Ivo italiano, luego Yves, Cantante-Actor Francés

 Las respuestas nos hacen sabios,
las preguntas nos hacen humanos
.”
Yves Montand

yves montand

No sabía el niño Ivo que la dictadura de Mussolini, si bien obligó a su familia a emigrar a Francia, al final se revertiría en una carrera artística llena de éxitos. El artista en cuestión es el conocido Yves Montand, a quien este autor le vio primero por la radio, oía algunas de sus canciones que poseían un sello muy particular por su voz y entonación, no entendía entonces lo que decía, pero era tan melódico que realmente fascinaba. Luego pasó un tiempo para que le viera en un papel de malvado en el drama “La ley (1959)” de Jules Dassin con Gina Lollobrigida y Marcello Mastroianni entre otras actrices y actores, película que se estrenó en Cuba por la TV en el mismo año 1959.

El niño Ivo Livi nació en el 13 de octubre de 1921 en Monsummaso Terme, Italia, justamente en ese año es que su familia, de padre campesino y comunista, decidió escapar de la persecución del régimen ya imperante en Italia. De niño su familia le hablaba en el dialecto de la Toscana, y dice la leyenda que su madre acostumbraba a llamarlo: “Ivo, monta”, o sea, Ivo, sube, y fue así que surgió su apellido artístico Montand. Su familia se asentó en la cosmopolita Marsella, donde Yves ya de joven, tuvo que trabajar en barbería y en los muelles. Su debut artístico fue en el canto, sucedió en 1944, año en el que conoció a la brillante cantante Edith Piaf, con la cual tuvo relaciones íntimas por espacio de dos años. Usualmente cantaba en cabarets y teatros de las grandes ciudades de Francia. Unas de sus canciones de mayor éxito fueron “A Paris” y “Les feuilles mortes” (Las hojas muertas). Montand siempre amó el teatro, sea para cantar en el Olympia de París como para interpretar en alguna obra. Aún en su vejez, allá por 1980, cantaba en este famoso teatro. En 1954, había obtenido un gran éxito actuando en la pieza teatral “Las brujas de Salem” de A. Miller, que años después protagonizaría en la gran pantalla.

En el cine, no le resultó difícil ser escogido para actuar, era de alta estatura, elegante, bien parecido, de hablar pausado, con todos los dotes de un galán. Debutó en el drama “Etoile sans lumière (1946)” (Estrella sin luz) de Marcel Blistène con Edith Piaf, Jules y Mady Berry, al que le siguió otro drama, “Las puertas de la noche (1946)” de Marcel Carné con Pierre Brasseur y Serge Reggiani. Posteriormente actuó:

  • En el suspense “El salario del miedo (1953)” de Henri-Georges Clouzot con Charles Vanel, donde Montand realmente brilló con su interpretación. Un filme que aborda la explotación laboral en un pueblo de EE.UU.
  • El film de aventura “Los héroes están cansados (1955)” de Yves Ciampi con María Félix, donde la trama gira alrededor de un contrabando de diamantes
  • Los dramas “Napoleón (1955)” de Sacha Guitry con Jean-Pierre Aumont y Jeanne Boitel, donde encarna el papel del mariscal Lefebvre
  • “Hombres y lobos (1956)” de Giusseppe De Santis con Silvana Mangano y Pedro Armendáriz, trama con un triángulo de amor que ve envuelto a dos cazadores de lobos
  • “Las brujas de Salem (1957)” de Raymond Rouleau con Simone Signoret, papel que le era conocido por su interpretación en teatro
  • “La ley (1958)” de Jules Dassin con Gina Lollobrigida, Marcello Mastroianni, Melina Mercouri y Pierre Brasseur, film del que hablamos al inicio y donde Montand encarna a un individuo del sur italiano carente de toda ética

yves montand afiches

Aunque en la década de los 60, Yves Montand como su esposa, la actriz Simone Signoret, eran miembros activos del movimiento comunista, Montand decidió probar suerte en el cine norteamericano, donde debutó en la comedia “El multimillonario (1960)” de George Cukor con Marylin Monroe. Se rumoró entonces que la Monroe había tenido un romance intenso con Montand, al extremo que Simone le escribió a la famosa actriz norteamericana para que no rompiera el matrimonio existente. Luego Montand actuó en:

  • Los dramas “No me digas adiós (1961)” de Anatoli Litvak con Ingrid Bergman y Anthony Perkins,
  • “Réquiem para una mujer (1961)” de Tony Richardson con Lee Remick
  • La comedia “Mi dulce Geisha (1961)” de Jack Cardiff con Shirley MacLaine y Edward G. Robinson
  • El film de misterio “Los raíles del crimen (1965)” bajo la guía de Costa Gavras por primera vez, y con Simone Signoret y Jacques Perrin entre otros
  • Los dramas “La guerra ha terminado (1966)” de Alain Resnais con Ingrid Thulin y Geneviève Bujold,
  • “Grand Prix” (1966) de John Frankenheimer con James Garner y Toshiro Mifune
  • El film bélico “¿Arde París? (1966)” de René Clément con Charles Boyer, Jean-Paul Belmondo entre otros destacados actores
  • Los dramas “Vivir para vivir (1967)” de Claude Lelouch con Annie Girardot y Candice Bergen,
  • “Z (1969)” de Costa-Gavras con Jean-Louis Trintignant, film que trata sobre la Grecia bajo la dictadura militar en los años 60
  • En papel de reparto de la comedia “El diablo por la cola (1969)” de Philippe De Broca con Jacques Balutin

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Ya en ese entonces Montand y Simone Signoret, totalmente enojados con la intervención soviética en Checoslovaquia (1968), decidieron renunciar a su militancia comunista y, a su vez, unieron fuerzas con el director Costa-Gavras nuevamente, para protagonizar el drama “La confesión (1970)”, film sobre la represión en Checoslovaquia y que fuera estrenado en este país europeo en 1990, justamente con la salida de esta nación del Pacto de Varsovia y del bloque soviético. Así y todo, igualmente Montand protagonizó otro interesante filme entonces muy actual, “Estado de sitio (1973)” de Costa-Gavras con Renato Salvatori, cuya trama gira sobre la acción de los famosos guerrilleros tupamaros en Uruguay y la captura del agente de la CIA, Dan Mitrione, papel que Montand interpretó. También actuó en:

  • El film de crimen “El círculo rojo (1970)” de Jean- Pierre Melville con Alain Delon
  • Las comedias “Vuelve a mi lado (1970)” de Vincente Minnelli con Barbra Streissand, “Ella, yo y el otro (1972)” de Claude Sautet con Romy Schneider
  • Los dramas “El azar y la violencia (1974)” de Philippe Labro con Katharine Ross,
  • “Tres amigos, sus mujeres y los otros (1974)” de Sautet con Michel Piccoli y Regge Serggiani
  • El film de acción-drama “Mi hombre es un salvaje (1975)” de Jean-Paul Rappeneau con Catherine Deneuve
  • El suspense “Police Python 357 (1976)” de Alain Corneau con François Périer y Simone Signoret
  • Los dramas “Las rutas del sur (1978)” de Joseph Losey con Miou-Miou,
  • “Una mujer singular (1979)” de Costa –Gavras con Roberto Benigni
  • El suspense “I …como Icaro (1979)” de Henri Verneuil con Michel Albertini

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En la década de los 80, continuó su labor, pero con menos intensidad que en períodos anteriores, así actuó en:

  • La comedia “Tout feu, tout flamme (1981)” (Todo fuego, todo llama) de Jean-Paul Rappeneau con Isabelle Adjani
  • El drama “Garçon! (1983)” (Camarero) de Sautet con Nicole García
  • Los dramas “El manantial de las colinas (1986)” con Gérard Depardieu y Daniel Auteuil,
  • “La venganza de Manon (1986)” con Auteuil nuevamente, ambos del director Claude Berri

Nominado para premio BAFTA como mejor actor extranjero por “El multimillonario (1960)” y como mejor actor por “El manantial de las colinas (1986)”. Nominado para premio César como mejor actor por “I…..como Icaro (1979)” y “Garçon! (1983)”. Obtuvo premio en el festival de Karlovy Vary como mejor actor por “Las brujas de Salem (1957)”. Obtuvo premio Gala Tribute del Centro de la Sociedad Fílmica Lincoln.

Montand era incansable, actuó en un total de 61 películas entre 1941 y 1992, productor de un filme. Falleció de un infarto el 9 de noviembre de 1991 en Seulise, Francia, mientras transcurría la filmación del drama “IP 5: la isla de los paquidermos (1992)” de Jean-Jacques Beineix con Olivier Martinez. Sus restos yacen junto a los de su esposa, Simone Signoret, en el cementerio de Père Lachaise en París.

 

Escrito por Esteban Hernández, 8 enero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

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“El Valle de la Violencia” o “Shenandoah (1965)”

La humanidad no puede liberarse de la violencia
más que por medio de la no violencia
.”
Mahatma Gandhi

El Valle de la Violencia

Si alguien lee la sinopsis del film de referencia, verá que está catalogado como drama, film de guerra y oeste, pero de esto último realmente tiene poco, excepto aquellos soldados que cabalgan. Aquí no hay duelos, ni vaqueros sacando sus pistolas rápidamente o golpeando al adversario a puño limpio. Nada de eso, es una cinta por la paz, así lo vi y así aún lo veo, con clara exposición de las vicisitudes de una guerra, donde incluso aquellos que no se involucran, no pueden evitar el hecho que sus vidas o las de sus seres queridos sean dañadas a veces mortalmente.

La trama transcurre en la Virginia del sur norteamericano, otrora esclavista, donde una familia no entiende que deba implicarse en la guerra civil, al no tener esclavos y haber creado una fortuna con el trabajo familiar, el de un padre con todos sus hijos y una hija. La causa de defender la esclavitud no es su asunto, por lo que siempre se niegan a alistarse en el ejército y participar, obviamente, en acciones militares.

Una cosa es lo que uno pretende hacer, otra es lo que puede lograr y luego suceder, a veces de forma casual y es el caso que nos muestra este drama bélico. Una causa tiene su efecto, el cual, a su vez, provoca una nueva causa, muy útil para aquellos que no entiendan algo de la dialéctica del filósofo alemán Georg Wilhelm Friedrich Hegel. “El Valle de la Violencia” nos muestra una y otra causa, seguidas de efectos en correspondencia, lamentablemente dañinos e irreversibles. Eso es lo que da una guerra, sea justa o injusta. Usualmente cuando uno ve las desgracias que una guerra provoca, se pregunta si aquellos gobernantes que bravuconean e invitan a la confrontación militar, han alguna vez sufrido en carne propia o de sus seres queridos estas vicisitudes.

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El director inglés Andrew V. McLaglen- hijo del actor Víctor McLaglen, conocido por haber integrado al grupo de actores de reparto de varios Oestes protagonizados por John Wayne y bajo la dirección de John Ford- logró realizar un film que, a pesar de mostrar las injusticias de la guerra, muestra también la belleza de una familia, donde los hijos poseen la debida educación formal recibida de sus padres, donde prima el respeto ausente muchas veces en familias de la época actual. Igualmente, la estética de la película es indudable, tanto interna como externamente. La vulgaridad e indecencia de otros sobresalen ante la decencia de la familia protagonista del film.

James Stewart, con 57 años de edad en ese momento, logró encarnar bien a Charlie, un padre de familia que gozaba del amor de sus hijos y del respeto de la comunidad circundante, a pesar de no compartir sus ideas sobre la guerra.  El veterano George Kennedy tuvo un pequeño papel en el film, el cual interpretó al más alto nivel.

Es un film con más de 50 años de realizado, pero que bien vale la pena volver a ver y reflexionar sobre el mismo.

 

Escrito por Esteban Hernández, 25 noviembre de 2018, con información extraída de IMDB.com

La accidentada vida del actor Sal Mineo

Sería fácil culpar a Hollywood de haberme encasillado
en un mismo papel repetidamente, algo que hice por un tiempo,
pero la verdad es que sabía lo que hacía y me divertía
.”
Sal Mineo

Sal Mineo a la der. junto a Natalie Wood y James Dean en Rebelde sin causa

Sal Mineo a la derecha, junto a Natalie Wood y James Dean, en “Rebelde sin causa (1955)”. Cortesía Doctormacro.com

En las décadas de los 50 y 60, hubo un actor de baja estatura, trigueño, que usualmente interpretaba papeles de adolescente descontento, frustrado, o de muchacho propenso al robo y a acciones prohibidas en la sociedad. Algo de eso tenía el actor en su vida real  hasta que llegó al teatro-cine. Se trata de la figura de Salvatore Mineo Jr., nacido el 10 de enero de 1939 en el Bronx, ciudad Nueva York, hijo de padre siciliano, fabricante de ataudes, y de madre estadounidense, hija de padres napolitanos. La vida de Sal desde pequeño fue la de un pandillero dentro de la barriada del Bronx. Por su conducta, a los ochos años fue expulsado de una escuela parroquial. Su madre desesperada optó por llevarlo a una escuela de baile, pero nuevamente fue detenido por robo a la edad de 10 años, fue entonces que se le dio a escoger, encierro en cárcel de jóvenes o vincularse a una escuela de actuación profesional. Lógicamente, aceptó la segunda opción, así se integró ala escuela Quintano para Profesionales Jóvenes, institución privada de segunda enseñanza

Su desarrollo artístico fue rápido, lo que le permitió debutar en teatro, en la obra “La rosa tatuada” con Maureen Stapleton y Eli Wallach; luego como joven príncipe en la obra “El rey y yo” protagonizada por Yul Brynner y Gertrud Lawrence. Actuó también en algunos filmes o seriales para la TV.

En el cine debutó a la edad de 16 años, interpretando el papel de un niño delincuente de nombre Jerry Florea, en el film de crimen “El robo del siglo (1955)”[1] de Joseph Pevney con Tony Curtis, quien interpreta el papel de Florea adulto. A continuación actuó:

  • Con James Dean y Natalie Wood, en el drama “Rebelde sin causa (1955)” de Nicholas Ray, donde interpreta el papel de un joven acomplejado y con serios problemas en familia
  • Un pequeño papel de reparto tuvo en el drama “Gigante (1956)” de George Stevens con Rock Hudson, Elizabeth Taylor y Dean nuevamente
  • Protagonizó el drama “Dino (1957)” de Thomas Carr con Brian Keith, una vez más como delincuente juvenil y liberado bajo palabra
  • El entretenido y original oeste “Tonka (1958)” de Lewis R. Foster con Philip Carey, donde encarna el papel de un joven indio
  • El drama “Negocios del corazón (1959)” de Raoul Walsh con Christine Carère y Barry Coe,
  • El drama-musical “The Gene Krupa story (1950)” de Don Weis con Susan Kohner y James Darren, donde Mineo interpreta el papel del famoso baterista, Gene Krupa, el cual tuvo igualmente una vida accidentada producto de su adición por la droga. Mineo había aprendido a tocar batería, por lo que este papel le vino como anillo al dedo.
  • Un papel de reparto muy destacado tuvo en el drama “Exodo (1960)” de Otto Preminger con Paul Newman y Lee J. Cobb entre otros.

Sal Mineo afiches

En la década de los 60 y en lo sucesivo Mineo actuó en papeles de reparto:

  • Del film de guerra “El día más largo (1962)” de Ken Annakin y Andrew Marton con Henry Fonda, Robert Mitchum y John Wayne entre otros
  • Del oeste “El gran combate (1964)” de John Ford con Richard Widmark y Caroll Baker, donde, como en “Tonka”, interpreta el papel de indio
  • Del drama “La historia más grande jamás contada (1965)” de George Stevens y David Lean con Max Von Sydow y Dorothy McGuire entre otros actores y actrices destacados
  • Protagonizó el film de crimen “Who killed Teddy Bear (1965)” (¿Quién mató al Oso Teddy?) de Joseph Cates con Juliet Prowse
  • En papel de reparto del film fantástico “Huida del planeta de los simios (1971)” de Don Taylor con Roddy McDowall y Kim Hunter

Sal Mineo afiches 2

Mineo no dejó de trabajar en teatro y durante las décadas de los 60 y parte de los 70, participó en varias obras teatrales, entre ellas:

  • “Fortune and men’s eyes (1969)” (Fortuna y ojos de hombres) de su propia dirección, donde aparece como prisionero en una cárcel para homosexuales.
  • “P.S. Your cat is dead” (D. Su gato está muerto)

También actuó con éxito en varias películas para la TV. Su último film en la gran pantalla fue el corto-comedia “Sonic Boom (1974)” con Ricky Nelson y George Kennedy.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Rebelde sin causa (1955)” y “Éxodo (1960)”. Obtuvo Globo y Laurel de Oro como mejor actor de reparto por “Éxodo (1960)”.

En el orden personal, Mineo reconoció su bisexualidad en 1972, pero para la mayoría de los que les conocieron personalmente, este actor era solo homosexual. En realidad nunca se casó. Se dice que la vida del padre de Mineo inspiró al personaje, fabricante italiano de féretros, que viene a pedirle ayuda a Don Corleone en la película “El padrino (1972)”. Los dos hermanos y hermana de Mineo fueron también actores y actriz de cine.

En resumen, Sal Mineo actuó en 72 filmes entre 1952 y 1956,  y murió el 12 de febrero de 1976 en West Hollywood, California. Su muerte tuvo lugar cuando se hallaba en los preparativos de presentar la obra “P.S. your cat….” en teatro de San Francisco, cuando apareció uno de esos tantos criminales dementes, de nombre Lionel Ray Williams,  quien apuñaló a Mineo para atracarlo. El delincuente tenía 17 años, era un drogadicto, que ni sabía quién era Sal Mineo. Se le condenó a muerte, la que fue conmutada por cadena perpetua, y liberado en 1990 bajo palabra.

 

Escrito por Esteban Hernández, 26 diciembre de 2018, con información extraída de IMDB.com y de sus apuntes sobre distintas actrices y actores.

[1]En España este film se le conoce como “Atraco sin huellas”.

Cine para aprender: “Gett: El divorcio de Viviane Amsalem (2014)”

La causa de la mujer es la causa del hombre:
los dos se levantan o sucumben juntos.”
Alfred Tennyson (1809-1892,
poeta y dramaturgo inglés)

El divorcio de Viviane Amsalem

No sabe el canal televisivo LA2 cuanto uno aprecia este tipo de filmes, los que nos enseñan sobre la vida y costumbre en otros países, y nos hacen pensar sobre los defectos y virtudes en esas tierras.

El filme de referencia es de producción israelí, el que tiene que ver con la negativa a conceder el divorcio de un marido, supuestamente enamorado de su bella mujer. Este drama contó con la dirección y guión de Ronit Elkabetz y Shlomi Elkabetz, mientras que el protagonismo recayó sobre la misma directora, Ronit Elkabetz, en el papel de Viviane, del actor judío-francés Simon Abkarian, como el esposo obstinado, y Menashe Noy como el abogado defensor de Viviane.

Resolver un asunto de divorcio en un juzgado conducido por rabinos no parece ser una tarea fácil. Uno que desconoce las interioridades del Talmud, solo puede suponer que haya preceptos o leyes que aparecen descritos en el Tanaj o Biblia hebrea, en los que se fundamentan las decisiones de los jueces.

Sin entrar en detalles religiosos, se observa que el hombre, como en el resto de las religiones, tiene un poder que no posee la mujer. El hombre puede negarse a dar el divorcio y no hay ley que lo obligue a hacer lo contrario, mientras que si fuera a la inversa, no creo que sucediera lo mismo.

La evolución de esas costumbres, por no decir abandono de las mismas, ya se va sintiendo en una sociedad que posee más de un 20% de su población venida de la desaparecida URSS, cuya mayorÍA no es creyente, ni está dispuesta a poner sus libertades personales a merced de la religión, algo que se plantea suavemente en las discusiones dentro del filme. A su vez, como me decía un buen amigo judío, no es para tener creencias después de haber sufrido un holocausto.

La película tiene una trama interesante y de bajo presupuesto, las polémicas y las declaraciones en sus escenas le confieren un alto valor. El resultado final no es el que uno siempre espera, pero es algo que está dentro de lo establecido en esa sociedad.

Si no la ha visto y gusta del buen cine, de ese que aumenta nuestros conocimientos sobre el mundo en que vivimos, anímese a ver esta peli, no lo lamentará.

Escrito por Esteban Hernández, 27 noviembre de 2018, con información de la peli extraída de IMDB.com

Cornel Wilde, deportista y actor

Me percaté hace mucho tiempo que no podía
depender de la suerte para lograr el éxito
.”
Cornel Wilde

Cornel Wilde

Las apariencias engañan, sabio refrán, y eso fue lo que pasó con un actor, al que todos los cinéfilos daban como de origen latino, se trata de Cornel Wilde, excelente esgrimista en su juventud, al extremo que fue seleccionado para formar parte del equipo de EE.UU. a las olimpiadas de Berlín (1936), propuesta que declinó por su gran afición a la actuación dramática.

Volviendo a su origen, su nombre real es Kornel Lajos Weisz, nacido el 13 de octubre de 1915 en Prievidza, entonces Hungría, actualmente Eslovaquia, en el seno de una familia judío-húngara, con padre comerciante de cosméticos, la que emigró a EE.UU.  en 1920, después de lo cual decidieron americanizar sus nombres, y Kornel se convirtió en Cornelius Louis Wilde. Sus primeros años en EE.UU. fueron para estudiar y practicar la esgrima, además de viajar algo por el mundo, lo que le sirvió para aprender o perfeccionar el conocimiento de idiomas. Este actor llegó a hablar fluentemente en húngaro, alemán e inglés, además de saber ruso, italiano y francés. Inicialmente estudió en el Instituto Towsend Harris de Brooklyn para prepararse como futuro estudiante de medicina, pero nuevamente dejó esas aspiraciones para dedicarse a la actuación.

La entrada en el mundo teatral le llevó a abreviar su nombre por el conocido Cornel Wilde, así actuó en Broadway en la obra “Pasándola bien”, a la que le siguió una actuación secundaria en el drama “Romeo y Julieta” protagonizado por las estrellas inglesas, Vivien Leigh y Laurence Olivier. Fue en ese momento que Cornel fue descubierto por los cazatalentos de Hollywood y contratado. Así debutó en el corto de 10 minutos, “The rhythm party (1936)” (El ritmo de la fiesta) de Fred Waller. A continuación actuó en papel de reparto del film de crimen “El último refugio (1941)” de Raoul Walsh con Ida Lupino y Humphrey Bogart. Es posible que muchos espectadores hayan pensado que Wilde era latino por el hecho que el actor haya interpretado en esta peli el papel de un personaje llamado Louis Mendoza..

