de Sydney Pollack con Natalie Wood y Robert Redford
  • El film de guerra “Los doce del patíbulo (1967)” de Aldrich con Lee Marvin y Borgnine entre otros

Al final de los 60, Bronson se fue a actuar en el cine europeo, donde protagonizó:

  • Los oestes “Los cañones de San Sebastián (1968)” de Henri Verneuil con Anthony Quinn,
  • “Villa cabalga (1968)” de Buzz Kulik con Brynner nuevamente y Robert Mitchum
  • El film de acción “Adiós, amigo (1968)” de Jean Herman con Alain Delon
  • El original oeste “Hasta que llegó su hora (1969)” de Sergio Leone con Henry Fonda y Claudia Cardinale, donde Bronson tuvo una actuación notable

Consolidado en el cine, Bronson continuó actuando en Europa en filmes de acción u oestes como:

  • “Ciudad violenta (1970)” de Sergio Sollima con Jill Ireland, que fuera su esposa desde 1968 hasta la muerte de esta actriz
  • El film de acción “Los compañeros del diablo (1970)” de Terence Young con James Mason
  • El mediocre oeste “Sol rojo (1971)” del propio Young con Toshiro Mifune y Delon una vez más
  • El drama-film de crimen “Alguien detrás de la puerta (1971)” de Nicolas Gessner con Anthony Perkins

Luego regresó a EE.UU. y protagonizó otro oeste, “Chato, el apache (1971)” de Michael Winner con Jack Palance, donde vuelve a interpretar el papel de indio. Le siguieron:

  • El film de acción “Fríamente… sin motivos personales (1972)” de Winner
  • Los filmes de crimen “Los secretos de la Cosa Nostra (1972)” de Young
  • “América violenta (1973)” de Winner con Martin Balsam
  • Los dramas-filmes de acción “Mr. Majestyk (1974)” de Richard Fleischer
  • “El justiciero de la ciudad (1974)” de Winner, del cual se derivaron otras películas más del famoso arquitecto que busca vengar la muerte de su familia
  • El Oeste “El desafío del búfalo blanco (1977)” de J. Lee Thompson con Kim Novak

Con su segunda esposa Jill Ireland actuó quince veces, entre ellos:

  • El Oeste “Nevada express (1975)” con Ben Johnson y Richard McCrenna
  • El film de acción-aventura “Fuga suicida (1975)”, con Robert Duvall, estos dos filmes de Tom Gries
  • El film de crimen-drama “El luchador (1975)” de Walter Hill con James Coburn 
  • La comedia-romance “Sucedió entre las doce y las tres (1976)” de Frnak D. Gilroy
  • Los filmes de acción-crimen “Amor y balas (1979)” de Stuart Rosenberg
  • “Yo soy la justicia (1982)” de Winner con Vincent Gardenia
  • Drama-suspense “El guardaespaldas de la Primera Dama (1987)” de Peter Hunt

Con Lee Marvin actuó además en:

  • El drama-film de crime “Correo diplomático (1952)” de Henry Hathaway y protagonizado por Tyrone Power y Patricia Neal
  • “El odio de los Mcguire (1974)” de Charles S. Dubin y Samuel Fuller
  • “Caza salvaje (1981)” de Peter Hunt

Dos de sus últimas presentaciones fueron en “Extraño vínculo de sangre (1991)” de Sean Penn con David Morse y Viggo Mortensen; y en el remake para la TV “El lobo de mar (1993)” con Christopher Reeves. En los últimos años, Bronson actuó asiduamente para la TV. 

En 1972 obtuvo Globo de Oro como actor favorito del año. Obtuvo tercer lugar en el Laurel de Oro como mejor actor de reparto por “Hasta que llegó su hora (1969)”.

Como dato interesante, este actor, que apareció muchas veces como el hombre corajudo, nada temeroso de las balas o de otros hombres fuertes, en la vida real no soportaba el fuego, los disparos o las explosiones, y temía de los microbios trasmitidos por otras personas, por lo que no gustaba de dar la mano, ni de firmar autógrafos. Bronson no era nada alto, apenas medía 174 cm.

Otro detalle divertido fue que durante la filmación de “Veracruz (1954)”, él junto con Ernest Borgnine decidieron ir a un lugar cercano del sitio de la filmación para comprar cigarrillos. Lo hicieron vestidos tal y cual terminada la filmación, o sea como vaqueros maleantes, y en el camino fueron sorprendidos por una patrulla de federales mexicanos, que los detuvo al entender que eran bandidos.

En Europa lo llegaron a apodar como le Sacre Monstre (El monstruo sagrado) en Francia, e Il Brutto (el feo) en Italia. Como ya se dijo, Bronson hablaba lituano, ruso e inglés, y en su carrera artística aprendió el griego. De hecho poseía una casa en Grecia. Su biografía aparece publicada en “The Scribner Encyclopedia of American Lives”. 2007, Vol. 7, pp 48-50. Farmington Hills, MI: Thomson Gale.

En resumen, actuó en 163 filmes entre 19 y 1999. Murió, a causa de cáncer pulmonar y cardiomiopatía congestiva, el 30 de agosto de 2003 en los Ángeles, California.  

 

Escrito por Esteban Hernández, 17 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com

Una trama distinta- “Never let me go (2010)”

Alles, was wir geben mussten.”
(Todo lo que tuvimos que dar).
Título en alemán de  este filme

Never let me go

Hay filmes que están hechos para analizarlos y profundizar en los mismos, ese es el caso del drama británico “Never let me go (Nunca me abandones) (2010)” del director Mark Romanek, con trama basada en una novela de Kazuo Ishiguro.

