El problema de la ética tratado en el filme “Nightcrawler (2014)”

La ética se resume en tres virtudes: coraje para vivir,
generosidad para convivir, y prudencia para sobrevivir”.
Fernando Savater (1947, filósofo, periodista y escritor español).

El cine actual nos tiene acostumbrado a ver muchas películas de acción con robos y muertes en abundancia o de insensatas pelis de ciencia ficción. Sin embargo, los temas sociales, de corrupción, de lo cotidiano, casi no se aborda. La taquilla es más importante que el argumento. Personalmente soy de la idea que esa es una forma de idiotizar a las poblaciones del mundo, que en nada ayuda al desarrollo de adolescentes y jóvenes.

Por suerte hay filmes, que no son muchos, pero que si se adentran en temas de actualidad y donde se denuncia casos de corrupción. La pobreza y la falta de posibilidades de empleo digno conlleva a que el ser humano termine haciendo “acrobacias” de todo tipo para ganarse la vida. No importa cómo se logran los objetivos, hay que ser maquiavélico, el fin justifica los medios, y eso es, al parecer, lo que nos muestra el filme “Nightcrawler (2014)”, cuyo título en español podría ser “Rastreador nocturno” o “Reptil nocturno”, cualquiera de los dos viene bien llegado el caso.

nightcrawler-poster

Un joven descubre una noche que para sobrevivir y ganar plata en condiciones, basta hacerse de una cámara de video y tomar escenas reales en la calle que provoquen sensación en los noticieros televisivos. El éxito de estas acciones exacerba la ambición de quien las realiza, se cree Superman, todopoderoso, usa cualquier herramienta incluida la mentira, mientras sus valores humanos se van degradando cada vez más, al extremo de no tener sentimientos de nada. El amor al prójimo y el amor por una mujer pueden existir pero solo hasta el límite de satisfacer las necesidades propias dentro de un plano arribista que no tiene compasión con nadie.

Nightcrawler 2

Dan Gilroy dirigió esta película, su primera en su carrera, más dedicado a escribir guiones que a faenas de dirección fílmica, mientras que el protagonismo corrió a cargo del estelar Jake Gyllenhaal, el mismo que sobresaliera con el fallecido actor australiano, Heath Ledger, en el drama “Brokeback Mountain (2005)”, donde interpretan la relación de una pareja de homosexuales. La siempre atractiva Rene Russo, esposa actualmente de Gilroy, el recientemente fallecido Bill Paxton y el londinense actor-director Riz Ahmed completan el reparto principal de la peli. La actuación de Ahmed fue realmente sobresaliente y le aportó puntos adicionales de excelencia a la peli.

De izq. a der. Riz Ahmed, Rene Russo y Jake Gyllenhaal

De izq. a der. Riz Ahmed, Rene Russo y Jake Gyllenhaal

El epílogo del filme muestra que en esta vida se triunfa a cualquier precio, el asunto está en saber hasta dónde puede durar ese éxito, algo que la peli no aborda, pues lo habría hecho más extensa. Los finales abiertos para que el público se los imagine son muy usuales en estos tiempos. Cuando la ética no existe cualquier cosa puede suceder.

 

Escrito por Esteban Hernández, 20 junio de 2017

Ladrón de bicicleta, una joya del cine de todos los tiempos

La pobreza a menudo priva al hombre de toda virtud:
es difícil que un costal vacío se mantenga derecho
”.
Benjamin Franklyn (1706-1790, político y científico estadounidense)

Afiche Ladrón de bicicleta

El cine que aborda la realidad de nuestro mundo merece respeto eterno y esa es la virtud de muchos filmes europeos, sobre todo italianos en el período de la post guerra. Un exponente importante de esa filmografía lo fue Vittorio de Sica en faenas de dirección. El cineasta fue capaz  de reflejar la pobreza y hasta miseria de la sociedad italiana una vez concluida la Segunda Guerra Mundial.

Cuando se ven tales filmes uno se da cuenta de lo poco que saben al respecto o no quieren recordar  una parte de la actual población italiana, la que sea vio necesitada de ayuda externa, principalmente de EE.UU. a fin de poder mitigar la situación económica por la que atravesaba entonces el país.

Entre esas  películas de De Sica hay que destacar por lo sobresaliente de su trama, el drama “Ladrón de bicicleta (1948)”, cuyo título en español no es exactamente correspondiente al italiano, “Ladrones de bicicletas”, no era uno robando bici, eran varios y el filme muestra claramente la causa, que no es otra que la pobreza de la población.

Todo comienza cuando un padre de familia logra un empleo, para cuyo desempeño necesita una bicicleta, la que debe adquirir con muchos sacrificios de parte de su familia, en este caso su mujer, su pequeño hijo y él mismo. La trama, que no pretendo narrar, transcurre mostrando decenas de personas viviendo de trabajos poco remunerados, precario en muchos casos, y niños, como el hijo del protagonista, que no asisten a la escuela y se ven obligados a trabajar en algo precariamente también.

Liana Carell junto a Lamberto Maggioran en una escena del filme

Liana Carell junto a Lamberto Maggioran en una escena del filme

La ignorancia de los pobres salta a la vista, pues a falta de una esperanza de mejoría, todos acuden a consultarse con una especie de espiritista que supuestamente les pronostica algún alivio.

Por la forma en que se ve comiendo al niño Bruno, interpretado por  Enzo Staiola, el hambre no era un fenómeno ajeno a aquella sociedad italiana.

El niño Bruno en el desarrollo del filme

El niño Bruno comiendo en una escena del filme

El robo se veía como algo justificado, como un medio de poder resolver, el cual cualquiera lo comete con tal de sobrevivir. En conclusiones, la ciudad de Roma, la misma capital italiana, mostraba un ambiente nada diferente del existente hoy en día en muchos países sub-desarrollados.

Lamberto Maggiorani es el protagonista principal del filme y realmente interpretó a cabalidad el papel de Antonio, el padre de la familia. Liana Carell es la intérprete del papel de María, esposa de Antonio y madre de Bruno, e igualmente logró una actuación para recordar. Como curiosidad, el que fuera años después director fílmico, Sergio Leone, tuvo una modesta actuación en el papel de estudiante de seminario.

Con pocos recursos realmente, De Sica logró componer una peli que se sale de la temática acostumbrada de violencia y asesinatos en el cine, y se adentró en el problema italiano del momento. No es de extrañar que este filme haya logrado Oscar honorario, Globo de Oro, premio NBR, BAFTA, premio CEC en España, y premio Kinema Junpo como mejor filme extranjero.

Hay quien no acepta ya ver filmes en blanco y negro, pero bien vale la pena, pues su argumento lo justifica con creces.

Escrito por Esteban Hernández, 20 junio de 2017

 

 

La tragedia de los niños en la India llevada al cine

Si una sociedad libre no puede ayudar a sus muchos
pobres, tampoco podrá salvar a sus pocos ricos
.”
John F. Kennedy (1917-1963, 35to. presidente de los EE.UU.)

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Usualmente el cine de los países desarrollados no es de lo que guste abordar temas reales de pobreza social y económica. Anualmente se hacen miles de películas con tramas verdaderamente necias, sobre todo dentro del género de acción o de ciencia ficción. Las pocas películas de los países pobres si suelen adentrarse en estos temas.

Para suerte, el director australiano Garth Davis logró realizar un filme que toca una situación muy grave existente en el mundo, sobre todo en la India, donde anualmente se estima que 80 mil niños se extravían o son secuestrados por las mafias existentes, lo cual va dirigido a matar a esas criaturas para hacerse de sus órganos o convertirlos en esclavos  de familias adineradas o de fábricas que no están a la vista de la población.

La película “Lion (2016)” de Davis toca este asunto de cómo los niños son secuestrados, manejados y enviados a destinos desconocidos. Para esto se presta toda esa lacra existente, desde prostitutas que se pintan de madres postizas hasta delincuentes que bien pueden pecar de pederastas.

Lion 2016

No pienso hacer spoiler de la película, pues estoy seguro que muchos querrán verla. No obstante, es menester mencionar que en el mejor de los casos esos niños pueden ir a parar a familias que los adoptan y tener una vida decorosa en lo sucesivo. Al final, casi todos esos niños desean saber de dónde han salido y hasta regresar para reencontrarse con sus familiares, nada culpables de lo ocurrido.

La trama de “Lion (León)” es muy interesante y está llena de situaciones del niño o futuro adolescente con su familia actual. La necesidad de entender sus preocupaciones, el deseo de ver y tocar a sus familiares queridos en su niñez.

Películas como estas deben sensibilizar a la población mundial, pero más que todo a esas autoridades de los países afectados, que en muchas ocasiones se hacen los ciegos ante tales situaciones. La pobreza, la miseria, la indigencia son causas claras de los problemas que surgen a diario en esas naciones. No basta con quejarse de la pobreza si no se hace nada o lo suficiente para combatirla. En esas sociedades, paradójicamente son centenares de millones los pobres, pero hay también decenas de millonarios, los que viven indiferentes a los problemas de los necesitados en esos países.

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Nicole Kidman y Sunny Pawar en una escena del filme

El filme cuenta con la gran actuación del niño actor hindú Sunny Pawar en el papel principal del niño Saroo, mientras que Dev Patel, actor inglés de origen hindú, el mismo que protagonizara el famoso filme “Slumdog millionaire (2008)”, interpreta el papel del joven Saroo. En la película igualmente actúa la experimentada actriz Nicole Kidman.

 

Escrito por Esteban Hernández, 29 mayo de 2017

Tomás Milián, un actor cubano destacado en el cine italiano

“No es patria el suelo que se pisa, sino el suelo que se labra
Antonio Machado

Cuando redactaba el artículo sobre actrices y actores cubanos o de origen cubano en Hollywood, me daba cuenta que omitía la figura del gran Tomás Milián, pero no era omisión en realidad. Milián actuó en Hollywood, pero su estrellato se alcanzó actuando en filmes europeos, principalmente italianos.

Seguro estoy que muchos cubanos de las nuevas generaciones no conocen a este actor, es por eso que presentamos este breve esbozo sobre un artista que, sin proponérselo, ha puesto el nombre de su país de origen muy en alto.

Su nombre real es Tomás Quintín Rodríguez, nacido el 3 de marzo de 1937 en La Habana, Cuba.

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Tomás Milián (figura de Rey Labrada)

Milián ha sido probablemente uno de los mejores actores del cine italiano en el género de comedias-filmes de crimen, quien se presentaba hablando el dialecto romano en sus películas, aunque doblado con la voz de Ferruccio Amendola. Se marchó de Cuba rumbo a Miami en 1955, donde comenzó a estudiar inglés y pintura. Fue en la Academia teatral de esa ciudad, donde estudió interpretación y actuó en la producción teatral “The boat without fishermen” (El bote sin pescadores). En 1957, se trasladó a Nueva York, donde entró a estudiar en el famoso “Actors Studio” de los directores Elia Kazan y Lee Strasberg. Allí aprendió el método Stanislavski, que le sirvió para actuar en algunas obras de Jean Cocteau y Michael Gordon en Broadway. Su debut en pantalla, fue en la TV, en el serial dramático- film de crimen “Decoy (1957)” de David Alexander y Michael Gordon co-protagonizado por Beverly Garland.

Giancarlo Menotti lo trajo a Italia para participar en un festival de cine, donde Mauro Bolognini lo conoció y lo incluyó en el reparto del drama “La notte brava (1959)” (La noche brava), que vino a ser su debut en el cine italiano.

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Milián en “La notte brava” de Mauro Bolognini

A continuación actuó en:

  • Papeles de reparto de la famosa comedia “El bello Antonio (1960)” con Marcello Mastroianni y Claudia Cardinale
  • De los dramas “Juventud pervertida (1960)” de Francesco Maselli con Claudia Cardinale y Gérard Blain
  • “Laura al desnudo (1961)” de Nicolò Ferrari con Riccardo Garrone
  • En un episodio de “Bocaccio ‘70 (1962)” de Vittorio De Sica y Federico Fellini, donde también actuaron estrellas del cine, como Sofía Loren y Rommy Schneider
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Milián con Rommy Schneider en “Boccaccio 70”

  • Del drama “Los indiferentes (1964)” de Francesco Maselli con Rod Steiger, Claudia Cardinale y Shelley Winters, film basado en la obra original de Alberto Moravia, y que fuera el primer éxito de Tomás en la gran pantalla

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  • Protagonizó el poco conocido, algo olvidado, pero estupendo drama-film de guerra “Le Soldatesse (1965)” de Valerio Zurlini con Anna Karina y Lea Massari

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  • Interpretó el papel de Raffael en el drama “El tormento y el éxtasis (1965)” de Carol Reed con Charlton Heston (Michelangelo) y Rex Harrison
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Milián a la der. en el papel de Raphael en “El tormento y el éxtasis”

  • Protagonizó varios oestes-spaghetti, entre ellos “El halcón y la presa (1966)” de Sergio Sollima con Lee Van Cleef,
  • “El precio de un hombre (1966)” de Eugenio Martín con Richard Wyler,
  • “Cara a cara (1967)” de Sollima con Gian Maria Volonté,
  • “Tepepa…. Viva la Revolución (1968)” de Giulio Petroni con Orson Welles,
  • “Corre cuchillo, corre (1968)” de Sollima con John Ireland,
  • En papel de reparto de “Vamos a matar, compañeros” (1970) de Sergio Corbucci con Franco Nero y Jack Palance,
  • “Los cuatro del apocalipsis (1975)” de Lucio Fulci con Fabio Testi.
  • Protagonizó el film de crimen “L’uomo de la pelle dura (1971)” (El hombre de la piel dura) de Franco Prosperi con Ernest Borgnine y Catherine Spaak

A mediados de la década de los 70, Tomás abandonó el oeste y se convirtió en el famoso detective Nico Giraldi, siendo su primera película de este género de crimen “Escuadra antiestafa (1976)” de Bruno Corbucci con Jack Palance, al que le siguieron otras once películas encarnando igual personaje.

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Milián como Nico Giraldi

Entre las más famosas están:

  • “Assassinio sul Tevere” (1979) con Marina Lante della Rovere,
  • “Escuadra antigángsters (1979)” con Cannavale,
  • “Delitto al ristorante cinese (1981)” con Bombolo y Cannavale,
  • “Asesinato en Puerta Romana (1980)” con Bombolo,
  • “Delitto sull’autostrada (1982)” con Viola Valentino,
  • “Delitto al Blue Gay (1984)” con Bombolo,
  • “Delitto in Formula Uno (1984)” con Dagmar Lassander y Bombolo, todos estos filmes dirigidos por Bruno Corbucci

Otro personaje muy recordado por los italianos, probablemente el más importante en la carrera de Milian,  fue el de “Sergio Marazzi alias Er Monezza”, que interpretó en los filmes de suspense-crimen:

  • “Il trucido e lo sbirro (1976)” (El asesino y el policía) de Umberto Lenzi,
  • “La banda del trucido (1977)” (La banda del asesino) de Stelvio Massi,
  • “La banda del gobbo (1977)” (La banda del jorobado) de Lenzi
  • La comedia “Il lupo e l’agnello (1980)” (El lobo y el cordero) de Francesco Massaro

Tomás interpretó este papel hablando el dialecto romano mediante el doblaje de Amendola, como ya se señaló anteriormente. Es por eso que los italianos empezaron a identificar a Tomás como “Er Monezza”, los que llegaron a creer que Milián era oriundo de Italia.

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Milián en el papel de Er Monezza o Sergio Maracci

También actuó acertadamente en:

  • El drama “La Luna (1979)” de Bernardo Bertolucci, donde, entre otros, actuaron Renato Salvatori y Roberto Benigni
  • Interpretó el papel de esbirrro batistiano, en el drama “Havana (1990)” de Sydney Pollack con Robert Redford
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Milián como esbirro batistiano en “Havana (1990)”

  • En papel de reparto de los dramas “JFK (1991)” de Oliver Stone con Kevin Costner
  • “Amistad (1997)” de Steven Spielberg con Anthony Hopkins y Morgan Freeman
  • Del film de crimen-drama “Traffic (2000)” de Steven Soderbergh con Benicio del Toro
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Milián como el General Arturo Salazar en “Traffic (2000)”

  • co-protagonizó con Clive Owen el corto de acción, “Ambush (2001)” (Emboscada) de John Frankenheimer
  • En papeles de reparto de los dramas “La fiesta del chivo (2004) de Luis Llosa con Isabella Rossellini, film basado en la obra del mismo nombre de Mario Vargas Llosa, donde Tomás interpretó el papel del dictador Rafael Leónidas Trujillo,
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Milián en el papel del dictador Trujillo en “La fiesta del chivo (2004)”

  • “Ciudad perdida (2005)” dirigido y protagonizado por Andy García
  • Actuó en dos capítulos del film “Roma desnuda (2011)” del director Giuseppe Ferrara

Obtuvo premio en el festival de Mar de Plata como mejor actor por “Los indiferentes (1964)”. Obtuvo premio del sindicato italiano de críticos de cine como mejor actor de reparto por “La Luna (1979)”. Recibió SAG por su actuación en “Traffic (2000)”.

En conclusiones, Milián ha actuado en 121 filmes desde 1957 y es guionista de 3 películas.

Escrito por Esteban Hernández, con información de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos”, 23 febrero de 2017.

 

El tema de Carmen en el cine

Quien quiera que condene el teatro es un enemigo de su país
Voltaire, escritor y filósofo francés (1694-1778)

Todos le conocemos usualmente como Carmen la de Ronda, pero es sencillamente Carmen y no precisamente de Ronda, obra que fuera escrita por el francés Prosper Mérimée (1803-1870) en 1845 y publicada en 1847 en la Revue des deux mondes.

La trama de la obra se desarrolla en Andalusía en 1820, cuyos protagonistas principales son la bella gitana Carmen, el celoso amante Don José y el torero Escamillo. La obra fue llevada como ópera al teatro, que se compone de cuatro actos, posee música de Georges Bizet, libreto en francés, y fue estrenada por primera vez en marzo de 1875 en teatro de París.

El escritor de la obra era un aficionado de viajar a España y en una ocasión, encontrándose en el sur de este país, conoció a Don José Lizarrabengoa, un ex-militar de origen navarro, quien le contó todo lo sucedido con sus amores con Carmen, la cual era bella y coqueta a la vez, le encantaba atraer a los hombres y eso provocaba un celo loco en Don José, el cual se desvió completamente de su vida militar y terminó como un delincuente. Carmen sintió alguna simpatía por un torero llamado Escamillo, aunque en algunas versiones el nombre de este agraciado cambia. El final es trágico y no cuento más para no crear spoiler de esa historia.

Como era de esperar el cine tanto silente como sonoro presentaron varias versiones de películas sobre tema de Carmen, las más famosas son cronológicamente:

  • Los silentes “Carmen (1915)” de Cecil B. DeMille con Geraldine Farrar, Wallace Reid como Don José y el neoyorquino Pedro De Córdoba como Escamillo.
  • “Carmen (1918)” del director alemán Ernest Lubitsch, con la polaca Pola Negri como Carmen, el prusiano Harry Lietdke como Don José Navarro y otro alemán, Leopold von Ledebur como García.
  • “The loves of Carmen (1927) (Los amores de Carmen) de Raoul Walsh con la bella Dolores del Río como Carmen, el californiano Don Alvarado como José y el inglés Victor McLaglen como Escamillo.
  • Los sonoros, el franco-italiano “Carmen (1944)” de Christian-Jacque con Viviane Romance como Carmen, Jean Marais como Don José y Lucien Coëdel como García.
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Afiches de películas con el tema “Carmen”

  • .The loves of Carmen (1948) (Los amores de Carmen) de Charles Vidor con Rita Hayworth como Carmen, Glenn Ford como Don José y Victor Jory como el delincuente García.
  • “Carmen la de Ronda (1959)” del director argentino Tulio Demicheli, con Sara Montiel en el papel de Carmen, Jorge Mistral como Jorge (en lugar de Escamillo) y Maurice Ronet como José, el militar.
  • El austriaco-suizo “Carmen (1969)” de Herbert von Karajan con Grace Bumbry como Carmen, Jon Vickers como Don José y Justino Díaz como Escamillo.
  • “Carmen (1983)” de Carlos Saura con Laura del Sol como Carmen y Antonio Gades como Antonio.
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Afiches de las películas más famosas con el tema de “Carmen”

  • El televisivo musical “Carmen (1987)” de Brian Large con Agnes Baltsa como Carmen, José Carreras como José y Samuel Ramey como Escamillo.
  • “Carmen (2003)” de Vicente Aranda con Paz Vega como Carmen y Leonardo Sbaraglia como José.
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Ellas alguna vez fueron Carmen: Pola Negri, Dolores del Río, Rita Hayworth, Sara Montiel y Paz Vega

Recopilación con datos de IMDB.com y escrito por Esteban Hernández, 20 enero de 2017

Un comediante olvidado, Charley Chase

Nuestra entera vida es como una comedia”.
Ben Jonson (Dramaturgo, poeta y actor inglés, 1572-1637)

En mi niñez tuve la oportunidad de ver muchas veces a grandes comediantes por la TV, entre ellos Charles Chaplin, Oliver y Hardy, y Jerry Lewis. Los primeros símbolos de la era silente y luego incursionaron con éxito en el cine sonoro, mientras que Lewis pudo disfrutar bastante del cine a colores.

Había otro que nunca olvidaré, se trata de Charley Chase. Quiero dedicar este escrito a un hombre que me hacía reír con cada una de sus cortos silentes o hablados. Realmente no necesitaba hablar mucho para mover a risa por todo lo que hacía.

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Charley Chase, foto cortesía doctormacro.com

Charley fue grande como actor, director y productor, sin embargo, con el tiempo su figura casi no se recuerda o no se conoce. En EE.UU. se ha hecho un esfuerzo en hacerlo conocer nuevamente mediante la edición de DVD o VHS, pero fuera de ese ámbito no se ha hecho nada más. Sería muy aconsejable poner con más frecuencia sus comedias cortas. Charley era delgado, alto, con un bigotico cuadrado que paradójicamente recuerda al führer de la Alemania nazi. Este gran cómico era capaz de ridiculizar papeles famosos de su época como fue el de Tarzan entre otros.

Su nombre real era Charles Joseph Parrott, nacido el 20 de octubre de 1893 en Baltimore. En su carrera actuó en 276 filmes, muchos de ellos cortos, entre 1914 y 1940, fue director de 144, productor de 22 y guionista de 21 películas.  En su vida artística también se le llamó Charles Parrott, Jimmy Jump o Adriano.