Sus actuaciones en lo sucesivo fueron de reparto igualmente hasta que protagonizó el drama “Canción inolvidable (1945)” de Charles Vidor con Paul Muni y Merle Oberon, donde Wilde interpreta con acierto el papel del famoso compositor y músico Federico Chopin. En lo sucesivo fue protagonista más que todo de películas de aventura y dramas. Debido a su dominio de la esgrima, podía interpretar papeles de buen espadachín y actuar en esas escenas directamente sin necesidad de dobles. Sus siguientes actuaciones importantes fueron:

  • Protagonizando el film de aventuras “Aladino y la lámpara maravillosa (1945)” de Alfred E. Green con Evelyn Keyes
  • El film de cine negro “Que el cielo la juzgue (1945)” de Stahl con Gene Tierney, una peli que contó con actuaciones sobresalientes de Tierney y Wilde
  • El film de aventura “El hijo de Robin de los bosques (1946)” de Henry Levin y George Sherman con Anita Louise, donde Wilde interpretó el papel del hijo de Robin Hood
  • El musical “Centennial summer (1946)” (Verano secular) de Otto Preminger con Jeanne Crain, peli en la que Wilde es un ciudadano francés
  • Los dramas “Ambiciosa (1947)” de Preminger, con trama basada en una novela de la escritora Kathleen Windsor
  • “Murallas humanas (1948)” de John M. Stahl, en ambos con Linda Darnell, film en el que también actuó Kirk Douglas
  • El drama-film de cine negro “El parador del camino (1948)” de Jean Negulesco con Ida Lupino nuevamente y Richard Widmark, del cual se derivaría su eterna amistad con la Lupino.
  • El film de crimen “Más fuerte que la ley (1949)” de Douglas Sirk con Patricia Knight, que fuera su primera esposa
  • En papel de reparto del oeste “Entre dos juramentos (1950)” de Robert Wise con Linda Darnell una vez más, Joseph Cotten y Jeff Chandler

Cornel Wilde afiches

En la siguiente década continuando actuando más que todo en películas de aventura-acción, así se le vio en:

  • El drama “El mayor espectáculo del mundo (1952)” de Cecil B. DeMille con Charlton Heston, James Stewart y Betty Hutton
  • El film de aventura “Los hijos de los mosqueteros (1952)” de Lewis Allen con Maureen O’Hara, donde interpreta el papel de hijo de D’Artagnan,
  • El oeste “El hidalgo (1952)” de Lew Landers con Teresa Wright
  • Los filmes de cine negro “Agente especial (1955)” de Joseph H. Lewis con Richard Conte,
  • “Miedo en la tormenta (1955)” de su propia dirección con Jean Wallace nuevamente
  • Los filmes de aventura “La estrella de la India (1954)” de Arthur Lubin con Leslie Linder y Jean Wallace, que fuera su segunda esposa
  • “Omar Khayyam (1957)” de William Dieterle con Michael Rennie
  • El film de acción “Al borde de la eternidad (1959)” de Don Siegel con Victoria Shaw

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En lo sucesivo, Wilde, quien ya había creado en 1955 su propia compañía de producción fílmica, dirigió y protagonizó varios filmes, entre ellos:

  • El film de acción “The devil’s Hairpin (1957)” (El diablo de Hairpin) con Jean Wallace y Arthur Franz
  • El drama-film de aventura, co-producción yugoslavo-italiana, “Constatino el Grande (1961)” de Lionello de Felice con Belinda Lee
  • El film de aventura “La espada de Lancelot (1963)” con Jean Wallace y Brian Aherne, donde Wilde interpreta el papel del famoso Lancelot
  • El drama-film de aventura “La presa desnuda (1965)” con Gert van den Bergh y Ken Gampu, co-producción sudafricana-norteamericana, filmada en Botswana
  • El drama-film de guerra “Playa roja (1967)” con Rip Torn, donde Wilde interpreta el papel de capitán militar y es el narrador del film
  • El drama-film fantástico “Contaminación (1970)” con Nigel Davenport y Jean Wallace, de producción británica y con trama sobre un extraño virus diseminado en Londres
  • El film de aventura “El tesoro de los tiburones (1975)” con Yaphet Kotto y John Neilson

Cornel Wilde afiches 3

Igualmente actuó en papeles de reparto:

  • Del film de aventura “El quinto mosquetero (1979)” de Ken Annakin con Sylvia Kristel, Ursula Andress y Beau Bridges, donde Wilde es D’Artagnan
  • Del film de crimen “Flesh and bullets (1985)” (Carne y balas) de Carlos Tobalina con la ya entonces veterana Yvonne DeCarlo y Cydney Hill, que fuera su última presentación en la gran pantalla y aparece como un ente con un alto cargo en el departamento de policía

Su autobiografía, “My very Wilde life”, algo así como “Mi muy vida a los Wilde”, fue terminada en 1987. Nominado para OSCAR como mejor actor por “Canción inolvidable (1945)”. Su film “La presa desnuda (1965)” tuvo una notable aceptación de la exigente crítica.

En resumen, actuó en 69 filmes entre 1936 y 1987, guionista de 5, dirigió y produjo nueve películas. Falleció, debido a leucemia, el 16 de octubre de 1987 en Los Ángeles, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 24 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com.

Un retrato de la vida en la sociedad actual: “Una familia de Tokio (2013)”

Es la propia naturaleza la que nos impulsa
a amar a los que nos han dado la vida
.”
Marco Tulio Cicerón

Una familia de Tokio

El filme en cuestión, de producción y realización japonesa, es una verdadera reflexión de cómo los valores familiares se pierden en este mundo de apuro por el negocio, el dinero y a veces la sobrevivencia.

La dirección y guión de la peli corrieron a cargo de Yoji Yamada, mientras que los protagonistas fueron varios, ya que cada cual tuvo una importante interpretación, entre ellos Isao Hashizume, Kazuko Yoshizuki, la bella Yu Aoi y Masahiko Nishimura entre otros.

La trama gira alrededor de una pareja de ancianos, padres de hijos, todos emigrantes a Tokio, que deciden en el ocaso de su vida visitar la capital de su país y así ver sus hijos y nietos. Suceden tantas cosas, que uno realmente no se las puede imaginar, quizás por el hecho que el que suscribe aún conserva mucho de ese amor por los padres y el deseo de estar juntos a ellos, incluso después de haber ya fallecido.

En la peli ese amor no es que sea evidente, la visita de los padres no es que transcurra bien, así la peli va mostrando, hace recordar algo a Visconti en “Rocco y sus hermanos (1960)”, el comportamiento de cada uno de los hijos, el proceder y pensamiento de los padres, sus aciertos y equivocaciones.

El epílogo de la peli es muy educativo, digno de analizar y pensar si no se puede hacer nada para corregir aquellos aspectos que ayuden a mejorar la vida en la sociedad actual. No se puede solo vivir pensando en lo material, lo espiritual tiene que ocupar buen espacio en nuestras vidas.

Una familia de Tokio 3

Isao Hashizume y la joven Yu Aoi en una de las escenas finales del film

“Una familia de Tokio (2013)” muestra que se puede hacer buen cine sin necesidad de siempre abordar tramas de crímenes, ficciones, o con escenas casi pornográficas. El cine debe servir para entretener, cierto, pero igualmente para educar, y esta película enseña y educa. Más filmes de este tipo son muy necesarios.

Este filme obtuvo Espiga de Oro a la Mejor Película en la Seminci del 2013 y el Berlinale Special del Festival de Berlin del 2013.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 noviembre de 2018

Jack Palance, famoso actor de origen ucraniano

La mayoría de las cosas que hago son basura.”
Jack Palance

Jack Palance

Jack Palance. Cortesía Doctormacro.com

Muchas figuras son conocidas y logran fama, pero el público desconoce sus orígenes y los conocimientos que puedan poseer. Por lo general, las revistas que abordan la vida de los artistas tratan de reseñar más sobre la vida sentimental de estas personas, y muy poco sobre lo anteriormente mencionado.

Esta vez le toca al turno al actor Volodymyr Ivanovich Palanuik, nacido el 18 de febrero de 1919 en Lattimer Mines, Pensilvania, en el seno de una familia ucraniana, cuyo padre era minero, el que murió a causa de neumoconiosis, enfermedad que se adquiere por larga exposición al polvo del carbón. El actor no es otro que Jack Palance, quien desde temprana edad trabajó con su padre en minas, pero que previendo un desenlace fatal como el de su padre, abandonó este trabajo. Palance en su juventud era un hombre fuerte, medía 193 cm, lo que posibilitó obtuviera una beca para estudiar en Universidad de Carolina del Norte y jugar fútbol americano, algo que abandonó para convertirse en boxeador de pesos completos bajo el pseudónimo de Jack Brazzo. Como boxeador ganó 15 combates, 12 de ellos por la vía rápida hasta que topó con Joe Baksi, uno de los pesos completos más destacados de la época, el que lo castigó en los primeros 4 asaltos del combate efectuado en diciembre de 1940. De hecho, su rostro estaba tan dañado por el boxeo, que se vio obligado a someterse a una cirugía plástica posteriormente. Su carrera como púgil se interrumpió con la guerra, al servir en la fuerza aérea de su país. Herido en combate, recibió por su valor la orden del Corazón Púrpura, y las medallas por buena conducta y la de la Victoria. Luego cursó estudios como periodista en la Universidad de Stanford para después convertirse en cronista deportivo del San Francisco Chronicle. Al mismo tiempo trabajó en una estación de radio hasta que se involucró en el mundo de la interpretación.

Como actor debutó en teatro, en la obra “The big two” (El gran dúo) en 1947, posteriormente se convirtió en un ocasional Stanley Kowalski, el personaje central de la novela “Un tranvía llamado deseo” del escritor Tennessee Williams. Según cuentan, Marlon Brando, el Kowalski habitual, invitó a Palance a una actividad de ejercicio físico incluido el boxeo con peras, Palance tiró un puñetazo al punching back que accidentalmente fue a parar al rostro del famoso actor, el que tuvo que ser hospitalizado. Fue así que Palance sustituyó a Brando en el papel ya mencionado en teatro. Su actividad en las tablas fue intensa y logró premio por su actuación en la obra “Darkness of noon (1948)” (Oscuridad de la tarde).

Al cine llegó con dificultad, su rostro no le daba para convertirse en galán, por lo que lo máximo sería interpretar, como así lo hizo, papeles de villanos. Así debutó en el film de crimen “Pánico en las calles (1950)” de Elia Kazan protagonizado por Richard Widmark, donde Palance interpretó el papel de un fugitivo. Le siguieron sus interpretaciones en:

  • El film de aventura “Situación desesperada (1950)” de Lewis Milestone con Widmark nuevamente y Robert Wagner, donde Palance es el marino boxeador
  • El film de horror “Miedo súbito (1952)” de David Miller con Joan Crawford, donde el actor fue el marido malvado y su interpretación le valió su primera nominación para Oscar como actor
  • Los oestes “Hoguera de odios (1953)” de Charles Marquis Warren con Charlton Heston y Katy Jurado, en el que Palance es un indio de nombre Toriano, lleno de un odio inconcebible hacia los blancos
  • “Raíces profundas (1953)” de George Stevens con Alan Ladd y Van Heflin, donde interpreta el papel del villano despiadado de la película y nuevamente tuvo muy buena acogida de la exigente crítica
  • Protagonizó el suspense “The man in the attic (1953)” (El hombre en el ático) de Hugo Fregonese con Constance Smith,
  • En papel de reparto del drama romántico “El cáliz de plata (1954)” de Victor Saville con Paul Newman, Pier Angeli y Virginia Mayo, interpretando el papel del egocéntrico mago Simón
  • El film épico “Atila frente a Roma (1954)” de Douglas Sirk con Jeff Chandler, donde encarnó el papel de Atila, rey de los hunos
  • Protagonizó los dramas-filmes de cine negro “El gran cuchillo (1955)” de Robert Aldrich con Ida Lupino y Rod Steiger, donde aparece como un hombre con alto grado de frustración en su carrera artística
  • “He muerto mil veces (1955)” de Stuart Heisler con Shelley Winters
  • El notable film de guerra “Ataque (1956)” de Aldrich con Eddie Albert y Lee Marvin, donde Palance es el hombre bondadoso y dado a ayudar a todos sus compañeros, muy por el contrario de un oficial arrogante y egoísta interpretado por Eddie Albert
  • El oeste “El hombre solitario (1957)” de Henry Levin con Anthony Perkins que interpreta el papel de hijo de Palance
  • El film de aventura-crimen “Conflicto íntimo (1958)” de John Gilling con Anita Ekberg
  • El drama-film de acción “A diez segundos del infierno (1959)” de Robert Aldrich con Jeff Chandler, donde el hombre de buenas intenciones es Palance y no Chandler esta vez
  • El drama “Flor de mayo (1959)” de Roberto Gavaldón con María Félix y Pedro Armendáriz

Jack Palance afiches

En la década de los 60, actuó en varias películas de aventuras y del oeste, algunas de ellas en Italia y Francia, como fue en:

  • “Revak, el rebelde (1961)” de Rudolph Maté con Milly Vitale, donde protagonizó el papel principal
  • El film de acción “Los mongoles (1961)” de André De Toth y Riccardo Freda con Anita Ekberg y Gabriele Antonini, film en el que vuelve a interpretar papel de mongol
  • En papeles de reparto de la comedia “El juicio final (1961)” de Vittorio De Sica con Anouk Aimée, Alberto Sordi y otros más actores y actrices
  • Del film bélico “La guerra continua (1962)” de Leopoldo Savona con Franco Balducci,
  • Del film de aventura “Barrabás (1962)” de Richard Fleischer con Anthony Quinn y Silvana Mangano, donde nuevamente interpreta el papel de un villano de nombre Torvald
  • El drama “El desprecio (1963)” de Jean-Luc Godard con Brigitte Bardot y Michel Piccoli
  • Los oestes “Los profesionales (1966)” de Richard Brooks con Burt Lancaster y Lee Marvin, donde encarna a un líder rebelde mexicano durante la guerra de ese país,
  • “La marca de Caín (1969)” de Henry Levin con Vince Edwards y Sylvia Syms
  • El drama “Che! (1969)” de Fleischer con Omar Sharif, film en el que Palance interpretó el papel de Fidel Castro
  • El film bélico “Hora cero: Operación Rommel (1969)” de León Klimovski con Andrea Bosic y John Gramack

Jack Palance afiches 2

En lo sucesivo, sus mejores interpretaciones fueron en papeles secundarios de:

  • Del oeste “Chato, el apache (1972)” de Michael Winner con Charles Bronson
  • Del drama-oeste “Oklahoma año 10 (1973)” de Stanley Kramer con Faye Dunaway y George C. Scott
  • Del mediocre film de aventura “Africa Express (1975)” de Michele Lupo con Giuliano Gemma y Ursula Andrés
  • Del film de crimen “I padroni della città (1976)” (Los patronos de la ciudad) de Fernando Di Leo con Al Cliver, donde interpreta el papel de cara cortada
  • Con Gemma y Ursula Andrés nuevamente en otro film mediocre de aventura, “Safari Express (1976)” de Duccio Tessari
  • El film de aventura “Batman (1989)” de Tim Burton con Michael Keaton y Jack Nicholson
  • El film de aventura-comedia “Cowboys de ciudad (1991)” de Ron Underwood con Billy Crystal, donde logró reverdecer laureles, papel que inicialmente se le había ofrecido a Charles Bronson, quien lo rechazó
  • El suspense de ciencia ficción “Solar crisis (1992)” de Richard C. Sarafian y Alan Smithee con Charlton Heston y Tim Matheson
  • Protagonizó “El tesoro del capitán Flynt (1999)” de Peter Rowe con Kevin Zegers

Su última aparición en pantalla fue en papel de reparto del drama “Back when we were grownups (2004)” (Cuando éramos adultos) de Ron Underwood con Blyther Danner, Faye Dunaway y Peter Fonda.

Nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Miedo súbito (1952)” y “Raíces profundas (1953)”. Obtuvo este premio en igual categoría por “Cowboys de ciudad (1991)”. Obtuvo premio de la American Comedy Awards como actor de reparto más cómico por “Cowboys de ciudad (1991)”, así como Globo de Oro como mejor actor de reparto en este film.

Palance dominaba tres lenguas, el inglés, el ruso, y el ucraniano, además de hablar italiano, francés y español. Gustaba pintar y componer poemas. A pesar de su físico, era vegetariano. En resumen, actuó en 126 filmes entre 1950 y 2004, y dirigió una película. Murió, por causas naturales, el 10 de noviembre de 2006 en Montecito, California.

 

Escrito por Esteban Hernández, 14 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com

Buchinsky o Bronson

Cuando Ud. ama a alguien,Ud. siente su dolor
Charles Bronson hablando de su
difunta esposa Jill Ireland

Charles Bronson. Cortesía Doctormacro.com
A veces la gente se inventa leyendas sobre determinados actores o actrices de cine, una de esas fue sobre el famoso actor Charles Bronson, de quien decían que había sido camionero, boxeador y otras actividades propias de gente ruda y fuerte. No faltó quien me dijera que era de origen indio.

Bien, el actor de referencia se llamó Charles Dennis Buchinsky, nacido el 3 de noviembre de 1921 en Ehrenfeld, Pensilvania, en el seno de una familia con padre lituano, que emigró a los EE.UU., y madre hija de padres lituanos, cuyo apellido original era Bučinskis, que se transformó en Buchinsky para hacerlo algo más americano. Eran quince hermanos, toda una prole, y Charles fue el único que terminó escuela superior. Lo interesante es que el famoso actor aprendió a hablar inglés casi llegando a su adolescencia, ya que en el medio familiar hablaba lituano o ruso. Inmediatamente se incorporó al trabajo en las minas como su padre, algo que recuerda la vida del actor de origen ucraniano Jack Palance, también con experiencia de minero en su juventud. Su familia vivía en la extrema pobreza, su padre había muerto, y el actor se vio obligado a vestir ropa de una de sus hermanas para poder salir a la calle. Llegada la Segunda Guerra Mundial, Charles se alistó y sirvió en la fuerza aérea, donde varias veces voló en ataques a posiciones japonesas, por las que fue herido y luego condecorado con el Corazón Purpura. Durante el servicio militar pudo perfeccionar su dominio del inglés. Terminada la conflagración, recibió beca para estudiar arte dramático, algo que siempre soñó realizar. Previamente actuó en grupos teatrales en Filadelfia, luego cursó estudios en el Pasadena Playhouse de California con tanto esmero, que una profesora no dudó en recomendárselo al director Henry Hathaway, quien lo hizo debutar como extra en la comedia “¡Esto es la marina! (1951)”, donde coincidió con Lee Marvin por primera vez.

Posteriormente, como actor de reparto apareció en:

  • El film de crimen “El caso O’Hara (1951)” de John Sturges con Spencer Tracy
  • El suspense “El poder invisible (1951)” de Robert Parrish con Broderick Crawford
  • El film de aventura “Cielo rojo de Montana (1952)” de Joseph M. Newman con Richard Widmark y Constance Smith
  • La comedia “La impetuosa (1952)” de George Cukor con la pareja Tracy- Katharine Hepburn
  • El film de crimen “Los crímenes del museo de cera (1953)” de André de Toth con Vincent Price, donde la actuación de Bronson fue más visible
  • Los oestes “Apache (1954)”, donde Bronson es otro apache,
  • “Vera Cruz (1954)”, con Burt Lancaster y Gary Cooper, estos dos últimos del director Robert Aldrich,
  • “Tambores de guerra (1954/I)” de Delmer Daves con Alan Ladd, nuevamente como indio, pero malvado

 

Terminado 1954, el actor decidió cambiar su apellido eslavo por otro que no diera sospecha de nada. La caza de brujas implementada por McCarthy estaba en proceso y el actor Steve McQueen le aconsejó este cambio para evitar malos entendidos. La leyenda es que Charles iba conduciendo y a su lado iba McQueen, quien después de darle el consejo, lo mandó a parar de improviso en una esquina de la calle Bronson, acto seguido McQueen le indicó que ese sería el apellido perfecto.

Ya como Charles Bronson actuó como secundario en:

  • El film bélico “Target Zero (1955)” de Harmon Jones con Richard Conte y Peggie Castle
  • El drama-film de crimen “La justicia al acecho (1955)” de Howard W. Koch con Broderick Crawford nuevamente y Ralph Meeker
  • Los Oestes “Jubal (1956)” de Delmer Daves con Glenn Ford, Rod Steiger y Ernest Borgnine, con éste último actuaría en varios filmes en su carrera,
  • “Yuma (1957)” de Samuel Fuller con Steiger de nuevo y Sarita Montiel, la que ya había actuado con él anteriormente en “Vera Cruz (1954)”

Su primer papel protagónico fue en el oeste “Showdown at Boot Hill (1958)” (Duelo en Boot Hill) de Gene Fowler Jr. con John Carradine, al que le siguieron, siempre como protagonista:

  • El film de guerra “Espías en el infierno (1958)” con Richard Jaeckel
  • El film de crimen “La ametralladora Kelly (1958)” de Roger Corman, que le dio cierta fama de hombre duro, aunque en la peli no es todo el tiempo tan duro como parece
  • Protagonizó la serie para la TV, “Man with a camera (1958)” (El hombre con la cámara), que se mantuvo hasta 1960 en pantalla

En la década de los 60, actuó en:

  • El oeste “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges con Yul Brynner y Steve McQueen, que viene a ser un remake estilo oeste del film “Los siete samurais (1954)” de Kurosawa
  • El film de ciencia ficción “El amo del mundo (1961)” de William Witney con Vincent Price
  • El oeste “Fort Comanche (1961)” de Joseph M. Newman,
  • El musical “Kid Galahad (1962)” de Phil Karlson con Elvis Presley
  • El film de guerra “La gran evasión (1963)” de Sturges con McQueen nuevamente y James Garner
  • Los dramas “Castillos de arena (1965)” de Vincente Minnelli con Richard Burton y Liz Taylor
  • “Propiedad condenada (1966)” de Sydney Pollack con Natalie Wood y Robert Redford
  • El film de guerra “Los doce del patíbulo (1967)” de Aldrich con Lee Marvin y Borgnine entre otros

Al final de los 60, Bronson se fue a actuar en el cine europeo, donde protagonizó:

  • Los oestes “Los cañones de San Sebastián (1968)” de Henri Verneuil con Anthony Quinn,
  • “Villa cabalga (1968)” de Buzz Kulik con Brynner nuevamente y Robert Mitchum
  • El film de acción “Adiós, amigo (1968)” de Jean Herman con Alain Delon
  • El original oeste “Hasta que llegó su hora (1969)” de Sergio Leone con Henry Fonda y Claudia Cardinale, donde Bronson tuvo una actuación notable

Consolidado en el cine, Bronson continuó actuando en Europa en filmes de acción u oestes como:

  • “Ciudad violenta (1970)” de Sergio Sollima con Jill Ireland, que fuera su esposa desde 1968 hasta la muerte de esta actriz
  • El film de acción “Los compañeros del diablo (1970)” de Terence Young con James Mason
  • El mediocre oeste “Sol rojo (1971)” del propio Young con Toshiro Mifune y Delon una vez más
  • El drama-film de crimen “Alguien detrás de la puerta (1971)” de Nicolas Gessner con Anthony Perkins

Luego regresó a EE.UU. y protagonizó otro oeste, “Chato, el apache (1971)” de Michael Winner con Jack Palance, donde vuelve a interpretar el papel de indio. Le siguieron:

  • El film de acción “Fríamente… sin motivos personales (1972)” de Winner
  • Los filmes de crimen “Los secretos de la Cosa Nostra (1972)” de Young
  • “América violenta (1973)” de Winner con Martin Balsam
  • Los dramas-filmes de acción “Mr. Majestyk (1974)” de Richard Fleischer
  • “El justiciero de la ciudad (1974)” de Winner, del cual se derivaron otras películas más del famoso arquitecto que busca vengar la muerte de su familia
  • El Oeste “El desafío del búfalo blanco (1977)” de J. Lee Thompson con Kim Novak

Con su segunda esposa Jill Ireland actuó quince veces, entre ellos:

  • El Oeste “Nevada express (1975)” con Ben Johnson y Richard McCrenna
  • El film de acción-aventura “Fuga suicida (1975)”, con Robert Duvall, estos dos filmes de Tom Gries
  • El film de crimen-drama “El luchador (1975)” de Walter Hill con James Coburn 
  • La comedia-romance “Sucedió entre las doce y las tres (1976)” de Frnak D. Gilroy
  • Los filmes de acción-crimen “Amor y balas (1979)” de Stuart Rosenberg
  • “Yo soy la justicia (1982)” de Winner con Vincent Gardenia
  • Drama-suspense “El guardaespaldas de la Primera Dama (1987)” de Peter Hunt

Con Lee Marvin actuó además en:

  • El drama-film de crime “Correo diplomático (1952)” de Henry Hathaway y protagonizado por Tyrone Power y Patricia Neal
  • “El odio de los Mcguire (1974)” de Charles S. Dubin y Samuel Fuller
  • “Caza salvaje (1981)” de Peter Hunt

Dos de sus últimas presentaciones fueron en “Extraño vínculo de sangre (1991)” de Sean Penn con David Morse y Viggo Mortensen; y en el remake para la TV “El lobo de mar (1993)” con Christopher Reeves. En los últimos años, Bronson actuó asiduamente para la TV. 