Tratando de evitar los spoilers, no queda más remedio que relatar una parte de la trama. El filme aborda la vida de niños criados y educados en una especie de orfelinatos, cuyo destino es de darle vida de manera limitada. Los hacen crecer sanos al máximo y luego sus órganos son utilizados como piezas de recambio, al parecer, para otros seres más pudientes. No se entiende bien si ellos llegan a este mundo por la vía de la clonación o por otra, lo cierto es que sea como fuera, ellos son unos pequeños esclavos para el futuro. Sus vidas no duran, imaginemos que hoy te sacan un riñón, poco después un pulmón y luego el hígado, no quedaría nada para vivir.

El que suscribe no coincide con el criterio dado por el analista Peter Bradshaw, quien afirma que la peli no da miedo y no llega a ser tan trágica. Da miedo realmente que el día de mañana se apruebe la clonación humana, algo que éticamente sería inconcebible. Por un lado, unos queriendo reproducir determinados tipos de humanos y otros buscando una simple reproducción en masa para producir órganos para aquellos pudientes que los necesiten. Da miedo un retroceso a la esclavitud, y la peli no muestra otra cosa que niños esclavos de personas carenetes de ética.

Never let me go 2

De izq a der. Keira Knightley, Carey Mulligan y Andrew Garfield en una escena del filme

Da miedo pensar que esos niños clonados o adoptados se conviertan en animales de crianza como un cerdo, un cordero o una vaca. La existencia de sociedades totalitarias es real, existen, y nadie puede confiarse que esto pueda propiciarse, donde se combinen los intereses mezquinos de algunas compañías o empresas con la de gobiernos incapaces de promover una producción estable y una economía prospera en su país.

El filme está muy bien realizado, con su lentitud europea en algunas escenas, tiene una historia de amor incluida, que lo hace interesante y aún más polémico. Las interpretaciones fueron muy logradas por parte de Carey Mulligan, Andrew Garfield y Charlotte Rampling. Por su parte, Keira Knightley no es que haya brillado en su actuación, pero complementó positivamente el logro de muchas escenas. La actriz mencionada accedió a actuar en este filme a solicitud de su amiga, Carey Mulligan, y esta última, por cierto, tuvo que aprender a conducir autos para poder filmar las escenas, en que ella guía un pequeño coche.

Si el telespectador quiere ver algo distinto, con un argumento raro verdaderamente, Never let me go es una buena propuesta.

Fuentes

Bradshaw Peter. 2011. Never let me go – Review. The Guardian., Febr. 10. https://www.theguardian.com/film/2011/feb/10/never-let-me-go-review

Filmaffinity.com. https://www.filmaffinity.com/es/film446540.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 12 noviembre de 2018

Yul Brynner, un actor poliglota y con vasta experiencia artística

Ser un hombre real es la cualidad más importante
que un actor puede ofrecer en la pantalla
.”
Yul Brynner

Yul Brynner

Yul Brynner. Cortesía doctormacro.com

Esta vez el tema es sobre un actor de origen ruso, con ancestros incluso mongol-buriatas, quien se destacó por sus dotes para la interpretación, además de casi siempre exhibir su cabeza completamente rapada, lo que en la segunda mitad de los 50 se convirtió en moda entre los jóvenes de aquel entonces.

Yuli Borisovich Briner nació el 12 de julio de 1915 en el lejano Oriente, Vladivostok, Rusia, de madre rusa con ancestros asiáticos, y de padre, descendente suizo. En su infancia, vivió con su madre y hermana en la Manchuria, China, donde cursó estudios de escuela primaria, luego se marchó a Francia, donde cursó  estudios de música y de acrobacia, habilidades que le servirían en el desempeño de su carrera como actor. Como trapecista llegó a trabajar en el llamado Circo d’hiver (Circo de invierno). También tocó guitarra en club nocturno de París. Además, llegó a ser reconocido como un excelente fotógrafo, por lo que antes de su llegada a los EE.UU., Yul era un hombre con más vivencias y dominio de idiomas que ningún otro actor en Hollywood. Esta experiencia le permitió enmascarar parte de su vida, diseñar algunas falsedades sobre su persona y engañar a todos aquellos que le creyeron un buen día.

El que suscribe le vio y oyó hablando en ruso, su lengua madre, en “Rojo atardecer (1959)” y se puede asegurar que los ademanes por él utilizados, eran los mismos de los oficiales del ejército rojo en su época. Lástima que no se haya considerado para protagonizar o actuar en otros filmes con tramas rusas, como “Guerra y paz (1956)” para interpretar el papel del príncipe Andrei Bolkonski, o en “Dr Zhivago (1965)” como Komarovsky. Habría sido un excelente Rasputín, papel que no le concedieron y que él pidió en el drama “Nicolás y Alejandra (1971)” de Franklyn J. Schaffner. En este filme, en lugar de Brynner, Tom Baker fue el escogido.

En 1941 viajó a Nueva York para trabajar bajo la dirección de Michael Chekhov en su grupo teatral. A Broadway llegó en 1944. Poco después comenzó a trabajar también en la TV.