Charley apareció por primera vez en pantalla en la comedia-corto “Across the hall (1914)” (A lo largo del salón) de Charles Avery y Mack Senté, luego actuó en las comedias:

  • “The knockouts (1914)” de Avery,
  • “Las aventuras de Tillie (1914), de Charles y Mack Sente, en estos dos filmes con Charles Chaplin, y en este segundo con Marie Dressler también
  • “Charlot artista de cine (1914)”,
  • “Charlot panadero (1914)” dirigidas y protagonizadas por Chaplin
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Charles Chaplin (izq.), Mabel Normand y Charley Chase en “Las aventuras de Tillie (1914)”

Luego de su debut, Charley se estrenó como director y actor al mismo tiempo en la comedia-corto “The angels (1914)”. Su actividad protagónica y de dirección, más que todo de comedias cortas, no se detuvo. Entre sus obras donde combinaba dirección y protagonismo están:

  • “Chased into love (1917)” (Atrapado por el amor),
  • “Hello trouble (1918)” (Hola problema) con Oliver Hardy,
  • “Ship Ahoy (1919)” (La nave Ahoy),
  • “Live and learn (1920)” (Vive y aprende),
  • “The hustler (1921)” (El buscavidas),
  • En el papel de Jimmy Jump en “Powder and smoke (1923)” (Polvo y humo),
  • “April fool (1924)” (Idiota de abril) de Ralph Ceder,
  • “All wet (1924)” (Todo mojado) con Janet Gaynor y Oliver Hardy,
  • “Outdoor pajamas (1924)” (Pajamas exteriores),
  • “Bad Boy (1925)” (Niño malo),
  • “Long fliv the king (1926)” (Viva el rey) con Martha Sleeper,
  • “Bromo and Juliet (1926)” (Bromo y Julieta) con Corliss Palmer y Oliver Hardy, todas éstas dirigidas por Leo McCarey,
  • “Fluttering hearts (1927)” (Corazones flautantes), con la Sleeper nuevamente.
  • “Assistant wives (1927)” (Esposas asistentes), ambas de su hermano, James Parrott con Oliver Hardy
  • “Call of the Cuckoo (1927)” (El llamado del Cuco) de Clyde Bruckman con Hardy y Stan Laurel

Entre sus comedias películas sonoras están:

  • “Modern love (1929)” (Amor moderno) de Arch Heath con Kathryn Crawford,
  • “The pip from Pittsburgh (1931)” (La pipa de Pittsburgh) de James Parrott con Thelma Todd,
  • “Sons of the desert (1933)” (Hijos del desierto) de William A. Seiter con Oliver y Hardy, comedia muy recordada, ya que en la misma aparecieron tres de los grandes comediantes de aquella época por última vez
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Los tres grandes comediantes, Oliver, Hardy y Chase en “Hijos del desierto (1933)”

  • El comiquísimo “Nature in the wrong (1933)” (Naturaleza de lo errado) de su propia dirección, comedia- corto donde interpreta el papel de Tarzán,
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Muriel Evans y Charley Chase en “Nature in the wrong (1933)”, donde Chase aparece como Tarzan

  • “Neighborhood house (1936)” (Casa de vecindario) co-dirigida con Alan Hale,
  • En papel de reportero en “Kelly the second (1936)” (Kelly el segundo) de Gus Meins con Patsy Kelly y Guinn ‘Big Boy’ Williams;
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Charley Chase (der.) con Patsy Kelly y Guinn “Big Boy” Williams en “Kelly the second (1936)”

Después del filme anterior Charley dejaba de trabajar en los estudios del productor Hal Roach, y pasó a trabajar para la Columbia, entre sus filmes de entonces están:

  • “The big squirt (1937)” (El gran chorro) de Del Lord con Lucille Lund,
  • “The nightshirt bandit (1938)” (El bandido de la camisa nocturna) de Jules White con James C. Morton, donde interpreta el papel del Dr. Chase,
  • “Rattling Romeo (1939)” (Confundiendo a Romeo) con Ann Doran,
  • “The heckler (1940)” (El interruptor) con Bruce Bennett,
  • Su última aparición en la gran pantalla en “South of the Boudoir (1940)” con Helen Lynd, estas tres últimas películas dirigidas por Del Lord

La vida de Charley fue algo desordenada, el alcohol fue minando su salud y su propia actividad artística. Finalmente murió el 20 de junio de 1940 en Hollywood, California.

Escrito por Esteban Hernández, 4 enero de 2017

Propuesta de filmes románticos (V)

Ni la ausencia ni el tiempo son nada cuando se ama
Alfred de Musset (escritor y dramaturgo francés, 1810-1857)

Esta es la quinta y última entrega, por ahora, de filmes de amor. De nuevo, si no han visto las pelis, la recomendación está en pie.

  • Memorias de África (1985) de Sydney Pollack con Meryl Streep, Robert Redford y Klaus Maria Brandauer

Historia que se desarrolla en Kenya y que está basada en la obra de la escritora danesa Isak Dinesen. Un matrimonio formal y nada afectivo se establece en ese país, pero luego surge la pasión de la mujer por el lugar, su gente y por otro hacendado más afectuoso y aventurero.

  • Atracción letal (1985) de Giovanni Soldati con Stefania Sandrelli y Ben Cross

Los manejos de una esposa en la búsqueda de la verdad de las pasiones de su marido. No es una trama convencional, Soldati se sale de la norma habitual.

  • Admiradora secreta (1985) de David Greenwalt con Lori Loughlin y C.Thomas Howell

Divertida comedia sobre el amor de un adolescente, el que recibe una carta anónima de amor y comienza la búsqueda de esa admiradora.

  • Cielo sobre Berlín (1987) de Wim Wenders con Bruno Ganz y Solveig Dommartin

Película de producción alemana federal, que aborda el problema de la existencia del muro de Berlín y en la cual se desarrolla una historia de amor de un hombre por una joven trapecista.

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  • Hechizo de Luna (1987) de Norman Jewison con Cher y Nicolas Cage

En el seno de una familia italiana emigrada a EE.UU. se desarrolla una historia de amor inesperada.

  • Cuando me enamoro (1988) de Taylor Hackford con Jessica Lange y Dennis Quaid

Dos seres otrora famosos en sus campos, viven el amor con intensidad una vez retirados.

  • Armas de mujer (1988) de Mike Nichols con Melanie Griffith, Harrison Ford y Sigourney Weaver

Una joven llega a trabajar en una oficina y se logra establecer, igualmente se lleva el mejor partido muy a pesar de sus rivales.

  • Más allá del amor (Ghost) (1990) de Jerry Zucker con Demi Moore, Patrick Swayze y Whoopi Goldberg

Esta película todos la conocen por su título original, Ghost (Fantasma), donde nuevamente el amor de dos seres es aquí infinito.

  • Pretty Woman (1990) de Garry Marshall con Julia Roberts y Richard Gere

Si alguien desea ver una comedia entretenida, ésta es muy recomendable, donde Julia Roberts es una prostituta habitual en Los Ángeles y Richard Gere es un hombre de negocios multimillonario, pero el amor no cree en castas o clases.

  • Pasión sin barreras (1990) de Luis Mandoki con Susan Sarandon y James Spader

El título del filme es White Palace, nombre de un establecimiento donde trabaja una mujer de escasa educación, luchadora en su trabajo y que un día conoce a un joven apuesto, de buena posición, pero carente de experiencia en la cama. Les puedo asegurar que la interpretación de la Sarandon es aquí muy convincente con escenas muy bien concebidas.

  • Frankie y Johnny (1991) de Garry Marshall con Michelle Pfeiffer y Al Pacino

El roce diario crea a veces el amor. Eso es lo que sucede en este filme protagonizado por dos estrellas del cine, que ya habían actuado juntos con anterioridad (El precio del poder 1983).

  • Indochina (1992) de Régis Wargnier con Catherine Deneuve y Vincent Perez

Drama que aborda la vida de una francesa propietaria de plantaciones en Vietnam y que vive enamorado de este país convulso por las guerras que le azotan. Su quehacer se circunscribe a su hija adoptiva hasta el final de sus días. El amor está presente en situaciones inesperadas.

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  •  Las cosas que nunca mueren (1994) de Tony Richardson con Jessica Lange y Tommy Lee Jones

Un drama salpicado de adulterio, en el que se ve el amor real de una pareja en distintos momentos de sus vidas.

  • Titanic (1997) con Kate Winslet y Leonardo DiCaprio

Este drama bien puede competir en duración con “Lo que el viento se llevó”, y que realmente impactara en su estreno. La peli se desarrolla dentro del viaje único del famoso crucero y que muestra su desenlace final, y el profundo amor de un golfo y una señorita de sociedad.

  • Monster’s ball (2001) de Marc Foster con Halle Berry y Billy Bob Thorton

El odio racial es algo muy común en familias norteamericanas, y es en este filme mostrado nuevamente, pero cuando la pasión y el amor se hacen presentes, todo ese racismo pasa a un segundo plano hasta ser eliminado. Un drama bien concebido y con interpretaciones realmente excelentes.

  • Otoño en Nueva York (2000) de Joan Chen con Winona Ryder y Richard Gere

Un solterón de buena posición encuentra un día el amor de su vida en una mujer mucho más joven que él. Es entonces cuando comienza la pasión y la ilusión. La química entre ambos mantiene la mutua atracción.

  • Bajo el sol de la Toscana (2003) de Audrey Wells con Diane Lane y Raul Bova

Una escritora norteamericana decide un buen día visitar Italia, se enamora de un lugar de la Toscana, hace amistades y conoce a….

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  • Alex y Emma (2003) de Rob Reiner con Kate Hudson y Luke Wilson

Un joven escritor trata de salir de su crisis financiera y se decide a escribir algo por el que le pagarán una buena suma de dinero. Para ese trabajo contrata a una taquígrafa y es entonces que……

  • El diario de Noa (2004) de Nick Cassavetes con Rachel McAdams y Ryan Gosling

Una historia contada por un hombre a otra mujer, ambos están en una casa de ancianos, y la peli gira alrededor del relato. No valen la pena los spoilers, mejor es ver esta película realizada con esmero y que cuenta también con la actuación del ya fallecido James Garner y la veterana Gena Rowland.

Recopilado y escrito por Esteban Hernández, 14 diciembre de 2016

 

 

Mandela: del mito al hombre (2013)

Dedico este modesto artículo al gran Nelson Mandela en
el tercer aniversario de su fallecimiento
(5 diciembre de 2013)

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Nelson Mandela

Con mucho interés vi la película cuyo título coincide con el de este extenso comentario sobre el mismo, el que, me disculpan, puede tener algún que otro spoiler para quien no conozca la biografía del célebre personaje.

Se trata de un filme de producción sudafricano-británica, donde el papel de Mandela es interpretado por el actor afro-británico Idris Elba, hijo de padre de Sierra Leona y madre de Ghana. En la interpretación se inició en el Teatro Nacional Musical de la Juventud. En el rol de Winnie Mandela aparece otra afro-británica experimentada, Naomi Harris, cuyos padres son oriundos de Jamaica y Trinidad, respectivamente. La dirección corrió a cargo de Justin Chadwick, cineasta de Manchester y con 23 filmes ya realizados.

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Naomi Harris como Winnie e Idris Elba como Nelson Mandela

La película no es un simple relato de lo que fue la vida del gran Madiba, entiendo que fue una forma de situar las cosas en un contexto distinto a como lo veían algunos independentistas incluido la propia Winnie Mandela, esposa del líder.

La represión de los blancos en Sudáfrica en nada se diferenciaba de la ejercida por Hitler en los territorios ocupados durante la II Guerra Mundial. El racismo de los Boers era criminal en extremo y tampoco se diferenciaba de lo que los nazis hicieron con los judíos en la década de los 40. Esa realidad nefasta queda bien expuesta en el filme, además de cómo surge el movimiento CNA (Congreso Nacional Africano), el cual con mucha razón adoptó la lucha armada para contraponerse al salvajismo Boer.

Como todos sabemos, Mandela fue mandado a podrirse en la prisión. Se trataba de un hombre con cultura, abogado y conocedor de cuáles eran los derechos de su pueblo multiétnico. Esa voz había que ahogarla, pero los blancos nunca contaron que Mandela cambiaría su forma de pensar, al extremo de convertirse en casi un nuevo Gandhi en su tierra.

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Imágenes de “Mandela: del mito al hombre (2013)”

Con la palabra se puede lograr muchas cosas, o sea con la palabra convincente, y Mandela lograba persuadir hasta sus propios carceleros, los que le veían como un hombre incluso superior a ellos. Mandela soportó la cárcel, él si no tuvo amnistía de ningún tipo, y se vio en prisión a lo largo de 29 años. Soportó el ataque inicial y desquiciado de los que lo encarcelaron, se sobrepuso a todo eso y los venció con su actitud.

Nadie le regaló nada a este David real, lo que logró, se lo ganó, y supo conducir a su pueblo por una vía realmente inesperada para el mundo y para los mismos blancos esclavistas en su tierra. Lamentablemente Winnie, muy torturada en prisión, no supo entenderlo en su momento. También se sabe que no le fue fiel. No obstante, eso a él no era lo que más le importaba, sabía perdonar y aquí podría haberlo hecho si ella hubiera abrazado su causa, que no era otra que la paz de todos los pueblos que habitan en África del Sur incluido los blancos.

Cuando veía a Mandela y a sus seguidores alzar su mano derecha incentivando la lucha por sus derechos, recordaba a algunos imitadores falsos actuales, los que hacen algo parecido pero dentro de una democracia, nada que ver con el gran líder sudafricano. Levantar la mano era una ofensa al régimen opresor, era un acto por la libertad y no una payasería política de los que desean revoltura a fin de socavar la democracia existente.

Hay líderes que han hablado de principios, algo a veces abstracto, y que sólo cabe en sus cabezas. Algunos se atreven a afirmar que esos principios son los que quiere su pueblo, saben que mienten, pues los pueblos necesitan orientación en cada momento. Mandela supo aprovechar la brecha de una apertura por parte de los blancos, y por ahí trató de entrar sin hacer concesiones en su forma de pensar y de defender a su pueblo. Estaba convencido que continuar la violencia se traduciría en más odio y muertes de todos los bandos, donde incluso la peor parte sería llevada por los suyos por la carencia de armamento moderno que si poseían los blancos.

Aquí está el punto de coincidencia con Gandhi, cero odio, si al entendimiento, ninguna represalia. Sus armas morales desarmaban al enemigo y éste no tenía otra opción que acordar la paz y  vetar completamente todas las leyes del apartheid, algo que por la vía armada habría durado mucho tiempo y sacrificado a muchas vidas.

Mandela fue grande en la lucha contra el opresor, más grande en prisión y enorme como primer mandatario de su país. Su sencillez era algo inusual en un mundo donde abundan los falsos salvadores de la Tierra, que realmente carecen de la debida piedad con su propio pueblo. Mandela fue ejemplo y cuando alguien pregunte cómo quiere que sea su presidente, podemos decir sin pensarlo mucho, como fue Nelson Mandela.

Aunque Idris Elba no se parece mucho físicamente a Mandela- le vi más corpulento de lo que fue el líder sudafricano- supo hacer su papel, mientras que Naomi Harris fue una Winnie muy convincente. El resto del reparto hizo lo suyo, y la película merece la pena verla por todos en este mundo, al menos por aquellos que mucho valoramos la libertad.

 

Escrito por Esteban Hernández, 6 diciembre de 2016

Kirk Douglas cumple 100 años

Siempre le he dicho a mis hijos que ellos no tuvieron
las ventajas que tuve de haber nacido en una abyecta pobreza
.”
Kirk Douglas

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Kirk Douglas, foto doctormacro.com

A la hora de hablar de buenos actores del período de pos-guerra, Kirk Douglas es una de las figuras cimeras del cine. Su arte abarcó los más variados géneros y es considerado como uno de los mejores actores por muchos expertos del séptimo arte.

Su nombre original era Issur Danielovich Demsky, nacido el 9 de diciembre de 1916 en Amsterdam, Nueva York, hijo de una familia pobre de rusos-judíos oriundos de Chavusy, provincia Mogiliov, actual Bielorrusia, que emigraron a EE.UU. Su padre era recogedor de chatarra y debido a la pobreza, el joven Kirk tuvo que hacer muchas cosas para ganarse la vida y poder llegar a estudiar arte dramático, donde se veía claramente su talento. Llegada la Segunda Guerra Mundial, fue reclutado en 1941 para servir en el ejército de su país. Una vez terminada esta contienda en 1945 regresó al teatro e hizo algún trabajo para la radio.  Para su suerte, su compañera de estudios, la reconocida más tarde actriz, Lauren Bacall, insistió en que se le diera una actuación de prueba a Kirk en pantalla, la que al parecer pasó bien, pues luego hizo su debut en el filme de cine negro “El extraño amor de Martha Ivers (1946) del director Lewis Milestone, donde interpretó el papel de esposo joven y ambicioso de Barbara Stanwyck (Martha Ivers).

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Kirk Douglas en su debut, en una escena con Barbara Stanwyck y Van Heflin en “El extraño amor de Martha Ivers (1946)”

Su actuación no pasó desapercibida y recibió nuevas oportunidades de actuaciones, la mayoría como actor de reparto, como así fue en los filmes de cine negro “Al volver a la vida (1947)” de Byron Haskin con Burt Lancaster por primera vez, y Lizabeth Scott y Wendell Corey, luego con Robert Mitchum en “Retorno al pasado (1947)” de Jacques Tourneur, en ambos filmes en papeles de villano o mafioso. Posteriormente tuvo un pequeño papel en el drama-comedia “Carta a tres esposas (1949)” de Joseph L. Mankiewicz con Linda Darnell y Jeanne Crain, todo lo cual le preparó para protagonizar su primer filme, el drama sobre boxeo “Ídolo de barro (1949)” de Mark Robson con Marilyn Maxwell y Arthur Kennedy, por el que obtuvo su primera nominación para Oscar como mejor actor, al que le siguió el drama “El trompetista (1950)” de Michael Curtiz con Lauren Bacall y Doris Day, donde interpreta el papel de un obsesionado trompetista.

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Dos de las tres primeras peliculas con actuaciones de Kirk Douglas

Douglas se había estrenado interpretando papeles variados en dramas y filmes de cine negro, pero en lo sucesivo demostraría que podía hacer el papel que se le asignara en cualquier género. Así protagonizó o co-protagonizó en la década de los 50:

  • El drama “Cautivos del mal (1952)” de Vincente Minnelli con Lana Turner y Walter Pidgeon, nuevamente nominado como mejor actor para Oscar.
  • El fenomenal film de aventuras “20000 leguas de viaje submarino (1953)” de Richard Fleischer con James Mason y Peter Lorre, film basado en una novela de Julio Vernes del mismo nombre
  • Los filmes épicos “Ulises (1954)” de Mario Camerini y Mario Bava con Silvana Mangano y Anthony Quinn,
  • “Los Vikingos (1958)” de Richard Fleischer con Tony Curtis y Janet Leigh, en el que Ernest Borgnine actuó como padre vikingo de Douglas cuando el primero es seis semanas menor en edad que Douglas
  • El oeste “Duelo de Titanes (1957)” de John Sturges con Burt Lancaster nuevamente, donde Douglas interpretó el papel del temible Doc Holliday
  • El drama biográfico “El loco del pelo rojo (1956)” de Minnelli con Anthony Quinn, donde Douglas interpreta el papel del pintor Van Gogh, que le valió su tercera nominación de Oscar como mejor actor y premio Globo de Oro como mejor actor
  • El film de guerra “Senderos de gloria (1957)” de Stanley Kubrick con Ralph Meeker, donde tuvo una de sus mejores interpretaciones
  • La comedia “El discípulo del diablo (1959)” de Guy Hamilton con Lancaster
  • El drama “Un extraño en mi vida (1960)” (conocido en Cuba como “Vecinos y amantes”) de Richard Quine con Kim Novak y Walter Matthaus
  • El épico “Espartaco (1960)” de Kubrick con Laurence Oliver, Jean Simmons y Tony Curtis entre otros.

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En las siguientes décadas sus mejores películas protagonizadas fueron:

  • Los oestes “El último atardecer (1961)” de Robert Aldrich con Rock Hudson,
  • “Los valientes andan solos (1962)” de David Miller con Gena Rowlands, cuya actuación le valió nominación para Globo de Oro y premio BAFTA como mejor actor
  • El suspense-film de crimen “El último de la lista (1963)” de John Huston nuevamente con Mitchum, Lancaster y Curtis entre otros, film en el que Douglas lleva el mayor peso de la película al interpretar dos papeles simultáneamente
  • El drama “Siete días en mayo (1964)” de John Frankeihemer con Lancaster, Ava Gardner y Fredric March
  • Los filmes de guerra “La sombra de un gigante (1966)” de Melville Shavelson con Senta Berger,
  • “Los héroes de Telemark (1965)” de Anthony Mann con Richard Harris
  • El oeste “Camino de Oregón (1967)” de Andrew V. McLaglen con Richard Widmark y Robert Mitchum
  • El drama “El compromiso (1969)” de Elia Kazan con Faye Dunaway y Deborah Kerr
  • Los oestes “El día de los tramposos (1970)” de Mankiewicz con Henry Fonda
  • “El gran duelo (1971)” de Lamont Johnson con Johnny Cash
  • El drama-oeste “El hombre de Río Nevado (1982)” de George Miller con Tom Burlinson, film en el que Douglas interpreta el papel de dos hermanos gemelos en discordia eterna
  • La comedia “Otra ciudad, otra ley (1986)” de Jeff Kanew con Lancaster por última vez

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También compartió su tiempo actuando para la TV en los 70 y los 80, como fue en:

  • El drama-film de acción “Victoria en Entebbe (1976)” de Marvin J. Chomsky con Lancaster y Elizabeth Taylor entre otros
  • Los dramas “Remembrance of love (1982)” (Recuerdo de amor) de Jack Smight con Robert Clary,
  • “Amos (1985)” de Michael Tuchner con Elizabeth Montgomery y Dorothy McGuire, por el cual fue nominado a Globo de Oro como mejor actor en miniserie para la TV
  • “La herencia del viento (1988)” de David Greene con Jason Robards,
  • “La última escapada (1994)” de Tom McLoughlin con Craig T. Nelson

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Douglas también se ha dedicado a escribir, primero su biografía y luego cuatro novelas. Su obra se extiende también en la actuación de su hijo Michael. En el nuevo milenio, padre, hijo y nieto (hijo de Michael) protagonizaron el drama “Herencia de familia (2003)” de Fred Schepisi. Poco después protagonizó el drama “Ilusión (2004)” dirigida y co-protagonizada por Michael A. Goorjian.