En 1972 obtuvo Globo de Oro como actor favorito del año. Obtuvo tercer lugar en el Laurel de Oro como mejor actor de reparto por “Hasta que llegó su hora (1969)”.

Como dato interesante, este actor, que apareció muchas veces como el hombre corajudo, nada temeroso de las balas o de otros hombres fuertes, en la vida real no soportaba el fuego, los disparos o las explosiones, y temía de los microbios trasmitidos por otras personas, por lo que no gustaba de dar la mano, ni de firmar autógrafos. Bronson no era nada alto, apenas medía 174 cm.

Otro detalle divertido fue que durante la filmación de “Veracruz (1954)”, él junto con Ernest Borgnine decidieron ir a un lugar cercano del sitio de la filmación para comprar cigarrillos. Lo hicieron vestidos tal y cual terminada la filmación, o sea como vaqueros maleantes, y en el camino fueron sorprendidos por una patrulla de federales mexicanos, que los detuvo al entender que eran bandidos.

En Europa lo llegaron a apodar como le Sacre Monstre (El monstruo sagrado) en Francia, e Il Brutto (el feo) en Italia. Como ya se dijo, Bronson hablaba lituano, ruso e inglés, y en su carrera artística aprendió el griego. De hecho poseía una casa en Grecia. Su biografía aparece publicada en “The Scribner Encyclopedia of American Lives”. 2007, Vol. 7, pp 48-50. Farmington Hills, MI: Thomson Gale.

En resumen, actuó en 163 filmes entre 19 y 1999. Murió, a causa de cáncer pulmonar y cardiomiopatía congestiva, el 30 de agosto de 2003 en los Ángeles, California.  

 

Escrito por Esteban Hernández, 17 noviembre de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos” y de IMDB.com

Yul Brynner, un actor poliglota y con vasta experiencia artística

Ser un hombre real es la cualidad más importante
que un actor puede ofrecer en la pantalla
.”
Yul Brynner

Yul Brynner

Yul Brynner. Cortesía doctormacro.com

Esta vez el tema es sobre un actor de origen ruso, con ancestros incluso mongol-buriatas, quien se destacó por sus dotes para la interpretación, además de casi siempre exhibir su cabeza completamente rapada, lo que en la segunda mitad de los 50 se convirtió en moda entre los jóvenes de aquel entonces.

Yuli Borisovich Briner nació el 12 de julio de 1915 en el lejano Oriente, Vladivostok, Rusia, de madre rusa con ancestros asiáticos, y de padre, descendente suizo. En su infancia, vivió con su madre y hermana en la Manchuria, China, donde cursó estudios de escuela primaria, luego se marchó a Francia, donde cursó  estudios de música y de acrobacia, habilidades que le servirían en el desempeño de su carrera como actor. Como trapecista llegó a trabajar en el llamado Circo d’hiver (Circo de invierno). También tocó guitarra en club nocturno de París. Además, llegó a ser reconocido como un excelente fotógrafo, por lo que antes de su llegada a los EE.UU., Yul era un hombre con más vivencias y dominio de idiomas que ningún otro actor en Hollywood. Esta experiencia le permitió enmascarar parte de su vida, diseñar algunas falsedades sobre su persona y engañar a todos aquellos que le creyeron un buen día.

El que suscribe le vio y oyó hablando en ruso, su lengua madre, en “Rojo atardecer (1959)” y se puede asegurar que los ademanes por él utilizados, eran los mismos de los oficiales del ejército rojo en su época. Lástima que no se haya considerado para protagonizar o actuar en otros filmes con tramas rusas, como “Guerra y paz (1956)” para interpretar el papel del príncipe Andrei Bolkonski, o en “Dr Zhivago (1965)” como Komarovsky. Habría sido un excelente Rasputín, papel que no le concedieron y que él pidió en el drama “Nicolás y Alejandra (1971)” de Franklyn J. Schaffner. En este filme, en lugar de Brynner, Tom Baker fue el escogido.

En 1941 viajó a Nueva York para trabajar bajo la dirección de Michael Chekhov en su grupo teatral. A Broadway llegó en 1944. Poco después comenzó a trabajar también en la TV.

Su debut en pantalla fue en el serial para la TV “Mr. Jones and his neighbors (1944)” (Mr Jones y sus vecinos), mientras que en el cine debutó en papel de reparto del film de cine negro “Puerto de Nueva York (1949)” de László Benedek con Scott Brady. Hubo una larga pausa de su actuación en cine, pero continuó su labor en la TV. En cine reapareció en el drama-comedia “El rey y yo (1956)” de Walter Lang con Deborah Kerr, papel que ya había interpretado con éxito en teatro. Poco después, Brynner actuó en otras películas, algunas famosas, como:

  • El drama “Los diez mandamientos (1956)” de Cecil B. DeMille con Charlton Heston y Edward G. Robinson, donde aparece como Faraón y para lo cual se preparó físicamente y así lucir más esbelto en pantalla
  • La comedia “Anastasia (1956)” de Anatole Litvak con Ingrid Bergman, donde interpreta el papel de un General, de nombre Serguei Pavlovich Bounine
  • Interpretó el papel de Dmitri (Dima) Karamazov en el drama “Hermanos Karamazov (1958)” de Richard Brooks con Maria Schell, film basado en la novela del mismo nombre del escritor Fiodor Dostoievski
  • Protagonizó el film épico “Los bucaneros (1958)” de Anthony Queen junto a Charlton Heston entre otros actores
  • El drama “Rojo atardecer (1959)” de Anatole Litvak con Deborah Kerr nuevamente, donde, como ya se dijo, Brynner interpreta el papel de un alto oficial del ejército rojo durante la ocupación de Hungria en 1956
  • El film biblíco “Salomón y la reina Saba (1959)” de King Vidor con Gina Lollobrigida, esta vez sustituyendo a Tyrone Power en el rol protagónico, quien murió durante el rodaje de la película

Yul Brynner afiches

En la década de los 60:

  • Co-protagonizó con Tony Curtis el drama “Taras Bulba (1962)” de J. Lee Thompson, adaptación modificada de la novela del mismo nombre del escritor Nicolás Gogol. La actuación de Brynner como el gran líder cosaco fue un poco forzada de su parte, al menos al que suscribe no le convenció. Taras Bulba no aparece tan salvaje en la novela como lo muestran en el filme.
  • Protagonizó los oestes “Los siete magníficos (1960)” de John Sturges con Steve McQueen, Charles Bronson y James Coburn entre otros, el cual no es más que una versión de “Los siete samurais” de Kurosawa, y su secuela “El regreso de los siete magníficos (1966)” de Burt Kennedy con Robert Fuller,
  • “Villa cabalga (1968)” de Buzz Kulik con Robert Mitchum y Charles Bronson, donde interpreta el papel de Pancho Villa,
  • El mediocre “El oro de nadie (1971)” de Sam Wanamaker con Richard Crenna.

Yul Brynner afiches 2

Como vaquero parecía muy refinado o demasiado autosuficiente en esos papeles. Realmente convencía parcialmente, muy por el contrario, en filmes bélicos, de espionaje y de crimen, sus actuaciones gozaban del favor de la crítica.

  • Actuó en papel de reparto del film de guerra, “La sombra de un gigante (1966)” de Melville Shavelson con Kirk Douglas y Senta Berger
  • Protagonizó el film bélico “La batalla del río Neretva (1969)” de Veljko Bulajic con Hardy Krüger, Franco Nero, Orson Welles y Sylvana Koscina, donde Brynner interpreta el papel de Vlado.

La actividad de Brynner se redujo a partir de la decada de los 70. De las películas en las que actuó, solo se destacó en el film de acción “Almas de metal (1973)” de Michael Crichton con Richard Benjamín, donde interpreta el papel de un personaje llamado Gunslinger, que volvió a interpretar en el suspense “Mundo futuro (1976)” de Richard T. Heffron con Peter Fonda. Su última interpretación para el cine fue en el filme italiano de acción “Con ira en los ojos (1976)” de Antonio Margheriti con Barbara Bouchet y Martin Balsam. Brynner fungió como narrador del corto “Lost to the Revolution (1980)” (Perdido en la Revolución) de Tim Forbes.

En resumen, actuó en 47 películas entre 1944 y 1976, director de 10 y productor de dos filmes. Murió, a causa de cáncer en pulmón, el 10 de octubre de 1985 en  ciudad Nueva York.

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 noviembre de 2018, con información extraída de su  obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

 

Obtuvo OSCAR como mejor actor por “El Rey y yo (1956)”. Por igual filme fue nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical y obtuvo premio del National Board Review como mejor actor. Nominado para Laurel dorado como mejor actuación masculina por “Los siete magníficos (1960)”.

 

 

El racismo tratado en filmes de dos épocas diferentes

Debemos aprender a vivir juntos como
hermanos o perecer juntos como necios
.”
Martin Luther King Jr.

El que suscribe veía hace poco una película con más de seis décadas de realizada, oeste que giraba en torno al problema entre los indígenas y blancos americanos. En español la película se titula “Hoguera de Odios (1952)” (Arrowhead) del director Charles Marquis Warren y protagonizada por Charlton Heston, Jack Palance, Katy Jurado y Brian Keith.

Hoguera de odios.jpg

Desde el comienzo de este filme, cuya trama está basada en una novela del escritor William Riley Burnett, el espectador puede observar el lenguaje de desprecio hacia los indios, que usa un jefe de scouts, de nombre Bannon en la peli, pero que en realidad representa a un personaje real llamado Al Sieber, oriundo de Alemania y que emigró a temprana edad a los EE.UU., donde de siempre participó en guerras, primero lo hizo con las tropas del Norte en la Guerra de Secesión, y luego como jefe de scouts persiguiendo y matando indios.

Una frase o un apelativo vulgar no significan mucho, no así cuando la peli trata de representar a los indios como entes salvajes, sinónimos de cerdos e incapaces de hacer las paces con sus rivales, algo que no es cierto. Para colmo, al tal Bannon lo ponen como criado por los apaches en su niñez, algo falso en el caso de Al Sieber, y que siente odios extremos para aquellos que lo criaron, realmente difícil de digerir, cuando los indios no maltrataban a los niños que recogían y criaban. Otro aspecto paradójico es ver a Jack Palance, en el papel de jefe indio,  educado en colegio del Este, pero con un odio desmedido e infundado hacia los hombres blancos, y una crueldad incomprensible. El filme envía el mensaje que todo aquel que fuera indio, en territorio ocupado por los blancos, era un ente encubierto y hostil a los blancos, los indios no eran de fiar.

Esta película es una viva representación del racismo del hombre blanco por los reales nativos del territorio norteamericano. Cuando el epílogo de la peli va llegando,  cualquier espectador, carente de cultura al respecto, termina odiando también a los indios.

Una cosa es fomentar el racismo y otra es presentar este problema para que el espectador lo critique, y eso es lo que sucede con otro filme, bélico en este caso, de realización más reciente. Se trata de “La guerra de Hart (2002)” (Hart´s War) del director Gregory Hoblit, que protagonizan Bruce Willis en el papel del Coronel William A. McNamara, el actor irlandés Colin Farrell como el teniente Thomas A. Hart,  Terrence Howard y Vicellous Shanon como oficiales afro de la fuerza aérea estadounidense durante la II Guerra Mundial, y Cole Hauser como un sargento de baja calaña, amigo de realizar negocios sucios hasta con los mismos oficiales alemanes y racista por convicción.

La Guerra de Hart

La trama de esta peli, basada en una novela del escritor John Katzenbach, se desarrolla en un Stalag, donde estaban encarcelados prisioneros de guerra de varias naciones y soviéticos también. Todo transcurre de forma cotidiana en el campo de concentración, con algunos soviéticos ahorcados por intentar escapar. Las ejecuciones eran sumarias. La jefatura alemana claramente decía que la disciplina en el lugar no era parte de la Convención de Ginebra. Esa cotidianidad se rompe con la llegada de dos oficiales afro-estadounidenses al Stalag, que es cuando comienza lo que se puede llamar el juego de volibol de parte de los oficiales estadounidenses, los que rechazan albergar a los dos afro en su cubículo y son enviados a otro mixto, con oficiales de menor graduación y soldados, donde nuevamente el rechazo se hace patente.

Interesante que esos dos oficiales no blancos eran discriminados por sus propios coterráneos y sus carceleros alemanes. Peor aún era el caso de usar a esas dos vidas como instrumentos para una escapada en grande de los blancos estadounidenses, acto que pone en duda la ética de la misma plana mayor organizadora de la fuga.

Los diálogos de esta peli entre el alto oficial alemán y el correspondiente norteamericano dejan evidencia que en poco se diferenciaban a la hora de abordar el asunto de los negros en la sociedad. Las vidas de los afro-estadounidenses no es que valieran mucho en el mismo Alabama.

La diferencia entre el primer filme, “Hoguera de odios” y este segundo, “La guerra de Hart”, estriba en que el primero incentiva el odio a los indios, mientras que el segundo pone el problema del racismo al desnudo y promueve su rechazo por el espectador.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 octubre de 2018, con información extraída de IMDB.com

 

Doble crítica- el filme “las Inocentes (2016)”

La guerra es la salida cobarde a los problemas de la paz.”
Thomas Mann (1875-1955, escritor alemán)

Les Innocentes 2016

Interesante cinta de producción franco-polaca, dirigida por la directora luxemburguesa Anne Fontaine, cuya trama está basada en una obra del productor-actor Philippe Maynial, que rememora hechos reales de la Polonia de post guerra en 1945. El filme contó con el excelente protagonismo de la actriz francesa Lou de Laâge en el papel de asistente de la Cruz Roja francesa en Polonia, secundada por las actrices polacas Agata Buzek, Agata Kulesza entre otras, y el parisino Vincent Macaigne.

El filme aborda aspectos de la ocupación soviética luego de liberada Polonia de la ocupación nazi. Si bien este país, sobre todo la población judía, fue cruelmente tratado por las hordas nazis, la liberación no es que haya sido color de rosa. Los liberadores rusos históricamente no han sido bienvenidos en tierras polacas. Muchas batallas en el pasado tuvieron lugar entre ambos países, Polonia se vio bajo el yugo del zar hasta después de terminada la participación rusa en la I Guerra, años después vino el pacto de Molotov-Ribbentrop, el que establecía una repartición de naciones a conveniencia para Alemania y la URSS, algo realmente bochornoso y hasta difícil de digerir para los partidos comunistas europeos, en fin nada placentero vendría para Polonia, la que al final se convirtió, junto a otros países limítrofes con la URSS, en zona de contención y protección de las fronteras soviéticas en caso de una nueva guerra.

Los soviéticos llegaron a tierras polacas con hambre de alimentos y de sexo también. El ejército rojo sufrió en extremo una guerra sin piedad de parte de sus adversarios, los mismos que habían firmado el pacto anteriormente mencionado. Hay que estar en la piel de esas personas para uno juzgarlos, pero aún así hay cosas que son intolerables. Los soldados pueden querer hacer y deshacer, pero ellos tienen mandos superiores que deben ser ejemplos y están facultados para imponer normas apropiadas de conducta. A eso se debe añadir que ellos vienen con la idea, enseñada desde temprana edad, que su ideología es el futuro de la humanidad.

El deseo sexual no es que se haga presente cuando la persona está bajo el estrés de la guerra y el peligro de morir en cualquier momento, pero una vez esto pasa, ya relajado, entonces el organismo pide. Unos pueden abstenerse voluntariamente, otros necesitan de disciplina impuesta por sus superiores para no cometer errores.

Un convento de monjas es un objeto susceptible de ser maltratado por cualquier ocupante de guerra, sobre todo si no profesa o hasta odia a esa religión, y eso es lo que no se ve en el filme pero el espectador se imagina. El sexo salvaje y sucio deja sus secuelas, una es la gestación de mujeres desconocedoras muchas del sexo y la otra es el contagio de enfermedades venéreas.

Les Innocentes 2016 2

Una situación difícil, a la cual los dogmas no saben dar respuesta, al extremo, que por falso orgullo, tratando de guardar la forma, se prefiere cometer actos impuros, algo no permitido en el sexto mandamiento. Cuando una criatura está por nacer, hay que hacer todo lo que esté al alcance de las personas para que este niño o niña pueda nacer, cuidar de él o ella como todo un tesoro. Difícil resulta entender, sea quien sea, se preocupe más del orgullo y prestigio que de la vida de un inocente. Dejar todo a la divina providencia es una forma vaga de engaño, la que al final no resuelve nada.

La guerra es la causa principal de todas estas desgracias, las que quedan claramente expuestas en este filme. Hay críticos que, refiriéndose a esta película, hablan solo de lo que hicieron los soldados soviéticos, condenable en extremo, pero tocan poco sobre la actitud de la madre superiora del convento ante la situación creada. A criterio del que suscribe, el filme deja constancia de lo negativo de uno y otro bando en esta situación. Igualmente es evidente que ese país, históricamente muy católico, carecía en ese momento de gobierno propio, capaz de proteger a las monjas de esas fechorías.

 

Escrito por Esteban Hernández, 17 octubre de 2018, con información extraída de IMDB.com

La novela Anna Karenina y sus versiones en cine-TV

El secreto de la felicidad no está en hacer siempre
lo que se quiere, sino en querer siempre lo que se hace
.”
León Tolstoi

Anna Karenina libro

La primera obra del gran escritor ruso Liev (León) Tolstoi fue Anna Karenina, que según se afirma está inspirada en la vida de María Hartung, primógenita del poeta ruso Alexander Pushkin. Dicen que la idea le vino a Tolstoi después de leer un libro de Pushkin. Aunque muchos tomaron esa novela como una más de romance, otros no lo vieron así. Había mucha profundidad, se describía bien la vida de la aristocracia rusa, las grandes diferencias entre ésta y la clase pobre, incluido el campesinado, así como los patrones de comportamiento de la alta sociedad, con la hipocresía que siempre le ha caracterizado en cualquier país de este mundo. Tolstoi puso todo eso al descubierto, no en balde otro grande de la pluma, Fiodor Dostoyevski, la catalogó como obra de arte.

Tres personajes son claves en esta obra, la bella y malcriada Anna Karenina, mujer de la alta sociedad, hermana del príncipe Oblonski; el marido de Anna, Alexander Alexandrovich Karenin, funcionario de gobierno, radicado en St Petersburg, hombre conservador en extremo, flemático, algo bondadoso y poco dado a las fiestas; y el galán de la obra, el joven Conde Alexei Kirilovich Vronsky, hombre apuesto, al que todas las damas admiran y las que están solteras sueñan con casarse con él.

Supongo que Anna se casó con Karenin por razones de sociedad, ya que no parece que ella haya estado enamorada de él. Por lo que un buen día se encontraron frente a frente, ella y Vronsky, dos jóvenes con deseos de amar y romper el mundo. De su primer encuentro, ambos quedaron enamorados y comenzó la odisea.

Quien desee saber más, es aconsejable que lea la novela o en su lugar vea alguna de las películas que a continuación aparecen y que están basadas en la trama de la novela.

La primera vez que esta obra fue llevada a la gran pantalla fue en 1910, pero no se encuentran detalles de director y protagonistas, tampoco de producción. Un año después, Rusia produjo un filme silente sobre la novela, con dirección de Maurice Maïtre con M. Sorochtina, M. Trojanov y Nikolai Vasilyev en los papeles principales. Rusia volvió a repetir en 1914, del director Vladimir Gardin, con Mariya Germanova, Vladimir Shaternikov (Karenin) y Mikhail Tamarov (Vronsky). En 1915 llegó la primera producción estadounidense, dirigida por J. Gordon Edwards con Betty Nansen (Anna), Edward José (Karenin) y Richard Thorton (Vronsky).

Húngaros y alemanes no quisieron quedarse atrás, los primeros realizaron otro filme en 1918, bajo la dirección de Márton Garas con Irén Varsányi (Anna), Dezsö Kertész (Vronsky) y Emil Fenyvessy (Karenin), mientras que la versión germánica es de 1920, dirigida por Frederick Zelnik con Lya Mara, Johannes Riemann (Vronsky) y Heinrich Peer (Karenin). Otra versión silente fue la norteamericana de 1927, dirigida por Edmund Goulding con Greta Garbo, John Gilbert (Vronsky) y George Fawcett (Karenin). En total fueron siete filmes silentes basados en Anna Karenina.