Su debut en pantalla fue en el serial para la TV “Mr. Jones and his neighbors (1944)” (Mr Jones y sus vecinos), mientras que en el cine debutó en papel de reparto del film de cine negro “Puerto de Nueva York (1949)” de László Benedek con Scott Brady. Hubo una larga pausa de su actuación en cine, pero continuó su labor en la TV. En cine reapareció en el drama-comedia “El rey y yo (1956)” de Walter Lang con Deborah Kerr, papel que ya había interpretado con éxito en teatro. Poco después, Brynner actuó en otras películas, algunas famosas, como:

  • El drama “Los diez mandamientos (1956)” de Cecil B. DeMille con Charlton Heston y Edward G. Robinson, donde aparece como Faraón y para lo cual se preparó físicamente y así lucir más esbelto en pantalla
  • La comedia “Anastasia (1956)” de Anatole Litvak con Ingrid Bergman, donde interpreta el papel de un General, de nombre Serguei Pavlovich Bounine
  • Interpretó el papel de Dmitri (Dima) Karamazov en el drama “Hermanos Karamazov (1958)” de Richard Brooks con Maria Schell, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Fiodor Dostoievski
  • Protagonizó el film épico “Los bucaneros (1958)” de Anthony Queen junto a Charlton Heston entre otros actores
  • El drama “Rojo atardecer (1959)” de Anatole Litvak con Deborah Kerr nuevamente, donde, como ya se dijo, Brynner interpreta el papel de un alto oficial del ejército rojo durante la ocupación de Hungria en 1956
  • El film biblíco “Salomón y la reina Saba (1959)” de King Vidor con Gina Lollobrigida, esta vez sustituyendo a Tyrone Power en el rol protagónico, quien murió durante el rodaje de la película

Yul Brynner afiches

En la década de los 60:

  • Co-protagonizó con Tony Curtis el drama “Taras Bulba (1962)” de J. Lee Thompson, adaptación modificada de la novela del mismo nombre del escritor Nicolás Gogol. La actuación de Brynner como el gran líder cosaco fue un poco forzada de su parte, al menos al que suscribe no le convenció. Taras Bulba no aparece tan salvaje en la novela como lo muestran en el filme.
  • Protagonizó los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges con Steve McQueen, Charles Bronson y James Coburn entre otros, el cual no es más que una versión de “Los siete samurais” de Kurosawa, y su secuela “El regreso de los siete magníficos (1966)” de Burt Kennedy con Robert Fuller,
  • “Villa cabalga (1968)” de Buzz Kulik con Robert Mitchum y Charles Bronson, donde interpreta el papel de Pancho Villa,
  • El mediocre “El oro de nadie (1971)” de Sam Wanamaker con Richard Crenna.

Yul Brynner afiches 2

Como vaquero parecía muy refinado o demasiado autosuficiente en esos papeles. Realmente convencía parcialmente, muy por el contrario, en filmes bélicos, de espionaje y de crimen, sus actuaciones gozaban del favor de la crítica.

  • Actuó en papel de reparto del film de guerra, “La sombra de un gigante (1966)” de Melville Shavelson con Kirk Douglas y Senta Berger
  • Protagonizó el film bélico “La batalla del río Neretva (1969)” de Veljko Bulajic con Hardy Krüger, Franco Nero, Orson Welles y Sylvana Koscina, donde Brynner interpreta el papel de Vlado.

La actividad de Brynner se redujo a partir de la decada de los 70. De las películas en las que actuó, solo se destacó en el film de acción “Almas de metal (1973)” de Michael Crichton con Richard Benjamín, donde interpreta el papel de un personaje llamado Gunslinger, que volvió a interpretar en el suspense “Mundo futuro (1976)” de Richard T. Heffron con Peter Fonda. Su última interpretación para el cine fue en el filme italiano de acción “Con ira en los ojos (1976)” de Antonio Margheriti con Barbara Bouchet y Martin Balsam. Brynner fungió como narrador del corto “Lost to the Revolution (1980)” (Perdido en la Revolución) de Tim Forbes.

En resumen, actuó en 47 películas entre 1944 y 1976, director de 10 y productor de dos filmes. Murió, a causa de cáncer en pulmón, el 10 de octubre de 1985 en  ciudad Nueva York.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 noviembre de 2018, con información extraída de su  obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

 

Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El Rey y yo (1956)”. Por igual filme fue nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical y obtuvo premio del National Board Review como mejor actor. Nominado para Laurel dorado como mejor actuación masculina por “Los siete magníficos (1960)”.

 

 

El racismo tratado en filmes de dos épocas diferentes

Debemos aprender a vivir juntos como
hermanos o perecer juntos como necios
.”
Martin Luther King Jr.

El que suscribe veía hace poco una película con más de seis décadas de realizada, oeste que giraba en torno al problema entre los indígenas y blancos americanos. En español la película se titula “Hoguera de Odios (1952)” (Arrowhead) del director Charles Marquis Warren y protagonizada por Charlton Heston, Jack Palance, Katy Jurado y Brian Keith.

Hoguera de odios.jpg

Desde el comienzo de este filme, cuya trama está basada en una novela del escritor William Riley Burnett, el espectador puede observar el lenguaje de desprecio hacia los indios, que usa un jefe de scouts, de nombre Bannon en la peli, pero que en realidad representa a un personaje real llamado Al Sieber, oriundo de Alemania y que emigró a temprana edad a los EE.UU., donde de siempre participó en guerras, primero lo hizo con las tropas del Norte en la Guerra de Secesión, y luego como jefe de scouts persiguiendo y matando indios.