Kirk Douglas como premios ha obtenido:

  • El Cecil B.DeMille que confiere Globo de Oro en 1968,
  • Oscar por su carrera de 50 años de cine en 1995,
  • En 1980 César en honor a su carrera,
  • En enero de 1981 recibió Medalla Presidencial de la Amistad de parte del Presidente James Carter,
  • En 1991 el Instituto de Cine de EE.UU. le concedió un premio por su carrera artística,
  • En 1994 el ShoWest le concedió otro similar,
  • En 1999 otro igual del Screen Actors Guild,
  • En 2001 Oso de Oro en honor a su carrera en el festival de Berlín.

No todo es éxito, eso es sabido, y Kirk Douglas fue nominado para premio frambuesa como peor actor por “Saturno 3 (1980)”, filme de ciencia ficción de escasa calidad.

 

Información tomada de Grandes del Cine Clásico de Todos los Tiempos, I vol. (inédito) de Esteban Hernández, autor del presente artículo, 22 noviembre de 2016

Propuesta de filmes románticos (IV)

Si la pasión, si la locura no pasaran alguna vez
por las almas… ¿Qué valdría la vida?

Jacinto Benavente y Martínez (1866-1954),
director-guionista-productor español,
Premio Nobel de Literatura (1922).

Esta la cuarta entrega de filmes con fuerte contenido romántico. Si los pueden ver, seguro que no lo lamentarán.

  • Ayer, hoy y mañana (1963) de Vittorio De Sica con Sofía Loren y Marcello Mastroianni

Comedia con muchas situaciones reales que cuenta tres cortos relatos sobre las relaciones de distintas parejas en Italia. El primer cuento es sobre cómo una mujer evade el pago de una multa, el segundo es la pasión de una ricachona por un profesional, y el tercero tiene que ver con una prostituta. En todos los cuentos el amor está presente.

  • Apártate, cariño (1963) de Michael Gordon con Doris Day y James Garner

Es un remake de “Mi mujer favorita” (My Favorite Wife, 1940), protagonizada por Cary Grant e Irene Dunne. La trama gira sobre la supuesta pérdida de la esposa y cuando el viudo se disponía a una nueva vida sucede lo inesperado.

  • No me mandes flores (1964) de Norman Jewison con Doris Day y Rock Hudson.

Un hipocondriaco prevé su  muerte y se da a la tarea de buscarle marido para el futuro de su esposa para cuando sea viuda. Doris Day y Rock Hudson nuevamente hacen pareja en esta película.

  • Doctor Zhivago (1965) de David Lean con Julie Christie, Omar Sharif, Geraldine Chaplin

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Drama basado en la obra homónima (premio Nobel de literatura) del escritor ruso Boris Pasternak. Zhivago es el héroe de la trama, hombre que se revela como  buen marido de Toña y buen amante de Lara, además de sufrir las vicisitudes de la guerra civil en Rusia después de la Revolución de Octubre 1917.

  • Guerra y paz (1966) de Serguei Bondarchuk con Liudmila Saveleva, Viacheslav Tikhonov y Serguei Bondarchuk

Versión soviética de la obra homónima del escritor León Tolstoi, la cual se realizó con grandes recursos y una cinematografía extraordinaria. Este primer filme de una serie de tres aborda el período de la pre-invasión napoleónica en Rusia, y el amor del príncipe Andréi Bolkonsky y la joven Natacha Rostova, aunque siempre estará presente enla vida de  ellos el soñador e idealista Pierre Bezukhov.

  • Siempre hay una mujer (1967) (título original “C’era una volta...”) de Francesco Rosi con Sofía Loren y Omar Sharif

Un príncipe busca esposa y sus intenciones son las de encontrar a alguien de sangre azul, pero las cosas no son como uno quiere.

  • Vivir para vivir (1967) de Claude Lelouch con Annie Girardot, Yves Montand y Candice Bergen

Un triángulo amoroso de un periodista francés casado, que conoce a una americana más joven que él, la que disfruta. Al final de la pasión siempre hay una reflexión. La banda sonora del filme es muy agradable.

  • La condesa de Hong Kong (1967) de Charles Chaplin con Sofía Loren y Marlon Brando

Comedia sobre una aristócrata rusa que busca las vías para llegar a EE.UU. y en ese empeño surge lo inesperado para ella. Chaplin dirige su última película en la que tiene una breve aparición en pantalla.

  • El amor es un extraño juego (1968) de Alain Cavalier con Catherine Deneuve y Michel Piccoli

Lo que sucede con frecuencia cuando una bella mujer está casada con un hombre viejo opulento, un día aparece un príncipe azul y ahí comienzan las complicaciones. Una Catherine joven es algo sublime, ya que ella aún hoy día luce muy bien.

  • Mayerling (1968) de Terence Young con Catherine Deneuve y Omar Sharif

Y de nuevo la Deneuve cortejada por un archiduque austriaco, heredero de la corona, el amor y la pasión está presente, y los prejuicios monárquicos también.

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  •  Love story (1970) de Arthur Hiller con Ryan O’Neal y Ali MacGraw

En la década de los 70 esta fue una de las pelis más vistas, la que relata la historia de amor de dos estudiantes en ambiente universitario bostoniano. Ray Milland aparece en pantalla en el papel de padre del novio. La banda sonora tiene buena calidad como la trama de este drama.

  • El divorcio es cosa de tres (1971) de Pietro Germi con Stefania Sandrelli, Dustin Hoffman y Carla Gravina

En Cuba este filme se conoció como “Alfredo, Alfredo”, una comedia divertida, donde el amor está presente y el capricho se convierte en todo un fastidio y provoca un nuevo amor. Dustin Hoffman se luce al lado de las actrices italianas Stefania Sandrelli y Carla Gravina.

  • Tal como éramos (1973) Barbra Streissand, Robert Redford de Sydney Pollack

 Otro drama estelar con una trama interesante que se desarrolla en el período de la II Guerra mundial y posteriormente, la discriminación no llega a ser lo fuerte como para evitar un amor. Es un filme con diferentes matices y buena banda sonora con la voz de la misma Streissand.

  • Mi amante prohibido (1984) de Francis Girod con Catherine Deneuve, Michel Serrault y Jean-Louis Trintignant

Los mandatarios de Estado son usualmente personas con iguales deseos y pecados que el resto de los mortales, pero en cuanto se sabe alguna travesura que no cuadre dentro de los prejuicios de la sociedad, tiene su pesadilla garantizada. La trama es única y los spoilers aquí no caben.

  • Enamorarse (1984) de Ulu Grosbard con Meryl Streep y Robert De Niro

Una mujer y un hombre se conocen y se comienzan a ver con frecuencia, ese contacto de dos seres con evidente simpatía mutua conlleva a…….  Es una película que se desenvuelve con tranquilidad.

 

Recopilado y escrito por Esteban Hernández, 4 diciembre de 2016

Propuesta de filmes románticos (III)

Las pasiones hacen vivir al hombre, la sabiduría sólo le hace durar
Nicolás de Chamfort (moralista francés 1741-1794)

Esta es la tercera entrega de filmes románticos. La recomendación es obvia.

Pan, amor y fantasía (1953) de Luigi Comencini con Gina Lollobrigida y Vittorio De Sica. Historia del amor cubierto de un militar de nombre Antonio por una joven bella, la que rechaza las propuestas de matrimonio del uniformado. La joven en cuestión tiene una relación con un subordinado del militar.

Pan, amor y celos (1954) de Luigi Comencini con Gina Lollobrigida y Vittorio De Sica. Esta es continuación de la historia del militar Antonio, el que decide casarse esta vez con una mujer, madre soltera, algo nada bien visto en la sociedad plagada de prejuicios en la que vive.

Obsesión (1954) Douglas Sirk con Jane Wyman y Rock Hudson. La desgracia de una pareja rica que en un momento empobrece una vez el marido queda inhabilitado físicamente para el trabajo, lo cual les obliga a unirse más que en el pasado.

Sólo el cielo lo sabe (1955) de Douglas Sirk con Jane Wyman y Rock Hudson. El amor rompe las barreras de clases, una viuda se enamora de su jardinero perdidamente.

Y Dios creó la mujer (1956) de Roger Vadim con Brigitte Bardot, Curd Jürgens y Jean-Louis Trintignant. Una trama en St Tropez de una joven muy temperamental cortejada por un hombre mucho más viejo y rico al que ella no desea, pues sus ojos solo están para mirar a otro joven divertido. .

La mujer más guapa del mundo (1955) de Robert Z. Leonard con Gina Lollobrigida y Vittorio Gassman. Una joven imita a su madre y se convierte en una excelente cantante, en parte con la ayuda de un joven noble al que ella ama pero….

Trapecio (1956) de Carol Reed con Gina Lollobrigida, Burt Lancaster y Tony Curtis. Un triángulo amoroso en el ámbito de un circo en funciones en Francia.

Orquídea negra (1958) de Martin Ritt con Sofía Loren y Anthony Quinn. Una viuda que se gana la vida con la venta de flores y otro viudo que pretende lograr su amor, al que se oponen algunos familiares.

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Deseos bajo los olmos (1958) de Delbert Mann con Sofía Loren y Anthony Perkins. Triángulo amoroso de hijo y padre con una extranjera, ya unida al viejo padre pero que al conocer a su hijo queda enamorada y……..

Enséñame a querer (1958) de George Seaton con Doris Day y Clark Gable. Un editor de prensa se siente atraído por una profesora y para lograr su amor se matricula en los cursos que ella imparte.

Salomón y la reina Saba (1958) de King Vidor con Gina Lollobrigida y Yul Brynner. Filme sobre un pasaje bíblico y que cuenta una historia del romance de Salomón, hijo de David, por la reina Saba, la que atenta contra el poder de Israel confabulada con egipcios y Adonijah, el hermano de Salomón.

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Nunca en domingo (1960) de Jules Dassin con Melina Mercouri y Jules Dassin. Comedia sobre la relación de una prostituta con un escritor norteamericano protagonizada por los esposos Dassin-Mercouri.

Pijama para dos (1961) de Delbert Mann con Doris Day y Rock Hudson. Dos publicistas enfrentados que sin proponérselo terminan……

West Side Story o Amor sin barreras (1961) de Jerome Robbins y Robert Wise con Natalie Wood y George Chakiris. Drama musical, versión moderna de algo así como el amor de Romeo y Julietta, donde se aprecia el pandillaje en la sociedad americana protagonizado por entes de origen europeo y de boricuas.

El eclipse (1962) de Michelangelo Antonioni con Monica Vitti y Alain Delon. Una relación amorosa se rompe y luego se inicia otra más apasionada, esa es la trama de este film que tiene mucho de psicológico.

Escrito y recopilado por Esteban Hernández, 15 noviembre de 2016

 

Sabu y su protagonismo en filmes de aventuras

Sólo la fantasía permanece siempre joven,
lo que no ha ocurrido jamás no envejece nunca

Johann Christoph Friedrich von Schiller
(poeta, dramaturgo, filósofo e historiador alemán, 1759-1805)

Escribir sobre Sabu es recordar filmes infantiles de las generaciones entre los 40 y los 50 del siglo pasado, los cuales eran verdadera representación fílmica de cuentos de la antigüedad del mundo árabe y del Medio Oriente. En realidad fue el primer hindú estrella del cine internacional. Hijo de un conductor de elefantes, a los que se les llama mahout, y de madre de origen mongol, aprendió el oficio de su padre y a la muerte de éste en 1931, se convirtió en mahout del Maharajá de Mysore.

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El joven Sabu

Sabu Dastagir o Selar Shaik Sabu nació el 27 de enero de 1924 en las selvas de Karapur cercanas a la pequeña población de Mysore en India. La madre de Sabu murió después de su nacimiento y con el fallecimiento de su padre, el niño de 9 años no le quedó más remedio que trabajar desde temprana edad para poder sobrevivir. Su labor de mahout se extendió hasta un día que fuera descubierto por los cineastas húngaros-estadounidenses, los hermanos Alexander y Zoltan Korda, quienes decidieron incluirlo en un primer filme documental que se tituló “Elephant boy (1937)” (El niño elefante o Sabu-Toomai, el de los Elefantes), que contó con la dirección de Zoltan Korda y Robert J. Flaherty, y la producción de Alexander Korda.

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Sabu en sus faenas como mahout

El filme anterior fue todo un éxito, lo cual conllevó a que los Korda decidieran realizar un nuevo filme con la actuación de Sabu. Este fue  “Revuelta en la India (1938)”, donde actuó junto al experimentado Raymond Massey  y a Valery Hobson.

Las siguientes interpretaciones de Sabu fueron en los filmes de aventura:

  • “El ladrón de Bagdad (1940)” de Ludwig Berger y Michael Powell con Conrad Veidt y June Duprez.
  • “El libro de la jungla (1942)” de Zoltan Korda con Joseph Calleia, film basado en la versión del clásico de Rudyard Kipling, donde Sabu fue el personaje de Mowgli, el niño criado por los lobos y amenazado por el tigre Shere Khan, a su vez protegido por la pantera negra Bagheera.
  • El clásico “Las mil y una noche (1942)” de John Rawlins, donde comienza su colaboración con el actor Jon Hall y la actriz María Montez.

 

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Afiches de películas con la actuación de Sabu

Posteriormente actuó junto a María Montez y a Hall actuó en los filmes:

  • “La salvaje blanca (1943)” de Arthur Lubin,
  • “La reina de Cobra (1944)” de Robert Siodmak

Ya en estas últimas actuaciones Sabu estaba residiendo en los EE.UU., país en el cual se nacionalizó en 1944 y como ciudadano estadounidense, sirvió en la fuerza aérea del país durante la Segunda Guerra Mundial en la zona del Pacífico, donde fue condecorado por sus servicios con la Cruz de Vuelo Distinguido.

Desmovilizado en 1946, su regreso al cine tuvo lugar en el filme “Tangier (1946) “de George Wagner con María Montez y Robert Paige, al que le siguieron:

  • Los dramas “Narciso negro (1947)” de Michael Powell y Emeric Pressburger con Deborah Kerr y Flora Robson,
  • “The end of the river (1947)” (El fin del río) de Derek N. Twist con Bibi Ferreira
  • Los filmes de aventura “El tigre de Kumaon (1948)” de Byron Haskin con Wendell Corey,
  • “Song of India (1949)” (Canción de la India) de Albert S. Rogell con Gail Russell

Ya en ese entonces las películas de Sabu no tenían el encanto de sus primeros filmes de aventuras llenos de leyendas árabes e hindúes. En las décadas de los cincuenta y sesenta Sabu actuó en los filmes:

  • Los filmes de aventura “Savage drums (1951)” (Tambores salvajes) de William A. Berke con Lita Baron,
  • “Il tesoro del Bengala (1954)” de Gianni Vernuccio con Luisa Boni, de producción italiana
  • El film de misterio “Jaguar (1956)” de George Blair con Chiquita Johnson
  • El corto de aventura “The black panther (1956)” (La pantera negra) de Ron Ormond con Carol Varga
  • El film de aventura “Los misterios de Ang Kor (1960)” de William Dieterle

Su última aparición en la gran pantalla fue en el drama “Un tigre se escapa (1964)” de Norman Tokar con Brian Keith y Vera Miles, película filmada en 1963 y estrenada en 1964, o sea después que Sabu falleciera de un ataque cardiaco.

El actor murió repentinamente a temprana edad, sólo 39 años, el 2 de diciembre de 1963, Chatsworth, Los Ángeles, California. No obstante, la ilusión que dejó con sus actuaciones en las viejas generaciones permanece aún vivas y todos le recordamos como el buen niño de las fantasías.

Bibliografía consultada

Anon. Sabu. Socialtv.  http://socialstv.com/profesional/sabu

Anon, Niños con historia: Sabu. Juguetes Somos Nosotros. http://www.juguetessomosnosotros.com/cultura/ninos-con-historia-sabu/

Hernández Esteban. Grandes del cine de todos los tiempos, vol. II (Inédito).

Escrito por Esteban Hernández, 13 noviembre de 2016

 

“El Político” o “Todos los hombres del Rey (1949)”, filme de éxito y con trama actual

El poder puede corromper, y no solo a la persona
que lo ostenta, sino a todos aquellos que le rodean

Anónimo

Del director Robert Rossen ya se ha hablado en otro artículo sobre los cineastas de origen judío https://deportescineyotros.wordpress.com/2016/05/26/los-cineastas-judios-en-hollywood/. Esta vez se habla sobre un filme que fue todo un éxito desde su estreno y que su director fue precisamente Rossen. El mismo se le conoce en español con los títulos “El político”, “Todos los hombres del rey” o “Decepción”. Los recientes eventos políticos ocurridos en este año 2016 me han hecho recordar a esta película, que realmente se la recomiendo a todo aquel que desee ver algo de la realidad política en escena.

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Robert Rossen

No es secreto que gran parte de este mundo no está satisfecho con el desarrollo de las cosas, sea en el orden económico como social, por lo que surgen de improviso movimientos o grupos que se presentan con la receta mágica para aliviar todos los “dolores de cabeza”. Usualmente estos son los llamados populistas.

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Afiche del filme “El político (1949)”

La definición de populismo más aceptada es que se trata de una tendencia política que dice defender los intereses y aspiraciones del pueblo. Sus objetivos son realmente justos, pero muchos movimientos basan sus movidas más en la promoción de emociones que en la de actos racionales. Con frecuencia sus líderes ofenden a sus adversarios, pues carecen de argumentos sólidos y con sus alegatos pretenden hacerse aparecer como los portadores de la verdad absoluta.

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Willie Stark (Crawford) en pleno discurso

No es que todo populismo haya sido nefasto en las sociedades, de hecho en la época de la antigua Roma, ya hubo movimientos populistas en contra de la aristocracia predominante, algo muy positivo, que tuvo la oposición de los poderosos de aquellas sociedades, pero la tendencia en el curso de la historia ha sido, como dijera Gabriel Tortella del diario El Mundo (http://www.elmundo.es/opinion/2016/05/09/572f701a22601d32138b4605.html),  la del populismo servir a las grandes masas una ensalada de radicalismo, nacionalismo, xenofobia, resentimiento, todo aliñado con grandes dosis de demagogia.

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Willie Stark (Crawford) con su aliada, Sadie Burke (Mercedes McCambridge)

Los líderes populistas pueden surgir como gente modesta y humilde, y a veces, cuando llegan al poder, cambian toda su actitud, olvidan sus promesas y caen con sus tentáculos sobre los medios de prensa o todo aquello que le pueda entorpecer su gestión. Igualmente sus líderes pueden terminar padeciendo de paranoia, delirios de grandeza y grave megalomanía.

El filme del que les hablo está basado en la obra homónima (All the king´s men) de Robert Penn Warren y que Rossen logró llevar a la pantalla con el protagonismo de Broderick Crawford, bien conocido de la teleaudiencia cubana de los años 50, ya que protagonizaba el serial “Highway Patrol”, conocido en Cuba como “Patrullas de Camino”. Crawford encarnó el papel del político Willie Stark, un hombre que sufre una profunda metamorfosis en cuanto llegó al poder como gobernador. Su actuación le valió un Oscar como mejor actor protagonista. Sin embargo, después de ver este filme un par de veces entiendo que John Ireland, actor canadiense, casi siempre secundario en muchos filmes, tuvo una interpretación algo mejor que la de Crawford. Ireland hizo el papel de ente del periodismo encargado de la promoción de Stark. En realidad él descubre paso a paso como Stark cambia, pero no plantea ni una crítica al respecto. Ireland  sólo obtuvo nominación para Oscar como mejor actor secundario.

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Crawford, McCambridge e Ireland en escena

En esta cinta debutó una actriz, aunque casi siempre secundaria, fue una de las mejores en esos roles en la gran pantalla. Hablo de Mercedes McCambridge, la que igualmente interpretó el papel de la corrupta Sadie Burke, persona que logra influir negativamente en la actitud de Stark. Mercedes obtuvo Oscar como mejor actriz de reparto con su debut en la gran pantalla Luego la vimos actuar en otros filmes impecablemente, entre ellos, “Johnny Guitar (1954)”, “Gigante (1956)” y “Cimarrón (1960)”.

El filme igualmente contó con la actuación de la actriz Joanne Dru, esposa en la vida real de Ireland, y la que interpretó el papel de Anne Stanton, novia de Jack Burden (Ireland) e hija del juez retirado Monte Stanton interpretado por Raymond Greenleaf.

Rossen obtuvo dos nominaciones para Oscar, una como mejor guión y otra como mejor director, pero no se llevó ninguna estatuilla. No obstante, se llevó la satisfacción de ver su película honrada por el Oscar como la mejor en 1949.

 

Información recopilada y escrita por Esteban Hernández, 14 noviembre de 2016

 

Propuesta de filmes románticos (II)

Ni la ausencia ni el tiempo son nada cuando se ama”
Alfred de Musset (escritor y dramaturgo francés 1810-1857)

Esta es la segunda entrega de filmes románticos, que si no los han visto, se los recomiendo.

Romanza en alta mar (1948) de Michael Curtiz y Busby Berkeley con Doris Day y Jack Carson. Filme sobre sospechas mutuas de infidelidades dentro de una pareja casada y cómo el marido trata de saber lo que su esposa hace cuando él está ausente.

Madame Bovary (1949) de Vincente Minnelli con Jennifer Jones, Louis Jordan, Van Heflin y James Mason en el papel de narrador y escritor de la obra. Filme basado en la obra homónima de Gustave Flaubert. El filme obtuvo nominación de Oscar en su época.

La novia era él (1949) de Howard Hawks con Ann Sheridan y Cary Grant. Comedia romántica sobre el amor que nace entre un oficial francés y una militar americana durante la II Guerra Mundial.

Un lugar en el sol (1951) de George Stevens con Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Shelley Winters y Raymond Burr. La trama de este filme, conocido en Cuba como “Ambiciones que matan” viene a ser la segunda parte de la obra literaria “La tragedia americana” de Theodore Dreiser. El filme muestra la vida insegura del joven apuesto Charles Eastman y sus consecuencias, y fue la primera vez que juntó en pantalla a Liz Taylor y a Clift.