La primera versión fílmica sonora es de 1935, dirigida por Clarence Brown con Greta Garbo nuevamente, Fredric March (Vronsky) y Basil Rathbone (Karenin). En 1948 hubo un nuevo remake sonoro, con Vivien Leigh en el papel principal y secundada por Ralph Richardson (Karenin) y Kieron Moore (Vronsky), versión muy lograda, de producción británica y dirigida por Julien Duvivier. Rusia o la URSS produjo otro remake en 1953, de la directora Tatiana Lukashevich con Alla Tarasova, Nikolai Sosni (Karenin) y Pavel Massalsky (Vronsky). Otra producción británica se estrenó en 1961, se trata de un filme para la TV, dirigido por Rudolph Cartier con Claire Bloom, Sean Connery (Vronsky) y Albert Lieven (Karenin). Otro filme bien logrado, dirigido por Alexander Zarkhi,  de producción rusa, fue estrenado en 1967, que contó con la experimentada Tatiana Samoylova en el papel de Anna, además de Nikolai Gritsenko (Karenin) y Vasiliy Lanovov (Vronsky).

Anna Karenina afiche

India (1952), Argentina (1956) y Egipto (1961) realizaron filmes sobre esta gran obra de Tolstoi. En los dos primeros casos, no se cuentan los detalles de realización, en el caso egipcio, la película se llamó “Nahr el hub”, del director Ezzel Dine Zulficar con Faten Hamama (Anna), el entonces joven y apuesto Omar Sharif (Vronsky) y Zaki Rostom (Karenin). Grecia igualmente realizó una versión fílmica en 1995, protagonizada por Mimi Denissi, Apostolos Gletsos y Tasos Halkias.

Las últimas versiones fílmicas sobre Anna Karenina han sido la norteamericana de 1985, de de Simon Langton con Jacqueline Bisset, Christopher Reeve (Vronsky) y Paul Scofield (Karenin); la francesa (1997), de Bernard Rose con Sophie Marceau, Sean Bean (Vronsky) y James Fox (Karenin); y la británica de 2012, de Joe Wright, realización con mezcla teatral en sus escenografía, protagonizada por Keira Knightley, Jude Law (Karenin) y Aaron Taylor Johnson (Vronsky).

Igualmente han llovido los seriales para la TV sobre esta novela. Así tenemos:

De producción italiana, 1974, 6 episodios, de Sandro Bolchi con Lea Massari, Pino Colizzi (Vronsky) y Giancarlo Sbragia (Karenin).

De producción británica, 1977, 10 episodios, de Basil Coleman con Nicola Pagett, Stuart Wilson (Vronsky) y Eric Porter (Karenin).

De producción británica nuevamente, 2000, 4 episodios, de David Blair con Helen McCrory, Stephen Dillane (Karenin) y Kevin McKidd (Vronsky).

Anna Karenina afiche 2

De producción rusa, 2009, 4 episodios, de Sergey Soloviov con Tatiana Druvich, Oleg Yankovskyi (Karenin) y Yaroslav Boyko (Vronsky).

De producción italo-franco-hispano-lituan, 2013, dos episodios, de Christian Duguay con Vittoria Puccini, Benjamin Sadler (Karenin) y Santiago Cabrera (Vronsky).

De producción rusa, 2017, 8 episodios, de Karen Shakhnazarov con Elizaveta Boyarskaya, Vitali Kischenko (Karenin) y Matt Matveev (Vronsky).

Hubo incluso una versión musical, 1975, de Margarita Pilikhina con la primera dama del ballet soviético Maya Plisetskaya, Alexander Godunov y Yuri Vladimirov. Este filme es posterior al ballet “Anna Karénina” de Rodión Schchedrín, estrenado en 1972, en el Bolshoi de Moscú, y que contara con la Plisétskaya en el plano estelar. En 2006, en Miami, se estrenó una ópera homónima, protagonizada por Kelly Kaduce y Brandon Jovanovich.

 

Escrito por Esteban Hernández, 13 setiembre de 2018, con información extraída de IMDB.com y Анна Каренина (https://ilibrary.ru/text/1099/index.html)

 

“El cuarto poder (1952)”, una muestra de los problemas de la libertad de prensa

Este periódico siempre luchará por el progreso y la reforma. Nunca nos sentiremos satisfechos con imprimir meramente las noticias. Nunca tendremos temor de atacar lo erróneo, así sea por la salud predatoria o por la pobreza depredadora.”
Ed Hutcheson, personaje interpretado por Humphrey Bogart en el filme

El cuarto poder

Al ver detenidamente la película de referencia en estos días, no puede uno dejar de reflexionar lo que sucede cuando la prensa está en poder de unos, los que tratan a su manera de publicar solo aquello que les conviene.

“El cuarto poder (1952)”, llamado en inglés “Deadline-USA” es una película dirigida por el experimentado Richard Brooks, quien escogió a tres figuras destacadas para protagonizarla: Humphrey Bogart, la estrella del momento en el cine de Hollywood, todo un as en protagonizar dramas, filmes de crimen y de cine negro; la veteranísima y eficiente actriz de teatro y cine, Ethel Barrymore, muy convincente en el papel que se le asigne; y la entonces ascendente Kim Hunter, actriz que sobresaliera, sea en primeros o segundos planos en el cine y la TV. A este reparto protagónico se unieron otras figuras, como fueron Ed Begley, Paul Stewart y Warren Stevens.

La película toca un tema muy delicado, aunque conocido, la influencia de la mafia de Cosa Nostra en la vida política estadounidense. Una mafia que compra senadores, votos para las más variadas elecciones, dirigentes de sindicatos, jueces y fiscales, medios de comunicación, desde prensa escrita hasta radio y TV.

Brooks, quien fue también guionista de la película en cuestión, tocó el tema desde el punto de vista de la prensa escrita, ¿cómo anular a un medio incómodo que se dedique a publicar noticias veraces sobre la delincuencia diaria de la mafia en la sociedad?

Como siempre, evitando los spoilers, basta decir que los métodos que se usan en estos casos son criminales en extremo, ya que al que no se puede comprar, se le extermina de manera fulminante.

Cuarto Poder 2

Como se evidencia en el filme, la prensa debe tener competencia, no puede ser que unos digan una cosa, muchas veces no veraz y que no haya contrapartida. Muchas veces la prensa calla por conveniencia o por indicación del gurú reinante. El temor está presente y muchos no quieren correr riesgo.

La época de los primeros años 50 fue cuando McCarthy organizó su caza de brujas, y la censura encubierta estaba presente. Por eso no es casualidad que Brooks haya escogido este tema, el que no pierde actualidad en muchas de las sociedades del planeta, sobre todo en aquellas donde manda una sola persona o partido único.

La mafia trata de censurar, no solo para protegerse, pero igualmente preservar a sus secuaces en puestos claves del estado. La prensa veraz no le conviene  a la mafia y cuando así se manifiesta, hay que hacer algo para evitar sus noticias.

Hay otras películas que han tratado el tema, es el caso de “Paper (detrás de la noticia) (1994)” de Ron Howard, pero que no llegan realmente al nivel alcanzado por este film.

Nuevamente Bogart se presenta como el director de un diario, cuyos principios son inviolables, tal parece como si lo fuera de verdad, mientras que Ethel Barrymore aparece como la viuda que quiere salvar el periódico ante la ambición de venta de sus hijas. Kim Hunter, por su parte, divorciada de su marido (Bogart), pero no separada, a la vez que admira a su compañero, busca algo distinto en la sociedad en que vive, todo  un dilema, del cual nadie sabe cómo se soluciona.

La verdad de todo el asunto flota y se publica, qué sucede después, es un final abierto, cada cual tiene el derecho a adivinarlo a su manera.

 

Escrito por Esteban Hernández, 5 setiembre de 2018, con información consultada de IMDB.com

Cumbres borrascosas y sus versiones para el cine y la TV

El tirano oprime a sus esclavos y éstos no se vuelven
contra él, sino que aplastan a los que tienen debajo.

Cita célebre de “Cumbres Borrascosas”

Cumbres-Borrascosas-Fernando-Vicente1

La famosa y única novela escrita por Emily Brontë, publicada en 1847, ha sido una de las obras que más se ha popularizado en la gran y pequeña pantallas. Interesante hacer notar que la novela, cuya autora aparecía con el pseudónimo de Ellis Bell, fue muy criticada en su época por los círculos más conservadores de la Gran Bretaña. Aun así, la obra se hizo famosa y muy leída en buena parte del mundo, que pudo conocer de la misma a través de su traducción a muchas lenguas.

Por ese interés en conocer la vida accidentada de Heathcliff y su amor con Cathy, hermana de crianza, es que muchos realizadores no dudaron en llevar la novela al cine.

La primera versión que se conoce es la silente de 1920 dirigida por  A.V. Bramble con el protagonismo de Milton Rosmer como Heathcliff y Colette Brettel como Catherine, En 1939, se estrenó la primera versión sonora, probablemente la más famosa, esta vez dirigida por William Wyler con los grandes Merle Oberon y Laurence Olivier como protagonistas. La película se filmó en California y fue enteramente producción estadounidense.

Cumbres Borrascosas-Oberon-Olivier

Quienes hayamos leído la obra, sabemos perfectamente que es algo difícil incluir todo el contenido de la novela en un filme de una duración de hora y media o algo más. Es por esa razón que comenzaron a proliferar los seriales de TV basados en la obra en cuestión.

La primera serie es de 1947-58, de producción estadounidense, con John Fortsythe y Ethel Griffies en los papeles principales, filmado en Nueva York. La siguiente fue de EE.UU. también (1952-54), serial de Broadway, con Meg Mundy y William Price como protagonistas.

Teatro Matinee de EE.UU. realizó dos versiones en el período de 1955-58. La primera fue dirigida por Lamont Johnson con Richard Boone y Peggy Webber en los papeles principales. La segunda tuvo a Tom Tryon y Barbara Rush como Heatcliff y Catherine, respectivamente. The DuPont show of the month (El show de DuPont del mes) tuvo otra versión (1957-61) de Daniel Petrie con  el famoso Richard Burton e Yvonne Furneaux en los papeles estelares.

Las series no siempre fueron norteamericanas. En Sudamérica se realizaron algunos seriales basado en la obra de Emily Brontë, entre estas, uno peruano, de 1963, con Ricardo Blume y Connie Bushby como protagonistas; otro mexicano, de 1964, con  Dina de Marco y Xavier Marc en los planos estelares; otro más brasileño, “Os morros dos ventos uivantes (1967)”, con Altair Lima e Irina Greco como protagonistas; y uno más británico, de 2009, con Tom Hardy y Charlotte Riley en los papeles principales.

Wuthering_Heights 2009

En realidad, la lista de seriales de TV basados en esta obra son muchas, con predominancia de producciones estadounidenses y británicas.

Los filmes con igual trama se han realizado también en muchos países del mundo. Así están:

  • “Abismos de pasión (1954)” de Luis Buñuel, adaptación de la obra con personajes latinos, filme protagonizado por Irasema Dilián (Catalina) y Jorge Mistral (Alejandro), de producción mexicana, filmado en Taxco, Estado Guerrero.
  • De producción australiana, de 1959, film para la TV dirigido por Alan Burke.
  • De producción india, “Dil Dya Dar Liya (1966)” de Abdul Rashid Kardar con Dilid Kumar y Waheeda Rehman
  • De producción francesa, de 1985, dirigido por Jacques Rivette con Fabienne Babe (Cathy) y Lucas Belvoch.
  • De producción japonesa, titulado “Arashi ga Oka (1988)” de Yoshishige Yoshida con Yusaku Matsuda y Yuko Tanaka.
  • De producción filipina, de 1990, “Hihintayin kita san langit” de Carlos Siguión-Reyna con Ricardo Gómez y Dawn Zulueta.
  • Otra versión francesa, de 1992, dirigida por Peter Kosminsky, con Juliette Binoche y Ralph Fiennes como protagonistas.

Cumbres borrascosas versión francesa

  • De producción italiana, de 2004, para la TV dirigida por Fabrizio Costa con Alessio Boni y Anita Caprioli-
  • Otra versión filipina llamada “The promise (2007)” de Michael Tuviera con Richard Gutiérrez y Ángel Locsin.
  • En Japón se realizó una versión en dos partes, de 2009, Arashigaoka Zenpen (1ra parte) y Arashigaoka Köhen (2da parte).
  • En Gran Bretaña, una primera versión, de 1970, dirigida por Robert Fuest, con Timothy Dalton y Anna Calder-Marshall en los papeles principales.
  • En 2011, hubo una nueva británica, de Andrea Arnold con Kaya Scodelario y James Howson.
  • En 2018, Elisaveta Abrahall dirigió otra nueva versión de GB, esta vez con el protagonismo de Paul Eryk Atlas y Sha’ori Morris.
  • En EE.UU., de 2015, Anthony Blasi dirigió otra versión para la TV, donde Paloma Kwiatkowski y Andrew Jacobs fueron los protagonistas.

Aún quedan otras tres versiones en preparación y por estrenarse, por lo que no se avizora que estas realizaciones terminen en un futuro inmediato.

 

Escrito por Esteban Hernández, el 26 agosto de 2018, con información extraída de IMDB.com

Fanny y Alexander

Todo está vivo, y todo es Dios y los pensamientos de Dios.
No sólo las cosas buenas, las más crueles también.

Del diálogo de Aaron, el judío, con Alexander en el film

Fanny y Alexander poster

El drama “Fanny y Alexander (1982), película de producción franco-sueca y bajo la dirección del experimentando Ingmar Bergman, ha merecido con creces todos los premios ganados internacionalmente. Los protagonistas son los niños Pernilla Alwyn y Bertil Guve, Ewa Fröling y Allan Edwall, en el papel de padres de ambos, y Jan Maljmsjö como el obispo Vergerus.

Este film fue concebido y realizado para la TV, con una duración de 5 horas, las que luego se redujeron para poder llevarlo como largometraje a la gran pantalla. Fue por coincidencia el último film del realizador Bergman. La trama surge de los sufrimientos del mismo cineasta en su niñez. Fueron esos recuerdos, los que le ayudaron a elaborar el guión, donde aparece la vida de su hermana, la escritora Margareta Bergman, y la suya propia, con un padre, sacerdote luterano, sumamente despiadado.

Escena con Fanny y Alexander

Escena con Fanny y Alexander

La fotografía es lo primero que se destaca en esta película, realmente de alta calidad y detallando los más variados objetos que aparecen en los distintos sitios captados por la cámara.

La película es inicialmente lenta en su desarrollo, algo que va variando en la medida que avanza el film. Por el título dado, cualquiera piensa que se trata de dos jóvenes enamorados, algo erróneo, pues los dos héroes son dos niños, hermanos, ambos muy inteligentes y que le dan el tono perseguido por el director en la película.

Bergman guarda mucho parecido en esta película a la forma de pensar de dos escritores, como fueron Fiodor Dostoievsky y Nicolás Gogol. La constante de la existencia de Dios como punto de controversia está presente a lo largo del film. En ocasiones, el que suscribe recordaba “Los hermanos Karamazov” y en otras partes hasta “Crimen y castigo”, ambas obras de Dostoievski. No es la trama como tal sino el mensaje y cuestión que se evidencian. Esta película puede ubicarse en el género de misterio, aunque no deja de ser un drama real, con aspectos que mentalmente afectan a muchos en las sociedades actuales: ¿Existirá una segunda vida? ¿Seremos entonces fantasmas o espíritus? Esas y otras tantas cuestiones pueden aparecer en la reflexión de cualquier espectador de esta cinta.

El obispo Vergerus en una escena

El obispo Vergerus en una escena

Bergman debe haber sido creyente. No obstante, esta película pone en duda la calidad  ética de aquellos que deben promover la religión, sus creencias y valores. Igualmente se representa ideas distintas que giran alrededor de un mismo Dios, o sea lo cristiano y lo judío.

Lo novedoso de la película es la originalidad de la trama, su polémica filosófica y los resultados finales, muchos de los cuales son almacenados en nuestras mentes, de donde surgen las leyendas y los mitos.

Fuentes consultadas

IMDB.com

Valentí Fernández Tomás. 2018. Centenario de Ingmar Bergman (y 3): “Fanny y Alexander”. http://elcineseguntfv.blogspot.com/2018/06/centenario-de-ingmar-bergman-y-3-fanny.html

 

Escrito por Esteban Hernández, 7 julio de 2018

Clark Gable

Pongo en cada papel que interpreto
lo que soy, fui y deseo ser
.”
Clark Gable

Clark Gable

Clark Gable Cortesía Doctormacro.com

Un actor importante de la llamada época de oro del cine de Hollywood fue Clark Gable, que siempre será recordado por su bigote fino, su sonrisa irónica, su bien vestir de caballero y sus impecables actuaciones. Es cierto que fue otro galán elaborado por Hollywood, pero sus dotes de actor y la calidad de sus interpretaciones son innegables, no en balde se le llegó a llamar “El Rey” de Hollywood. William Clark Gable nació el 1ro de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio, en cuya familia su padre se dedicaba a perforar pozos de petróleo. La madre de Clark falleció cuando él sólo tenía siete meses y su padre entonces decidió mandarlo a crianza con sus tíos por línea materna. Cuando Clark tenía dos años, su padre se lo llevó con él nuevamente. Fue así que conoció del trabajo de extracción petrolera junto con su padre. A los 16 años abandonó la escuela e hizo varios trabajos. Su vocación por la actuación llegó cuando vio la obra “El pájaro del paraíso”. Al involucrarse en el mundo teatral pudo conocer a su instructora, la actriz Josephine Dillon, con la que se casó finalmente en 1924 y poco después se trasladaron a Hollywood, donde Gable a la vez que se presentaba en teatro, hizo varias pruebas, sin éxito para actuar en cine. En 1930 finalmente la MGM firmó a Gable, quien se divorció de la Dillon, quince años mayor que él, para casarse con María Langham, también mucho mayor que Gable. En realidad la actuación del futuro galán en la obra teatral “The last mile” (La última milla) en Los Angeles no pasó inadvertida para muchos directores y actores/actrices de cine, los que vieron en este actor una potencial estrella del cine. Gable ya había debutado en el cine en papel pequeño en el drama “White man (1924)” (Hombre blanco) de Louis J. Gasnier, luego como extra en la comedia “La frivolidad de una dama (1924)” de Ernst Lubitsch, y en los dramas “La viuda alegre (1925)” de Erich von Stroheim, y “One minute to play (1926)” (Un minuto para jugar) de Sam Wood. Su primer papel de alguna importancia en el cine sonoro fue en el rol de villano en el oeste “Desierto pintado (1931)” de Howard Higgin con William Boyd o futuro Hopalong Cassidy. A esta película le siguieron sus interpretaciones como villano o gánster en los filmes de crimen y/o dramas:

  • “El dedo acusador (1931)” de John Francis Dillon con Fray Wray,
  • “Enfermeras de noche (1931)” de William A. Wellman con Barbara Stanwyck y Joan Blondell,
  • “Danzad, locos, danzad (1931)” de Harry Beaumont con Joan Crawford y William Holden,
  • “Alma libre (1931)” con Lionel Barrymore, Leslie Howard y Norma Shearer,
  • “Amor en venta (1931)” con Joan Crawford, éstos dos últimos dirigidos por Clarence Brown

Clark Gable afiches

Los directivos hollywoodenses se dieron cuenta que Gable era un actor sumamente atractivo para las mujeres y por esa razón decidieron darle papeles de galán, así comenzó a actuar en una serie de dramas y romances, como fueron:

  • “Susan Lenox (1932)” de Robert Z. Leonard con Greta Garbo,
  • La comedia musical “Alma bailarina (1933)” de Leonard, en ambos con Joan Crawford
  • Los dramas “Hombres en blanco (1934)” de Richard Boleslawski,
  • “El enemigo público número uno (1934)” de W.S. Van Dyke y George Cukor, en ambos con Myrna Loy,
  • “Extraño intervalo (1932)” de Leonard con Norma Shearer
  • “Tierra de pasión (1932)” de Victor Fleming,
  • “Tú eres mío (1933)” de Sam Wood, en ambos con Jean Harlow,
  • “Sucedió una noche (1934)” de Frank Capra con Claudette Colbert, película que fuera todo un éxito para Gable y la Colbert
  • Protagonizó el remake “La llamada de la selva (1935)” de William A. Wellman con la Young nuevamente, film basado en la obra homónima del escritor Jack London
  • El film de aventura “Rebelión a bordo (1935)” de Frank Lloyd con Charles Laughton del lado opuesto, donde Gable es el rebelde del film
  • Los dramas “San Francisco (1936)” de W.S. Van Dyke con Spencer Tracy y Jeanette MacDonald,
  • “Parnell (1937)” de John M. Stahl con Myrna Loy, donde interpreta el papel de un famoso policía irlandés,
  • “Saratoga (1937)” de Jack Conway con Jean Harlow y Lionel Barrymore

Clark Gable afiches 2

La actuación más recordada de Gable, que ha pasado a la historia del cine de todos los tiempos, fue en el famoso drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming, donde interpreta el papel del aventurero de Rhett Butler, que curiosamente Gable no aceptó inicialmente. Luego cambió de idea, pero aún así estuvo a punto de renunciar debido a sus diferencias con el director inicial de la película, George Cukor, quien dirigió solo una pequeña primera parte de este film. Se dice que Gable padecía de homofobia y Cukor era considerado un homosexual. Probablemente Gable nunca supuso que esta película lo inmortalizaría junto a la brillante Vivien Leigh, Leslie Howard y Olivia De Havilland.