Una frase o un apelativo vulgar no significan mucho, no así cuando la peli trata de representar a los indios como entes salvajes, sinónimos de cerdos e incapaces de hacer las paces con sus rivales, algo que no es cierto. Para colmo, al tal Bannon lo ponen como criado por los apaches en su niñez, algo falso en el caso de Al Sieber, y que siente odios extremos para aquellos que lo criaron, realmente difícil de digerir, cuando los indios no maltrataban a los niños que recogían y criaban. Otro aspecto paradójico es ver a Jack Palance, en el papel de jefe indio,  educado en colegio del Este, pero con un odio desmedido e infundado hacia los hombres blancos, y una crueldad incomprensible. El filme envía el mensaje que todo aquel que fuera indio, en territorio ocupado por los blancos, era un ente encubierto y hostil a los blancos, los indios no eran de fiar.

Esta película es una viva representación del racismo del hombre blanco por los reales nativos del territorio norteamericano. Cuando el epílogo de la peli va llegando,  cualquier espectador, carente de cultura al respecto, termina odiando también a los indios.

Una cosa es fomentar el racismo y otra es presentar este problema para que el espectador lo critique, y eso es lo que sucede con otro filme, bélico en este caso, de realización más reciente. Se trata de “La guerra de Hart (2002)” (Hart´s War) del director Gregory Hoblit, que protagonizan Bruce Willis en el papel del Coronel William A. McNamara, el actor irlandés Colin Farrell como el teniente Thomas A. Hart,  Terrence Howard y Vicellous Shanon como oficiales afro de la fuerza aérea estadounidense durante la II Guerra Mundial, y Cole Hauser como un sargento de baja calaña, amigo de realizar negocios sucios hasta con los mismos oficiales alemanes y racista por convicción.

La Guerra de Hart

La trama de esta peli, basada en una novela del escritor John Katzenbach, se desarrolla en un Stalag, donde estaban encarcelados prisioneros de guerra de varias naciones y soviéticos también. Todo transcurre de forma cotidiana en el campo de concentración, con algunos soviéticos ahorcados por intentar escapar. Las ejecuciones eran sumarias. La jefatura alemana claramente decía que la disciplina en el lugar no era parte de la Convención de Ginebra. Esa cotidianidad se rompe con la llegada de dos oficiales afro-estadounidenses al Stalag, que es cuando comienza lo que se puede llamar el juego de volibol de parte de los oficiales estadounidenses, los que rechazan albergar a los dos afro en su cubículo y son enviados a otro mixto, con oficiales de menor graduación y soldados, donde nuevamente el rechazo se hace patente.

Interesante que esos dos oficiales no blancos eran discriminados por sus propios coterráneos y sus carceleros alemanes. Peor aún era el caso de usar a esas dos vidas como instrumentos para una escapada en grande de los blancos estadounidenses, acto que pone en duda la ética de la misma plana mayor organizadora de la fuga.

Los diálogos de esta peli entre el alto oficial alemán y el correspondiente norteamericano dejan evidencia que en poco se diferenciaban a la hora de abordar el asunto de los negros en la sociedad. Las vidas de los afro-estadounidenses no es que valieran mucho en el mismo Alabama.

La diferencia entre el primer filme, “Hoguera de odios” y este segundo, “La guerra de Hart”, estriba en que el primero incentiva el odio a los indios, mientras que el segundo pone el problema del racismo al desnudo y promueve su rechazo por el espectador.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 octubre de 2018, con información extraída de IMDB.com

 

Doble crítica- el filme “las Inocentes (2016)”

La guerra es la salida cobarde a los problemas de la paz.”
Thomas Mann (1875-1955, escritor alemán)

Les Innocentes 2016

Interesante cinta de producción franco-polaca, dirigida por la directora luxemburguesa Anne Fontaine, cuya trama está basada en una obra del productor-actor Philippe Maynial, que rememora hechos reales de la Polonia de post guerra en 1945. El filme contó con el excelente protagonismo de la actriz francesa Lou de Laâge en el papel de asistente de la Cruz Roja francesa en Polonia, secundada por las actrices polacas Agata Buzek, Agata Kulesza entre otras, y el parisino Vincent Macaigne.

El filme aborda aspectos de la ocupación soviética luego de liberada Polonia de la ocupación nazi. Si bien este país, sobre todo la población judía, fue cruelmente tratado por las hordas nazis, la liberación no es que haya sido color de rosa. Los liberadores rusos históricamente no han sido bienvenidos en tierras polacas. Muchas batallas en el pasado tuvieron lugar entre ambos países, Polonia se vio bajo el yugo del zar hasta después de terminada la participación rusa en la I Guerra, años después vino el pacto de Molotov-Ribbentrop, el que establecía una repartición de naciones a conveniencia para Alemania y la URSS, algo realmente bochornoso y hasta difícil de digerir para los partidos comunistas europeos, en fin nada placentero vendría para Polonia, la que al final se convirtió, junto a otros países limítrofes con la URSS, en zona de contención y protección de las fronteras soviéticas en caso de una nueva guerra.

Los soviéticos llegaron a tierras polacas con hambre de alimentos y de sexo también. El ejército rojo sufrió en extremo una guerra sin piedad de parte de sus adversarios, los mismos que habían firmado el pacto anteriormente mencionado. Hay que estar en la piel de esas personas para uno juzgarlos, pero aún así hay cosas que son intolerables. Los soldados pueden querer hacer y deshacer, pero ellos tienen mandos superiores que deben ser ejemplos y están facultados para imponer normas apropiadas de conducta. A eso se debe añadir que ellos vienen con la idea, enseñada desde temprana edad, que su ideología es el futuro de la humanidad.