Pasión bajo la niebla (1952) de King Vidor con Jennifer Jones, Charlton Heston y Karl Malden. El título de este filme en inglés es Ruby Gentry, que es el papel que Jennifer Jones interpreta, joven campesina enamorada del fuerte Heston, amor nada correspondido.

Fanfán el invencible (1952) de Christian -Jaque con Gina Lollobrigida y Gérard Philipe. Nuevamente se podrá ver a la Lollobrigida en el papel de gitana y su relación con el guapo campesino interpretado por Philipe en una historia del siglo XVIII en Francia.

Trigo y esmeralda (1953) de Robert Wise con Jane Wyman y Sterling Hayden. Drama sobre una mujer viuda y empobrecida, la que debe trabajar y en el ejercicio de sus funciones conoce a su nueva naranja.

Vacaciones en Roma (1953) de William Wyler con Audrey Hepburn, Gregory Peck y Eddie Albert. Exquisita película con excelentes vistas de la Roma de los años 50, donde una princesa conoce a un periodista, de lo cual surge un amor relajado

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Música y lágrimas (1954) de Anthony Mann con June Allyson y James Stewart. Excelente película sobre la vida del músico y compositor Glenn Miller interpretado por James Stewart.

Picnic (1955) de Joshua Logan con Kim Novak y William Holden. Extraordinario drama con Holden en el papel de un buscavida que logra de alguna manera enamorar a la encantadora Kim Novak. En esta película debutó como actor Cliff Robertson y si no ha visto este filme, le recomiendo que no deje de verlo.

Melodía inmortal (1956) o La Historia de Eddie Duchin de George Sidney con Tyrone Power, Kim Novak y Victoria Shaw, película que aborda la vida del compositor y músico Eddie Duchin, un pianista que hizo época en sus momentos.

Tú y yo (1957) de Leo McCarey con Deborah Kerr y Cary Grant. Melodrama sobre la relación efímera de un playboy con una cantante, los que comprometidos cada uno, se plantean un nuevo encuentro en Nueva York.

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La llave (1958) de Carol Reed con Sofía Loren, William Holden y Trevor Howard. Filme sobre un amor que nace en Londres en las postrimerías de la II Guerra Mundial, que obliga a la impetuosa y atractiva Stella (Sofía Loren) a prometer a su nuevo amor cosas a veces difíciles de cumplir.

Horizontes de grandeza (1958) de William Wyler con Jean Simmons, Gregory Peck, Charlton Heston, Carrol Baker, Charles Bishop y Burl Ives. Película ambientada en el oeste que resulta ser en un serio drama de amor y de enseñanzas para aquellos que siempre piensan tener la razón. La actuación del reparto es realmente fabulosa.

Samantha (1963) de Melvin Shavelson con Joanne Woodward y Paul Newman, donde interpretan papeles que son casi idénticos de sus vidas reales, amor por siempre. La película obtuvo dos nominaciones de Oscar.

Escrito y recopilado por Esteban Hernández, 28 octubre de 2016

El interesante mundo de la animación fílmica (III)

El pasado puede doler, pero según lo veo,
puedes huir o aprender de él
Del diálogo del mono sabio con el futuro Rey León

Los filmes animados de largometraje aparecieron por primera vez cuando se estrenó “El Apóstol” del director argentino Quirino Cristiani en 1917, algo que ya se mencionó en la primera entrega de esta serie de artículos sobre la animación. Dicho filme era en blanco y negro.

Como también se hiciera notar en el primer artículo, los siguientes largometrajes fueron:

  • “Die abenteuer des Prinzen Achmed” (Las aventuras del Príncipe Achmed) realizado en Alemania en 1926 del realizador Lotte Reiniger
  • “Le roman de Renard” realizado en Francia, 1930 aunque estrenada en 1937 del director Starewicz.
  • El muy conocido “Blanca Nieves y los Siete enanitos” de Walt Disney en 1937.

Realmente Walt Disney monopolizó por buen tiempo este tipo de largometrajes. La lista es interminable, pero aquellos que uno más recuerda de su niñez son:

Fantasía (1940)”, donde varios directores toman activa participación entre ellos Ford Beebe, famoso por dirigir varios seriales de acción, entre ellos Buck Rogers y dos seriales de Flash Gordon en la década de los 30, además de Hamilton Luske y Norman Ferguson. El filme, estrenado en casi plena guerra, no tuvo el éxito esperado, pero en diciembre de 1999 se estrenó una nueva versión “Fantasía 2000”.
Pinocho (1940)” de un grupo de directores liderados por Hamilton Luske, basada en las historias escritas por el italiano Carlo Collodi.
Dumbo (1941)”, del director Ben Sharpsteen, sobre el elefantito volante.
Saludos amigos (1942) dirigida por varios cineastas, entre ellos Norman Ferguson y Hamilton Luske, y que consta de cuatro segmentos.
Bambí (1942)” de un grupo de directores encabezados por David Hand, historia sobre la vida de un joven venado.
Los tres caballeros (1944)” de Norman Ferguson, cuyo protagonista principal es el Pato Donald.
Tiempo de melodía (1948)” de un grupo de directores guiados por Clyde Geronimi, y que se presenta con siete segmentos y nuevamente el Pato Donald protagoniza algunas partes.
Cenicienta (1950)”, dirigido por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, historia basada en la obra homónima de Charles Perrault.

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Afiches largometrajes animados de Disney

Alicia en el país de las maravillas (1951)” de los mismos directores de Cenicienta. La película era uno de los proyectos iniciales de Walt Disney, que pudo materializarse en la fecha indicada.
Peter Pan (1953)”, con grupo de directores guiados por Geronimi, basada en una historia escrita por J.M. Barrie, donde la fantasía logra grandes éxitos.
La dama y el vagabundo (1955)” dirigida por Geronimi, Luske y Wilfred Jackson, historia sobre el amor de dos perros que al que suscribe le ha fascinado siempre.
La bella durmiente (1959)” basada en una historia escrita por Charles Perrault, con dirección principal de Geronimi.

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Otros filmes animados Disney

Disney ha continuado con otras producciones, muchas de gran éxito, pero aparecieron y siguen apareciendo otras que realmente son excelentes filmes animados.

Realmente el filme animado es una buena forma de llevar mensajes positivos y educativos a la población. Sin embargo, a veces aparecen algunos con mensajes nada sanos. Los mismos de Disney han mostrado en más de una oportunidad al Pato Donald fumando u otros bebiendo. Las agresiones a veces se presentan como algo normal y no debe ser. No falta violencia en muchos animados.

En fechas contemporáneas o más recientes se han estrenado algunos animados muy interesantes como son:

La sirenita (1989)” de John Musker y Ron Clements, con producción Disney, con trama de una historia de Hans Christian Andersen acerca de una sirena llamada Ariel, hija de Neptuno, que realiza travesuras a espaldas de su padre.
La bella y la bestia (1991)” de Gary Trousdale y Kirk Wise, con producción Disney, sobre la historia conocida de una bella doncella que cae en manos de un príncipe convertido en monstruo.
El rey león (1994)” de Rob Minkoff y Roger Allers, con producción Disney, sobre las aventuras de Simba, un pequeño león que es el heredero del trono.
Pocahontas (1995) de Mike Gabriel y Eric Goldberg, con producción Disney, sobre la hija del Jefe Powhatan, vigila la llegada de un gran grupo de colonos ingleses, guiados por el ambicioso gobernador Radcliff y el valiente capitán John Smith.
Mulan (1998)” de Barry Cook y Tony Bancroft, con producción Disney, sobre una heroína china que logra salvar a su emperador apresado por los hunos.
El príncipe de Egipto (1999)” de Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, versión sobre la vida de Moisés, que fue muy del agrado del que suscribe.
El gigante de hierro (1999)” de Brad Bird, historia de un niño muy aficionado a los héroes de los comics, que un buen día se tropieza con un gigante de hierro en un bosque.
Shrek (2001)” de Andrew Adamson y Vicky Jenson, historia sobre un ogro de buenos sentimientos.

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Ice age: La edad de hielo (2002)” de Carlos Saldanha y Chris Wedge, que trata sobre la migración de especies a zonas cálidas debido a la situación gélida del planeta.
Polar Express (2004)” de Robert Zemeckis, que aborda una historia de un niño triste próximo a las 12 de la noche del día de navidad, y que un evento inesperado le cambia la vida.
Madagascar (2005)” de Tom McGrath, y Eric Darnell, sobre la fuga de animales de un zoológico en la búsqueda de su hábitat original.
“Kung Fu Panda (2008)” de Mark Osborne y John Stevenson, sobre la superación de un Panda vago que al final se alza como héroe.

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Otros animados recientes

Todo  eso sin olvidar “101 dálmatas (1961)” de Geronimi, Luske y Wolfgang Reitherman, de producción Disney, sobre las peripecias de Roger y Anita enamorados y casados, con su nueva generación, Pongo y Perdita, que luego aportan 15 cachorritos, todos enfrentados a la malvada Cruella de Vil; “El libro de la selva (1967)” de Wolfgang Reitherman, también de producción Disney, sobre la historia de un niño abandonado en la selva donde se cría finalmente.

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Afiches de “101 dálmatas” y “El Libro de la Selva”

Existen muchos largometrajes más, algunos no vistos por este autor y otros que no son muy del gusto de uno.

Una variante muy interesante es la combinación de animados con la actuación de personajes reales y en este caso hay dos películas muy novedosas, como han sido

¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)” de Robert Zemeckis, filme protagonizado por ya fallecido Bob Hoskins en el papel de detective y que versó sobre el acoso de un magnate sobre Jessica Rabbit, esposa de la superestrella del Marron Cartoon, Roger Rabbit.  El otro novedoso fue “Space Jam (1996)” de Joe Pytka, con producción de la Warner, donde varios héroes como Bugs Bunny, Porky, Silvestre y otros se unen al baloncestista Michael Jordan y otros destacados de este deporte para abortar un intento de invasión de extraterrestres en la Tierra.

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Afiches de “Quién engañó a Roger Rabbit” y “Space Jam”

Como serial animado se ha mantenido por años “Los Simpson”, de un grupo de directores, que ya cuenta con 551 capítulos desde 1989 hasta el presente. La trama es la vida de una familia: Homer, Marge, Bart, Maggie y Lisa Simpson, que viven en Springfield. Los episodios han tenido buena teleaudencia dentro y fuera de EE.UU.

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Los Simpson

Recopilado y escrito por Esteban Hernández, 23 octubre de 2016

El interesante mundo de la animación fílmica (II)

La fotografía es verdad. Y el cine es una
verdad 24 veces por segundo
.
Jean-Luc Godard, director de cine

A través de la animación se han creado personajes, muchos de los cuales recordamos de nuestra niñez, casi todos eran de origen norteamericano, donde de siempre ha existido la industria más potente en este arte.

Gato Félix

Gato Félix

El gato Félix puede considerarse como el personaje más viejo y pionero en el mundo de la animación, su debut fue en los años 20, y su origen aún hoy se disputa. El caricaturista australiano Pat Sullivan afirma ser su creador, por el contrario el norteamericano Otto Messmer dice lo mismo. La realidad es que Félix fue el primer personaje de animación en alcanzar un alto nivel de popularidad.

Betty Boop era la chica flapper, todo un personaje lleno de sexualidad, producida por los estudios de Max Fleischer y creada Grim Natwick en 1926. Natwick, quien después trabajó en la Walt Disney, modeló a Betty siguiendo la figura de la cantante y actriz Helen Kane. Este personaje fue muy popular al extremo de ser aún hoy muy recordada.

Popeye el marino fue otro personaje producido por Max Fleicher y creado por Elzie Crisler Segar en 1929. El nombre de este héroe cómico proviene de Pop-eye, o sea Ojo saltón.  Popeye ha sobrevivido hasta nuestros días siempre alimentándose de espinacas.

Betty Boop y Popeye

Betty Boop y Popeye

Entre los personajes más recordados están aquellos creados por Walt Disney, quien supo combinar el sonido y la imagen asincrónicamente en filmes animados, fue así que hizo debutar al famoso ratón Mickey en el cartón “Steamboat Willie (1928)”.  Algo después apareció otro famoso cartón “The three little pigs (1933)” (Los tres pequeños cerdos) de Burt Gillett.

Dentro del mundo de Disney surgió el Pato Donald creado por Dick Lundy, que apareció en pantalla por primera vez en 1934. Previamente, en 1930, el perro Pluto, mascota del ratón Mickey, creado por Chain Gang, había aparecido en un corto. El otro conocido fue Goofy o Tribilín, creado por Art Babbit, amigo de Mickey y Donald, que hizo su debut en Mickey Revue (1932).

 

Los héroes de Disney: Mickey, Donald, Tribilin y Pluto

Los héroes de Disney: Mickey, Donald, Tribilin y Pluto

Scrappy fue un personaje creado por Dick Huemer en 1931 para la Krazy Charles Mintz Studio Kat. Se trataba de un niño de cabeza redonda y pantalones cortos, cuyas aventuras se desarrollaban en barrio donde vive. Scrappy tiene un pequeño hermano, de nombre Oopy. Estos cartones son hoy día parte del pasado inicial del cine de animados.

Scrappy

Scrappy

Walter Lantz creó otros personajes memorables. El más cómico era El Pájaro Loco o Loquillo (Woody Woodpecker en el inglés original), el que apareció en la década de los 30. El gran oponente del Pájaro Loco era Wally Walrus, ente de grandes colmillos. A finales de ese período Lantz creó a Andy Panda, muy popular hasta 1949.

El Pájaro Loco y Andy Panda

El Pájaro Loco y Andy Panda

Tex Avery adoptó otra forma de hacer animación, para él este tipo de filmes daba la posibilidad de realizar lo que no se podía conseguir con seres humanos, por lo que un poco en sintonía de ideas con Walter Lantz, tuvo buenas creaciones, entre ellas el conejo Bunny, debutante en 1940 con voz de Mel Blanc; el tartamudeante puerco Porky, que apareció en 1935 en pantalla; y el Pato Lucas (Daffy Duck) debutó en 1937 con voz de Jeff Bergman.

Bugs Bunny, Porky y el Pato Lucas

Bugs Bunny, Porky y el Pato Lucas

El reyecito fue otro personaje famoso, esta vez creado por Otto Soglow en 1934. El reyecito era el monarca absoluto, que hacía y deshacía en cortos mudos.

El Reyecito

El Reyecito

En 1941 Frank Tashlin creó el dúo del cuervo y la zorra, pareja que siempre estaban en discusión y donde el cuervo le inventaba argumentos para salir con las suyas.

La Zorra y el Cuervo

La Zorra y el Cuervo

El gato Tom y el ratón Jerry fueron protagonistas de muchos cortos creados por William Hanna y Joseph Barbera a partir de 1940. Los argumentos de estos filmes guardaban cierto parecido con los anteriores de la Zorra y el Cuervo, pero con más acción y tropelaje.

Tom y Jerry

Tom y Jerry

Paul Terry fue el creador del también famoso Super Ratón (en inglés: Mighty Mouse), personaje como parodia de Superman, que hizo su debut en 1940. Inicialmente le habían llamado Super Mouse, pero como existía otro Super Mouse, le dieron el nombre actual de Mighty. El Super Ratón vuela y puede batirse con fuerza contra los gatos, enemigos de los ratones.

Más tarde, en 1946, Terry crearía las famosas y comiquísimas Urracas parlanchinas, Heckle y Jeckle en inglés o Tuco y Tico en español. Las urracas siempre han sido unas perfectas provocadoras, las que al final pierden sus enfrentamientos.

Super Ratón y las Urracas Parlanchinas

Super Ratón y las Urracas Parlanchinas

Las grandes empresas en animación han sido la Disney, cuyos animados son casi siempre mostrados en cine, y la Hanna-Barbera, que prevalece más en la televisión.

En una próxima entrega hablaremos de los grandes largometrajes de animación.

Recopilado y escrito por Esteban Hernández, 6 octubre de 2016.

El interesante mundo de la animación fílmica (I)

Las ideas proceden de la curiosidad
Walt Disney

El cine de dibujos animados ha tenido una enorme importancia en el entretenimiento de menores y mayores desde incluso finales del siglo XIX. Se trata de un sistema de dibujos planos en dos dimensiones fotografiados imagen por imagen. Las imágenes se reproducen separadamente y luego se suceden a determinada rapidez para dar la ilusión de movimiento. Hoy en día ya se dibuja poco como se hacía antes, los dibujos salen  por la vía de la computación que se combinan con modernas formas de efectos visuales.

La animación es más vieja que el cinematógrafo, pues en 1888 el francés Émile Reynaud se las ingenió para inventar el praxinoscopio, mediante el cual se implementaba una técnica de animación pre-cinematográfica. Luego este aparatito se perfeccionó y así aparecieron las primeras películas animadas, las que venían acompañadas de música y otros efectos sonoros. La primera peli de animación fue “¡Pobre Pierrot!”, de 12 minutos de duración del propio Reynaud.  Otro francés, Émile Cohl se inició en este campo en 1908 y realizó varios cortos de animación. Le siguió en este menester otro francés, George Meliès.

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Escena de Pobre Pierrot

Sin embargo, el primer largometraje de animación fue “El Apóstol” del argentino Quirino Cristiani, material que no existe, no se logró conservar ninguna copia. Increíblemente el celuloide del filme fue utilizado para hacer peines.

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Afiche del Apóstol

Otros largometrajes animados de los primeros tiempos de este tipo de filmes fueron:

  • “Die abenteuer des Prinzen Achmed” (Las aventuras del Príncipe Achmed) realizado en Alemania en 1926 del realizador Lotte Reiniger
  • “Le roman de Renard” realizado en Francia, 1930 aunque estrenada en 1937 del director Starewicz.
  • El muy conocido “Blanca Nieves y los Siete enanitos” de Walt Disney en 1937.
Afiche de Le Roman de Renards

Afiche de Le Roman de Renards

Escena de Blanca Nieves y siete enanitos

Escena de Blanca Nieves y siete enanitos

América Latina ha tenido varios destacados exponentes en el cine de animación, entre ellos el argentino Manuel García Ferré, quien logró crear personajes infantiles como Hijitus, Anteojito, Calculín y Petete. García fue el fundador de la única productora argentina de animación.

Anteojito y antifaz en "Mil intentos y un invento"

Anteojito y antifaz en “Mil intentos y un invento”

En Cuba Juan Padrón ha sido un destacado con su héroe Elpidio Valdés, personaje que luchaba por la liberación de Cuba del yugo español.

Elpidio Valdés

Elpidio Valdés

Interesante hacer notar que Perú es el primer país de Hispanoamérica en realizar un largometraje animado en 3D. En 2003 fue creado en Perú el estudio Alpamayo Entertainment, el que se ha especializado en animación en 3D. Entre sus realizaciones están:

  • Piratas en el Callao (2005)
  • Dragones, destino de fuego (2006)
  • Valentino y el clan del can (2008)
Piratas en el Callao

Piratas en el Callao

En el desaparecido mundo socialista igualmente se hicieron varias realizaciones de filmes animados. El que este autor más recuerda está el divertido Gustav, creado por Joseph Nepp. Gustav dejaba al descubierto todo ese mundo de burocracia y de inanición existente en su país después de las calamidades de 1956. Gustav satirizaba todo y para ello usaba el lenguaje mudo. Es interesante notar que estos animados se podían ver en cine en Cuba pero no por la TV, la razón no la sé.

Gusztav

Gustav

Los soviéticos tuvieron una serie animada cómica con dos personajes interpretados por un lobo siempre detrás de una liebre, que en ruso se llama “¡Nu, pogodi!” o “!Deja que te coja!” Se trata de animados producida en el estudio de Soyuzmultfilm en Moscú en (1969-1986), aunque más tarde aparecieron nuevos animados de este serial realizados por Rusia.

Deja que te coja

Deja que te coja

La animación japonesa ha estado presente en nuestras televisiones desde hace ya cinco décadas. Los primeros autores en este cine fueron Hayao Miyazaki y Katsuhiro Otomo, luego aparecieron otros como  Mamoru Oshii, Satoshi Kon, Isao Takahata y Makoto Shinkai, sin dejar de mencionar a Koji Yamamura, el que se desempeña fuera de Japón.

 Escena de filme animado japonésEscena de filme animado japonés

No obstante, es cierto que los filmes animados de EE.UU., con sus más variados héroes, son los que han predominado, cuya descripción dejaremos para otra oportunidad.

Escrito por Esteban Hernández, 5 octubre de 2016

Propuesta de filmes románticos (I)

“No olvides nunca que el primer beso
no se da con la boca,
sino con los ojos”.
O.K. Bernhardt, escritor alemán (1800-1875)

En las presentes semanas les expondremos varias propuestas de filmes románticos, algo que gusta a muchos cinéfilos. Sería bueno tener más películas de este tipo y no de crimen-acción, las que realmente no enseñan nada útil en una sociedad. Las pelis van en orden cronológico, y serán 15 las propuestas cada semana.

  1. Sucedió una noche (1934) de Frank Capra con Claudette Colbert y Clark Gable

Una joven heredera escapa del yate de su padre, donde estaba encerrada y así evitar se casara con un hombre no apropiado. La joven se dirige a Nueva York en bus y es así que conoce a un periodista, el cual le atrae con facilidad.

  1. Cautivo del deseo (1934) de John Cromwell con Bette Davis y Leslie Howard

La trama gira alrededor del amor de un joven estudiante de medicina por una camarera, la que sin realmente amarlo lo somete a todos sus caprichos. Al final los estudios no son finalizados pero el joven comienza a entender la conducta de su amada.

  1. Sublime obsesión (1935) de John M. Stahl con Irene Dunne y Robert Taylor

Un joven logra sobrevivir a costa del oxígeno que le suministran y que su padre no logró se le administrara. La viuda desprecia al hijastro, el que realmente vive enamorado de su madastra. Ella pierde la vista y el hijastro decide estudiar para devolverle la vista y ganar su amor.

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  1. Margarita Gautier (1936) de George Cukor con Greta Garbo y Robert Taylor

La trama gira en París lleno de diversiones y lujuria, basado en una obra de Alejandro Dumas hijo.

  1. Jezabel (1938) de William Wyler con Bette Davis y Henry Fonda

Caprichosa y dominante llega al extremo de separarse del hombre que amaba, el que finalmente se marcha del lugar y encuentra un nuevo amor, con la que se casa, pero que la caprichosa no acepta en modo alguno al regreso de su amado.