Lo q el viento se llevó

Otras notables actuaciones fueron:

  • Los dramas “Fruto dorado (1940)” de Conway con Claudette Colbert,
  • “Extraño cargamento (1940)” de Frank Borzage con Joan Crawford,
  • “Quiero a este hombre (1941)” de Conway,
  • “Somewhere I’ll find you (1942)” (En algún lugar te encuentro) de Wesley Ruggles, en ambos con Lana Turner

Clark Gable afiches 3

En 1939, Gable después de divorciarse de María Langham, se casó con la actriz Carole Lombard, su verdadero amor en su vida, la que falleció en un lamentable accidente aéreo. Poco después, Gable, a la edad de 41 años, decidió alistarse en la fuerza aérea  norteamericana, donde sirvió como capitán durante la Segunda Guerra Mundial en el frente europeo, lo que se sabe que realizó en honor a su difunta esposa, Carole Lombard. Su regreso a Hollywood fue en 1945, a partir de entonces, las compañías fílimicas decidieron rebajarle su salario, por lo que deambuló algo hasta que logró contratos y actuó con la calidad acostumbrada en:

  • Los dramas “Mercaderes de ilusiones (1947)” de Conway con Deborah Kerr,
  • “La rival (1948)” de Mervyn LeRoy con Lana Turner nuevamente,
  • “Sublime decisión (1948)” de Sam Wood con Van Johnson y Walter Pidgeon,
  • “Hagan juego! (1949)” de LeRoy con Alexis Smith

La década de los 50 fue también fructífera para Gable con actuaciones notables en:

  • El oeste “Estrella del destino (1952)” de Vincent Sherman con Ava Gardner
  • El drama “No me abandones (1953)” de Delmer Daves con Gene Tierney
  • El famoso drama de la selva “Mogambo (1953)” de John Ford, donde Gable actuó con dos bellezas de Hollywood, Grace Kelly y Ava Gardner nuevamente
  • El oeste “Los implacables (1955)” de Raoul Walsh con Robert Ryan
  • El film de acción “Cita en Hong Kong (1955)” de Edward Dmytryk con Susan Hayward
  • La comedia-oeste “Un rey para cuatro reinas (1956)” de Walsh con Eleanor Paker
  • La comedia “Enséñame a querer (1957)” de George Seaton con Doris Day
  • El drama “La esclava libre (1957)” de Raoul Walsh con Yvonne DeCarlo y Sidney Poitier
  • El film de guerra “Torpedo (1958)” de Robert Wise con Burt Lancaster
  • La comedia “Capri (1960)” de Melville Shavelson, con la entonces joven Sofia Loren,
  • El drama “Vidas rebeldes (1961)” de John Huston, film también protagonizado por Marilyn Monroe, el talentoso Montgomery Clift y Elli Wallach, que fuera la despedida del gran actor de la gran pantalla, película que Gable nunca llegaría a ver su estreno

Clark Gable afiches 4

Nominado para OSCAR como mejor actor por “Rebelión a bordo (1935)” y “Lo que el viento se llevó (1939)”. Obtuvo OSCAR como mejor actor por “Sucedió una noche (1934)”.  La estatuilla de este último galardón fue adquirida por el director Steven Spielberg y devuelta a la Academia de OSCAR para así evitar que la misma fuera objeto de comercializaciones sucesivas. En 2001 el certamen Golden Boot (Bota dorada) le entregó al hijo de Gable un premio por el centenario del nacimiento de su padre. En 1999 el Instituto Fímico Americano catalogó a Gable como la estrella masculina número 7 de todos los tiempos en el cine.

Vidas rebeldes

Cosas de la vida, en 1948 Gable le propuso matrimonio a una actriz no muy conocida, Nancy Davis, algo que no se llegó a concretar, ya que esta actriz se convirtió en Nancy Reagan al casarse con Ronald Reagan, más tarde presidente de los EE.UU.

En resumen actuó en 82 filmes entre 1923 y 1961, y productor de una película. Gable murió el 16 de noviembre de 1960 en California poco antes del estreno en cine de su última película (Vidas rebeldes).

 

Escrito por Esteban Hernández, 8 mayo de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

Un filme viejo pero actual: “Hitler: los últimos diez días (1973)”

Toda forma de desprecio, si interviene en
política, prepara o instaura al fascismo
.”
Albert Camus (Nobel de literatura en 1957)

Afiche los diez últimos días de Hitler

Se trata de una película dirigida por Ennio de Concini, cuya trama está basada en documentación existente sobre los últimos días del Führer en la Alemania fascista, donde la camarilla gobernante, con Adolfo Hitler a la cabeza, muestra sus verdaderos sentimientos, muy lejos de las penurias que ya sufría entonces el pueblo alemán.

Alec Guinnes interpreta magistralmente el papel del monstruo, alguien a quien por desgracia se le siguen imitando por todos esos líderes populistas en el mundo. Era su voz por encima de todos y su total desprecio a las vidas de soldados y población alemana ya en total peligro. Las vidas no importaban, decía el líder, lo que importa es el Nacional-socialismo, falsamente enarbolado. En realidad él lo que quería decir es que nada importaba más que su persona, a la que él mismo llamaba genio.

En la medida que veía al personaje en la trama de la peli, más a uno le recordaba la cantidad de mandatarios carentes de conocimientos, egocéntricos hasta la médula, arrogantes, autosuficientes, incapaces de hacer el bien, y el poco que hacen lo exageran sin ningún escrúpulo. Hitler y Mussolini fueron maestros de esto en todo, en el desprecio al pueblo, en ignorarlo, y asesinarlo llegado el caso y ante el menor disturbio. Hitler consideraba que las elecciones eran una forma de perder el tiempo, pues a fin de cuentas era el pueblo el que lo había querido a él. A su vez, consideraba que el pueblo no sabía escoger y, por lo tanto, no tenía derecho a votar.

Lo otro aún más interesante es ver como la camarilla de los Goebels, el cobarde Martin Borman y otros tantos altos oficiales nazis con sus esposas, socializaban en fiesta de cumpleaños con el Führer cuando los soviéticos ya estaban a escasos 300 metros del bunker, y los soldados y población aún fanática alemana caían en las calles, a la vez que buena parte de Berlín iba siendo destrozado.  El epílogo de la bacanal es patético cuando los regalos incluyen veneno para el suicidio.

Como en toda autocracia, la falsa adulación está a la orden del día, la mentira fluye sola, mientras que decir la verdad puede comportar una sanción incluso la pena capital. Lo de Hitler no ha quedado atrás, el populismo en muchos gobiernos se mueve de igual forma en la actualidad, es el autoritarismo y el querer destrozar la democracia. Por eso, este tipo de cinta debe ser mostrado una y otra vez, para que la población sepa y no se deje engañar por falsos héroes.

 

Escrito por Esteban Hernández, 1 mayo de 2018

 

 

Los villanos de las películas de cine B

Todo el mundo trata de realizar algo grande, sin darse
cuenta de que la vida se compone de pequeñas cosas
.”
Frank A. Clark (1911-91, dibujante y escritor estadounidense)

Poco o nada se ha escrito de aquellos actores que interpretaban papeles de “malvados” en los más variados filmes de cine B durante las décadas de los 30 al 50.

Primeramente, ¿qué es el cine B? Es aquel que presenta películas realizadas con bajos presupuestos, de corta duración, usualmente no pasaban de los 70 minutos, la mayoría sin ninguna promoción comercial y mucho menos críticas de los expertos. Los directores de estas películas tenían repartos casi fijos, unos actores eran los héroes o los buenos de la película y otros eran los malvados.

Como sucede en todo, los “héroes” eran muy conocidos y poca gente se interesaba por saber sobre los “malos”. Tanto unos como otros se veían obligados a actuar en más de quince películas al año para poder vivir. Sus salarios no eran tan sustanciosos. Si una estrella del cine superior como James Cagney llegó en su época a ganar doscientos dólares semanales, no es de dudar que muchos de estos actores ganaran algo así o menos pero al mes.

¿Quiénes son estos actores malvados? Entre los más conocidos están los nombres de Tom London, Charles Middleton, Glenn Strange, Victor Jory, Anthony Warde, Roy Barcroft, Henry Brandon, Charles King, John Merton, I. Stanford Jolley, Norman Wills, Curley Dresden, Wheeler Oakman, Jack Ingram, entre otros. Estos actores lo mismo actuaban en filmes de corta duración como en seriales del oeste, de acción o de ciencia ficción del período ya indicado.

Algunos actores, probablemente para variar y no encajarse como los buenos de siempre, alguna que otra vez aceptaban interpretar algún papel de villano. En tales casos estaban Buster Crabbe interprete de los papeles de Flash Gordon, Buck Rogers, y los vaqueros Billy Carson y Billy the Kid, así como Robert Livingston, que fuera uno de los primeros en interpretar el papel del Llanero solitario o de Rocky Cameron. Igualmente había algunos actores secundarios que alternaban entre papeles de buenas personas y malvados. Un ejemplo fue el australiano C. Montague Shaw. Otro fue Jim Pierce, uno de los primeros actores en interpretar el papel de Tarzán en la gran pantalla.

El presente artículo describe esbozos biográficos de esos actores “villanos”, como un homenaje a ellos, a los que llegamos a odiar en nuestra niñez cuando en realidad merecen toda nuestra admiración por los ratos de entretenimiento brindados.

Tom London

Tom London

Tom London fue uno de los actores que más trabajó en el cine, nada más y nada menos que 652 películas en el período de 1903 y 1963, seis décadas de labor en el séptimo arte, todo un record. Este actor nació el 24 de agosto de 1889 en Louisville, Kentucky. Debutó en el corto silente “The great train robbery (1903)” (El gran robo en el tren) del director Edwin S. Porter. Muchas de las pelis de este actor fueron oestes y casi siempre interpretando papeles de malvados. Otra notable actuación tuvo en el oeste silente “Border vengeance (1925)” (Venganza en la frontera) de Harry S. Webb con Jack Perrin y Josephine Hill. En el cine sonoro están los oestes “Six-shootin sheriff (1938)” (Sheriff de seis disparos) de Harry L. Fraser con Ken Maynard, “Stick to your guns (1941)” (Pégate a tus armas) de Lesley Selander con William Boyd en el papel de Hopalong Cassidy, “Corpus Christy bandits (1945)” de Wallace Grissell con Allan Lane y muchas otras más como el lector se puede imaginar. London murió el 5 de diciembre de 1963 en Hollywood Norte, Los Ángeles.

JungleMan

Charles Middleton (der.) con Buster Crabbe, “enemigos” en los seriales de Flash Gordon, y amigos en “Jungle Man (1941)”

Charles Middleton nació el 3 de octubre de 1874 en Elizabethtown, Kentucky, el que se estrenó como actor secundario en cine silente en 1920, pero antes había trabajado en vodevil y en circo. Casi siempre fue villano y de los más odiados. Recordados son sus papeles como el despiadado Emperador Ming, el enemigo principal de Flash Gordon, en tres seriales (entre 1936 y 1940), y luego en el doble papel de 39013 y Harry Crowell en el serial “Daredevils of the Red Circle (1939)” (Temerarios del círculo rojo). Middleton tenía un parecido extraordinario con el presidente Abraham Lincoln, por lo que en tres ocasiones se le vio en ese rol, naturalmente de las pocas veces que no fue villano. Primero fue en el corto “The road is open again (1933)” (La vía está abierta nuevamente) de Alfred E. Green. El siguiente fue en una escena de la comedia “Stand-in (1937)” (Reemplazo) de Tay Garnett, donde Middleton apareció como Lincoln, aunque ahí no habló, ni siquiera entonces fue acreditado. La tercera y última fue como Thomas Lincoln, padre del presidente, en el drama biográfico “Abe Lincoln in Illinois (1940)” de John Cromwell. Otro papel de persona bondadosa tuvo al lado de su eterno “enemigo”, Buster Crabbe, en el filme B, “Jungle Man (1941)” de Harry L. Fraser, donde interpretó el papel de misionero en África. En resumen, Middleton actuó en 198 filmes en el período de 1920 a 1949. Falleció el 22 de abril de 1949 en Los Ángeles, California.

Glenn Strange 1949-Lone Ranger 1.1--Phantom

Glenn Strange en escena del primer capítulo del serial “El Llanero solitario (1949)”

Glenn Strange era un verdadero poste por su elevada estatura, 195.58 cm, nacido el 16 de agosto de 1899 en Weed, Nuevo México, hijo de padre de origen irlandés y madre descendiente cherokee. Habitual ente negativo en muchos oestes de Hopalong Cassidy y Cisco Kid. Pocas veces fue persona de bien en filmes, uno de ellos fue en el drama “The contender (1944)” (El contendiente) de Sam Newfield y protagonizado por Buster Crabbe. El papel que le hizo más famoso fue al interpretar al monstruo de Frankenstein. Strange había actuado en “The mad monster (1942)” (El monstruo loco) de Newfield, donde el encargado de maquillaje se dio cuenta que por su estatura y rostro, era la persona indicada para interpretar el papel que años atrás Boris Karloff había encarnado. La primera vez que fue el famoso monstruo fue en “The house of Frankenstein (1944)” (La casa de Frankenstein) de Erle C. Kenton, luego volvió en “The house of Dracula (1945)” (La casa de Drácula) del mismo Kenton. En 1948 volvió como monstruo en la comedia “Bud Abbott & Lou Costello meet Frankenstein” (Abbott y Costello se encuentran con Frankenstein) de Charles Barton.  Strange actuó en muchos oestes de nivel en el ocaso de su vida y no fue acreditado como tal. Así le sucedió en “El kentuckiano (1955)” dirigido y protagonizado por Burt Lancaster, “Duelo de Titanes (1956)” y “El último tren de Gun Hill (1959)”, ambos de John Sturges. Strange actuó en 316 películas entre 1930 y 1973. Falleció de cáncer en los pulmones el 20 de setiembre de 1973 en Los Ángeles.

Victor Jory con Rita Hayworth en Los amores de Carmen (1948)

Victor Jory con Rita Hayworth en “Los amores de Carmen (1948)”

Victor Jory fue un actor muy particular, nacido el 23 de noviembre de 1902 en Dawson City, territorio Yukon, Canadá, quien al parecer se crió en los EE.UU., donde llegó a cumplir el servicio militar obligatorio. Dentro de las filas de los guardacostas fue campeón de lucha y boxeo. Sin embargo, su vocación fue la actuación, así llegó primero a Broadway y de ahí al cine, donde debutó como extra en el film de acción “Los renegados (1930)” de Victor Fleming. En su carrera actuaba sea en filmes B como otros de mayor propaganda, casi siempre especializado como malvado. Entre 1941 y 1943 fue villano en siete películas protagonizadas por William Boyd (Hopalong Cassidy), solo en “Riders of the Timberline (1941)” (Jinetes de Timberline) de Lesley Selander, interpretó el papel de leñador pacífico, en el resto fue el villano perfecto. En este caso se destacan sus interpretaciones en “Border vigilantes (1941)” (Vigilantes de frontera) de Derwin Abrahams, “Wide open town (1941)” (Ciudad amplia y abierta) y “Colt Comrades (1943)” (Compañeros de Colt) de de Selander. También fue villano y secundario en el film Film de crimen “Secrets of the lone wolf (1941)” (El secreto del lobo solitario) de Edward Dmytryk con Warren William, los oestes “Tombstone: The Town Too Tough to Die (1942)” (Tombstone, una ciudad muy dura para morir) de William C. McGann, “Buckskin frontier (1943)” (Frontera Buckskin) de Selander, estos dos últimos protagonizados por Richard Dix, el film de misterio “The unknown guest (1943)” (El huésped desconocido) de Kurt Neumann,  y el oeste “Toughest man in Arizona (1952)” (El hombre más duro en Arizona) de R.G. Springsteen con Vaughn Monroe. Jory, como se ha dicho, participó también en muchos filmes famosos en papeles secundarios como el oeste “Dodge City (1939)” de Michael Curtiz y protagonizado por Errol Flynn, el drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming, el oeste  “Bad men of Missouri (1941)” (Hombres malos de Missouri) de Ray Enright con Dennis Morgan (Cole Younger) y Jane Wyman, y el drama “Los amores de Carmen (1948)” de Charles Vidor con Rita Hayworth y Glenn Ford entre otras muchas más. No siempre Jory fue actor de reparto, llegó a protagonizar algunas películas y series como el serial “The green archer (1940)” (El arquero verde) de James W. Horne, y la comedia “The stork pays off (1941)” (La cigüeña vale la pena) de Lew Landers. Jory actuó en 199 títulos entre 1930 y 1980. Murió 12 de febrero de 1982 en Santa Monica, California.

anthony-warde en tim-tyler con Frances Robinson

Anthony Warde con Frances Robinson en el primer capítulo del serial Tim Tyler’s luck (1937)”

Anthony Warde es uno de esos que uno no olvida. Su papel de Killer (asesino) Kane en “Buck Rogers (1939)” fue realmente impresionante, capaz de provocar odio entre todos los espectadores. Warde nació el 4 de noviembre de 1908 en Filadelfia. Su debut en el cine fue en el film de acción “Escape by night (1937)” (Fuga en la noche) de Hamilton MacFadden, y poco después actuó en el serial “Tim Tyler’s luck (1937)” (La suerte de Tim Tyler) de los directores Ford Beebe y Wyndham Gittens, donde nuevamente Warde fue uno de los villanazos del serial. En 1938 apareció brevemente como líder de los hombres arborícolas en el serial “Flash Gordon’s trip to Mars (1938)” (El viaje de Flash Gordon a Marte) de Beebe y Robert F. Hill, y en 1939 lo hizo en “Buck Rogers (1939)” de Beebe nuevamente, en el papel ya mencionado anteriormente. Otros papeles relevantes tuvo en los seriales “Dangers of the Canadian Mounted (1948)” (Peligros de la Policía montada de Canadá) de Fred C. Brannon y Yakima Canutt, y “Radar Patrol vs. Spy King (1949)” (Patrulla radar contra el Rey espía) de Brannon. Sus actuaciones en muchos episodios de seriales o en películas generalmente no eran acreditadas. Actuó en 158 películas o seriales entre 1937 y 1964. Murió el 8 de enero de 1975 en Hollywood, California.

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Roy Barcroft en el oeste “Man with the steel whip (1954)” (El hombre con el látigo de acero)

Roy Barcroft es catalogado por algunos críticos como el villano número 1, algo discutible en realidad si se le compara con Glenn Strange sobre todo. Este actor nació el 7 de setiembre de 1902 en Crab Orchard, Nebraska. Participó en la I Guerra Mundial, luego hizo de todo un poco en su vida hasta que volvió a enlistarse y cumplir servicio en Hawaii. Barcroft era capaz de tocar algunos instrumentos, entre ellos clarinete y saxofón. A partir de 1929 comenzó a actuar en teatros de aficionados, donde fuera descubierto. Su debut en cine fue como extra en “Mata Hari (1931)” de George Fitzmaurice y protagonizado por Greta Garbo y Ramón Novarro. Prácticamente se mantuvo como extra en el cine hasta 1939. Desde entonces fue un malvado en la mayoría de los oestes en que actuó. Una de las pocas veces que no fue villano, fue en el oeste “Cherokee Flash (1944)” (Destello Cherokee) de Thomas Carr, donde apareció como padre del vaquero Sunset Carson. Una actuación destacada tuvo en el serial “The purple monster strikes (1945)” (El monstruo púrpura ataca) de Spencer Gordon Bennett y Fred C. Brannon, donde Barcroft es el temible marciano venido a la Tierra. En esa misma dirección, este actor nuevamente actuó en el serial “Radar men from the Moon (1952)” (Hombres radar de la Luna) de Brannon. De todas formas, Barcroft fue un vaquero “malvado” casi siempre. Entre sus mejores actuaciones en oestes están “Outlaws of Cherokee trail (1941)” (Forajidos de la senda Cherokee) de Lester Orlebeck con Bob Steele y Tom Tyler, “Riders of the Rio Grande (1943)” (Jinetes del Río Grande) de Howard Bretherton con el dúo antes indicado, “Sun Valley Cyclone (1946)” (El ciclón del Valle del Sol) de R.G. Sprignsteen con Bill Elliott en el papel de Red Ryder, “Montana Belle (1952)” de Allan Dwan con Jane Russell y George Brent, “La pradera sin ley (1955) de King Vidor con Kirk Douglas, “Oklahoma! (1955)” de Fred Zinneman con Gordon McRae y Gloria Graham, donde Barcroft es el alguacil, y muchas otras más en pelis para la TV como el cine. Barcroft actuó en 380 películas en su carrera entre 1931 y 1969. Falleció el 28 de noviembre de 1969 en Woodland Hills, Los Ángeles.

Henry Brandon en Centauros del desierto

Henry Brandon en “Centauros del desierto (1956)”

Henry Brandon, nacido como Heinrich von Kleinbach el 8 de junio de 1912 en Berlín, Alemania, fue un actor que supo ascender, ya que se inició interpretando papeles de villanos en algunas películas B y más tarde, en las décadas de los 40 y 50, pudo actuar en películas de destacados protagonistas del cine como fueron John Wayne, Gary Cooper, Burt Lancaster, Jeff Chandler entre otros. Brandon estudió en la prestigiosa Universidad de Stanford, de ahí pasó a estudiar interpretación en la Pasadena Community Playhouse y posteriormente en Broadway. En cine debutó como extra en 1932. Como actor era capaz de interpretar papeles de indios, mexicanos, europeos y hasta árabes. En 1936 actuó en el filme “El jardín de Alá” de Richard Boleslawski con Marlene Dietrich y Charles Boyer, donde interpretó el papel de árabe. El papel del malvado Capitán Laska lo interpretó en el serial “Buck Rogers (1939)” de Ford Beebe. En ese año fue el desertor del filme “Beau Geste (1939)” de William A. Wellman protagonizado por Gary Cooper y Ray Milland. Al año siguiente hizo el papel de Fu Manchú en el filme “Tambores de Fu Manchú” de John English y William Witney. Luego actuó en un papel secundario del drama “Juan de Arco (1948)” de Victor Fleming con Ingrid Bergman. En “Tarzán y la mujer diablo (1953)” de Kurt Neumann con Lex Barker, le tocó interpretar el papel de un hombre bueno de tribu, pero su fuerte era ser el villano, así lo fue en “Los hermanos Barbarroja (1951)”, “Vera Cruz (1954)”, “Centauros del desierto (1956)” y otros más. Actuó en su carrera en 177 títulos entre 1932 y 1989. Murió el 15 de febrero de 1990 en Los Ángeles.

Charles King y John Merton en Devil Riders (1943)

Charles King y John Merton en “Devil Riders (1943)”

Charles King, el hombre que más veces vi ser golpeado o matado por héroes como John Wayne, Robert Livingston, Reed Hadley, Bob Steele, Buster Crabbe, Tim McCoy y otros más. King era el malo casi siempre, no se recuerda filme en que haya sido una persona de bien. Siempre aparecía con el bigote que le distinguía. Este actor nació el 21 de febrero de 1895 en Hillsboro, Texas. Debutó en cine en plena niñez-adolescencia, su primer filme fue en el polémico “El nacimiento de una nación (1915)” de D.W. Griffith, luego se mantuvo actuando en filmes y seriales silentes hasta que llegó el cine sonoro. Fueron muchos sus oestes y difícil de resumir en este esbozo. King actuó en 425 títulos entre 1915 y 1957. Falleció de cirrosis hepática el 7 de mayo de 1957 en Hollywood, Los Ángeles.