El deseo sexual no es que se haga presente cuando la persona está bajo el estrés de la guerra y el peligro de morir en cualquier momento, pero una vez esto pasa, ya relajado, entonces el organismo pide. Unos pueden abstenerse voluntariamente, otros necesitan de disciplina impuesta por sus superiores para no cometer errores.

Un convento de monjas es un objeto susceptible de ser maltratado por cualquier ocupante de guerra, sobre todo si no profesa o hasta odia a esa religión, y eso es lo que no se ve en el filme pero el espectador se imagina. El sexo salvaje y sucio deja sus secuelas, una es la gestación de mujeres desconocedoras muchas del sexo y la otra es el contagio de enfermedades venéreas.

Les Innocentes 2016 2

Una situación difícil, a la cual los dogmas no saben dar respuesta, al extremo, que por falso orgullo, tratando de guardar la forma, se prefiere cometer actos impuros, algo no permitido en el sexto mandamiento. Cuando una criatura está por nacer, hay que hacer todo lo que esté al alcance de las personas para que este niño o niña pueda nacer, cuidar de él o ella como todo un tesoro. Difícil resulta entender, sea quien sea, se preocupe más del orgullo y prestigio que de la vida de un inocente. Dejar todo a la divina providencia es una forma vaga de engaño, la que al final no resuelve nada.

La guerra es la causa principal de todas estas desgracias, las que quedan claramente expuestas en este filme. Hay críticos que, refiriéndose a esta película, hablan solo de lo que hicieron los soldados soviéticos, condenable en extremo, pero tocan poco sobre la actitud de la madre superiora del convento ante la situación creada. A criterio del que suscribe, el filme deja constancia de lo negativo de uno y otro bando en esta situación. Igualmente es evidente que ese país, históricamente muy católico, carecía en ese momento de gobierno propio, capaz de proteger a las monjas de esas fechorías.

 

Escrito por Esteban Hernández, 17 octubre de 2018, con información extraída de IMDB.com

La novela Anna Karenina y sus versiones en cine-TV

El secreto de la felicidad no está en hacer siempre
lo que se quiere, sino en querer siempre lo que se hace
.”
León Tolstoi

Anna Karenina libro

La primera obra del gran escritor ruso Liev (León) Tolstoi fue Anna Karenina, que según se afirma está inspirada en la vida de María Hartung, primógenita del poeta ruso Alexander Pushkin. Dicen que la idea le vino a Tolstoi después de leer un libro de Pushkin. Aunque muchos tomaron esa novela como una más de romance, otros no lo vieron así. Había mucha profundidad, se describía bien la vida de la aristocracia rusa, las grandes diferencias entre ésta y la clase pobre, incluido el campesinado, así como los patrones de comportamiento de la alta sociedad, con la hipocresía que siempre le ha caracterizado en cualquier país de este mundo. Tolstoi puso todo eso al descubierto, no en balde otro grande de la pluma, Fiodor Dostoyevski, la catalogó como obra de arte.

Tres personajes son claves en esta obra, la bella y malcriada Anna Karenina, mujer de la alta sociedad, hermana del príncipe Oblonski; el marido de Anna, Alexander Alexandrovich Karenin, funcionario de gobierno, radicado en St Petersburg, hombre conservador en extremo, flemático, algo bondadoso y poco dado a las fiestas; y el galán de la obra, el joven Conde Alexei Kirilovich Vronsky, hombre apuesto, al que todas las damas admiran y las que están solteras sueñan con casarse con él.

Supongo que Anna se casó con Karenin por razones de sociedad, ya que no parece que ella haya estado enamorada de él. Por lo que un buen día se encontraron frente a frente, ella y Vronsky, dos jóvenes con deseos de amar y romper el mundo. De su primer encuentro, ambos quedaron enamorados y comenzó la odisea.

Quien desee saber más, es aconsejable que lea la novela o en su lugar vea alguna de las películas que a continuación aparecen y que están basadas en la trama de la novela.

La primera vez que esta obra fue llevada a la gran pantalla fue en 1910, pero no se encuentran detalles de director y protagonistas, tampoco de producción. Un año después, Rusia produjo un filme silente sobre la novela, con dirección de Maurice Maïtre con M. Sorochtina, M. Trojanov y Nikolai Vasilyev en los papeles principales. Rusia volvió a repetir en 1914, del director Vladimir Gardin, con Mariya Germanova, Vladimir Shaternikov (Karenin) y Mikhail Tamarov (Vronsky). En 1915 llegó la primera producción estadounidense, dirigida por J. Gordon Edwards con Betty Nansen (Anna), Edward José (Karenin) y Richard Thorton (Vronsky).

Húngaros y alemanes no quisieron quedarse atrás, los primeros realizaron otro filme en 1918, bajo la dirección de Márton Garas con Irén Varsányi (Anna), Dezsö Kertész (Vronsky) y Emil Fenyvessy (Karenin), mientras que la versión germánica es de 1920, dirigida por Frederick Zelnik con Lya Mara, Johannes Riemann (Vronsky) y Heinrich Peer (Karenin). Otra versión silente fue la norteamericana de 1927, dirigida por Edmund Goulding con Greta Garbo, John Gilbert (Vronsky) y George Fawcett (Karenin). En total fueron siete filmes silentes basados en Anna Karenina.