  1. Lo que el viento se llevó (1939) de Victor Fleming con Vivien Leigh y Clark Gable.

Scarlett O’Hara (Vivien Leigh) vive enamorada del esposo de su amiga, pero en un momento conoce al cínico Rhett Butler (Clark Gable), un hombre que solo desea ser rico y conquistar a Scarlett.

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7. Quiero a este hombre (1941) de Jack Conway con Lana Turner y Clark Gable

Sobre el amor de un hombre, jugador y que al final establece un salón de juego en el pueblo de su  amada.

  1. Casablanca (1942) de Michael Curtis con Ingrid Bergman y Humphrey Bogart

Se trata del reencuentro de un hombre dueño de un café, Rick, en Casablanca con su amada Ilsa, la que huye de la Gestapo conjuntamente con su nueva pareja, a los que Rick ayuda a salvar.

  1. Anillos en sus dedos (1942) de Rouben Mamoulian con Gene Tierney y Henry Fonda

El amor de dos personas que no son los que piensa cada persona sobre la otra. La trama es complicada y las ambiciones son muchas.

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  1. Que el cielo la juzgue (1945) de John M. Stahl con Gene Tierney y Cornel Wilde

Por celos sobre todo una esposa pierde finalmente a su esposo escritor. La avaricia y orgullo de la señora termina con lo que pudo ser un bonito matrimonio.

  1. Breve encuentro (1945) de David Lean con Celia Johnson y Trevor Howard

Amor de un hombre y una mujer que se encuentran, ambos casados, y que de una amistad inicial desemboca en una intensa pasión.

  1. De amor también se muere (1946) de Jean Negulesco con Joan Crawford y John Garfield

La enamorada de un violinista, profesional muy dedicado a su arte y que no se deja gobernar, termina víctima de su propio amor.

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  1. La bella y la bestia (1946) de Jean Cocteau con Josette Day y Jean Marais

Filme de ficción sobre el amor de un monstruo con una bella dama, igualmente cortejada por otro joven en su pueblo. La llegada de la joven al castillo del monstruo conlleva a un castigo que se convierte finalmente en amor entre ambos.

  1. Entre el amor y el pecado (1947) de Otto Preminger con Joan Crawford, Henry Fonda y Dana Andrews

Una joven atrapada en un triángulo amoroso, donde tiene dos candidatos, cada uno con sus defectos y virtudes.

  1. Abismo de pasión (1947) de Sam Wood con Ann Sheridan, Robert Cummings y Ronald Reagan

Trama que se desarrolla en una ciudad llamada King’s row y donde se relata la vida de  un joven que sueña con ser un doctor junto a su amada, mientras que otro es más práctico y planea abrir un negocio cuando reciba su parte de la herencia. Cuando ambos se hacen adultos, la revelación de oscuros secretos pondrá en peligro sus sueños y esperanzas de hallar la felicidad.

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Compilación de Esteban Hernández, 19 setiembre de 2016

 

Se nos fue el comediante rubio, Gene Wilder

Nuestra entera vida es como una comedia.”
Ben Johnson (1572-1637),
dramaturgo, poeta y actor inglés

El pasado 29 de agosto (2016) moría en Stamford, Connecticut, uno de los comediantes más exitosos que haya pasado por Hollywood, se trata de Gene Wilder, nacido con el nombre de Jerome Silberman el 11 de junio de 1933 en Milwaukee, Wisconsin, en el seno de una familia de emigrantes judíos-rusos.

Según relata Wilder en sus memorias, en su niñez le hacía gracias a su madre, afectada de fiebre reumática, para que riera, y su inclinación por la interpretación comenzó cuando vio a su hermana Corinne actuando, luego la imitó para continuar realizando estudios en este arte. Fue así que estudió Comunicación y Artes del Teatro en la Universidad de Iowa.

Su nombre artístico lo adoptó en 1959 y se derivó de su simpatía por el personaje de Eugene Gant de la novela “Look Homeward, Angel (1929)” (Mira hacia atrás, Ángel) del escritor norteamericano Thomas Wolfe, de ahí viene el Gene, y por admirar al dramaturgo y novelista Thornton Wilder, de donde sale el Wilder.

Gene Wilder en la 14ta. premiación anual del Sindicato de Directores, Los Angeles, 13 II 2010. Foto Imagecollect, Dreamstime.com

Gene Wilder en la 14ta. premiación anual del Sindicato de Directores, Los Angeles, 13 II 2010. Foto Imagecollect, Dreamstime.com

En su juventud viajó a Inglaterra para estudiar en el Old Vic de Bristol, regresó a su país y se adiestró en el el HB Studio de Nueva York, cubrió su servicio militar entonces obligatorio y luego comenzó a desenvolverse en teatro. Se unió al Actors Studio y fue aquí que ganó su primer premio, el Clarence Derwwent por su montaje de la obra “The complaisant lover” de Graham Greene.

En 1963 Wilder conoció a Mel Brooks a través de la actriz Anne Bancroft, y esta relación le permitió formar parte de la compañía de Brooks, cuyo estudio produjo el famoso film de crimen “Bonnie y Clyde (1967)” de Arthur Penn con Warren Beatty y Faye Dunaway, donde Wilder debutó en un papel de reparto muy aceptable.

Previamente Wilder había debutado en la TV, en el drama “Muerte de un viajante (1966)” de Alex Segal. Después de este inicio:

  • Protagonizó las comedias “Los productores (1967)” de Mel Brooks con Zero Mostel, donde nuevamente tuvo una acertada interpretación,
  • “Empiecen la revolución sin mi (1970)”de Bud Yorkin con Donald Sutherland,
  • “Un mundo de fantasía (1971)” de Mel Stuart con Jack Albertson
  • En papel de reparto de la comedia dirigida y protagonizada por Woody Allen, “Todo lo que quiso saber sobre el sexo, pero nunca se atrevió a preguntar (1972)”
  • Co-protagonizó con Cleavon Little la comedia-oeste “Sillas de montar calientes (1974)”,
  • Con Peter Boyle la comedia “El jovencito Frankenstein (1974)”, ambas de Brooks. Esta última interpretación de Wilder fue brillante e inolvidable, considerada la mejor en su carrera.

Su debut como director fue con la comedia- film de crimen “El hermano más listo de Sherlock Holmes (1975)” con Madeline Kahn, al que le siguió otro film de igual género junto al cómico Richard Pryor, “El expreso de Chicago (1976)” de Arthur Hiller.

Afiches de películas protagonizadas magistralmente por Gene Wilder

Afiches de películas protagonizadas magistralmente por Gene Wilder

Junto a Harrison Ford, ambos judíos-norteamericanos, actuó en la comedia-oeste “El rabino y el pistolero (1979)” de Robert Aldrich, al que le siguieron las comedias:

  •  “Locos de remate (1980)” con Pryor nuevamente,
  • “Hanky Panky (1982)” con Gilda Radner y Richard Widmark, éstas dos últimas de Sidney Poitier,
  • “La mujer de rojo (1984)” con Charles Grodin.
  • El film de horror-comedia “Terrorífica luna de miel (1986)” con Gilda Radner nuevamente, estas dos últimas de su propia dirección
  • Las comedias “No me chilles que no te veo (1989)” de Arthur Hiller con Pryor,
  • “Funny baby (1990)” (Bebé divertido) de Leonard Nimoy con Christine Lahti,
  • “No me mientas que te creo (1991)” de Maurice Philips con Pryor nuevamente

Realmente las comedias con Pryor fueron siempre bien recibidas, ya que en todas ellas se veía el sinergismo de la comicidad de ambos actores.

Afiches de películas protagonizadas por Wilder y Richard Pryor.png

Afiches de películas protagonizadas por Wilder y Richard Pryor

Wilder también trabajó para la TV con frecuencia, y en 1994-95 protagonizó su propio programa para la TV, “Something Wilder (1994-95)” (Algo más salvaje). En 2005 publicó su autobiografía, “Kiss me like a stranger” (Bésame como a un extraño), donde habla de su niñez y de cómo llegó a ser actor.

Fue nominado para OSCAR como mejor actor de reparto por “Los productores (1968)”, y como mejor montaje por “El jovencito Frankenstein (1974)”. Nominado para Globo de Oro como mejor actor en comedia/musical por “Un mundo de fantasía (1971)” y “El expreso de Chicago (1976)”.

En conclusiones, Wilder actuó en 37 filmes entre 1966 y 2015, guionista de 9, director de 5 y productor de una película.

 

Escrito por Esteban Hernández el 2 de setiembre de 2016, con información tomada de su obra inédita “Grandes del cine de todos los tiempos, actrices y actores, vol. II”.

Las comedias del cura Don Camilo y el Honorable Peppone

Todos prometen. Nadie cumple.
Vote por nadie
”.
Anónimo

Existen comedias que logran con éxito reflejar conflictos de la sociedad en el ámbito político e ideológico. Unas de esas son las que han versado alrededor de la figura del cura Don Camilo y la del alcalde comunista Giusseppe “Peppone” Bottazzi, magistralmente interpretados por los actores Fernandel y Gino Cervi, respectivamente.

Las tramas de esas comedias fueron tomadas de los cuentos y novelas escritos por el escritor italiano  Giovannino Guareschi dentro del ciclo llamado “Pequeño Mundo”. El cura representa el anticomunismo, la versión contraria a un alcalde muy de izquierda de un pueblo figurado y llamado Ponteratto de la cuenca del Po en Italia. La serie de novelas del ciclo de “El pequeño mundo” se compone de las siguientes partes:

  • “Don Camilo” (1948)
  • “El retorno de Don Camilo” (1953)
  • “El camarada Don Camilo” (1963)

Sin embargo, los clásicos de estas comedias en cine son cinco en total, que serán descritos más adelante.

En la confrontación de ambos personajes casi siempre vencía Don Camilo, lo cual era un fiel reflejo de la posición política de Guareschi. Por otro lado, a Peppone se le mostraba como un hombre de pocos modales, pobre educación, aunque con buenos sentimientos. En ocasiones las confrontaciones los unían por causas justas. Don Camilo siempre trataba por un problema de principios, al parecer, de irle a la contra a Peppone, así después se diera cuenta que su adversario tenía la razón y no debía siempre atacarlo.  Así y todo, se puede decir que las comedias eran entretenidas y movían a risa.

Fernandel era un comediante capaz con su mirada de provocar la risa del gran público y cuyo nombre se originó cuando su cuñada dijo: “Voici (He aquí) Fernand d’elles (Fernand de ellas)”. Fernandel era hijo de un empleado de banco, que además actuaba en un café bajo el seudónimo de Sined, o sea Denis a la inversa. El pequeño Fernand le acompañaba y fue así que rápidamente aprendió el arte de la interpretación. Junto a su hermano formó el dúo Fernand y Marcel Sined.

Fernandel en el papel de Don Camilo

Fernandel en el papel de Don Camilo

Su primer papel en cine tuvo lugar en el corto “La meilleure bobone (1930)” de Marc Allegret y Claude Heymann. En el inicio de su carrera, sus interpretaciones fueron casi siempre en dramas o comedias, generalmente dirigido por Marcel Pagnol, como:

  • Los dramas “Angéle (1934)”,
  • “Regain (1937)” (Renovado), en estos dos filmes con con Orane Demazis
  • Las comedias “Tempestad de almas (1940)”,
  • “Topaze (1951)” con Hélène Perdrière,

Luego actuó en otros filmes como:

  • El amor de Don Juan (1956)” de John Berry con Carmen Sevilla,
  • “La vuelta al mundo en 80 días (1956)” de Michael Anderson con Cantinflas y David Niven entre otros actores,
  • “El embrujo de París (1958)” de Ged Oswald con Bob Hope,
  • “La ley es la ley (1958) de Christian-Jaque con Totò,
  • “La vaca y el prisionero (1959)” de Henri Verneuil con Pierre Louis,
  • “El juicio universal (1961)” de Vittorio De Sica con Anouk Aimée,
  • “El diablo y los 10 mandamientos (1962)” de Julien Duvivier

Gino Cervi fue un actor italiano muy conocido internacionalmente. Era  en la vida real hijo del crítico teatral Antonio Cervi. Trabajó en teatro durante el período de 1924-1939 hasta llegar a convertirse en director del Teatro Eliseo de Roma. En las tablas fue un excelente comediante, donde interpretó el papel de Feste en “La duodécima noche”, y Falstaff en “The merry wives of Windsor (1939)” (Las felices esposas de Windsor)  de Shakespeare. Después de la guerra, creó su propia compañía de teatro, la que presentó obras de autores extranjeros, entre ellas “Les parents terribles (1945)” (Los terribles padres) y “El tigre de Giraudoux a las puertas (1946)”. Su mejor interpretación teatral fue la de Cyrano de Bergerac en 1953.

Gino Cervi interpretando a Peppone

Gino Cervi interpretando a Peppone

En el cine Cervi debutó en el film “L’armata azurra (1932)” (El ejército azul) de Gennaro Righelli, y su primer éxito en la gran pantalla fue cuando protagonizó el drama “Quattro passi fra le nuvole (1942)” (Cuatro pasos entre las nubes) de Alessandro Blasetti con Adriana Benetti. Luego se destacó en papeles secundarios de los filmes:

  • Los dramas “Le miserie del signor Travet (1945)” (Las miserias del Señor Travet) de Mario Soldati con Carlo Campanini y Alberto Sordi entre otros,
  • “Anna Karenina (1948)” de Julien Duvivier con Vivien Leigh y Ralph Richardson
  • En los filmes históricos o de leyendas “Guglielmo Tell (1948)” de Giorgio Pastina,
  • “Nerone e Messalina (1949)” de Primo Zeglio con Paola Barbara
  • “La regina di Saba (1952)” (La reina de Saba) de Pietro Francisci con Leonora Ruffo
  • El film de aventura “Les trois mousquetaires (1953)” de André Hunebelle, donde Cervi interpreta el papel del mosquetero Portos
  • El drama “Estación Termini (1953) de Vittorio De Sica con Jennifer Jones y Montgomery Clift, donde encarna a un agente policíaco de buenos sentimientos,
  • “Il Cardinale Lambertini (1954)” de Pastina
  • La comedia “Guardia, guardia scelta, brigadiere e maresciallo (1956)” de Bolognini con Alberto Sordi, Nino Manfredi y Aldo Fabrizi
  • Los dramas “Bajo el signo de Roma (1958)” de Michelangelo Antonioni y Guido Brignone con Anita Ekberg y Chelo Alonso,
  • “La maja desnuda (1959)” de Henry Koster con Ava Gardner y Amedeo Nazzari,
  • “Becket (1964)” de Peter Glenville con Richard Burton y Peter O’ Toole

Los dos primeros filmes de estas historias fueron dirigidos por Julien Duvivier, en este caso, “Don Camilo (1952)” y “Le retour de Don Camilo (1953)” (El regreso de Don Camilo). En la primera comedia se ve el odio/amor que siente cada uno por el otro.. Cada uno con su tema, el cura quería crear el Jardín de la Ciudad, el alcalde la Casa del Pueblo. Las divergencias entre ateos y religiosos saltan a la luz, pero también las de pobres y ricos.  En el segundo filme, a Don Camilo la iglesia lo manda a otro sitio lejos de Ponteratto, por lo que el alcalde se creyó dueño y señor del pueblo, pero que tropieza con la oposición de un terrateniente a la construcción de un embalse para evitar las inundaciones que ocurrían con frecuencia. Peppone hizo su mayor esfuerzo pero no consiguió su objetivo, por lo que mandó a buscar a Don Camilo.

Afiches de las dos películas de Don Camilo dirigidas por Julie Duvivier

Afiches de las dos películas de Don Camilo dirigidas por Julien Duvivier

Las siguientes dos películas fueron dirigidas por Carmine Gallone, ellas fueron “Don Camilo e L’Onorevole Peppone (1955)” y “Don Camillo monsignore… ma non troppo (1961)” (Don Camilo Monseñor…. pero no tanto). En el primer filme Don Peppone se prepara para integrar el parlamento italiano, algo que no gusta nada al cura Don Camilo, por lo que este decide realizar lo que sea necesario a fin de prevenir que Peppone ascienda en su vida. El Todopoderoso le aconsejó a Don Camilo de no hacer contra esta nueva actividad de Peppone, pero el buen cura no le hizo mucho caso y organizó toda una campaña contra Peppone.  En el filme de 1961 aparece un Don Camilo obispo, mientras que Peppone ya es senador, la rivalidad continua entre ambos y se agudiza cuando el cura se entera que el senador quiere construir una casa-asilo en un antiguo lugar donde existe una vieja iglesia.

Afiches de las películas de Don Camilo dirigidas por Carmine Gallone

Afiches de las películas de Don Camilo dirigidas por Carmine Gallone

El quinteto de filmes de estas historias concluyó con “El camarada Don Camilo (1965)” del director Luigi Comencini, donde se ve como Brescello (aquí no se habla de Ponteratto), comune de la provincia de Reggio Emilia, se hermana con un pueblo de la entonces existente Unión Soviética. A tales efectos se organiza una recibida calurosa al camarada  Brezwyscewski, algo que no fue del gusto de Don Camilo. Brezwyscewski, por su parte, los invitó visitar Moscú y de alguna manera el párroco acabará formando parte de la comitiva italiana, en la que también se incluyen Pepone y su mujer.  Don Camilo viaja con papeles falsos que responden al nombre del camarada Tarocci. Ya se pueden imaginar el resto de la visita en la URSS, donde el programa de visita incluía comidas y cenas, visitas a museos y teatros.

Afiche de "El camarada Don Camilo" filme dirigido por Luigi Comencini

Afiche de “El camarada Don Camilo” filme dirigido por Luigi Comencini

En décadas recientes el actor italiano Terence Hill interpretó el papel de Don Camilo, pero sin quitarle mérito, las interpretaciones de Fernandel de este personaje son insustituibles e inolvidables.

Información preparada por Esteban Hernández, 29 agosto 2016 y basada en su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos, actrices y actores”, vol I.

Charles Chaplin, un comediante astuto y agudo

Los dictadores son libres, sólo ellos.
Pero esclavizan al pueblo
.”
Charles Chaplin

Mucha gente en el mundo piensa que el famoso Charles Chaplin tenía por objetivo solo provocar risas, algo que no es realmente exacto. Si, es cierto que el gran comediante hacía reír hasta los más tranquilos en una sala de teatro, pero lo de Chaplin era también una búsqueda incesante de momentos de esta vida y hasta de la historia para provocar risas y concientizar a muchos de los problemas que nos aquejaban y nos siguen aquejando.

Viendo la actual campaña presidencial en EE.UU., con un candidato que niega prácticamente al mundo, un hombre que se niega a reconocer los problemas causados por el cambio climático, que pone a los negros, musulmanes y latinos en un mismo saco de basura, y que promete la Luna que no dará, un Chaplin no vendría mal para imitar todo lo que hace y dice, y para que las grandes masas que le oyen se den cuenta de su error.

Hablemos de la vida de este gran artista, que fue un dotado actor de teatro, de cine, guionista, productor y director. Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres, cuya  niñez fue de las peores, con un padre adicto al alcohol y una madre con serios problemas mentales, que fuera recluida en un hospital psiquiátrico. El final de Chaplin y su hermano fue en varios orfanatos hasta que su hermano Sydney consiguió comenzar a actuar en un grupo teatral y logró llevarse con él a Charles. Trabajando en estos grupos teatrales, los Chaplin fueron contratados y llevados en gira a EE.UU. En 1910 llegaron a Nueva York y en 1913 a Hollywood. En estas giras, Charles demostró cualidades de actuación superiores a las de su hermano, quien a la larga se convirtió en su representante. Su debut en el cine fue en 1914 y poco después apareció el famoso personaje de Charlot, pobre, vagabundo, de típica forma de caminar, que causaba la risa de todos los cine-videntes. Charlot fue el recuerdo y la representación burlona de lo que Chaplin vivió en su niñez.

Entre 1915 y 1917, protagonizó 32 películas, la mayoría cortometrajes, siendo los más renombrados:

  •  “Charlot vagabundo (1915)”,
  • “The bank (1915)”,
  • “La casa de empeños (1916)”,
  • “El vagabundo (1916)”,
  • “La pista de patinaje (1916)”
  • “La calle de la paz (1917)” entre otros

En 1919, se decidió a crear su propia empresa, a tales efectos se unió a Douglas Fairbank, Mary Pickford y D.W. Griffith, de donde surgió la United Artists, de la cual salió su primer largometraje, “El chico (1921)”, y más tarde produjo sus primeras películas “Una mujer de París (1923)”, donde Chaplin casi no actúa, y las famosas comedias “La quimera de oro (1925)” y “El circo (1928)”, estas dos últimas verdaderas joyas del cine silente.

Afiches de "La quimera de oro (1925)" y "El circo (1928)"

Afiches de “La quimera de oro (1925)” y “El circo (1928)”

Chaplin y Jackie Coogan en El Chico (1921)

Chaplin y Jackie Coogan en “El Chico (1921)”

Sus primeros filmes sonoros fueron las comedias “Luces en la ciudad (1931)” con Virginia Cherrill, donde un pobre vagabundo interpretado por Chaplin pasa trabajo para conseguir dinero y ayudar a una pobre chica ciega (Virginia Cherrill) de la que se ha enamorado. La película, como se ve, toca el asunto del desempleo y de las magras posibilidades económicas de la clase pobre en un país como EE.UU. Chaplin mueve a risa con el film y presenta una evidencia de cómo estaban las cosas.

Chaplin en Luces en la Ciudad

Chaplin en “Luces en la Ciudad (1931)”

La otra joya fue “Tiempos modernos (1936)” con Paulette Goddard, la que fuera también su esposa por un tiempo. La película es muy actual, en la época que se hizo el empuje industrial era enorme, algo muy parecido a lo que sucede hoy en el campo de la cibernética. Un obrero metalúrgico interpretado por Chaplin acaba cansado con todo el remolino de la cadena de montaje en un fábrica, su cansancio, casi loco, lo lleva a un hospital. Se recupera y cae preso por sólo estar presente en una manifestación. En realidad él estaba allí ingenuamente, igual le pasa al verse involucrado en un motín, en el cual él participa sin saberlo realmente. El final de este hombre es la lucha por sobrevivir y poder hacer compañía a una joven huérfana que había conocido en estos disparatados andares.