John Merton, odioso totalmente en sus papeles de malvado, individuo cínico y sádico a la vez, lo que dice mucho del arte de este actor, nacido el 18 de febrero de 1901 en Washington, capital de los EE.UU. De las actuaciones más recordadas están las de los seriales “The Vigilantes are coming (1936)” (Los vigilantes están llegando) de Ray Taylor y Mack V. Wright, “Zorro´s fighting legion (1939)” (La legión del Zorro) de William Witney y John English, “Radar men from the Moon (1952)” (Hombres radar de la Luna) de Fred C. Brannon, “Zorro’s black whip (1944)” (El látigo negro del zorro) de Spencer Gordon Bennet y Wallace Grissel, “Radar men from the Moon (1952)” (Hombres radar de la Luna) de Fred C. Brannon, y la peli “Tambores de Fu Manchú (1940)” de John English y William Witney. Una de sus últimas actuaciones fue en el drama “Los diez mandamientos (1956)” de Cecil B. DeMille. Merton actuó en un total de 264 títulos entre 1926 y 1959. Falleció el 19 de setiembre de 1959 en Los Ángeles.

Charles King con I.Stanford Jolley en Brand of the devil

Charles King con I. Stanford Jolley en “Brand of the devil (1944)”

I.Stanford Jolley fue otro habitual en papeles de villanos en oestes, actor nacido el 24 de octubre de 1900 en Morristown, Nueva Jersey. Stanford Jolley, quien al igual que Oakman, Charles King y Curly Dresden, gustaba de aparecer con bigotes en escena. Antes de debutar en cine, estuvo actuando en vodevil y en Broadway. Su debut en cine fue como extra en el drama romántico “La que apostó su amor (1935)” de Michael Curtiz y protagonizado por Bette Davis. En lo sucesivo fue uno de los adversarios de los grandes héroes de los oestes B, lo mismo fuera Ray Corrigan, Tom Keene, Robert Livingston, Russell Hayden, Buster Crabbe que Tex Ritter. No obstante, igualmente logró actuar en algunos filmes de otros géneros, como el drama-film de guerra “Corregidor (1943)” de William Nigh, la comedia-film de crimen “Charlie Chan in the Chinese Cat (1944)” (Ch. Chan en el gato chino) de Phil Rosen, el serial “El halcón del desierto (1944)” de B. Reeves Eason, donde interpretó el papel de Saladino, y en un capítulo del serial “The Crimson ghost (1946)” (El fantasma Crimson) de Brannon y William Witney. Muchas de sus actuaciones no fueron acreditadas, como sucedió en películas famosas como “Juana de Arco (1948)” y “Arenas sangrientas (1949)”.  Stanford Jolley actuó en 376 filmes entre 1935 y 1976. Falleció el 7 de diciembre de 1978 en Woodland Hills, Los Ángeles.

Norman Willis en el papel de Spider Webb en Tim Tyler's luck (1937)

Norman Willis en el papel de Spider Webb en “Tim Tyler’s luck (1937)”

Norman Willis tenía la fisionomía justa para interpretar papeles de gánster. Este actor nació el 27 de mayo de 1903 en Chicago y se estrenó como extra en cine en 1934. Hasta 1936 estuvo en estas funciones. Su primer rol de importancia lo tuvo en la comedia-film de crimen “Here comes Carter (1936)” (Aquí viene Carter) de William Clemens. Igualmente tuvo papel de reparto en el film de crimen “Balas o votos (1936)” de William Keighley y protagonizado por Edward G. Robinson y Joan Blondell. Un papel más importante tuvo en el ya mencionado anteriormente serial “Tim Tyler’s luck (1937)” (La suerte de Tim Tyler), donde interpretó a un jefe de grupo de delincuentes en África, de nombre Spider Webb. También en ese año actuó como secundario en el film de acción-crimen “Secret Valley” (Valle Secreto) de Howard Bretherton y protagonizado por Richard Arlen. En 1942 formó parte del reparto del film de horror “The living ghost (El fantasma viviente) de William Beaudine. En lo sucesivo siguió alternando como extra y actor de reparto, muchas veces bajo el nombre de Jack Norman. Actuó en un total de 124 títulos y murió el 27 de enero de 1988 en los Ángeles.

Curly Dresden sujeta a I. Stanford Jolley en una escena de Border Roundup

Curly Dresden sujeta a I. Stanford Jolley en una escena de “Border Roundup (1942)”, mientras Charles King le apunta con una pístola

Curley Dresden, descendiente de padres alemanes, nacido el 17 de julio de 1899 en Chicago, fue otro villano habitual en los oestes B de las décadas del 30 y el 40. Su rostro tenía alguna similitud con la de Charles King, igualmente acostumbraba a llevar bigotes, por lo que su apariencia en la pantalla era repulsiva muchas veces, lo que le ayudaba a lograr su objetivo, ser malvado y odiado, así no lo fuera en su vida real. Como los actores anteriores, Dresden muchas veces no era acreditado y aparecía en algún papelito como extra. En cine debutó en 1922, todavía época silente, y vino a ser acreditado en 1937 en un oeste poco conocido, “Rough riding rythm (1937)” (Ritmo de equitación) de J.P. McGowan. Tuvo papeles más importantes en los oestes “Two gun justice (1938)” (Justicia de dos armas) de Alan James y protagonizado por Tim McCoy, en el serial “La legión del Zorro (1939)” en el papel del villano Tomás, “The lone rider rides on (1941)” (El llanero solitario cabalga) con George Houston en el papel estelar del llanero, y “Billy the Kid fighting Pals (1941)” (los amigos luchadores de Billy el niño) protagonizado por Bob Steele, estos dos últimos filmes del director Sam Newfield. Dresden actuó en 179 filmes entre 1922 y 1946. Retirado de estas faenas de extra o actor secundario, se dedicó a repartir copias del periódico “Spokane Spokesman-Review” en su localidad. Murió el 7 de junio de 1953 en Spokane, estado de Washington.

Wheeler Oakman con Constance Moore en Buck Rogers (1940)

Wheeler Oakman con Constance Moore en “Buck Rogers (1940)”

Wheeler Oakman era otro que gustaba actuar con un bigotito, que le daba un toque exterior de maldad en los personajes que encarnaba. Este actor, especializado principalmente en papeles de villanos, nació el 21 de febrero en Washington, capital de EE.UU. No obstante, en su carrera pudo también interpretar papeles de militar o de persona dedicada a la docencia. Su debut fue en cine silente en 1912. Actuó en infinidad de pelis y cortos de aquella primera época. Sus dos primeras actuaciones en filmes sonoros fueron en el film de acción-drama “The big fight (1930)” (El gran combate) de Walter Lang, y el oeste “The bad man (1930)” (El hombre malo) de Clarence G. Badger. Más tarde una actuación más importante en el film de acción-aventura “Devil on deck (1932)” (El diablo en cubierta) de Wallace Fox, y luego enfrentado contra Tim McCoy en el oeste “Texas Cyclone (1932)” de D. Ross Lederman. Las actuaciones más recordadas fueron en los seriales “Flash Gordon en Marte (1938)” de Beebe y R.F. Hill, donde interpretó el papel de Tarnak, hombre aliado al emperador Ming (Charles Middleton), y en “Buck Rogers (1940)” de Beebe, donde aparece como el teniente Patten subordinado al Killer Kane (Anthony Warde). Un papel menos malévolo, como el detective Brady, tuvo en el film de horror “The ape man (1943)” de William Beaudine y protagonizado por Bela Lugosi. Oakman actuó en 287 títulos entre 1912 y 1948. Su muerte acaeció el 19 de marzo de 1949 en Van Nuys, Los Ángeles.

Jack Ingram y Joan Woodbury en una escena de Brenda Starr, reporter

Jack Ingram y Joan Woodbury en una escena de “Brenda Starr, reporter (1945)”

Jack Ingram es uno de los actores menos conocidos, al menos por su nombre, dentro de ese grupo de “villanos” del cine B. Ingram nació el 15 de noviembre de 1902 en Frankfort, Illinois, y estudió en la Universidad de Texas. Luego participó en la I guerra, donde fuera herido en combate en Francia, algo que le obligó estar hospitalizado por espacio de dos años. En cine debutó en 1935 como extra. Durante años fue “villano” habitual en seriales y oestes, algunos de ellos protagonizados por Johnny Mack Brown, Buster Crabbe, Sunset Carson, Tex Ritter o Kane Richmond. Papeles más importantes tuvo en el film de crimen “Who’s guilty (1945)” (Quién es culpable) de Bretherton y Grissel, donde interpretó el papel de agente de policía, en los seriales “Brenda Starr, reporter (1945)” de Wallace Fox y protagonizado por Joan Woodbury, “Superman (1948)” de Spencer Gordon Bennett y Thomas Carr, y en el oeste “La carga de los indios Sioux (1953)” de Lloyd Bacon.  Además de sus actividades en cine, Ingram poseía un rancho, que sirvió como escenario para algunos oestes de Roy Rogers y del serial “El llanero solitario (1949)” protagonizado por Clayton Moore. Igualmente poseía un yate, que prestó para el serial “Sea hunt (1958)” (Caza marina) protagonizado por Lloyd Bridges. Ingram actuó en 299 títulos entre 1935 y 1960. Murió de un infarto el 20 de febrero de 1969 en Canoga Park, California.

Es posible que el autor omita algún que otro actor. Todo depende del criterio que se tenga de quién fue o no “villano” en el cine. Hay ciertamente actores que no lo fueron del todo, a pesar de haber interpretado tales papeles en ocasiones.

Fuentes 

  • IMDB.com
  • Filmaffinity.com

 

Escrito por Esteban Hernández, 5 marzo de 2018

Vittorio Gassman

Nadie debiera morir. Ese fue el
único error que Dios cometió
.”
Vittorio Gassman

Vittorio Gassman con Silvana Mangano en Arroz Amargo

Vittorio Gassman con Silvana Mangano en “Arroz Amargo (1948)”

Vittorio Gassman, también conocido como Il mattatore o el Sir Laurence Olivier italiano, es considerado uno de los grandes de la actuación del cine italiano y europeo de todos los tiempos. Nació el 1 de setiembre de 1922 en Genova, Italia, de nombre Vittorio Gassmann (con doble n), en el seno de una familia de padre alemán y madre italo-judía. Desde temprano sintió vocación por la actuación, fue así que estudió teatro en la Academia de Arte Dramático en Roma y tuvo un debut muy exitoso en las tablas, en la obra “Nemica (1943)” (Enemiga) del realizador Niccodemi. También en el teatro protagonizó “L’aquila a due teste (1946-1947)” (El águila de dos cabezas) de Cocteau, “Oreste di Alfieri (1947)”, “Troilo y Crésida (1949)” de Luchino Visconti, film basado en una obra homónima de Shakespeare; “Kean (1954)” de Sartre, y “I tromboni di Zardi (1956-1957)”. Por su propia iniciativa, en Italia se desarrolló el llamado Teatro Popular Italiano (TPI) que llevó grandes espectáculos a varios rincones de Italia, pero ese empeño tuvo dificultad para continuar, por lo que Gassman decidió dedicarse al cine.

En la gran pantalla debutó en el film “Incontro con Laura (1945)” (Encuentro con Laura) de Carlo Alberto Felice, al que le siguió el drama “Preludio di amore (1946)” de Giovanni Paolucci con Marina Berti. Su primer papel importante lo tuvo en el drama “Arroz amargo (1948)” de Giuseppe De Santis con Silvana Mangano y Raf Vallone, donde Gassman fue el malvado de la comunidad. Le siguió el drama “Anna (1951)” de Alberto Lattuada con la Mangano y Raf Vallone una vez más, donde nuevamente interpretó un papel de villano. Gassman fue de visita a EE.UU., donde conoció y se casó con Shelley Winters, lo que propició que filmara contrato de actuación y protagonizase algunos filmes, entre ellos:

  • Los dramas “The glass wall (1953)” (La pared de cristal) de Maxwell Shane con Gloria Grahame,
  • “Cry of the hunted (1953)” (El llanto de la presa) de Joseph H. Lewis con Barry Sullivan,
  • “Rapsodia (1954)” de Charles Vidor con Elizabeth Taylor,
  • “Mambo (1955)” de Robert Rossen con Silvana Mangano, estas dos últimas pelis alcanzaron fama mundial.

Vittorio Gassman afiches

Un tiempo después, terminado el matrimonio con Shelley Winters y el contrato en EE.UU., Gassman  regresó a Italia, donde su carrera tendría más éxito, así actuó:

  • En los dramas “La mujer más guapa del mundo (1955)” de Robert Z. Leonard con Gina Lollobrigida, filme muy recordado dentro del cine clásico,
  • Protagonizó la comedia-film de crimen “Rufufú (1958)” (I soli ignoti) de Mario Monicelli con Marcello Mastroianni, Totò, Renato Salvatori y Claudia Cardinale
  • En papeles secundarios de los dramas “La escapada (1963)” de Dino Risi con Jean-Louis Trintignant, y Catherine Spaak
  • “Barrabás (1962)” de Richard Fleischer con Anthony Quinn y Silvana Mangano,
  • “El éxito (1963)” de Mauro Morassi con Anouk Aimée y Carlo Bagno
  • Protagonizó segmentos de la comedia “Los monstruos de hoy (1963)” de Dino Risi
  • Interpretó varios papeles en la comedia “Con su permiso, hablemos de mujeres (1964)” de Ettore Scola
  • Protagonizó las comedias “Un tigre en la red (1967)” con Ann-Margret y Eleanor Parker,
  • “Brancaleone en las cruzadas (1969)” de Monicelli con Adolfo Celi

Vittorio Gassman afiches 2

Todo esto además de su papel de reparto en el drama “Guerra y Paz (1956)” de King Vidor con Henry Fonda, Audrey Hepburn y Mel Ferrer. En la siguiente década y en lo sucesivo actuó en:

  • Las comedias “Perfume de mujer (1974)” de Dino Risi con Agostina Belli, considerada como una de las mejores actuaciones de Gassman en su carrera,
  • “Una mujer y tres hombres (1977)” de Scola con Nino Manfredi,
  • “Un día de boda (1978)” de Robert Altman con Desi Arnaz Jr, Mia Farrow y Geraldine Chaplin.

Vittorio Gassman afiches 3

Gassman también fue un actor eficiente en dramas y películas de otros géneros, como fue en:

  • El film de ciencia ficción “Quintet (1979)” de Altman con Paul Newman y Fernando Rey
  • El film de crimen “La brigada de Sharky (1981)” dirigida y co-protagonizada por Burt Reynolds
  • El drama “La familia (1987)” de Scola con Stefania Sandrelli, película que hiciera recordar los años del cine de oro italiano.

Las últimas actuaciones en cine de Gassman fueron en las comedias:

  • “Lo zio indegno (1989)” (El tío indigno) de Franco Brusati con Giancarlo Giannini,
  • “La cena (1998)” de Scola con Fanny Ardant y Giannini
  • “La bomba (1999)” de Giulio Base con su hijo Alessandro Gassman, Chiara Muti y Shelley Winters.

Vittorio Gassman afiches 4

Además de interpretar papeles, Gassman también dirigió y escribió guiones de algunas películas, como fueron las comedias:

  • “Kean (1957)”
  • “Senza famiglia nullatenenti cercano affetto (1972)” (Los indigentes sin familia buscan afecto)

La autobiografía de este gran actor fue publicada en 1983. Gassman es padre de la actriz Paola Gassman, de los actores Alessandro y Jacopo Gassman, abuelo del asistente de director de cine, Tommaso Pagliai, y padre de la doctora Vittoria Gassman.

Obtuvo premio en el festival de Cannes como mejor actor por “Perfume de mujer (1974)”.

Obtuvo premio David en el David Donatello como mejor actor por “La familia (1987)”. En 1984 y 1991 obtuvo placas especiales y en 1996 un premio a su carrera. Obtuvo premios del sindicato nacional italiano de periodistas de cine como mejor actor por “I soli ignoti (1958)”, “Vida difícil (1962)”, “Perfume de mujer (1974)” y “Lo zio indegno (1991)”. En el 2000 obtuvo premio especial por su carrera. En 1988 obtuvo premio Donostia en honor a su carrera.  En 1996 obtuvo León de Oro en el Festival de Venecia por su carrera artística.

Obtuvo premio del jurado del festival de Mar de Plata como mejor actor por “Los monstruos de hoy (1963)”. Obtuvo premio en el festival de San Sebastián como mejor actor por “Brancaleone en las cruzadas (1970)”.

En resumen Gassman actuó en 127 filmes entre 1945 y 1999, guionista de 5 y director de seis películas. Murió el 29 de junio de 2000 en Roma.

 

Escrito por Esteban Hernández, 31 enero de 2018, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.


 

A propósito del filme “Marie Curie: el valor del conocimiento”

La mejor vida no es la más larga,
sino la más rica en buenas acciones
”.
Marie Curie

marie-curie afiche

Siempre es agradable ver una peli que trate sobre mujeres u hombres de bien, aquellos que han sido realmente héroes en su campo de trabajo. Marie Curie fue de esas grandes, la que demostró no solo sus facultades sino también que las mujeres pueden hacer descubrimientos importantes.

No es el único filme que se haya realizado sobre la notable científica. Previamente este papel fue interpretado por Greer Garson en el filme “Marie Curie (1944)” de los directores Mervyn LeRoy y  Albert Lewin, en el que Walter Pidgeon encarna a Pierre Curie, el cual transcurrió de forma plana, sin matices sobre la vida personal de María Salomea Sklodowska, que fuera su nombre de inscripción al nacer. En 1977, en el serial televisivo que no he visto, Jane Lapotaire interpretó a la famosa científica. Esta nueva versión de 2016 viene con algunos ingredientes inéditos en anteriores versiones cinematográficas.

Ante de entrar en la peli de referencia, es menester decir algo sobre la vida de esta extraordinaria científica. Nació el 7 de noviembre de 1867 en Varsovia, entonces Polonia ocupada por el zar ruso. Como mujer se vio obligada a cursar estudios universitarios de manera clandestina en universidad sin nombre en Varsovia. A la edad de 24 años se trasladó a París, donde ya radicaba su hermana Bronislawa. En la capital francesa pudo concluir sus estudios de física y comenzó de hecho su vida científica. María estudiaba de día y trabajaba en la noche para poder sufragar los gastos de sus estudios. Conoció a Pierre Curie en 1894, quien fuera su esposo hasta la muerte del mismo. El primer encuentro tuvo lugar en la Escuela Superior de Física y de Química Industriales de París (ESPCI), donde Pierre era instructor. En julio de 1895 ambos se casaron e iniciaron vida matrimonial y científica a la vez.

Los trabajos emprendidos por ambos giraban alrededor de la radiación de algunos elementos químicos, como fueron el uranio y luego el torio, descubrieron el llamado polonio. En 1903 Marie, Pierre y el físico Henri Becquerel recibieron el premio Nobel por estas investigaciones en materia de radioactividad. Años después, en 1911, Marie recibió otro Nobel, el de la química, esta vez por sus servicios en el descubrimiento de los elementos radio y polonio.

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La película de la directora francesa Marie Noelle y co-producción polaco-germano-francesa reseña parte de la vida laboral de los Curie hasta que el accidente fatal de Pierre, el que le costó la vida. Luego sigue la película su curso. Se muestran las adversidades laborales, las de ser mujer y ser discriminada en círculos científicos donde solo asisten hombres, o sea se abordan cuestiones importantes de la vida de Marie Curie, personaje interpretado cabalmente por la actriz polaca Karolina Gruszka.

El balance del filme queda algo desproporcionado cuando se aborda con mucho énfasis el episodio de infidelidad de la viuda Curie con su colaborador Paul Langevin, hombre casado y con una familia. Esa relación existió, fue todo un escándalo en su época, la peli lo refleja bien y con detalles que aquí no daré para evitar spoilers. No obstante, si bien se debió mostrar el problema, habría sido más prudente hacer más hincapié en los vericuetos científicos que ella tuvo que abordar, muchas veces con pocos medios, para llegar a los hallazgos que la hicieron famosa y que proporcionaron conocimiento de mucha utilidad para la cura de terribles enfermedades. Cada realizador tiene su plan en la forma de cómo exponer la trama de un filme. Marie Noelle le pareció probablemente interesante y hasta enganchador el tema del adulterio en este caso.

Como aspecto notable está el encuentro de Marie con otro cerebro célebre, Albert Einstein. Los diálogos entre ambos, aunque breves, resultaron interesantes. El machismo en el mundo científico fue algo muy evidente, incluso criticable en extremo.

Quizás para abordar las vidas de personas de tanto mérito como Marie Curie, se necesiten los seriales televisivos en lugar de un largometraje que trate de enseñarlo todo con el debido equilibrio. La película no es muy larga, dura solamente una hora y cuarenta minutos. De haber durado más de dos, es muy posible que el hecho que discuto se habría disuelto más en una vida tan fructífera como la de esta gran científica.

 

Escrito por Esteban Hernández, 22 diciembre de 2017

Richard Burton

Shakespeare es la mejor forma para aprender inglés.”
Richard Burton

Richard Burton

Richard Burton en “Cleopatra (1963)”. Cortesía doctormacro.com

Richard Burton fue uno de los actores más destacados en las décadas de los 50 a los 70, quien poseía una voz y físico agradable sin ser uno de esos grandes robustos. Richard Walter Jenkins Jr nació el 10 de noviembre de 1925 en Pontrhydyfen, Gales en el seno de una familia de mineros de carbón y de 13 hermanos. Su madre murió y su padre abandonó a la familia, por lo que su crianza corrió a cargo de una hermana y su esposo  Tuvo la suerte de tener un tutor, Philip Burton, quien pagó por sus estudios, más que todo al darse cuenta de la inteligencia de Burton, así logró iniciarse en las artes al recibir una beca de la famosa Universidad de Oxford. Es por esa razón que adoptó el apellido de Burton. En 1943 comenzó a actuar en teatro, pero por breve tiempo, ya que fue llamado a servir en la marina de su país.

Debutó en el cine en los dramas “The last days of Dolwyn (1949)” (Los últimos días de Dolwyn) de Emlyn Williams, y “Now Barabbas (1949)” (Ahora Barrabás) de Gordon Parry, donde mostró sus cualidades promisorias de actor.