La primera versión fílmica sonora es de 1935, dirigida por Clarence Brown con Greta Garbo nuevamente, Fredric March (Vronsky) y Basil Rathbone (Karenin). En 1948 hubo un nuevo remake sonoro, con Vivien Leigh en el papel principal y secundada por Ralph Richardson (Karenin) y Kieron Moore (Vronsky), versión muy lograda, de producción británica y dirigida por Julien Duvivier. Rusia o la URSS produjo otro remake en 1953, de la directora Tatiana Lukashevich con Alla Tarasova, Nikolai Sosni (Karenin) y Pavel Massalsky (Vronsky). Otra producción británica se estrenó en 1961, se trata de un filme para la TV, dirigido por Rudolph Cartier con Claire Bloom, Sean Connery (Vronsky) y Albert Lieven (Karenin). Otro filme bien logrado, dirigido por Alexander Zarkhi,  de producción rusa, fue estrenado en 1967, que contó con la experimentada Tatiana Samoylova en el papel de Anna, además de Nikolai Gritsenko (Karenin) y Vasiliy Lanovov (Vronsky).

Anna Karenina afiche

India (1952), Argentina (1956) y Egipto (1961) realizaron filmes sobre esta gran obra de Tolstoi. En los dos primeros casos, no se cuentan los detalles de realización, en el caso egipcio, la película se llamó “Nahr el hub”, del director Ezzel Dine Zulficar con Faten Hamama (Anna), el entonces joven y apuesto Omar Sharif (Vronsky) y Zaki Rostom (Karenin). Grecia igualmente realizó una versión fílmica en 1995, protagonizada por Mimi Denissi, Apostolos Gletsos y Tasos Halkias.

Las últimas versiones fílmicas sobre Anna Karenina han sido la norteamericana de 1985, de de Simon Langton con Jacqueline Bisset, Christopher Reeve (Vronsky) y Paul Scofield (Karenin); la francesa (1997), de Bernard Rose con Sophie Marceau, Sean Bean (Vronsky) y James Fox (Karenin); y la británica de 2012, de Joe Wright, realización con mezcla teatral en sus escenografía, protagonizada por Keira Knightley, Jude Law (Karenin) y Aaron Taylor Johnson (Vronsky).

Igualmente han llovido los seriales para la TV sobre esta novela. Así tenemos:

De producción italiana, 1974, 6 episodios, de Sandro Bolchi con Lea Massari, Pino Colizzi (Vronsky) y Giancarlo Sbragia (Karenin).

De producción británica, 1977, 10 episodios, de Basil Coleman con Nicola Pagett, Stuart Wilson (Vronsky) y Eric Porter (Karenin).

De producción británica nuevamente, 2000, 4 episodios, de David Blair con Helen McCrory, Stephen Dillane (Karenin) y Kevin McKidd (Vronsky).

Anna Karenina afiche 2

De producción rusa, 2009, 4 episodios, de Sergey Soloviov con Tatiana Druvich, Oleg Yankovskyi (Karenin) y Yaroslav Boyko (Vronsky).

De producción italo-franco-hispano-lituan, 2013, dos episodios, de Christian Duguay con Vittoria Puccini, Benjamin Sadler (Karenin) y Santiago Cabrera (Vronsky).

De producción rusa, 2017, 8 episodios, de Karen Shakhnazarov con Elizaveta Boyarskaya, Vitali Kischenko (Karenin) y Matt Matveev (Vronsky).

Hubo incluso una versión musical, 1975, de Margarita Pilikhina con la primera dama del ballet soviético Maya Plisetskaya, Alexander Godunov y Yuri Vladimirov. Este filme es posterior al ballet “Anna Karénina” de Rodión Schchedrín, estrenado en 1972, en el Bolshoi de Moscú, y que contara con la Plisétskaya en el plano estelar. En 2006, en Miami, se estrenó una ópera homónima, protagonizada por Kelly Kaduce y Brandon Jovanovich.

 

Escrito por Esteban Hernández, 13 setiembre de 2018, con información extraída de IMDB.com y Анна Каренина (https://ilibrary.ru/text/1099/index.html)

 

“El cuarto poder (1952)”, una muestra de los problemas de la libertad de prensa

Este periódico siempre luchará por el progreso y la reforma. Nunca nos sentiremos satisfechos con imprimir meramente las noticias. Nunca tendremos temor de atacar lo erróneo, así sea por la salud predatoria o por la pobreza depredadora.”
Ed Hutcheson, personaje interpretado por Humphrey Bogart en el filme

El cuarto poder

Al ver detenidamente la película de referencia en estos días, no puede uno dejar de reflexionar lo que sucede cuando la prensa está en poder de unos, los que tratan a su manera de publicar solo aquello que les conviene.

“El cuarto poder (1952)”, llamado en inglés “Deadline-USA” es una película dirigida por el experimentado Richard Brooks, quien escogió a tres figuras destacadas para protagonizarla: Humphrey Bogart, la estrella del momento en el cine de Hollywood, todo un as en protagonizar dramas, filmes de crimen y de cine negro; la veteranísima y eficiente actriz de teatro y cine, Ethel Barrymore, muy convincente en el papel que se le asigne; y la entonces ascendente Kim Hunter, actriz que sobresaliera, sea en primeros o segundos planos en el cine y la TV. A este reparto protagónico se unieron otras figuras, como fueron Ed Begley, Paul Stewart y Warren Stevens.

La película toca un tema muy delicado, aunque conocido, la influencia de la mafia de Cosa Nostra en la vida política estadounidense. Una mafia que compra senadores, votos para las más variadas elecciones, dirigentes de sindicatos, jueces y fiscales, medios de comunicación, desde prensa escrita hasta radio y TV.