Chaplin en Tiempos Modernos

Chaplin en “Tiempos Modernos (1936)”

En 1940, dirigió y protagonizó magistralmente “El gran dictador (1940)” con Paulette Godard nuevamente y Jack Oakie, comedia que criticaba abiertamente al fascismo y ponía una nota de esperanza y paz en el epílogo del film. El mérito de este filme fue el de anticipar la movida criminal de los nazis alemanes y los fascistas italianos. Chaplin chotea realmente a Hitler, lo imita y lo pone en el papel de ese megalómano que fue, un hombre con ambiciones de grandeza y dominio, mientras que al Duce italiano lo ridiculiza situándolo como una especie de sirviente de Hitler. Películas como estas hacen mucha falta para tantos megalómanos que hoy día existen y se creen grandes gobernantes, y para tantos corruptos en las esferas gubernamentales. Eso sí, el cine no se cansa de producir miles de películas de acción sin ningún sentido y con tramas casi iguales unas detrás de otras.

Chaplin en El Gran Dictador (1940)

Chaplin en “El Gran Dictador (1940)”

Otra obra maestra fue “Monsieur Verdoux (1947)”, cuyo comentario de Chaplin sobre la misma reproduzco a continuación: “Verdoux es un Barba Azul, un insignificante empleado de banco que, habiendo perdido su empleo durante la depresión, idea un plan para casarse con solteronas viejas y asesinarlas luego a fin de quedarse con su dinero. Su esposa legítima es una paralítica, que vive en el campo con su hijo pequeño, pero que desconoce los manejos criminales de su marido. Después de haber asesinado a una de sus víctimas, regresa a su casa como haría un marido burgués al final de un día de mucho trabajo. Es una mezcla paradójica de virtud y vicio: un hombre que, cuando está podando sus rosales, evita pisar una oruga, mientras al fondo del jardín está incinerando en un horno los trozos de una de sus víctimas. El argumento está lleno de humor diabólico, una amarga sátira y una violenta crítica social”. De hecho este filme no puede ser considerado una comedia como tal. La idea del guión fue del genial Orson Welles, luego retocado por Chaplin. La película fue censurada en EE.UU. en el pasado.

Chaplin en una escena de "Monsieur Verdoux (1947)"

Chaplin en una escena de “Monsieur Verdoux (1947)”

Llegó la caza de brujas de McCarthy y Chaplin levantó el vuelo a Suiza, donde se mantuvo buen tiempo. El gran comediante rechazaba la mordaza que McCarthy y compañía imponían en el cine norteamericano.

En las décadas de los 50 y 60, su producción fílmica se redujo notablemente, no obstante dirigió con mucho acierto la comedia “Candilejas (1952)”, en la que también actúa su amigo Buster Keaton, filme que vino a ser como una salvación para Keaton, el que estaba pasando un período nefasto en el orden económico. La trama de la película se desarrolla en Londres de inicio del siglo XX, lo cual viene a ser como un poco de nostalgia de Chaplin por la ciudad que le vio nacer. El filme tiene una banda sonora que es siempre bien recordada.

Claire Bloom y Chaplin en "Candilejas (1952)"

Claire Bloom y Chaplin en “Candilejas (1952)”

La comedia “Un rey en Nueva York (1957)” gira alrededor del rey de un país llamado Estrovia, el que por una revolución se ve forzado a emigrar a EE.UU., naturalmente con dinero robado en su país. Lo interesante es que este rey llega en un momento a ser considerado comunista, por lo cual se ve obligado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiamericanas, el mismo que McCarthy estableciera a inicios de los 50 en Hollywood. En fin, Chaplin ridiculiza los métodos de la Comisión y satiriza el mercantilismo norteamericano.

Afiche de "Un Rey en Nueva York (1957)"

Afiche de “Un Rey en Nueva York (1957)”

Su último film fue  la comedia “La condesa de Hong Kong”  (1967) protagonizada por Marlon Brando y Sofia Loren, donde hace una aparición breve en escena. Este filme dista mucho en calidad de sus anteriores realizaciones.

 Chaplin fue nominado para OSCAR:

  • como mejor actor por “El circo (1928)”,
  • como mejor actor, imagen, edición y montaje por “El gran dictador (1940)” y
  • como mejor guión y montaje por “Monsieur Verdoux (1947)”.

Obtuvo OSCAR:

  • en honor a su originalidad y genialidad en la actuación, guión, dirección y producción por “El circo (1928)”. Observen que previamente Chaplin fue nominado como mejor actor, pero la Academia decidió retirar su nombre de las nominaciones y entregarle un premio especial,
  • como mejor tema musical por “Candilejas (1952)”.
  • en honor a su carrera artística en 1972.

El gran artista murió el 25 de diciembre de 1977 en Vevaj, Suiza. En su carrera actuó en 87 filmes entre 1914 y 1967, director de 75, guionista de 62, productor de 36, compositor de 17 y editor de 55.

  •  Escrito por Esteban Hernández, 15 agosto de 2016, usando como bibliografía su obra inédita “Grandes del cine clásico de todos los tiempos, actrices y actores, vol I”

 

Siempre actual, el filme “Una jornada particular (1977)”

A Marcello (Mastroianni) lo recuerdo menos como actor que como amigo. Justamente por su naturaleza gentil se adaptaba a los directores. Y casi tomaba el lugar del director como hizo con Fellini. Pero también conmigo verdaderamente se identificaba.
Ettore Scola

El experimentado cineasta Ettore Scola (1931-2016) dirigió una película que es una verdadera joya del cine italiano de todos los tiempos, cuya trama es importante que vean las actuales y futuras generaciones. Se trata de la película “Una jornada particular (1977)”, que fuera protagonizada por Sofía Loren y Marcello Mastroianni.

Scola, a manera de referencia, fue un destacado guionista y director, quien escribió guiones para películas italianas muy conocidas, como son “La escapada (1962)”, “Brutos, feos y malos (1976)” y “La cena (1998)”, además de la película objeto de crítica en este artículo. Fue director de todas esas películas, excepto la de 1962, igualmente dirigió los dramas “La terraza (1980)” protagonizado por Ugo Tognazzi, Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant, y el estupendo “La familia (1987)” de nuevo con Gassman y Stefania Sandrelli.

¿Qué tiene “Una Jornada Particular” de interesante? Lo primero es la documentación histórica de la visita de Hitler a Roma el 3 de mayo de 1938, la misma duró toda una semana, y el führer fue recibido en la ciudad eterna con todos los honores de jefe de estado.  Sin ánimos de ofender, pero no es primera vez que vemos masas “adormecidas” rindiendo culto a su gobernante, en este caso a Benito Mussolini, y acogiendo con agrado la visita de esa bestia criminal nazi que responde al nombre de Adolf Hitler.

Afiche Una Jornada Particular

Afiche “Una Jornada Particular”

Ahí radica la grandeza del filme, el cual muestra de todo un poco:

  • dictadura con encantamiento popular, donde las grandes masas gritan vivas a su adorable líder,
  • militarismo con millares de soldados sobre las armas en Italia,
  • medios de comunicación en función del culto al gran dictador, con incesantes loas a la gestión de su líder
  • desfiles con participación masiva de la población, la que no puede faltar a la bienvenida de su nuevo invitado, con sus consiguientes gastos que nunca se recuperarán
  • machismo a la enésima potencia a nivel familiar
  • persecución a todo aquel que no comulgue con las orientaciones del dictador
  • homofobia, con niveles altos de discriminación
  • no falta algo de violencia de género
Sofía Loren y Marcello Mastroianni en una escena de Una Jornada Particular

Sofía Loren y Marcello Mastroianni en una escena de “Una Jornada Particular”

Todos esos ingredientes en una película que vale la pena ver. La trama mejor no pudo ser mejor, donde los problemas arriba mencionados fueron tejidos con una increíble coherencia.

Sofía Loren como siempre, fantástica, bella, a pesar de no salir con atuendos elegantes, interpreta su rol con plena seguridad y tal parece que ella es la mismísima sufrida Antonietta. Marcello Mastroianni es la eficiencia histriónica en el papel que se le dé. Esta vez fue nuevamente muy convincente. Ambos pasan a la historia del cine como el dúo probablemente más destacado del cine europeo y uno de los tres mejores del cine de todos los tiempos.

Si no han visto aún esta película, se las recomiendo, seguro estoy que no lamentarán el tiempo invertido en verla.

 Escrito por Esteban Hernández, 3 agosto 2016

Filme muy actual: Siete días de Mayo (1964)

El golpe militar representa, en la época moderna,
la más horrenda, atroz y necia forma de asalto
”.
Ali Ahmad Said Esber: Escritor, poeta, ensayista,
profesor y traductor sirio

 “La ambición de poder es una mala hierba que sólo
crece en el solar abandonado de una mente vacía”
.
Ayn Rand, seudónimo de Alisa Zinovyevna Rosenbaum.
Filósofa y escritora ruso-estadounidense (1905-82)

El filme “Siete días de mayo (1964)” fue una de las grandes obras del director John Frankenheimer, que contó con un reparto impresionante: Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner, Fredric March, Edmond O´Brien y Martin Balsam, casi nada diría cualquier experto en cine.

Afiche de Siete dias de mayo

Afiche de “Siete dias de mayo”

Se dice actual al abordar un tema que tiene dos aspectos que hoy en día ocurren y se discuten. Por un lado un alto oficial del ejército norteamericano intenta dar un golpe de estado al presidente, hombre de paz y que llega a acuerdos importantes de desarme. Por otro, la posibilidad de que una persona impulsiva quiera llegar a gobernar para imponer todo su poder al resto de la población y del mundo igualmente.

Burt Lancaster caracterizó bien a ese tipo de militar ambicioso, capaz de inventar argumentos falsos para lograr su objetivo. Kirk Douglas, un hombre que simpatizaba con su jefe (Lancaster), es la cara del militar justo que honra verdaderamente a su constitución. Inimaginable que dentro de las filas de un ejército se tejan tantas artimañas para derrotar a un presidente. La trama del filme fue tomada de la novela de los escritores Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II. Los militares golpistas instalan una base de operaciones secretas previendo el levantamiento final en un plazo de siete días, de ahí el título de la película.

Lancaster prepotente y amenazador al lado de Kirk Douglas, sensato y fiel a la constitución

Lancaster prepotente y arrogante, al lado de Kirk Douglas, sensato y fiel a la constitución

Los golpes de estado se hicieron muy populares en la década de los 60 en América Latina, bastaba darlos y Washington DC les daba su bendición, era la época cruda de la Guerra Fría. Se decía que el terror rojo estaba a la vuelta de la esquina, cruzado de brazos los militares no se quedaban y cuanto presidente moderado llegara al poder, pues era menester de sustituirlo por un general despiadado, capaz de arrollar masas para evitar cualquier rebelión.

La intentona de golpe de estado de la película iba dirigida precisamente a sacar a un pacifista del poder. Por suerte, estos movimientos ya no son tan frecuentes en el llamado Tercer Mundo, son muy condenados en general y cuando suceden es porque puede haber varios motivos para ello, aunque nada de esto lo justifica realmente. Muy pocos golpes han tenido buenas intenciones como tal, al final aquellos que los dirigen, terminan erigiéndose como monarcas en los países donde triunfan.

Lo peor de los golpes es lo que siempre viene detrás de ellos, eso que se llama represión, sea del que triunfa con el golpe o de aquel que lo logra revertir. Lo que estamos viendo ahora es la segunda moción en el golpe más reciente, movimiento revertido con exceso de represión, donde pagan también justos por pecadores.

El otro aspecto actual es que una persona impulsiva o carente de mesura llegue a gobernar en una potencia nuclear. Poner los botones de armas atómicas en manos de tales personas no parece muy sensato. Sucede que en las potencias vota la población del país pero no la de otros países que pueden verse afectados. Los intereses nacionalistas priman, muchas veces egoístas, y sale el gobernante menos indicado. Los pobladores votantes de países potencias nucleares deben tener en cuenta que si un demente llega al poder, el desastre puede tocarle a sus puertas primero que a los adversarios. Una guerra nuclear tiene graves consecuencias para el futuro de la humanidad y es necesario poner todos los esfuerzos en que sea gente cuerda la que gobierne.

En los años 60 hubo un candidato republicano presidencial, de nombre Barry Goldwater, personaje que en sus discursos no escondía sus intenciones de entrar en guerra con la URSS y de quitar toda financiación a las Naciones Unidas. Cuando veía la película, Lancaster me recordaba a Goldwater, de quien sé que había sido piloto durante la II Guerra Mundial y luego político en Phoenyx antes de llegar a ser candidato republicano a la presidencia. Para suerte del mundo y su país, este candidato nunca llegó al poder.

Volviendo al filme, el actor Edmond O’Brien, un quasi eterno acompañante en filmes protagonizados por Burt Lancaster o Ava Gardner- recordemos “Forajidos (1946)” y “El hombre de Alcatraz (1962)”- se llevó el premio OSCAR y Globo de Oro como mejor actor secundario en esta película, mientras que el director Frankenheimer obtuvo nominación para Globo de Oro como mejor director y Fredric March como mejor actor en drama, a la vez que se llevaba el premio David Donatello esta categoría.

Información del filme extraída de IMDB.com y de Filmaffinity.com

 

Escrito por Esteban Hernández, 22 julio de 2016

La fecunda carrera artística de dos grandes del cine: Sydney Greenstreet y Peter Lorre

Desconfío de los hombres callados.
Aprovechan el peor momento para hablar
y siempre dicen lo que no deben
”.
Sydney Greenstreet en el papel de
Kasper Gutman en “El Halcón Maltés (1941)”.

Soy el último de los actores de mi era.
Estoy completamente solo,
y ello me entristece
”.
Peter Lorre antes de morir en 1964

El cine de hoy está lleno de efectos especiales, mucha tecnología, pero a veces no hay arte realmente. Las películas de acción y crimen son pan nuestro de cada día, a la vez que se repiten remakes que a pocos les interesan. Es cierto que han aparecido filmes biográficos interesantes, pero la magia del cine clásico es como si hubiera desaparecido.

Cuando esas cosas suceden uno rememora películas, sus protagonistas y co-protagonistas. Es como si una nostalgia a uno lo invadiera. No me hacen falta películas 3D, no necesito multicolores, hasta con un blanco y negro me conformo, pero quiero ver películas con tramas de calidad.

Precisamente un dúo de actores que siempre recuerdo y que a ratos veo en las películas coleccionadas, es el que hicieron Sydney Greenstreet y Peter Lorre.

El primero de ellos, Greenstreet, era un hombre obeso,  cuyo nombre completo es Sydney Hughes Greenstreet, nacido el 27 de diciembre de 1879 en Sandwich, Kent, Inglaterra, miembro de una familia de ocho hermanos, que a la temprana edad de 18 años se fue a Ceylán, hoy Sri Lanka, para ganarse la vida en la producción de té. El negocio no le dio los dividendos esperados y el joven Sydney regresó a su patria. Fue entonces que le dio la idea de actuar en teatro, para lo cual estudió interpretación y finalmente debutó en las tablas en 1902. La primera obra en la que actuó era del escritor Arthur Conan Doyle, creador del detective Sherlock Holmes. En la misma Greenstreet interpretó el papel de asesino.

En las tablas se mantuvo hasta 1930 y luego se trasladó a EE.UU. para actuar en teatros de Broadway y en otras partes de Norteamérica. Estaba Greenstreet actuando en la obra de Robert E. Sherwood “There shall be no night” (No habrá otra noche) en el Teatro Biltmore de Los Ángeles  cuando el entonces joven cineasta, John Huston, le echó el ojo a Greenstreet. Huston ya en aquella época deseaba estrenarse como director con una obra compleja, la que conocimos en cine como “El Halcón Maltés” y para cuyo rol protagónico había escogido a Humphrey Bogart en contra de la opinión de la productora, la que deseaba a George Raft en ese papel. Lo otro era buscar los actores y actrices apropiados para co-protagonizar un filme que se convertiría de hecho en el primer éxito en el género de cine noir o cine negro.

Sydney Greenstreet

Sydney Greenstreet, cortesía doctormacro.com

Greenstreet era la mejor opción para interpretar al perverso de Kasper Gutman en el filme ya mencionado. Le ayudaba su acento inglés, su carácter flemático para comportarse, siempre dando la impresión que él era Gutman y no Greenstreet.

Ese punto que era Gutman necesitaba de otro, que lo interpretara un hombre algo débil, depravado y cobarde de acción. Ese ser aborrecible era el de Joel Cairo. Huston no se equivocó cuando escogió a un actor judío-húngaro, con mucha experiencia en el cine y teatro de Europa Central, de nombre real László Löwenstein y artísticamente conocido como Peter Lorre, nacido el 26 de junio de 1904 en Rózsahegy, entonces territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que actualmente es parte de la República de Eslovaquia. Lorre escapó de su casa a temprana edad para trabajar como oficinista en banco a la vez que se entrenaba para actuar en teatro, donde debutó en una obra en Zurich. Como actor teatral se mantuvo actuando en teatros de Austria, Suiza y Alemania. Inicialmente trabajó para el director Bertold Brecht y fue allí que otro director, el famoso Fritz Lang, le invitó a protagonizar el filme de horror “M, el vampiro de Dusseldorf  (1931)”, donde Lorre interpretó el papel del psicópata y asesino de niños, el que luego era buscado por toda la población del lugar de los crímenes.

Lorre huyó de Alemania en 1933, supo oler anticipadamente lo que le vendría encima por su condición de judío. Para ponerse a salvo y continuar su trabajo, se trasladó a EE.UU., donde de inmediato actuó en la primera versión del filme de Alfred Hitchcock, “El hombre que sabía demasiado (1934)”. Posteriormente el famoso director alemán Josef von Sternberg le dio el papel de Raskolnikov para protagonizar el filme “Crimen y castigo (1935)” basado en la obra homónima de Fiodor Dostoyevski. Más tarde comenzó a encarnar el papel del detective japonés Kentaro Moto, lo cual hizo en un total de ocho filmes entre 1937 y 1939, todo esto además de otros papeles interpretados en filmes de suspense y crimen.

Peter Lorre en el papel de Mr. Moto

Peter Lorre en el papel de Mr. Moto, cortesía doctormacro.com

Huston tuvo su otro cabo con Lorre, quien interpretó de maravillas el papel de Joel Cairo en “El Halcón Maltés (1941)”. La prepotencia de Greenstreet, la cobardía y bajeza de Lorre combinado con la desfachatez de Humphrey Bogart en el papel del detective Sam Spade y la actitud nada sincera de Brigid O’Shaughnessy interpretado por Mary Astor, fueron elementos del éxito de una película que logró tres nominaciones para OSCAR, uno de ellos de Huston como director y otro de Greenstreet como actor de reparto.

Bogart, Lorre, Mary Astor y Greenstreet en El Halcón Maltés 1941

Bogart, Lorre, Mary Astor y Greenstreet en “El Halcón Maltés 1941”

Esta película para Greenstreet marcó su debut en el cine, lo que sucedió cuando ya tenía 62 años, pero también fue el inicio de la colaboración de los actores y actriz mencionados en otros filmes. A veces actuaban todos, otras veces algunos. Lorre actuó en “A través de la noche (1941)” nuevamente con Bogart.

Lorre en una escena de A través de la noche (1941)

Lorre en una escena de “A través de la noche (1941)”

Mary Astor, Bogart y Greenstreet se vieron juntos en el film de acción-bélico “A través del Pacífico (1942)” de Huston con la colaboración de Vincent Sherman. Esta vez Bogart y Mary Astor terminan en romance, mientras Greenstreet interpreta el papel del Dr. Lorenz.

El drama romántico “Casablanca (1942)” de Michael Curtiz juntó nuevamente a Lorre- Greenstreet al dúo romántico de Ingrid Bergman y Humphrey Bogart. Lorre fue aquí el desdichado Ugarte, ente clave en la trama de la película, mientras que Greenstreet es el italiano residente, con algo de opulencia y soluciones a la mano.

Afiches de películas de Greenstreet o Lorre o ambos con Humphrey Bogart

Afiches de películas de Greenstreet o Lorre o ambos con Humphrey Bogart

El director Raoul Walsh llevó al dúo de Greenstreet- Lorre a actuar en otro filme bélico con ribetes de suspense, “Background to danger (1943)” (Antecedente del peligro), película protagonizada por George Raft. Nuevamente Greenstreet es un odioso ente nazi, mientras Lorre interpreta el papel de un supuesto personaje ruso.

Para Lorre era importante personalmente participar en estos filmes bélicos con argumentos contra los nazis. Su condición de judío y hombre sufrido por los suyos le movían a estas actuaciones. Tay Garnett no dudó en darle a Lorre el papel de un oficial en “La Cruz de Lorena (1943)”.

Curtiz nuevamente los juntó en el filme bélico “Pasaje para Marsella (1944)”, donde Lorre es la persona capaz de sacrificarse para salvar a los demás, un papel inédito para él, pero Greenstreet es el malvado Mayor Duval, abiertamente simpatizante de la causa de los nazis, al que Bogart (Jean Matrac) debe enfrentarse con coraje.

Afiches de otros filmes con Greenstreet, Lorre o ambos

Afiches de otros filmes con Greenstreet, Lorre o ambos

Otro film intrigante fue “La Máscara de Dimitrios (1944)” de Jean Negulesco. Lorre interpretó el papel del escritor Cornelius Leyden, mientras que Greenstreet junto a Zachary (Dimitrios) llevan la responsabilidad del protagonismo principal de este filme de cine negro.

“Los conspiradores (1944)” de Negulesco unió a Greenstreet y a Lorre en otra película de suspense e intrigas. Esta vez el inglés interpretó el papel de un líder antifascista, mientras Lorre interpretaba uno próximo a su nacionalidad original. El director de este filme finalmente les dio a estos dos actores y a Geraldine Fitzgerald, papeles protagónicos del filme de cine negro “Tres extraños (1946)”.

Sydney Greenstreet interpretó el papel de un hombre astuto, al cual no le pudo engañar un asesino como Bogart en el filme de crimen “Retorno al abismo (1945)” de Curtis Bernhardt y que contó con el protagonismo de la actriz Alexis Smith.

Greenstreet-Lorre co-protagonizaron el film de misterio “El veredicto (1946)” de Don Siegel, donde el primero es el investigador de un caso de asesinato, el que se complica cuando su testigo principal es igualmente asesinado. Esta fue la última vez que se vio en pantalla al gran dúo.