En la década de los 50, Burton se trasladó a EE.UU. y actuó primero en Broadway y más tarde en Hollywood. Entre sus primeras actuaciones en la meca del cine están:

  • El film de misterio “Mi prima Raquel (1952)” de Henry Koster con Olivia De Havilland
  • El film de guerra “Las ratas del desierto (1953)” de Robert Wise con James Mason
  • El film histórico-épico “La túnica Sagrada (1953)” de Henry Koster con Jean Simmons y Victor Mature, que fuera su primera actuación en filme de Hollywood
  • El drama “Las lluvias de Ranchipur (1955)” de Jean Negulesco con Lana Turner y Fred MacMurray

Richard Burton Afiches

Burton tuvo éxito al protagonizar varios dramas épicos e históricos, como fueron:

  • “Alejandro, el magno (1956)” de Robert Rossen con Fredric March
  • “Cleopatra (1963)” de Joseph L. Mankiewicz y Rouben Mamoulian, donde actuó y conoció a Elizabeth Taylor, su futura esposa

Fue así que surgió un dúo inolvidable, que dejó excelentes actuaciones, como fueron en los dramas:

  • “Hotel Internacional (1963)” de Anthony Asquith,
  • “Castillos de arena (1965)” de Vincente Minnelli,
  • “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)” de Mike Nichols,
  • “La mujer indomable (1967)” de Franco Zeffirelli,
  • “Los comediantes (1967)” de Peter Glenville, “Dr Faustus (1968)” dirigida por el propio Burton y Nevill Coghill,
  • “Boom! (1968)” de Joseph Losey,
  • “Pacto con el diablo (1972)” de Peter Ustinov

Richard Burton Afiches 2

Burton co-protagonizó también junto a Liz Taylor la obra “Hamlet” en teatro. Otras de sus actuaciones destacadas tuvieron lugar en los dramas:

  • “Mirando hacia atrás con ira (1958)” de Tony Richardson con Claire Bloom,
  • “Becket (1964)” de Peter Glenville con Peter O’Toole,
  • “El día más largo (1964)” de Ken Annakin y Andrew Marton con Eddie Albert y Arletty entre otros,
  • “La noche de la iguana (1964)” de John Huston con Deborah Kerr y Ava Gardner;
  • El suspense “El espía que surgió del frío (1965)” de Martin Ritt con Bloom nuevamente, film basado en una novela del escritor John LeCarré
  • Los dramas “Ana de los mil días (1969)” de Charles Jarrott con Geneviève Bujold,
  • “Muerte en Roma (1973)” de George P. Cosmatos con Marcello Mastroianni
  • El drama-film de misterio “Equus (1977)” de Sidney Lumet
  • El film de guerra “Patos salvajes (1980)” de Andrew V. McLaglen con Roger Moore y Richard Harris
  • El drama “Círculo de dos (1980)” de Jules Dassin con Tatum O’Neal
  • Su última actuación en cine, el drama-film fantástico “Mil novecientos ochenta cuatro (1984)” de Michael Radford con John Hurt

Richard Burton Afiches 3

En lo sucesivo actuó en la TV, en papel de reparto del serial dramático “Ellis Island (1984)” de Jerry London, y puso su voz en el animado “Under milkwood (1992)” (Bajo el árbol de leche) de Dylan Thomas. Burton era un lector incansable y padecía de un vicio muy común en varios actores, el alcoholismo.

Nominado para OSCAR como mejor actor por “La túnica SGArada (1953)”, “Becket (1964)”, “El espía que surgió del frío (1965)”, “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)”, “Ana de los mil días (1969)” y “Equus (1977)”, así como mejor actor de reparto por “Mi prima Raquel (1952)”.

Nominado para Globo de Oro como mejor actor en drama por “Mirando hacia atrás con ira (1958)”, “Becket (1964)”, “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)”, y “Ana de los mil días (1969)”. Nominado como mejor actor en comedia/musical por “La mujer indomable (1967)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actor en drama por “Equus (1977)”, y como actor más promisorio por “Mi prima Raquel (1952)”.

Nominado para premio BAFTA como mejor actor británico por “Mirando hacia atrás con ira (1958)” y “La mujer indomable (1967)”. Obtuvo este premio por ““El espía que surgió del frío (1965)” y “¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966)”.

En resumen actuó en 69 filmes entre 1949 y 1984, productor de 3 y director de una película. Murió el 5 de agosto de 1984 en Ginebra, Suiza.

 

Escrito por Esteban Hernández, 19 diciembre de 2017, con información extraída de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

Propuestas de cine útil

Un poco más de persistencia, un poco más de esfuerzo,
y lo que parecía irremediablemente un fracaso puede
convertirse en un éxito glorioso
”.
Elbert Hubbard (1856-1915, escritor yfilósofo estadounidense)

Personalmente llevo tiempo viendo pelis de valor reducido, con tramas tontas a veces, sobre todo en aquellos filmes nuevos de acción o de ciencia ficción. No obstante, también hay cine útil, el que enseña o nos revela casos interesantes de la vida. Para mi fortuna, he hallado dos pelis que se las recomiendo ver, las que describo brevemente a continuación:

Los milagros del Cielo (Miracles from heaven, 2016)

Es una peli basada en una tragedia dentro de la familia Beam, compuesta por tres niñas además de madre y padre. Una de las niñas enferma gravemente, de manera irreversible y ahí comienza las peripecias familiares acompañadas de dificultades económicas y sentimentales. La solución llegó de manera inesperada, muchos la pueden creer, otros no, cada cual es libre de opinar. El valor de la peli es ver cómo los estadounidenses, país considerado el más poderoso del planeta, sufren para poder tener una buena atención médica, eso a pesar de disponer de verdaderos maestros de la medicina. Esta película fue dirigida por Patricia Riggen con un elenco de actores para mí algunos desconocidos, como son Jennifer Garner y Martin Henderson, además de la ya famosa Queen Latifah. La trama del filme está basada en la novela “Milagros en el cielo” escrita por Christy Beam con los hechos reales que le sucedieron. Les aseguro que impresionan las actuaciones de las niñas en esta película, las catalogo de sobresalientes.

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Una razón para vivir (Breathe-Respirar, 2017)

Esta es otra película igualmente basada en hechos reales, donde un joven inglés lleno de vida, se casa y se traslada a Kenia, donde sufre el contagio de una terrible enfermedad, la cual paralizó su cuerpo. A partir de ahí comienza toda una odisea, donde la pareja lucha contra todas las adversidades para vencerlas. La pareja llega a desarrollar una serie de métodos que ayudarían a otros enfermos en el futuro para poder sobrellevar la enfermedad. El ahinco y tesón están siempre presentes, es una película que estimula en todos los sentidos, que no debe dejarse de ver y analizar. La peli es dirigida por el debutante Andy Serkis y contó con las actuaciones Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Stephen Mangan.

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Escrito por Esteban Hernández, 10 diciembre de 2017

Fuerza interpretativa, “Les liaisons dangereuses (TV) (2003)”

“Le plaisir, qui est l’unique mobile de la réunion
des deux sexes, ne suffit pas pour former une liaison
(El placer que es el único móvil de la unión de dos
sexos, no es suficiente para crear una relación)”.
Pierre Choderlos de Laclos

Existe una obra literaria del mismo nombre que sirve de título igualmente a este artículo (Les liaisons dangereuses o Las amistades peligrosas), que fuera escrita por el escritor Pierre Choderlos Laclos (1741-1803) y publicada en 1782, con una trama que muestra la bajeza humana de las clases pudientes en cuanto a sentimientos se refiere.

A grandes rasgos es historia de seducción, traición y venganza, donde la perfidia se erige en el elemento dominante de esa sociedad de nobles, si de nobles sinvergüenzas, donde el amor no pasa de ser un capricho o una pasión temporal. La obra ha sido llevada al cine en varias ocasiones, pero las versiones más conocidas son la francesa de 1959, dirigida por Roger Vadim y protagonizada por Jeanne Moreau y Gérard Philipe; la de producción británica de 1988, dirigida por Stephen Frears; y la tercera, que es objeto de este artículo, co-producción Canadá- Reino Unido-Francia, en miniserie para la TV (2003), dirigida por el francés Josée Dayan, con ambientación de la sociedad parisina de 1960.

Dayan escogió a una actriz de primera clase para interpretar el papel de la bella seductora Madame Isabel de Merteuil, Catherine Deneuve, una mujer elegante de pie a cabeza, con una mirada muy sugerente y movimientos realmente atractivos. La libido de cualquier hombre se eleva al detallar la figura de esta actriz en este miniserial. Su interpretación como ente carente de amor, llena de ambiciones y egoísmo es sencillamente magistral. Para ella la posesión de un hombre era sumamente fácil, siempre posesiva sobre lo que entendía era suyo y si alguien intentaba arrebatarle algo, ella no perdía la ocasión para perjudicarle de cualquier manera.

Catherine Deneuve

Catherine Deneuve Cortesía doctormacro.com

El otro antihéroe es el Visconde Sebastián de Valmont interpretado por el actor inglés Rupert Everett, el que se hizo famoso como actor previamente con una actuación secundaria en la comedia “La boda de mi mejor amigo (1997)” del director P.J. Hogan y que contara con el protagonismo de Julia Roberts y Cameron Díaz entre otros. Everett interpretó bien el papel de otro depravado, el que históricamente había sido amante de Isabel, que se jactaba de su belleza personal, de sus ligues de mujeres, que al final había pactado con Isabel lo que fuera necesario a fin de que ella finalmente accediera a vivir junto a él en lo sucesivo. Personalmente vi a Everett sobreactuando en algunas escenas con una mirada demasiado malévola y más adaptable a filmes de horror. No obstante, en un setenta y cinco por ciento de las escenas, su actuación fue fuerte y convincente.

Rupert Everett (der.) con Julia Roberts y Dermott Mulroney en La boda de mi mejor amigo (1997)

Rupert Everett (der.) con Julia Roberts y Dermott Mulroney en una escena del filme “La boda de mi mejor amigo (1997)” (IMDB.com)

El resto del reparto se complementa con la bella alemana e hija del actor Klaus Kinski, Nastassja Kinski, en el papel de Madame María de Tourvel, la que logra una interpretación adecuada a las exigencias de su contrincante pasional, Valmont; la joven actriz neoyorquina, hija de padre nacido en Francia y de descendencia polaca, Leelee Sobiesk encarnando el papel de la ingenua y enamorada dama Cécile de Volange; el actor nacido en Lvov, actualmente Ucrania, Andrzej Zulawski interpretando a Monsieur Antoine Gercourt, el viejo enamorado y pudiente, que como avanzado en edad al fin y no saber que su nave ya no es la de cuarenta años atrás, termina finalmente sin nada más que el dinero y la posición opulenta que posee. Completan el reparto la francesa Françoise Brion como Madame de Volange, madre de Cécile y moralista sin límites; el actor-compositor Tedi Papavrami en el papel del violinista Raphael Danceny, inicialmente enamorado de Cécile y luego amante de Isabel; y la veterana actriz francesa Danielle Darrieux encarnando a Madame de Rosemonde, tía de Valmont. Danielle murió recientemente en este año 2017 a la edad de 100 años.

Amistades peligrosas

No es propósito describir toda la trama del miniserial, más que todo enfatizar que las actuaciones de sus actrices y actores fueron todas bien realizadas, al extremo, como siempre digo, que tal parece que ellos son los mismos personajes de la novela. El interés en seguir la novela se puede decir que aumenta con su desarrollo, lo cual es igualmente mérito de sus protagonistas.

Amistades peligrosas2

Estimado lector, si tiene tiempo y forma, le invito a ver este miniserial que seguramente será del agrado de todos en el ámbito familiar.

 

Escrito por Esteban Hernández, 30 octubre de 2017

Audrey Hepburn

Nací con una enorme necesidad de afecto
y con una terrible necesidad de darlo

Audrey Hepburn

Audrey Hepburn en “Una cara de ángel (1957)”. Cortesía Doctormacro.com

Audrey Hepburn en “Una cara de ángel (1957)”. Cortesía Doctormacro.com

Audrey Hepburn fue una actriz de éxitos en el mundo del cine, algo que realizó con elegancia y la belleza de rostro. Audrey fue muy acertada para protagonizar dramas y comedias, aunque también pudo incursionar con éxito en otros géneros.

Edda van Heemstra, cuyo nombre real es Audrey Kathleen Hepburn-Ruston, nació el 4 de mayo de 1929 en Bruselas, Bélgica, de padre nacido en Bohemia, de origen austro-inglés y de madre baronesa holandesa.  Sus padres se divorciaron cuando ella era aún una niña. Junto a su madre tuvo una estancia en Londres, donde inició la escuela, posteriormente se trasladaron a Holanda. El hecho de tener esta diversidad de origen de sus progenitores le permitió ser bilingüe en inglés y holandés. Luego con sus estudios logró igualmente aprender a hablar en español, francés e italiano.

La llegada de las tropas nazis a Holanda hizo sufrir bastante a la adolescente Audrey, al extremo que sufrió severos problemas de depresión y malnutrición. Una vez que este país fue liberado, Audrey comenzó a estudiar ballet, a lo cual le ayudaba su físico. De ahí cambió para hacer trabajos como modelo, fue aquí que fue descubierta por los ejecutivos del cine.

En la gran pantalla debutó en un papel secundario de la comedia de crimen “Oro en barras (1951)” de Charles Crichton con Alec Guinness. Después actuó en otras películas europeas hasta que decidió probar suerte en Hollywood. Su primera interpretación en la meca del cine fue en la inolvidable comedia romántica “Vacaciones en Roma (1953)” de William Wyler con Gregory Peck, film que fue rodado en la ciudad eterna de los años 50 y que le valió a Audrey su primer Oscar. A continuación:

  • Co-protagonizó con Humphrey Bogart y William Holden otra comedia inolvidable, “Sabrina (1954)” de Bily Wilder
  • El drama épico “Guerra y Paz (1956)” de King Vidor con Henry Fonda, Mel Ferrer, Vittorio Gassman y Anita Ekberg, film basado en la novela del mismo nombre de León Tolstoy, donde Audrey interpretó el papel de Natasha
  • Con Fred Astaire cantó y bailó en la comedia musical “Una cara con ángel (1957)” de Stanley Donen
  • Protagonizó el drama romántico “Mansiones verdes (1959)” de Mel Ferrer, quien era entonces su esposo, con Anthony Perkins
  • Para siempre recordar es su actuación como monja en el drama “Historia de una monja (1959)” de Fred Zinnemann con Peter Finch
  • El oeste “Los que no perdonan (1960)” de John Huston con Burt Lancaster y Audie Murphy, donde ella aparece como una descendiente de indios criada en un hogar de familia blanca

Afiches Audrey Hepburn

En la década de los 60:

  • Protagonizó las famosas comedias “Desayuno con diamantes (1961)” de Blake Edwards con George Peppard,
  • “Charada (1963)” de Donen con Cary Grant, Walter Matthau y James Corburn
  • El estupendo musical “Mi bella dama (1964)” de George Cukor con Rex Harrison
  • Las comedias “Como robar un millón y…. (1966)” de William Wyler con Peter O’Toole y Charles Boyer,
  • “Dos en la carretera (1967)” de Donen con Albert Finney
  • El drama “Sola en la oscuridad (1967)” de Terence Young con Mel Ferrer por última vez, donde Audrey interpretó el rol de una ciega

Afiches Audrey Hepburn 2

En la década de los 70, Audrey se alejó del cine y tuvo solo actuaciones esporádicas, como fue en:

  • El film épico “Robin y Marian (1976)” de Richard Lester con Sean Connery
  • El film de misterio “Lazos de sangre (1979)” de Terence Young,
  • La comedia “Todos rieron (1981)” de Peter Bogdanovich, en estos dos últimos filmes con Ben Gazzara
  • En papel de reparto del film fantástico “Para siempre (1989)” de Steven Spielberg con Richard Dreyfuss y Holly Hunter, que fue su última presentación en la gran pantalla

Afiches Audrey Hepburn 3

Audrey también dedicó buena parte de su tiempo a colaborar con la UNICEF en la búsqueda de fondos para niños necesitados.

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Sabrina (1954)”, “Historia de una monja (1959)”, “Desayunos con diamantes (1961)” y “Sola en la oscuridad (1967)”. Obtuvo OSCAR en igual categoría por “Vacaciones en Roma (1953)”. Además obtuvo el premio Humanitario Jean Hersholt de parte del Academy Award.

Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en comedia/musical por “Charada (1963)”, “Mi bella dama (1964)” y “Dos en la carretera (1967)”; como mejor actriz en drama por “Historia de una monja (1959)” y “Sola en la oscuridad (1967)”.  Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz en drama por  “Vacaciones en Roma (1953)”. En 1955 Globo de Oro le concedió el premio como la Actriz Favorita del Mundo y en 1990 se le concedió el premio Cecil B. DeMille.

Nominada para premios BAFTA como mejor actriz británica por “Sabrina (1954)” y “Guerra y  Paz (1956)”. Obtuvo estos premios por “Vacaciones en Roma (1953)”, “Historia de una monja (1959)” y “Charada (1963)”.

Obtuvo premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York como mejor actriz por “Vacaciones en Roma (1953)” y “Historia de una monja (1959)”. En 1993 obtuvo premio SGA por su carrera artística. En 1996 obtuvo el premio Crystal.

Obtuvo premio Zulueta en el Festival de San Sebastián como mejor actriz por “Historia de una monja (1959)”.

En resumen Audrey actuó en 34 filmes entre 1951 y 1989.  Murió el 20 de enero de 1993 de cáncer en las vías digestivas en Tolochenaz, Vaud, Suiza.

 

Escrito por Esteban Hernández, 1 octubre de 2017, con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”.

 

 

La polémica sobre el filme “Lo que el viento se llevó (1939)”

Hemos aprendido a volar como los pájaros, a nadar
como los peces; pero no hemos aprendido el sencillo
arte de vivir como hermanos
”.
Martin Luther King

Sin lugar a dudas el filme que nos ocupa esta vez ha sido el primero de más larga duración, el más taquillero y uno de los más considerados de todos los tiempos. La trama se sabe que gira alrededor de dos personas que tienen un carácter similar. Por un lado, la rebelde y caprichosa Scarlett O’Hara, hija de una familia acaudalada del sur norteamericano, y el autosuficiente y aventurero de Rhett Butler, solo interesado en su propio bienestar y capaz de tener la dama que se le antojara. Ese choque de trenes, Scarlett a no dejarse tocar por un hombre, al que no desea inicialmente, y un obstinado Buttler, interesado, al parecer, en ganar una apuesta con nadie, es lo que convierte la trama de la novela y luego del filme en algo interesante.

Lo que el viento se llevó

Scarlett O¨Hara (Vivien Leigh) y Rhett Butler (Clark Gable) en una escena del filme. Cortesía doctormacro.com

La escritora de la novela, publicada en 1936, fue la periodista Margaret Munnerly Mitchell, nacida en la zona sur de los EE.UU. Georgia, Atlanta, el 8 de noviembre de 1900, donde debe haber tenido mucha influencia de su comarca para escribir este quasi romance o melodrama enmarcado en el contexto de la Guerra de Secesión de su país.

¿Le interesaba a ella el problema de la población negra en el sur de EE.UU.? A mí entender ese asunto no era parte de su mensaje. Puso las cosas como fueron, aunque haciendo mayor énfasis en las desgracias de las familias esclavistas del sur. En todo momento ellas fueron las víctimas en su novela. Las causas de esa guerra ni se abordaron, muchos menos las desgracias de los esclavos negros. El ejército del Norte aparece como un ente fuerte, despiadado e invasor.

La población negra es tratada como siempre la trató Hollywood en sus primeras décadas de existencia, gente inocente, ignorante, incrédula, hasta cómica en su gestión cotidiana, dedicados a hacer papeles de sirvientes o agricultores todo el tiempo. En el filme se ve un delincuente y era un afroamericano. Muy discutible si realmente era delincuente, más se asemejaba a los cimarrones que cuando son sorprendidos obran sin piedad.

Así que este filme y novela pueden ser catalogados como ambiguo con respecto al asunto racial, que fue el que realmente ocasionó la guerra entre el norte y el sur en ese país. Margaret Mitchell no lo abordó, sólo presentó cuadros de sufrimientos de esos que nunca se cansaron de causar desgracias a los esclavos negros que poseían. Para la escritora, el Sur era un mundo de felicidad antes de la guerra, la que fue destruida por la intervención de los yanquis. Si nos fijamos bien en la trama del filme, la escritora nos lleva a pensar que los blancos están hechos para dirigir a la población afroamericana y ésta última a cumplir lo que se les ordene.

Vivien Leigh (izq.) con Hattie McDaniel en escena

Vivien Leigh (izq.) con Hattie McDaniel en escena. Cortesía doctormacro.com

Como paradoja de lo aquí analizado, fue la actriz afroamericana Hattie McDaniel, la primera interprete negra en lograr un Oscar al encarnar a la fiel sirvienta Mammy en este filme. Pero más aún paradójico fue que Hattie y la también actriz afro Butterfly Moqueen no asistieron a la première mundial de la película en Atlanta. Las razones no son difíciles de adivinar en un estado como Georgia, donde las leyes vigentes mantenían la segregación racial y ni siquiera hacían excepción para que ambas actrices negras participaran en tan magna ocasión. Considerar a este filme como un medio de reconciliación nacional es sencillamente un disparate.

Butterfly McQueen en escena del filme

Butterfly McQueen en escena del filme

Así que no es para alarmarse ahora por las justas consideraciones que hacen muchos entendidos, por cierto no solamente negros, sobre el carácter racista de este filme. Aunque repito, a la escritora no parece que ese asunto de la discriminación le haya interesado. Para ella primaba la rebeldía de Scarlett, una especie de potro salvaje, que Rhett trataba de domar más por orgullo de macho que por amor.

 

Escrito por Esteban Romero, 9 setiembre de 2017

 

“Jane Eyre”, la obra de Charlotte Brontë y sus versiones en el cine

Por tu propio respeto, no ofrezcas tu amor a
quien no te lo pide y acaso te lo despreciara
.”
Charlotte Brontë

Hace más de cuatro décadas en Cuba aparecían las publicaciones de la llamada Editorial Huracán, las que se podían adquirir por el increíble precio de alrededor de unos 40 centavos. Las publicaciones eran de casi todos de los clásicos, entre ellas estaba esa gran obra inglesa del siglo XIX, Jane Eyre, escrito por Charlotte Brontë, hermana de otras dos famosas escritoras Emily y Anne. Leer Jane Eyre fue algo fascinante, diría inolvidable. Una prosa de mucha coherencia y enseñanza. Si no lo ha leído, amigo lector, se la recomiendo. En cuanto la comience a leer, la trama lo enganchará.

Sobre la autora de esta obra. Charlotte Brontë nació el 21 de abril de 1816 en Yorkshire, Inglaterra, en el seno de una familia de cinco hermanas. Su educación primaria se desarrolló en el colegio de Clergy Daughters, en Cowan Bridge, donde casi todas las Brontë cayeron enfermas de tuberculosis. Las condiciones de este centro educacional fueron las que en parte inspiraron a Charlotte para escribir Jane Eyre e igualmente incluir una crítica a su forma severa de enseñanza centro. Ls hermana mayor, María, y la menor de Charlotte, Elizabeth, al poco tiempo de regresar a Haworth murieron a causa de tuberculosis en 1825, por lo que su padre (la madre había muerto en 1821) decidió sacar a  Charlotte y a Emily de este centro.