Brooks, quien fue también guionista de la película en cuestión, tocó el tema desde el punto de vista de la prensa escrita, ¿cómo anular a un medio incómodo que se dedique a publicar noticias veraces sobre la delincuencia diaria de la mafia en la sociedad?

Como siempre, evitando los spoilers, basta decir que los métodos que se usan en estos casos son criminales en extremo, ya que al que no se puede comprar, se le extermina de manera fulminante.

Cuarto Poder 2

Como se evidencia en el filme, la prensa debe tener competencia, no puede ser que unos digan una cosa, muchas veces no veraz y que no haya contrapartida. Muchas veces la prensa calla por conveniencia o por indicación del gurú reinante. El temor está presente y muchos no quieren correr riesgo.

La época de los primeros años 50 fue cuando McCarthy organizó su caza de brujas, y la censura encubierta estaba presente. Por eso no es casualidad que Brooks haya escogido este tema, el que no pierde actualidad en muchas de las sociedades del planeta, sobre todo en aquellas donde manda una sola persona o partido único.

La mafia trata de censurar, no solo para protegerse, pero igualmente preservar a sus secuaces en puestos claves del estado. La prensa veraz no le conviene  a la mafia y cuando así se manifiesta, hay que hacer algo para evitar sus noticias.

Hay otras películas que han tratado el tema, es el caso de “Paper (detrás de la noticia) (1994)” de Ron Howard, pero que no llegan realmente al nivel alcanzado por este film.

Nuevamente Bogart se presenta como el director de un diario, cuyos principios son inviolables, tal parece como si lo fuera de verdad, mientras que Ethel Barrymore aparece como la viuda que quiere salvar el periódico ante la ambición de venta de sus hijas. Kim Hunter, por su parte, divorciada de su marido (Bogart), pero no separada, a la vez que admira a su compañero, busca algo distinto en la sociedad en que vive, todo  un dilema, del cual nadie sabe cómo se soluciona.

La verdad de todo el asunto flota y se publica, qué sucede después, es un final abierto, cada cual tiene el derecho a adivinarlo a su manera.

 

Escrito por Esteban Hernández, 5 setiembre de 2018, con información consultada de IMDB.com

Cumbres borrascosas y sus versiones para el cine y la TV

El tirano oprime a sus esclavos y éstos no se vuelven
contra él, sino que aplastan a los que tienen debajo.

Cita célebre de “Cumbres Borrascosas”

Cumbres-Borrascosas-Fernando-Vicente1

La famosa y única novela escrita por Emily Brontë, publicada en 1847, ha sido una de las obras que más se ha popularizado en la gran y pequeña pantallas. Interesante hacer notar que la novela, cuya autora aparecía con el pseudónimo de Ellis Bell, fue muy criticada en su época por los círculos más conservadores de la Gran Bretaña. Aun así, la obra se hizo famosa y muy leída en buena parte del mundo, que pudo conocer de la misma a través de su traducción a muchas lenguas.

Por ese interés en conocer la vida accidentada de Heathcliff y su amor con Cathy, hermana de crianza, es que muchos realizadores no dudaron en llevar la novela al cine.

La primera versión que se conoce es la silente de 1920 dirigida por  A.V. Bramble con el protagonismo de Milton Rosmer como Heathcliff y Colette Brettel como Catherine, En 1939, se estrenó la primera versión sonora, probablemente la más famosa, esta vez dirigida por William Wyler con los grandes Merle Oberon y Laurence Olivier como protagonistas. La película se filmó en California y fue enteramente producción estadounidense.

Cumbres Borrascosas-Oberon-Olivier

Quienes hayamos leído la obra, sabemos perfectamente que es algo difícil incluir todo el contenido de la novela en un filme de una duración de hora y media o algo más. Es por esa razón que comenzaron a proliferar los seriales de TV basados en la obra en cuestión.

La primera serie es de 1947-58, de producción estadounidense, con John Fortsythe y Ethel Griffies en los papeles principales, filmado en Nueva York. La siguiente fue de EE.UU. también (1952-54), serial de Broadway, con Meg Mundy y William Price como protagonistas.

Teatro Matinee de EE.UU. realizó dos versiones en el período de 1955-58. La primera fue dirigida por Lamont Johnson con Richard Boone y Peggy Webber en los papeles principales. La segunda tuvo a Tom Tryon y Barbara Rush como Heatcliff y Catherine, respectivamente. The DuPont show of the month (El show de DuPont del mes) tuvo otra versión (1957-61) de Daniel Petrie con  el famoso Richard Burton e Yvonne Furneaux en los papeles estelares.

Las series no siempre fueron norteamericanas. En Sudamérica se realizaron algunos seriales basado en la obra de Emily Brontë, entre estas, uno peruano, de 1963, con Ricardo Blume y Connie Bushby como protagonistas; otro mexicano, de 1964, con  Dina de Marco y Xavier Marc en los planos estelares; otro más brasileño, “Os morros dos ventos uivantes (1967)”, con Altair Lima e Irina Greco como protagonistas; y uno más británico, de 2009, con Tom Hardy y Charlotte Riley en los papeles principales.

Wuthering_Heights 2009

En realidad, la lista de seriales de TV basados en esta obra son muchas, con predominancia de producciones estadounidenses y británicas.