En lo sucesivo Greenstreet actuó en otros filmes, como fueron:

  •  Los dramas “Predilección (1946)” de Bernhardt con Ida Lupino y Olivia De Havilland, filme sobre la vida de las hermanas escritoras Brontë.
  • “Los vencedores (1947)” de Jack Conway con Clark Gable, Deborah Kerr y Ava Gardnder
  • “La mujer de blanco (1948)” de Peter Godfrey con Alexis Smith y Eleanor Parker,
  • El drama romántico “Flamingo road (1949)” (Calle Flamingo) de Curtiz con Joan Crawford y Zachary Scott
  • El film de aventura “Malaca (1949)” de Richard Thorpe con Spencer Tracy y James Stewart, que fuera su último filme.

El actor inglés en cuestión actuó en 24 películas en el período de 1941 a 1949 y obtuvo una nominación a Oscar como ya se indicó. Greenstreet murió el 8 de enero de 1954 en Hollywood, California.

Por su parte, Lorre tuvo otras interpretaciones notables en el período de los 40, entre ellas:

  •  Las comedias-filmes de misterio o terror “Arsenico por compasión (1944)” de Frank Capra con Cary Grant y Raymond Massey, donde Lorre es un hombre siniestro perseguido por la justicia.
  • “Morena y peligrosa (1947)” de Elliot Nugent con Bob Hope y Dorothy Lamour.
  • El filme de crimen-musical “Casbah (1948)” de John Berry con Yvonne DeCarlo y Tony Martin
  • El filme de aventura “Soga de arena (1949)” de William Dieterle con Burt Lancaster y Corinne Calvet.

En las décadas de los años 50 y 60 actuó en:

  •  El drama-film de crimen “El hombre perfecto (1951)” de su propia dirección con Karl John, film rodado en Alemania
  • La comedia “La burla del diablo (1953)” de John Huston con Bogart y Jennifer Jones
  • El film de aventura “Congo crossing (1956)” (El cruce de Congo) de Joseph Pevney con George Nader
  • El drama “El gran circo (1959)” de Joseph M. Newman con Victor Mature, donde Lorre interpretó el papel de un payaso
  • Los filmes de ciencia ficción “20000 leguas de viaje submarino (1954)” de Richard Fleischer con Kirk Douglas y James Mason,
  • “Viaje al fondo del mar (1961)” de Irwin Allen con Walter Pidgeon y Joan Fontaine
  • Las comedias “La vuelta al mundo en 80 días (1957)” de Michael Anderson,
  • “El cuervo (1963)” de Roger Corman con Vincent Price y Boris Karloff,
  • “La comedia de los terrores (1963)” de Jacques Tourneur con Price,
  • “The sad sack (1957)” (El triste saco) de George Marshall,
  • Su última presentación en la gran pantalla, “Jerry calamidad (1964)” de Jerry Lewis, donde a Lorre se le vio algo obeso en escena.

Lorre obtuvo del German Film Awards una mención en  honor a su actuación en “El hombre perfecto (1951)”.

A la escasa edad de 60 años este actor murió el 23 de marzo de 1964 en Los Ángeles. En su carrera logró actuar en 112 filmes entre 1929 y 1964, además de ser guionista y director de un filme.

Bibliografía consultada

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos, vols. I y II (inédito).

Proudfit Scout. 2003. Peter Lorre y Sydney Greenstreet. Backstage, 3 junio. http://www.backstage.com/interview/peter-lorre-and-sydney-greenstreet/

Escrito por Esteban Hernández, 20 julio de 2016

Olivia De Havilland cumplió cien años

Personajes famosos sienten que deben estar perpetuamente
en la cresta de la ola, sin darse cuenta de que está en
contra de todas las reglas de la vida. No se puede estar
en la cima todo el tiempo, no es natural“.
Olivia De Havilland

El pasado 1 de julio de 2016 la actriz Olivia De Havilland cumplía 100 años, algo que se dice fácil, pero no lo es. Se trata de una de las exponentes principales del cine clásico norteamericano, la que se destacó interpretando los más diversos papeles, mujer de buenas intenciones, malvada,  psíquicamente afectada, lo que se le ocurriera al director de turno, por lo que supo protagonizar dramas, comedia, filmes de acción y suspense.

Olivia Mary nació en Tokyo, Japón, hija de padre, abogado británico, Walter de Havilland, especializado en patentes internacionales, y la actriz Lillian Ruse, de donde le vino el arte a ella y a su hermana, la ya difunta y también destacada actriz Joan Fontaine. Los padres de Olivia y Joan se separaron y ellas con su madre emigraron a California en 1919.

Olivia De Havilland

Olivia De Havilland. Cortesía doctormacro.com

Ya en California, Olivia interpretó varios papeles en teatro dentro del Mills College de Oakland y en el cuerpo artístico del Community Players de Saratoga. En estas faenas el director Max Reinhardt la descubrió actuando en la obra “El sueño de una noche de verano” y la llevó al cine, donde debutó en papel secundario precisamente de la comedia-drama “El sueño de una noche de verano (1935)” dirigida por William Dieterle y el propio Reindhardt.

En ese mismo período Olivia comenzó su colaboración con el director de origen húngaro Michael Curtiz y con el actor de origen australiano Errol Flynn. El primer film fue el de aventura “Capitán Blood (1935)”, al que le siguieron:

  • Los filmes de aventura “La carga de la brigada ligera (1936)”,
  • “Robin de los bosques (1938)”, donde Olivia interpretó el papel de Marian
  • El drama “La vida privada de Elizabeth y Essex (1939)”, que contó con el protagonismo de Bette Davis
  • La comedia “El hombre propone (1938)”
  • Los oestes “Dodge, ciudad sin ley (1939)”,
  • “Camino de Santa Fé (1940)”
Con Errol Flynn en la Carga de

Con Errol Flynn en “La carga de la brigada ligera”, cortesía doctormacro.com

Se sabe que la relación con Flynn rebasó los límites del arte y entró en la intimidad de ambos. Flynn aseveró haber querido casarse con Olivia, pero ella no aceptó la propuesta pues el actor aún no había formalizado su divorcio de su entonces actual esposa.

Con Errol Flynn en Vidas Privadas de Elizabeth y Essex

Con Flynn en “La vida privada de Elizabeth y Essex”, cortesía doctormacro.com

Otras actuaciones en la década de los 30 Olivia tuvo en:

  •  El film de aventura “El caballero Adverse (1936)” de Mervyn LeRoy con Fredric March
  •  Las comedias “The great Garrick (1937)” (El gran Garrick) de James Whale con Brian Aherne,
  • “Es amor lo que busco (1937)” de Archie L. Mayo con Leslie Howard y Bette Davis

Su primer gran éxito llegó con la interpretación de Melanie Hamilton en el inolvidable drama “Lo que el viento se llevó (1939)” de Victor Fleming con Clark Gable, Leslie Howard y Vivien Leigh. La realidad es que a Olivia le llegó por carambola ese papel. Inicialmente George Cukor- director del filme, el cual tuvo que renunciar a ese trabajo por sus serias divergencias con el actor Clark Gable- había llamado a Joan Fontaine, hermana de Olivia para que interpretara el papel de Melanie, pero Joan quiso en su lugar interpretar el principal de Scarlett O’Hara, y Cukor no lo aceptó. Al final Joan les aconsejó que hablaran con su hermana si querían a alguien para interpretar a Melanie. La propuesta de Joan fue por despecho, ya que ambas hermanas siempre fueron rivales y no eran capaces de comerse un plato juntas. Así las cosas Olivia aceptó y se anotó un gran éxito con la interpretación de este papel de mujer bondadosa y humilde.

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Con Vivien Leigh (izq.) en “Lo que el viento se llevó”, cortesía doctormacro.com

Nuevos éxitos vendrían en la década de los 40,  como fueron en:

  • El drama “Si no amaneciera (1941)” de Mitchell Leisen con Charles Boyer
  • Protagonizando las comedias románticas “Pelirroja (1941)” de Raoul Walsh con James Cagney y Rita Hayworth,
  • “The male animal (1942)” (Animal macho) de Elliott Nugent con Henry Fonda
  • El film de guerra “Murieron con las botas puestas (1941)” de Walsh, con Flynn por última vez

Después de esta actuación con Flynn, Olivia entabló un pleito judicial con la Warner debido a que ella consideraba que los papeles que se le daban no estaban acorde con su capacidad interpretativa y que en muchas ocasiones era relegada a papeles de reparto. La demanda presentada estaba al amparo de la ley “anti-peonaje” de California, que prohibía a los dueños de negocios reducir a los empleados a simples sirvientes. La decisión final del pleito le fue favorable,  con lo que podría interpretar mejores papeles, pero la Warner en represalia la hizo esperar tres años para darle nuevos papeles. La demanda favorable a Olivia tuvo repercusión en Hollywood y ayudó a otros grandes actores a beneficiarse con la misma al poder firmar contratos con mejores cláusulas.

A la gran pantalla volvió protagonizando:

  • El suspense “A través del espejo (1946)” de Robert Siodmak con Lew Ayres y Thomas Mitchell
  • Los dramas “La vida íntima de Julia Norris (1948)” de Mitchell Leiden con Mary Anderson, con trama sobre una mujer soltera que se le separa de su hijo, luego prospera y ella sigue a su hijo de por vida y de lejos
  • “Nido de víboras (1948)” de Litvak con Mark Stevens
  • El inolvidable “La heredera (1949)” de William Wyler con Montgomery Clift
Afiches de películas protagonizadas por Olivia De Havilland

Afiches de películas protagonizadas por Olivia De Havilland

Todas estas actuaciones pueden catalogarse de calidad y muy superiores a la de Melanie Hamilton en “Lo que el viento se llevó”, además que mostró la versatilidad artística de Olivia.

En la década de los 50, Olivia actuó menos en la gran pantalla y con más frecuencia en el teatro y la TV. Aún así tuvo actuaciones interesantes en:

  • El romance-film misterio “Mi prima Raquel (1952)” de Henry Koster con Richard Burton
  • El drama “No serás un extraño (1955)” de Stanley Kramer con Robert Mitchum y Frank Sinatra
  • El oeste “El rebelde orgulloso (1958)” de Michael Curtiz con Alan Ladd
  • El drama romántico “Luz en la ciudad (1962)” de Guy Green con Rossano Brazzi
  • El film de horror “Canción de cuna para un cadáver (1965)” de Robert Aldrich con Bette Davis y Joseph Cotten

En los 70 sus actuaciones se redujeron a papeles de reparto en:

  • Los filmes de acción “Aeropuerto ’77 (1977)” de Jerry Jameson con Jack Lemmon y Lee Grant,
  • “El enjambre (1978)” de Irwin Allen con Michael Caine y Richard Widmark
  • El film de aventuras “El quinto mosquetero (1979)” de Kenn Annakin con Beau Bridges y Ursula Andress, que fue la última vez que se le vio en la gran pantalla.

Igualmente trabajó para la TV:

  • Protagonizó el drama “Noon wine (1966)” (Vino de tarde) de Sam Peckinpah con Jason Robards
  • El film de horror “The screaming woman (1972)” (La mujer gritona) de Jack Smight con Ed Nelson
  • Actuó en papeles de reparto del film de crimen “Murder is easy (1982)” (El asesinato es fácil) de Claude Whatham con Bill Bixby y Lesley-Anne Down
  • de los dramas “The royal romance of Charles and Diana (1982)” (El romance real de Carlos y Diana) de Peter Levin con Catherine Oxenberg y Christopher Baines, donde interpreta el papel de la reina Isabel
  • “Anastasia: el secreto de Anna (1986)” de Marvin J. Chomsky con Amy Irving
  • “The woman he loved (1988)” (La mujer que él amó) de Charles Jarrott con Anthony Andrews y Jane Seymour

Olivia en total actuó en 60 filmes entre 1935 y 1988, reside en París, Francia desde hace 60 años y es la única superviviente de las estrellas que protagonizaron “Lo que el viento se llevó (1939)”. Olivia siempre mantuvo una eterna rivalidad con su hermana, la que se agudizó cuando Joan Fontaine le arrebató el OSCAR como mejor actriz protagonista con “Sospecha (1941)” y Olivia quedara solo como nominada por “Si no amaneciera (1941)”. Esta rivalidad fue alimentada por su madre, la que sentía predilección por Olivia.

Olivia De Havilland 2

Olivia De Havilland en años recientes

Nominada para OSCAR como mejor actriz por “Si no amaneciera (1941)” y “Nido de víboras (1948)”, así como mejor actriz de reparto por “Lo que el viento se llevó (1939)”. Obtuvo OSCAR como mejor actriz por “La vida íntima de Julia Norris (1946)” y “La heredera (1949)”.

 Nominada para Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Mi prima Raquel (1952)”. Obtuvo Globo de Oro como mejor actriz por “La heredera (1949)”, y como mejor actriz de reparto en mini-series para la TV por “Anastasia: el secreto de Anna (1986)”.

Obtuvo cinta de plata del sindicato italiano de cronistas de cine como mejor actriz en film extranjero, copa de zorros en el festival de Venecia y premio del National Board Review de EE.UU. como mejor actriz por  “Nido de víboras (1948)”.

Obtuvo premios como mejor actriz del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York por “Nido de víboras (1948)” y “La heredera (1949)”.

 Con 92 años recibió la Medalla Nacional de las Artes y con 94 años fue nombrada Caballero de la Legión de Honor, una distinción otorgada por el Presidente de la República Francesa.

Apareció por última vez en público en la ceremonia de entrega de los premios César de 2011, ocasión en la que la actriz Jodie Foster la presentaran. La ovación a Olivia no se hizo esperar.

 

Escrito por Esteban Hernández el 15 julio de 2016, con información extraída de su propia obra (inédita) “Grandes del cine clásico de todos los tiempos”, Vol. I (A-L).

Un mito del cine de todos los tiempos, Marlene Dietrich

Un país sin burdeles es como una casa sin baños”   Marlene Dietrich

En días pasados estuve en un hotel y al llegar a la habitación, muy cómoda, por cierto, me encontré un cuadro de la famosa actriz Marlene Dietrich, a la que considero como una de las mejores vedettes y actrices del cine del mundo.

No escondo mis simpatías por ella, recuerdo que fue ella quien hace parte de la narración en el documental “Fascismo corriente o Fascismo ordinario (1965)” de producción soviética del director Mikhail Romm, el cual narra parte de los crímenes cometidos por los nazis durante la II Guerra Mundial. De hecho Marlene fue una antifascista destacada. Rechazó la invitación de Goebbels de regresar a Alemania, ya que  Hitler quería convertirla en la estrella del cine del Reich. Sobre ese asunto ella declaró: “Cuando abandoné Alemania oí por la radio un discurso de Hitler y fui presa de un gran malestar. No, jamás podría volver a mi país mientras semejante hombre fanatice a las masas”.

Marlene Dietrich

Marlene Dietrich en el cuadro del hotel

El nombre real de esta actriz es Marie Magdalene Dietrich, nacida el 27 de diciembre de 1901 en Schöneberg, hija de un policía y de una dama de buena cuna. En el seno familiar recibió una educación formal muy severa que cuidaba tanto sus modales y educación como su manera de vestir, lo cual le ayudó en el futuro a introducirse en el mundo del arte, en este caso, el canto y el cine.

A la edad de 19 años Marlene intentó entrar en la Deutsche Theaterschule, pero el avezado director teatral, Max Reinhard, la rechazó. Dos años después pudo lograr su objetivo, que le permitió actuar en teatro como en cine. Su filmografía dice que su primera actuación en cine fue  como actriz de reparto del film “Im schatten des glücks (1919)” (En la sombra de la suerte) de Georg Jacoby y Luise Fleco, por lo que de ser cierto, Marlene entró a cursar estudios en la Deutsche Theaterschule cuando ella tenía 18 años. Más tarde actuó en otras películas como “Los hombres son como esto (1922)” de Jacoby y “Un hombre al borde del camino (1923)” de William Dieterle.

Durante la filmación de “Tragedia de amor (1923)” del director Joe May, conoció y se casó con Rudolf Sieber en 1924, con quien tuvo su único hijo de por vida. Ya para ese entonces Marlene era una actriz solicitada y trabajó para Alexander Korda en “La moderna Du Barry (1926)” y para Gustav Ucicky en “Cuando la mujer pierde su camino (1927)”. Pocos años después conoció al director Joseph von Sternberg, con quien estableció una colaboración estrecha. El primer filme de ambos fue el clásico “El ángel azul (1930)”, donde Marlene interpreta el papel de la perversa Lola Lola, la que logra atraer y engatusar al recto profesor Rath (Emil Jannings). Ese filme fue todo un éxito a nivel mundial y fue el que prácticamente le abrió las puertas de Hollywood a Marlene.

Marlene Dietrich y Emil Jannings en una escena del Ángel Azul

Marlene Dietrich y Emil Jannings en una escena de “El Ángel Azul (1930)”. Cortesía doctormacro.com

En la meca del cine su primera película fue al lado de un joven galán de nombre Gary Cooper, en el romance “Marruecos (1930)” dirigido por Sternberg. Tal película garantizó la taquilla y dicen los chismosos que Marlene tuvo un romance real con el galán norteamericano.

Sternberg la dirigió en el romance “Fatalidad (1931)”, donde Marlene actuó junto con el actor inglés Victor McLaglen, aquí la actriz alemana interpreta el papel de espía austriaca dentro de las filas soviéticas. Luego actuó en el filme de aventura-drama “El expreso de Shanghai (1932)”, además de:

  • “La Venus rubia (1932)” al lado de Cary Grant,
  • “Capricho imperial (1934)” con John Lodge,
  • “El diablo es una mujer (1935)” con Lionel Atwill y César Romero

Terminada su labor con Sternberg, Marlene actuó en películas de otros directores, como fueron:

  • El drama romántico “Deseo (1936)” de Frank Borzage con Gary Cooper nuevamente
  • Los filmes de aventuras “El jardín de Alá (1936)” de Richard Boleslawski con Charles Boyer
  • “La condesa Alexandra (1937)” de Jacques Feyder con Robert Donat
  • El oeste “Arizona (1939)” de George Marshall con James Stewart
  • El film de aventura “Siete pecadores (1940)” de Tay Garnett con John Wayne y Broderick Crawford
Marlene Dietrich con John Wayne en Siete Pecadores

Marlene Dietrich con John Wayne en “Siete Pecadores 1940)” Cortesía doctormacro.com

Marlene obtuvo la nacionalidad americana antes del inicio de la II Guerra Mundial y participó activamente en faenas de venta de bonos y en comitivas de artistas que fueron al frente para entretener a los soldados de los aliados.

Sus mejores interpretaciones en la década de los 40 fueron en:

  • La comedia “La llama de Nueva Orleans (1941)” de René Clair con Bruce Cabot
  • El drama “Manpower (1941)” (Poder humano) de Raoul Walsh con Edward G. Robinson y George Raft
  • El oeste “Los usurpadores (1942)” de Ray Enright con Randolph Scott y John Wayne
  • La comedia “Capricho de mujer (1942)” de Mitchell Leisen con Fred MacMurray
  • El film de aventura “El principe mendigo (1944)” de William Dieterle con Ronald Colman
  • La comedia “Berlín Occidente (1948)” de Billy Wilder con Jean Arthur
  • El film de misterio “Pánico en la escena (1950)” de Alfred Hitchcock con Jane Wyman

Su actividad decreció en la década de los 50 y en lo sucesivo, así actuó en:

  • El oeste “Encubridora (1952)” de Fritz Lang con Arthur Kennedy
  • El famoso drama “Testigo de cargo (1957)” de Billy Wilder con Tyrone Power y Charles Laughton
  • El film de crimen “Sed de mal (1958)” de Orson Welles con Charlton Heston, Janet Leigh y el propio Welles
  • El drama histórico “Vencedores o vencidos (1961)” de Stanley Kramer con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Montgomery Clift y Maximilian Schell entre otros

Después de esta interpretación de 1961, Marlene apareció rara vez en la gran pantalla, ya que desde entonces se dedicó a actuar más en el teatro. Regresó al cine brevemente para actuar en papel de reparto del drama “Gigoló (1979)” de David Hemmings con David Bowie y Sydne Rome. De hecho actuó en 54 filmes entre 1919 y 1979, mientras que la década de los 60 se había dedicado más a la música en los 60, ya que fueron varios los discos grabados en EEUU y Europa.

Marlene fue nominada para OSCAR como mejor actriz por  su actuación en “Marruecos (1930)”, mientras que recibió nominación de Globo de Oro como mejor actriz en drama por “Testigo de cargo (1957)”. Obtuvo premio en honor a su carrera artística de parte del German Film Awards.

Es muy acertado afirmar que Marlene fue uno de los grandes mitos del cine, la que gozó de simpatías de muchos cinéfilos. Su canto y baile adornaron aún más sus actuaciones. Fue una persona muy liberal, era bisexual y no se escondía para decir que lo era. Tuvo romances con reconocidos actores como también con otras actrices, algunas de las cuales trataban de guardar el secreto por los prejuicios existentes. Eso a Marlene poco le interesó, lo decía abiertamente que si le gustaba un hombre o una mujer, y lo podía disfrutar, no perdía la oportunidad.  Se enorgullecía de haber dormido y tener sexo con tres de los Kennedy: Joseph P. Kennedy, Joseph P. Kennedy Jr. y John F. Kennedy. Resultó encinta de su relación con James Stewart, pero al final abortó, al de lo cual Stewart no supo en ese momento.

Marlene vivió en París los últimos años de su vida, gustaba del ambiente de la capital francesa y allí murió el 6 de mayo de 1992. Sus restos fueron llevados a Berlín, donde allí descansan y existe la Marlene Dietrich Platz.

Su mirada en el cuadro me clavó fuertemente cuando llegué al cuarto del hotel, y no tuve otro remedio que fotografiarla y escribir este breve esbozo sobre su vida.

Bibliografía consultada

Anon. Marlene Dietrich. Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dietrich.htm

Anon. Marlene Dietrich. El Mundo.es http://www.elmundo.es/larevista/num106/textos/madie1.html

Hernández Esteban (inédito). Grandes del cine clásico de todos los tiempos- Actrices y actores I Volumen (A-L).