Charlotte Bronte

Charlotte Bronte

La obra en cuestión de Charlotte, publicada inicialmente en 1847 bajo el seudónimo de Currer Bell, nos relata la vida de una niña huérfana, despreciada por la esposa de su tío ya muerto, que al final es llevada a un centro de educación, aunque pareciera más penitenciario que otra cosa, con una enseñanza estrictamente religiosa. La niña tiene su forma de pensar y sus valores, los que no son los imperantes en una sociedad de grandes contrastes entre gente aristocrática, muy rica, y la de los mayoritariamente pobres. A pesar de los pesares, Jane fue un ser muy independiente con altos valores morales. Su vida ya adulta se inicia en el papel de institutriz. Jane es todo un ejemplo de coraje y amor al prójimo.

El cine, poco después de sus inicios, no tardó en llevar el argumento de esta obra a la pantalla. La primera versión que se conozca fue la realizada en 1910, producida por la Thanhouser Film Corportation, bajo la dirección de Theodore Marston con Irma Taylor como Jayne Eyre y Frank Hall Crane como Rochester. Lamentablemente no se halla información sobre su duración en pantalla.

Jane Eyre 1910.png

Dos cortos se realizaron sobre este tema, el primero en 1914, del director Frank Hall Crane con Ethel Grandin e Irvin Cummings, y el segundo de 1915 de Travers Vale con Louise Vale y Franklyn Ritchie. No obstante, en 1914 el director Martin Faust realizó una versión de 50 minutos de duración, que contó con el protagonismo de Alberta Roy e Irving Cummings.

Posteriormente aparecieron nuevos filmes sobre el tema, como fueron “Jane Eyre (1921)” de Hugo Ballin con Norman Trevor y Mabel Ballin, “Jane Eyre (1934)” de Christy Cabanne con Virginia Bruce y Colin Clive, y “Alma Rebelde (1943)” de Robert Stevenson con Joan Fontaine como Jane y Orson Welles en el papel de Rochester. Esta última versión ha sido la más famosa hasta nuestros días, sobre todo por contar con dos experimentados como la Fontaine y Welles.

Jane Eyre 2

La BBC inglesa llevó una nueva versión a la TV en 1946, donde May McKenzie es Jane y Anthony Hawtrey es Rochester. La BBC una vez más produjo una versión televisiva en 1948, la que fue protagonizada por Barbara Mullen y Reginald Tate. La TV siguió recreando con el tema en la década de los 50. La primera fue en 1955 de producción brasileña, pero sin más detalles al efecto. En 1956, igualmente de la BBC, protagonizada por. Daphne Slater y Stanley Baker. La RAI italiana hizo otro tanto en 1957. Esta vez Rochester fue el experimentado Raf Vallone e Ilaria Occhini aparecía como Jane.  Holanda siguió la rima en 1958 con una producción de más de 2 horas y cuarto. Mia Goossen fue Jane y Rob de Vries interpretó el papel de Rochester.

La modalidad televisiva continuó en los 60. El director Marc Daniels realizó una versión en 1961, donde Sally Ann Howes interpretó a Jane y el conocido Zachary Scott fue el dominante Rochester. La BBC produjo un episodio en un serial de 1963, cuyo tema fue “Jane Eyre”. Ann Bell y Richard Leech fueron los protagonistas de este episodio.

En 1968, el director Yiorgos Lois realizó una producción griega sobre esta obra, donde los papeles protagónicos corrieron a cargo de Hristina Sylva y Manos Katrakis.

En 1970 hubo una nueva versión televisiva de producción anglo-estadounidense, titulada “Almas Rebeldes” de nuevo, de 110 minutos de duración, y el protagonismo de George C. Scott y Susannak York. En 1973, la TV inglesa produjo una versión de 4 horas y 35 minutos espaciados en 5 episodios, donde Sorcha Cusack y Michael Jayston fueron los protagonistas.

Nuevamente en 1983 la BBC produjo la versión televisiva protagonizada por Zelah Clarke y Timothy Dalton, la que constó de 11 episodios, cada uno de 30 minutos de duración.

Jane Eyre 3

En 1996 se realizó una versión moderna de Jane Eyre de co-producción franco-italo-anglo-estadounidense, dirigida por el afamado Franco Zefirelli y con la actuación de Charlotte Gainesbourg y William Hurt.

Gran Bretaña produjo “Jane Eyre (1997)”, filme para la TV, del director Robert Young con Samantha Morton y Ciaran Hinds en los papeles principales. Posteriormente hubo una nueva co-producción anglo-estadounidense en 2006, serial de 4 episodios, con el protagonismo de Ruth Wilson y Toby Stephens.

La última versión hasta ahora es la co-producción anglo-estadounidense de Cary Fukunaga con la actriz australiana Mia Wasikowska (hija de madre polaca) en el papel principal, y Michael Fassbender como Rochester, además de Jamie Bell y Judi Dench.

Jane Eyre 4

Existen otros muchos episodios y versiones cortas sobre esta gran obra, pero las principales aparecen aquí reflejadas.

Charlotte Brontë, quien murió el 31 de marzo de 1855 en Yorkshire, estando embarazada, debido a tuberculosis, puede enorgullecerse no tan solo de los tantos ejemplares vendidos de su gran obra, sino que la misma clasifica como una de las más llevadas a la gran y pequeña pantallas por los más diversos productores y directores.

Fuentes consultadas

IMDB.com

Anon. Charlote Brontë. Buscabiografías.com. https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/9176/Charlotte%20Bronte%20-%20Charlotte%20Bronte

 

Escrito por Esteban Hernández, el 23 agosto de 2017.

El problema de la ética tratado en el filme “Nightcrawler (2014)”

La ética se resume en tres virtudes: coraje para vivir,
generosidad para convivir, y prudencia para sobrevivir”.
Fernando Savater (1947, filósofo, periodista y escritor español).

El cine actual nos tiene acostumbrado a ver muchas películas de acción con robos y muertes en abundancia o de insensatas pelis de ciencia ficción. Sin embargo, los temas sociales, de corrupción, de lo cotidiano, casi no se aborda. La taquilla es más importante que el argumento. Personalmente soy de la idea que esa es una forma de idiotizar a las poblaciones del mundo, que en nada ayuda al desarrollo de adolescentes y jóvenes.

Por suerte hay filmes, que no son muchos, pero que si se adentran en temas de actualidad y donde se denuncia casos de corrupción. La pobreza y la falta de posibilidades de empleo digno conlleva a que el ser humano termine haciendo “acrobacias” de todo tipo para ganarse la vida. No importa cómo se logran los objetivos, hay que ser maquiavélico, el fin justifica los medios, y eso es, al parecer, lo que nos muestra el filme “Nightcrawler (2014)”, cuyo título en español podría ser “Rastreador nocturno” o “Reptil nocturno”, cualquiera de los dos viene bien llegado el caso.

nightcrawler-poster

Un joven descubre una noche que para sobrevivir y ganar plata en condiciones, basta hacerse de una cámara de video y tomar escenas reales en la calle que provoquen sensación en los noticieros televisivos. El éxito de estas acciones exacerba la ambición de quien las realiza, se cree Superman, todopoderoso, usa cualquier herramienta incluida la mentira, mientras sus valores humanos se van degradando cada vez más, al extremo de no tener sentimientos de nada. El amor al prójimo y el amor por una mujer pueden existir pero solo hasta el límite de satisfacer las necesidades propias dentro de un plano arribista que no tiene compasión con nadie.

Nightcrawler 2

Dan Gilroy dirigió esta película, su primera en su carrera, más dedicado a escribir guiones que a faenas de dirección fílmica, mientras que el protagonismo corrió a cargo del estelar Jake Gyllenhaal, el mismo que sobresaliera con el fallecido actor australiano, Heath Ledger, en el drama “Brokeback Mountain (2005)”, donde interpretan la relación de una pareja de homosexuales. La siempre atractiva Rene Russo, esposa actualmente de Gilroy, el recientemente fallecido Bill Paxton y el londinense actor-director Riz Ahmed completan el reparto principal de la peli. La actuación de Ahmed fue realmente sobresaliente y le aportó puntos adicionales de excelencia a la peli.

De izq. a der. Riz Ahmed, Rene Russo y Jake Gyllenhaal

De izq. a der. Riz Ahmed, Rene Russo y Jake Gyllenhaal

El epílogo del filme muestra que en esta vida se triunfa a cualquier precio, el asunto está en saber hasta dónde puede durar ese éxito, algo que la peli no aborda, pues lo habría hecho más extensa. Los finales abiertos para que el público se los imagine son muy usuales en estos tiempos. Cuando la ética no existe cualquier cosa puede suceder.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 junio de 2017

Ladrón de bicicleta, una joya del cine de todos los tiempos

La pobreza a menudo priva al hombre de toda virtud:
es difícil que un costal vacío se mantenga derecho
”.
Benjamin Franklyn (1706-1790, político y científico estadounidense)

Afiche Ladrón de bicicleta

El cine que aborda la realidad de nuestro mundo merece respeto eterno y esa es la virtud de muchos filmes europeos, sobre todo italianos en el período de la post guerra. Un exponente importante de esa filmografía lo fue Vittorio de Sica en faenas de dirección. El cineasta fue capaz  de reflejar la pobreza y hasta miseria de la sociedad italiana una vez concluida la Segunda Guerra Mundial.

Cuando se ven tales filmes uno se da cuenta de lo poco que saben al respecto o no quieren recordar  una parte de la actual población italiana, la que sea vio necesitada de ayuda externa, principalmente de EE.UU. a fin de poder mitigar la situación económica por la que atravesaba entonces el país.

Entre esas  películas de De Sica hay que destacar por lo sobresaliente de su trama, el drama “Ladrón de bicicleta (1948)”, cuyo título en español no es exactamente correspondiente al italiano, “Ladrones de bicicletas”, no era uno robando bici, eran varios y el filme muestra claramente la causa, que no es otra que la pobreza de la población.

Todo comienza cuando un padre de familia logra un empleo, para cuyo desempeño necesita una bicicleta, la que debe adquirir con muchos sacrificios de parte de su familia, en este caso su mujer, su pequeño hijo y él mismo. La trama, que no pretendo narrar, transcurre mostrando decenas de personas viviendo de trabajos poco remunerados, precario en muchos casos, y niños, como el hijo del protagonista, que no asisten a la escuela y se ven obligados a trabajar en algo precariamente también.

Liana Carell junto a Lamberto Maggioran en una escena del filme

Liana Carell junto a Lamberto Maggioran en una escena del filme

La ignorancia de los pobres salta a la vista, pues a falta de una esperanza de mejoría, todos acuden a consultarse con una especie de espiritista que supuestamente les pronostica algún alivio.

Por la forma en que se ve comiendo al niño Bruno, interpretado por  Enzo Staiola, el hambre no era un fenómeno ajeno a aquella sociedad italiana.

El niño Bruno en el desarrollo del filme

El niño Bruno comiendo en una escena del filme

El robo se veía como algo justificado, como un medio de poder resolver, el cual cualquiera lo comete con tal de sobrevivir. En conclusiones, la ciudad de Roma, la misma capital italiana, mostraba un ambiente nada diferente del existente hoy en día en muchos países sub-desarrollados.

Lamberto Maggiorani es el protagonista principal del filme y realmente interpretó a cabalidad el papel de Antonio, el padre de la familia. Liana Carell es la intérprete del papel de María, esposa de Antonio y madre de Bruno, e igualmente logró una actuación para recordar. Como curiosidad, el que fuera años después director fílmico, Sergio Leone, tuvo una modesta actuación en el papel de estudiante de seminario.

Con pocos recursos realmente, De Sica logró componer una peli que se sale de la temática acostumbrada de violencia y asesinatos en el cine, y se adentró en el problema italiano del momento. No es de extrañar que este filme haya logrado Oscar honorario, Globo de Oro, premio NBR, BAFTA, premio CEC en España, y premio Kinema Junpo como mejor filme extranjero.

Hay quien no acepta ya ver filmes en blanco y negro, pero bien vale la pena, pues su argumento lo justifica con creces.

Escrito por Esteban Hernández, 20 junio de 2017

 

 

La tragedia de los niños en la India llevada al cine

Si una sociedad libre no puede ayudar a sus muchos
pobres, tampoco podrá salvar a sus pocos ricos
.”
John F. Kennedy (1917-1963, 35to. presidente de los EE.UU.)

Lion 2016 (2)

Usualmente el cine de los países desarrollados no es de lo que guste abordar temas reales de pobreza social y económica. Anualmente se hacen miles de películas con tramas verdaderamente necias, sobre todo dentro del género de acción o de ciencia ficción. Las pocas películas de los países pobres si suelen adentrarse en estos temas.

Para suerte, el director australiano Garth Davis logró realizar un filme que toca una situación muy grave existente en el mundo, sobre todo en la India, donde anualmente se estima que 80 mil niños se extravían o son secuestrados por las mafias existentes, lo cual va dirigido a matar a esas criaturas para hacerse de sus órganos o convertirlos en esclavos  de familias adineradas o de fábricas que no están a la vista de la población.

La película “Lion (2016)” de Davis toca este asunto de cómo los niños son secuestrados, manejados y enviados a destinos desconocidos. Para esto se presta toda esa lacra existente, desde prostitutas que se pintan de madres postizas hasta delincuentes que bien pueden pecar de pederastas.

Lion 2016

No pienso hacer spoiler de la película, pues estoy seguro que muchos querrán verla. No obstante, es menester mencionar que en el mejor de los casos esos niños pueden ir a parar a familias que los adoptan y tener una vida decorosa en lo sucesivo. Al final, casi todos esos niños desean saber de dónde han salido y hasta regresar para reencontrarse con sus familiares, nada culpables de lo ocurrido.

La trama de “Lion (León)” es muy interesante y está llena de situaciones del niño o futuro adolescente con su familia actual. La necesidad de entender sus preocupaciones, el deseo de ver y tocar a sus familiares queridos en su niñez.

Películas como estas deben sensibilizar a la población mundial, pero más que todo a esas autoridades de los países afectados, que en muchas ocasiones se hacen los ciegos ante tales situaciones. La pobreza, la miseria, la indigencia son causas claras de los problemas que surgen a diario en esas naciones. No basta con quejarse de la pobreza si no se hace nada o lo suficiente para combatirla. En esas sociedades, paradójicamente son centenares de millones los pobres, pero hay también decenas de millonarios, los que viven indiferentes a los problemas de los necesitados en esos países.

Lion 2016 (3)

Nicole Kidman y Sunny Pawar en una escena del filme

El filme cuenta con la gran actuación del niño actor hindú Sunny Pawar en el papel principal del niño Saroo, mientras que Dev Patel, actor inglés de origen hindú, el mismo que protagonizara el famoso filme “Slumdog millionaire (2008)”, interpreta el papel del joven Saroo. En la película igualmente actúa la experimentada actriz Nicole Kidman.

 

Escrito por Esteban Hernández, 29 mayo de 2017

Tomás Milián, un actor cubano destacado en el cine italiano

“No es patria el suelo que se pisa, sino el suelo que se labra
Antonio Machado

Cuando redactaba el artículo sobre actrices y actores cubanos o de origen cubano en Hollywood, me daba cuenta que omitía la figura del gran Tomás Milián, pero no era omisión en realidad. Milián actuó en Hollywood, pero su estrellato se alcanzó actuando en filmes europeos, principalmente italianos.

Seguro estoy que muchos cubanos de las nuevas generaciones no conocen a este actor, es por eso que presentamos este breve esbozo sobre un artista que, sin proponérselo, ha puesto el nombre de su país de origen muy en alto.

Su nombre real es Tomás Quintín Rodríguez, nacido el 3 de marzo de 1937 en La Habana, Cuba.

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Tomás Milián (figura de Rey Labrada)

Milián ha sido probablemente uno de los mejores actores del cine italiano en el género de comedias-filmes de crimen, quien se presentaba hablando el dialecto romano en sus películas, aunque doblado con la voz de Ferruccio Amendola. Se marchó de Cuba rumbo a Miami en 1955, donde comenzó a estudiar inglés y pintura. Fue en la Academia teatral de esa ciudad, donde estudió interpretación y actuó en la producción teatral “The boat without fishermen” (El bote sin pescadores). En 1957, se trasladó a Nueva York, donde entró a estudiar en el famoso “Actors Studio” de los directores Elia Kazan y Lee Strasberg. Allí aprendió el método Stanislavski, que le sirvió para actuar en algunas obras de Jean Cocteau y Michael Gordon en Broadway. Su debut en pantalla, fue en la TV, en el serial dramático- film de crimen “Decoy (1957)” de David Alexander y Michael Gordon co-protagonizado por Beverly Garland.

Giancarlo Menotti lo trajo a Italia para participar en un festival de cine, donde Mauro Bolognini lo conoció y lo incluyó en el reparto del drama “La notte brava (1959)” (La noche brava), que vino a ser su debut en el cine italiano.

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Milián en “La notte brava” de Mauro Bolognini

A continuación actuó en:

  • Papeles de reparto de la famosa comedia “El bello Antonio (1960)” con Marcello Mastroianni y Claudia Cardinale
  • De los dramas “Juventud pervertida (1960)” de Francesco Maselli con Claudia Cardinale y Gérard Blain
  • “Laura al desnudo (1961)” de Nicolò Ferrari con Riccardo Garrone
  • En un episodio de “Bocaccio ‘70 (1962)” de Vittorio De Sica y Federico Fellini, donde también actuaron estrellas del cine, como Sofía Loren y Rommy Schneider

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Milián con Rommy Schneider en “Boccaccio 70”

  • Del drama “Los indiferentes (1964)” de Francesco Maselli con Rod Steiger, Claudia Cardinale y Shelley Winters, film basado en la obra original de Alberto Moravia, y que fuera el primer éxito de Tomás en la gran pantalla

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  • Protagonizó el poco conocido, algo olvidado, pero estupendo drama-film de guerra “Le Soldatesse (1965)” de Valerio Zurlini con Anna Karina y Lea Massari

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  • Interpretó el papel de Raffael en el drama “El tormento y el éxtasis (1965)” de Carol Reed con Charlton Heston (Michelangelo) y Rex Harrison

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Milián a la der. en el papel de Raphael en “El tormento y el éxtasis”

  • Protagonizó varios oestes-spaghetti, entre ellos “El halcón y la presa (1966)” de Sergio Sollima con Lee Van Cleef,
  • “El precio de un hombre (1966)” de Eugenio Martín con Richard Wyler,
  • “Cara a cara (1967)” de Sollima con Gian Maria Volonté,
  • “Tepepa…. Viva la Revolución (1968)” de Giulio Petroni con Orson Welles,
  • “Corre cuchillo, corre (1968)” de Sollima con John Ireland,
  • En papel de reparto de “Vamos a matar, compañeros” (1970) de Sergio Corbucci con Franco Nero y Jack Palance,
  • “Los cuatro del apocalipsis (1975)” de Lucio Fulci con Fabio Testi.
  • Protagonizó el film de crimen “L’uomo de la pelle dura (1971)” (El hombre de la piel dura) de Franco Prosperi con Ernest Borgnine y Catherine Spaak

A mediados de la década de los 70, Tomás abandonó el oeste y se convirtió en el famoso detective Nico Giraldi, siendo su primera película de este género de crimen “Escuadra antiestafa (1976)” de Bruno Corbucci con Jack Palance, al que le siguieron otras once películas encarnando igual personaje.

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Milián como Nico Giraldi

Entre las más famosas están:

  • “Assassinio sul Tevere” (1979) con Marina Lante della Rovere,
  • “Escuadra antigángsters (1979)” con Cannavale,
  • “Delitto al ristorante cinese (1981)” con Bombolo y Cannavale,
  • “Asesinato en Puerta Romana (1980)” con Bombolo,
  • “Delitto sull’autostrada (1982)” con Viola Valentino,
  • “Delitto al Blue Gay (1984)” con Bombolo,
  • “Delitto in Formula Uno (1984)” con Dagmar Lassander y Bombolo, todos estos filmes dirigidos por Bruno Corbucci

Otro personaje muy recordado por los italianos, probablemente el más importante en la carrera de Milian,  fue el de “Sergio Marazzi alias Er Monezza”, que interpretó en los filmes de suspense-crimen:

  • “Il trucido e lo sbirro (1976)” (El asesino y el policía) de Umberto Lenzi,
  • “La banda del trucido (1977)” (La banda del asesino) de Stelvio Massi,
  • “La banda del gobbo (1977)” (La banda del jorobado) de Lenzi
  • La comedia “Il lupo e l’agnello (1980)” (El lobo y el cordero) de Francesco Massaro

Tomás interpretó este papel hablando el dialecto romano mediante el doblaje de Amendola, como ya se señaló anteriormente. Es por eso que los italianos empezaron a identificar a Tomás como “Er Monezza”, los que llegaron a creer que Milián era oriundo de Italia.

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Milián en el papel de Er Monezza o Sergio Maracci

También actuó acertadamente en:

  • El drama “La Luna (1979)” de Bernardo Bertolucci, donde, entre otros, actuaron Renato Salvatori y Roberto Benigni
  • Interpretó el papel de esbirrro batistiano, en el drama “Havana (1990)” de Sydney Pollack con Robert Redford

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Milián como esbirro batistiano en “Havana (1990)”

  • En papel de reparto de los dramas “JFK (1991)” de Oliver Stone con Kevin Costner
  • “Amistad (1997)” de Steven Spielberg con Anthony Hopkins y Morgan Freeman
  • Del film de crimen-drama “Traffic (2000)” de Steven Soderbergh con Benicio del Toro

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Milián como el General Arturo Salazar en “Traffic (2000)”

  • co-protagonizó con Clive Owen el corto de acción, “Ambush (2001)” (Emboscada) de John Frankenheimer
  • En papeles de reparto de los dramas “La fiesta del chivo (2004) de Luis Llosa con Isabella Rossellini, film basado en la obra del mismo nombre de Mario Vargas Llosa, donde Tomás interpretó el papel del dictador Rafael Leónidas Trujillo,

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Milián en el papel del dictador Trujillo en “La fiesta del chivo (2004)”

  • “Ciudad perdida (2005)” dirigido y protagonizado por Andy García
  • Actuó en dos capítulos del film “Roma desnuda (2011)” del director Giuseppe Ferrara

Obtuvo premio en el festival de Mar de Plata como mejor actor por “Los indiferentes (1964)”. Obtuvo premio del sindicato italiano de críticos de cine como mejor actor de reparto por “La Luna (1979)”. Recibió SAG por su actuación en “Traffic (2000)”.

En conclusiones, Milián ha actuado en 121 filmes desde 1957 y es guionista de 3 películas.

Escrito por Esteban Hernández, con información de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos”, 23 febrero de 2017.