Los filmes con igual trama se han realizado también en muchos países del mundo. Así están:

  • “Abismos de pasión (1954)” de Luis Buñuel, adaptación de la obra con personajes latinos, filme protagonizado por Irasema Dilián (Catalina) y Jorge Mistral (Alejandro), de producción mexicana, filmado en Taxco, Estado Guerrero.
  • De producción australiana, de 1959, film para la TV dirigido por Alan Burke.
  • De producción india, “Dil Dya Dar Liya (1966)” de Abdul Rashid Kardar con Dilid Kumar y Waheeda Rehman
  • De producción francesa, de 1985, dirigido por Jacques Rivette con Fabienne Babe (Cathy) y Lucas Belvoch.
  • De producción japonesa, titulado “Arashi ga Oka (1988)” de Yoshishige Yoshida con Yusaku Matsuda y Yuko Tanaka.
  • De producción filipina, de 1990, “Hihintayin kita san langit” de Carlos Siguión-Reyna con Ricardo Gómez y Dawn Zulueta.
  • Otra versión francesa, de 1992, dirigida por Peter Kosminsky, con Juliette Binoche y Ralph Fiennes como protagonistas.

Cumbres borrascosas versión francesa

  • De producción italiana, de 2004, para la TV dirigida por Fabrizio Costa con Alessio Boni y Anita Caprioli-
  • Otra versión filipina llamada “The promise (2007)” de Michael Tuviera con Richard Gutiérrez y Ángel Locsin.
  • En Japón se realizó una versión en dos partes, de 2009, Arashigaoka Zenpen (1ra parte) y Arashigaoka Köhen (2da parte).
  • En Gran Bretaña, una primera versión, de 1970, dirigida por Robert Fuest, con Timothy Dalton y Anna Calder-Marshall en los papeles principales.
  • En 2011, hubo una nueva británica, de Andrea Arnold con Kaya Scodelario y James Howson.
  • En 2018, Elisaveta Abrahall dirigió otra nueva versión de GB, esta vez con el protagonismo de Paul Eryk Atlas y Sha’ori Morris.
  • En EE.UU., de 2015, Anthony Blasi dirigió otra versión para la TV, donde Paloma Kwiatkowski y Andrew Jacobs fueron los protagonistas.

Aún quedan otras tres versiones en preparación y por estrenarse, por lo que no se avizora que estas realizaciones terminen en un futuro inmediato.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 26 agosto de 2018, con información extraída de IMDB.com

Fanny y Alexander

Todo está vivo, y todo es Dios y los pensamientos de Dios.
No sólo las cosas buenas, las más crueles también.

Del diálogo de Aaron, el judío, con Alexander en el film

Fanny y Alexander poster

El drama “Fanny y Alexander (1982), película de producción franco-sueca y bajo la dirección del experimentando Ingmar Bergman, ha merecido con creces todos los premios ganados internacionalmente. Los protagonistas son los niños Pernilla Alwyn y Bertil Guve, Ewa Fröling y Allan Edwall, en el papel de padres de ambos, y Jan Maljmsjö como el obispo Vergerus.

Este film fue concebido y realizado para la TV, con una duración de 5 horas, las que luego se redujeron para poder llevarlo como largometraje a la gran pantalla. Fue por coincidencia el último film del realizador Bergman. La trama surge de los sufrimientos del mismo cineasta en su niñez. Fueron esos recuerdos, los que le ayudaron a elaborar el guión, donde aparece la vida de su hermana, la escritora Margareta Bergman, y la suya propia, con un padre, sacerdote luterano, sumamente despiadado.

Escena con Fanny y Alexander

Escena con Fanny y Alexander

La fotografía es lo primero que se destaca en esta película, realmente de alta calidad y detallando los más variados objetos que aparecen en los distintos sitios captados por la cámara.

La película es inicialmente lenta en su desarrollo, algo que va variando en la medida que avanza el film. Por el título dado, cualquiera piensa que se trata de dos jóvenes enamorados, algo erróneo, pues los dos héroes son dos niños, hermanos, ambos muy inteligentes y que le dan el tono perseguido por el director en la película.

Bergman guarda mucho parecido en esta película a la forma de pensar de dos escritores, como fueron Fiodor Dostoievsky y Nicolás Gogol. La constante de la existencia de Dios como punto de controversia está presente a lo largo del film. En ocasiones, el que suscribe recordaba “Los hermanos Karamazov” y en otras partes hasta “Crimen y castigo”, ambas obras de Dostoievski. No es la trama como tal sino el mensaje y cuestión que se evidencian. Esta película puede ubicarse en el género de misterio, aunque no deja de ser un drama real, con aspectos que mentalmente afectan a muchos en las sociedades actuales: ¿Existirá una segunda vida? ¿Seremos entonces fantasmas o espíritus? Esas y otras tantas cuestiones pueden aparecer en la reflexión de cualquier espectador de esta cinta.

El obispo Vergerus en una escena

El obispo Vergerus en una escena

Bergman debe haber sido creyente. No obstante, esta película pone en duda la calidad  ética de aquellos que deben promover la religión, sus creencias y valores. Igualmente se representa ideas distintas que giran alrededor de un mismo Dios, o sea lo cristiano y lo judío.

Lo novedoso de la película es la originalidad de la trama, su polémica filosófica y los resultados finales, muchos de los cuales son almacenados en nuestras mentes, de donde surgen las leyendas y los mitos.

Fuentes consultadas

IMDB.com

Valentí Fernández Tomás. 2018. Centenario de Ingmar Bergman (y 3): “Fanny y Alexander”. http://elcineseguntfv.blogspot.com/2018/06/centenario-de-ingmar-bergman-y-3-fanny.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 7 julio de 2018