Escrito por Esteban Hernández, 8 julio de 2016

Un adiós al gran comediante, Bud Spencer

“Hay dos tipos de éxito que yo distingo: el primero es en el deporte y nadie me lo puede quitar. El segundo es lo que el público decidió darme y que a la vez me permitió actuar en muchas películas”.  Bud Spencer

El pasado 27 de junio murió un famoso comediante italiano, me refiero al conocido Bud Spencer, cuyo nombre real es Carlo Pedersoli, nacido el 31 de octubre de 1929 en Nápoles, Italia, y que actuó en 78 filmes entre 1951 y 2013, guionista de 9 y productor de tres películas.

Bud Spencer

Bud Spencer en Berlín, Alemania, 14/VI/2011, en la promoción de su autobiografía “Mein Leben, mein film”. Foto: Vipflash-Shutterstock.com

La familia de Spencer emigró en 1947 a América del Sur, pero dos años después regresaba a Italia para convertirse en un excelente nadador. En 1950 estableció record italiano de menos de un minuto en la modalidad de 100 metros libres, en la que a su vez fue siete veces campeón nacional. En este deporte representó a Italia en varios  Juegos del Mediterráneo, así como en los Juegos Olímpicos de Helsinki (1952), Melbourne (1956), y Roma (1960). En estas dos últimas olimpiadas fue miembro también del equipo nacional italiano de polo acuático, el cual llegó a semifinales.

Spencer se hizo famoso haciendo dúo en pantalla con otro nadador, Terence Hill (Mario Girotti), con quien protagonizó un buen número de comedias-filmes de acción sumamente divertidas. Él era el gordo barbudo, mientras Hill era el hombre apuesto.

Como actor debutó en el cine en el film de acción “Vacanze col gangster (1951)” (Vacaciones con el gángster) de Dino Risi, donde por coincidencia debutaba también Terence Hill en cine, luego actuó en otro papel de reparto en la comedia “Un héroe de nuestro tiempo (1957)” de Mario Monicelli con Alberto Sordi y Franca Valeri. Cambió su nombre al actual en 1967, para lo cual tomó el nombre del actor Spencer Tracy (era su preferido) para su apellido, mientras que el nombre, Bud, es en honor a la cerveza que más le gustaba beber. Spencer, además de actor, poseía un doctorado en jurisprudencia.

Bud Spencer al centro y a la izq. de Alberto Sordi en Un Héroe de Nuestro Tiempo (1955)

Bud Spencer al centro y a la izq. de Alberto Sordi en “Un Héroe de Nuestro Tiempo (1955)”

Haciendo dúo con  Hill, por lo general era el tosco y rudo de siempre, quien tenía que soportar las majaderías y burlas de Hill. Risa provocaba ver cuando alguien le golpeaba, entonces adoptaba un tono de enojo y procedía a darle su merecido al adversario. Golpeaba como si tuviera un martillo en mano y como si tuviera una fuerza descomunial. Con Hill actuó en más de 20 filmes, entre los cuales están:

  • Los oestes “Los cuatro truhanes (1968)” con Eli Wallach,
  • “La Collina degli Stivali (1969)” (La colina de las botas) con Woody Strode, estos dos dirigidos por Colizzi
  • El film de acción “El corsario negro (1971)” de Lorenzo Gicca Palli con Silvia Monti
  • Los oestes-comedias “Le llamaban Trinidad (1971)”,
  • “Le seguían llamando Trinidad (1972)”, ambos de Enzo Barboni
  • Los filmes de acción “Más fuerte, muchachos! (1972)” de Colizzi,
  • “Dos misioneros (1974)” de Franco Rossi,
  • “.. .Y si no, nos enfadamos (1974)” de Marcello Fondato,
  • “Dos superpolicías (1976)” de Barboni
  • La comedia-film de crimen “Par- Impar (1978)” de Sergio Corbucci
  • Los filmes de aventura “Estoy con los hipopótamos (1979)” de Italo Zingarelli, “Quien tiene un amigo, tiene un tesoro (1981)” de Corbucci,
  • “Nati con la camicia” (1983),
  • “Dos super Dos (1984)”, éstos dos últimos de Barboni,
  • “Dos superpolicías en Miami (1985)” de Bruno Corbucci
  • El oeste “Y en Nochebuena…. Se armó el belén (1994)” de su propia dirección
Afiches de algunas pelis de Bud Spencer y Terence Hill

Afiches de algunas películas de Bud Spencer y Terence Hill

Otras actuaciones secundarias o protagónicas importantes en la carrera de Spencer fueron  en:

  •  Los oestes “Más allá de la ley (1968)” de Giorgio Stegani con Lee Van Cleef y Antonio Sabato,
  • “En el Oeste se puede hacer… amigo (1972)” de Maurizio Lucidi con Jack Palance
  • Co-protagonizó con Giuliano Gemma el film de acción “También los ángeles comen judías (1973)” de Enzo Barboni
  • Protagonizó la divertida comedia fantástica “El supersheriff y el pequeño extraterrestre (1979)” de Michele Lupo con Raimund Harmstorf
  • Interpretó el papel del inspector Piedone en las comedias de acción “El super poli (1974)”,
  • “Pies grandes (1975)”,
  • “Puños fuera (1978)”,
  • “Zapatones (1979)”, todas de Steno
Afiches de otras pelis con la actuación de Bud Spencer

Afiches de otras películas con la actuación de Bud Spencer

Posteriormente se convirtió en Jack Clementi para varias comedias para la TV, como fueron:

  • “Il professore – fanciulla che ride (1988)” (El profesor- la niña que ríe),
  • “Il professore – 395000 dollar l’oncia” (1988) (El profesor- $395 000 la onza),
  • “Il professore – polizza droga (1989)” (El profesor- poliza de la droga),
  • “Il professore – polizia inferno (1989)”,
  • “Il professore – diva (1989)”,
  • “Il professore – boomerang (1989)”, todas también de Steno

En el presente milenio, Spencer interpretó otro personaje similar en una docena de filmes para la TV, se trata de Jack “Extralargo” Costello, casi siempre bajo la dirección de Enzo Castellari o principalmente de Alessandro Capone. Entre sus últimas interpretaciones están las de:

  • Papel de reparto del drama “Cantando dietro i paraventi (2003)” (Cantando detrás de los parabrisas) de Ermanno Olmi
  • Protagonizando otro drama para la TV, “Padre Speranza (2005)” de Ruggero Deodato con Marco Messeri, donde Spencer hace el papel de cura
Bud Spencer como Jack Clementi y como Jack Extralargo Costello

Spencer como Jack Clementi (izq.) y como Jack “Extralargo” Costello

En 1990 y 1996 obtuvo el premio François Truffaut en el festival de Giffoni y fue nominado para cinta de plata del Sindicato de Críticos de Cine de Italia como mejor actor de reparto por “Cantando dietro i paraventi (2003)”.

 

Información preparada por Esteban Hernández, tomada de “Grandes del cine clásico de todos los tiempos, Tomo II (M-Z)” (inédito) de Esteban Hernández

 

 

Los jóvenes salvajes: otra trama para discutir

Un asesinato es un caso vulgar, un hecho

más o menos vivo de bestialidad, de ferocidad.”
Enrique López Albújar, escritor y poeta peruano

El director John Frankenheimer fue un director de interesantes filmes, muchos de ellos drama y algunos basados en hechos reales. Cuando el cine a color se iba imponiento, Frankenheimer continuó realizando películas en blanco y negro, cuyos contenidos eran sumamente interesantes.

El primer film para la gran pantalla que realizó fue el drama “Un joven extraño (1957)”, el cual versaba sobre el tema de la delincuencia juvenil. Muy preocupado por ese asunto, su segundo film fue sobre igual tema “Los jóvenes salvajes (1961)”, para el cual contó con el protagonismo de algunos actores experimentados o en ascenso, uno de ellos fue Burt Lancaster, quien interpretó el papel de un fiscal. El otro fue Telly Savalas en el rol de agente de policía y la experimentada Shelley Winters como madre de uno de los supuestos delincuentes.

Afiche Los jóvenes salvajes

Afiche “Los jóvenes salvajes”

La colaboración de Frankenheimer con Lancaster fue fructífera e incluyó otros tres títulos sumamente interesantes, como fueron “El hombre de Alcatraz (1962), donde Savalas también actuó; “Siete días de mayo (1964)”, película sobre un supuesto intento de golpe en EE.UU.; y el bélico “El tren (1964)”, cuya trama se desarrolla en Europa.

Muchos expertos en cine llegaron a considerar a Lancaster como buen protagonista de películas de acción y oestes. Se equivocaban, las actuaciones de este actor fueron excepcionales en otros géneros, como este que queremos ahora abordar, además de los dramas “El fuego y la palabra (1960)”, “Vencedores o vencidos (1961)”, “El gatopardo (1963)” y otros más.

No vamos a narrar “Los jóvenes salvajes”, así evitamos los spoilers. Lo mejor que se puede recomendar es ver la película de existir interés. A aquellos que gustan de filmes serios, este es muy aconsejable.

Telly Savalas (izq.) con Lancaster en otra escena

Telly Savalas (izq.) con Lancaster en otra escena del film

La trama de este film gira alrededor de ese problema que es jóvenes de descendencia italiana, de descendencia puertorriqueña y los jóvenes americanos, enfrentados entre sí, donde la carga racial está presente. El punto de partida del film es el asesinato de un joven boricua ciego a manos de tres jóvenes americanos, los cuales son inmediatamente arrestados y sometidos a juicio. Todo sucede en áreas de Harlem oriental, Nueva York.

El fiscal del asunto es interpretado por Burt Lancaster, conocedor del barrio, donde él mismo se había criado. Las investigaciones que llevó a cabo por todos lados, no condujeron a buen puerto o no dabann elementos concluyentes. Unos pedían más sangre, otros piedad, menudo problema el de poder contentar a todos, pero este no es un asunto de contentar a nadie, es el de impartir la debida justicia y adecuar las condenas de acuerdo al grado de culpabilidad de cada uno de los reos.

Una escena en Los jóvenes salvajes, el fiscal habla con los parientes y paisanos de la víctima

Una escena en “Los jóvenes salvajes”, el fiscal habla con los parientes y paisanos de la víctima

¿A quién le puede importar en este caso que la hermana del asesinado sea prostituta? No es ella la que lo mató, así que admitir un interrogatorio que se va por las ramas no es señal que las cosas caminen por donde deben. Sin embargo, el fiscal tenía su programa y la pregunta seguía el libreto que él había establecido.

Los fiscales están para acusar y presentar las pruebas necesarias para adoptar la sanción. Un fiscal no está para ejercer defensa. Si su conciencia quiere estar tranquila, lo más aconsejable es que aporte los elementos que disponga a la defensa.

Cuando se asesina, sobre todo una vida joven, no hay forma de devolver esa vida a su seno familiar. Se perdió, pero aquellos que lo causaron deben pagar de alguna forma. Los veredictos no siempre son los justos, y pregunto algo porque así lo siento. Si los que hubieran matado habrían sido los puertorriqueños a un blanco ciego ¿habría sido igual la pena para los imputados?

En EEUU existe aún en muchos estados la pena capital, pero esta no siempre se aplica con justicia. Cuantos ciudadanos negros no han sido asesinados incluso por agentes de la policía, y sus condenas judiciales han sido en algunos casos bastante leves. El que suscribe no aboga por la pena de muerte, es algo contra lo cual se debe luchar hasta eliminarlo radicalmente en la sociedad, pero tampoco es justo pasar mano a aquellos que han cometido un asesinato de una persona, incluso incapaz de defenderse, con condenas realmente benévolas. Tan culpable es el que mata la chiva como el que la aguanta para matarla, es un viejo dicho y aquí es muy oportuno. Los argumentos utilizados sutilmente en la película no pueden conducir al espectador a una conclusión errada. Hubo una muerte y a manos de tres delincuentes, esa es la realidad y no hay muchas atenuantes a la vista.

Ficha técnica

Título: “Los jóvenes salvajes (The young savages) (1961)”

Adaptación de la novela de Evan Hunter “A Matter of Conviction”.

Género: Drama-crimen

Director: John Frankenheimer

Reparto: Burt Lancaster, Dina Merrill, Edward Andrews, Vivian Nathan, Shelley Winters, Larry Gates, Telly Savalas, Luis Arroyo, José Pérez y Richard Velez.

Duración: 103 minutos. Color: Blanco y negro.

 

Escrito por Esteban Hernández, 8 junio de 2016

Una trama para analizar: Kapringen (Secuestro)

Nadie, de hecho, puede arrogarse la facultad de destruir

o de manipular de manera indiscriminada

la vida del ser humano”.

Juan Pablo II

Todos conocemos la película norteamericana “Capitán Phillips (2013)” del director Paul Greengrass, la que gira sobre un secuestro real de un enorme navío en aguas del Indico por parte de piratas somalíes. Un filme bastante crudo y con mucha crueldad de parte de los piratas, protagonizado por Tom Hanks, pero sucede que antes de esta película, ya en Dinamarca se había realizado otra con trama similar llamada en danés “Kapringen (2012)” del director Tobias Lindholm.

Afiche de Secuestro (2012)

Afiche de “Secuestro (2012)”

La diferencia de un filme y otro es que la danesa parece más real, los piratas no son siempre tan crueles como los vistos en la versión norteamericana, mientras que el asunto gira alrededor de cómo resolver el rescate solicitado a la compañía danesa dueña del navío. Los daneses no podían hacer lo que los americanos lograron por la fuerza, sus naves de guerra, soldados y otros. Los nórdicos estaban obligados a negociar, no había otra opción.

La película se desenvuelve entre la desesperación de los familiares de la poca tripulación europea a bordo y las conversaciones entre el empresario jefe de la compañía naviera en Dinamarca con los piratas. No es menester narrar la película, así se evitan los spoilers, pero el asunto ético de este problema no debe escapar de la visión del espectador. Las preguntas pueden ser:

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o las vidas de los tripulantes?

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o el tiempo que puedan estar los tripulantes sin comida a bordo?

–          ¿Qué importa más el ahorro del dinero del rescate exigido por los piratas o el sufrimiento de los familiares en tierra?

Las respuestas a las preguntas formuladas deben ser el centro del asunto cuando uno vea esta película. He visto un comentario en otra fuente, donde al parecer lo humano era secundario tratándose de dinero. Él que suscribe es del criterio que cuando se trata de vidas humanas en peligro, el regateo en el rescate puede resultar inmoral, pero vale preguntarse si ese fue el objetivo de este filme por parte de su director y demás realizadores. Probablemente hayan querido mostrar los hechos como sucedieron y que cada espectador concluyera lo que entendiera mejor.

Pilou Asbæk, el cocinero del navío y personaje principal del filme Secuestro (2012)

Pilou Asbæk, el cocinero del navío y personaje principal del filme “Secuestro (2012)”

Sin banda sonora en el filme, tan solo la interpretación de los actores europeos y africanos, se puede afirmar que esta película supera bien a la opulenta “Capitán Phillips”. Claro está, ambos filmes están basados en hechos reales y cada uno se desarrolló a su manera, probablemente la única coincidencia es que los piratas eran de Somalia, lo cual no quiere decir que hayan sido los mismos en ambos secuestros.

Søren Malling en el papel de jefe de la empresa de navíos en Dinamarca

Søren Malling en el papel de jefe de la empresa de navíos en Dinamarca

Les invito a que vean este filme danés y saquen Uds. mismos son propias conclusiones. La película está bien doblada al castellano.

Ficha técnica

Kapringen (Secuestro) 2012, duración 1hora 43 minutos

Director y guión: Tobias Lindholm

Productor. Rene Ezra

Reparto: Pilou Asbæk, Søren Malling, Dar Salim, Roland Møller

Compañía productora: Nordisk Film

Sonido: Dolby Mix

A color.

Ficha consultada en IMDB.com

 

Escrito por Esteban Hernández, 4 junio de 2016.

Los cineastas judíos en Hollywood

A mi entender, el actor tiene la gran responsabilidad de interpretar a otro ser humano, que es como es tomar la vida de otra persona e imitarla tan sincera y honestamente como uno pueda”. Edward G. Robinson

No es difícil identificar un apellido judío. Al menos hay un buen número de personas que lo son claramente por su nombre. Tomen por ejemplo esos que terminan en stein, inski, cohen, levi, y así sucesivamente. Es por eso que uno puede preguntarse: ¿quién no es judío en Hollywood?

Realmente la meca del cine ha estado inundada de cineastas judíos, pero no de toda la vida. Si uno hace historia, verá que la llegada del cine sonoro por un lado, además del establecimiento del régimen nazi en Alemania y en los territorios ocupados, obligó a que buena parte de las actrices-actores y directores emigraran a EE.UU., con lo que Hollywood fue llenándose de todo ese talento europeo.

A la memoria del que suscribe, Theda Bara fue probablemente la primera actriz judía de éxito en el cine silente, mientras que en el cine sonoro lo fueron Paul Muni y Edward G. Robinson. Ambos habían previamente actuado en obras teatrales habladas en Yidish en EE.UU.  Paul Muni o Muni Weisenfreund, era judío, nacido en la actual Ucrania occidental, entonces territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que su familia emigró cuando el actor era aún un adolescente. Muni ya en ese entonces era todo un poliglota, hablaba ruso, alemán, yidish y probablemente polaco o ucraniano. Emmanuel Goldenberg, nombre natural de Edward G. Robinson, venía de Bucarest, Rumania, y se dedicó a la interpretación desde su llegada a EE.UU. Después de estos dos excelentes actores, vinieron otros, entre ellos un inglés-judío de nombre Larry Leach, el que por su simpatía con Gary Cooper se cambió el nombre por el de Cary Grant (GC a la inversa). Le siguió la talentosa Luise Rainer, actriz judía de una familia muy prospera en Alemania, la que se inició en su país natal, pero no le quedó otra alternativa que emigrar tan pronto Hitler se afianzó en el poder.  En Hollywood tiene el mérito de ser la única actriz en haber ganado dos Oscar en dos años consecutivamente, primero en 1937 con el excelente filme “La buena tierra”, donde actuó con Paul Muni, y en 1938 en “El gran Ziegfeld” con William Powell y Myrna Loy.

Primeros actrices y actores judíos destacados en Hollywood Theda Bara, Luise Rainer, Paul Muni, Edward G. Robinson

Primeros actrices y actores judíos destacados en Hollywood: Theda Bara, Luise Rainer, Paul Muni y Edward G. Robinson

De esos primeros años del cine sonoro son también las actrices Barbara Stanwyck, Joan Crawford (nombre original Lucille Le Sueur), June Allyson (Ella Geisman), Joan Blondell (Rosebud Blustein), Norma Shearer, Judy Garland (Frances Gumm), Betty Grable, Paulette Goddard (Paulette Levy), el neoyorquino Ricardo Cortez (Jacob Krantz), el actor inglés Leslie Howard (Leslie Stainer), que era hijo de alemana-judía; los grandes comediantes, los hermanos Marx, así como el actor Peter Lorre o László Löwenstein, judío húngaro nacido en el territorio de la actual Eslovaquia, en cuya familia se hablaba yidish y húngaro, estudió en un colegio de habla alemana y posteriormente en Viena cuando su familia se trasladó allí. Huyó de Alemania en 1933 cuando Hitler era dueño y amo en Alemania.

En la década de los 40 debutaron en el cine norteamericano actores y actrices judíos como John Garfield (Jacob Julius Garfinkle), Dorothy Lamour (Dorothy Kaumeyer), Eva Gabor, Gene Barry, Cornel Wilde, Oskar Homolka, Eddie Cantor, Judy Holliday (Judith Tuvin), Lauren Bacall (Joan Perske), Kirk Douglas (Isadore Demsky), Tony Curtis (Bernie Schwartz), mientras que a finales de los 40 y en los 50 lo hicieron Piper Laurie (Rosetta Jacobs), Cyd Charisse, Shelley Winters, Elli Wallach, Lee J. Cobb, Rachel Weisz, Jeff Chandler, Eddie Albert (Eddie Heimberger), Ernest Borgnine (Effron Borgnine), Martin Balsam, Carroll Baker, Charles Bronson (Charles Buchinsky), Eleanor Parker (Ellen Friedlob), Rod Steiger, Karl Malden (Maiden Sekulovitch), Eddie Fisher, Jerry Lewis (Joseph Levitch) y Walter Matthau (Walter Matasschanskayasky) entre otros.

No faltaron algunos que se convirtieran al judaísmo, como fueron los casos de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Sammy Davis Jr.

Tres convertidos al judaísmo, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Sammy Davis Jr.

Tres convertidos al judaísmo, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Sammy Davis Jr.

El actor Paul Newman era hijo de padre judío. Sin embargo, su posición respecto al judaísmo era algo ambigua. Inicialmente como actor apoyó la causa de Israel, incluso protagonizó el filme “Éxodo (1960)”, pero después se apartó de todo este asunto e incluso se casó con la cristiana de Joanne Woodward.

La lista ha continuado creciendo con el tiempo, donde se incluyen las hermanas Patricia y Rosanna Arquette, Jamie Lee Curtis, Ellen Barkin, Mathew Broderick, Albert Brooks, Mel Brooks, James Caan, Peter Falk (Columbo), Billy Crystal, Peter Coyote, Daniel Day-Lewis, Michael Douglas, Richard Dreyfuss, Noah Emmerich, Harvey Keitel, Peter Falk, Elliott Gould, Jake Gyllenhaal, Laurence Harvey, Kate Hudson, Scarlett Johansson, Natalie Portman, Lisa Kudrow, Mila Kunis, Michael Landon, Gwyneth Paltrow, Winona Ryder, Adam Sandler, Steven Seagal, William Shatner, Sylvia Sidney, Ben Stiller, Barbra Streisand, Gene Wilder, Debra Winger, Kevin Costner,  Joan Collins, Harrison Ford, Richard Gere, Dustin Hoffman, Amy Irving,  Peter Strauss, Jane Seymour y Bruce Willis.

El renombrado actor Robert De Niro es descendiente de italianos por línea paterna, mientras que su mamá era judía, y un judío hereda esta condición por línea materna. Meryl Streep fue bautizada como Mary Louise Streep y es la mayor de tres hermanos de una familia de origen judío sefardita. Meryl es de Summit, Nueva Jersey.

Si bien el listado de actores y actrices es grande, el de realizadores teatrales y de cine no se queda atrás. Los grandes profesores de la interpretación en Nueva York, Stella Adler y Lee Strasberg eran judíos. El listado de directores judíos abarca a Peter Bogdanovich, Joel y Ethan Coen, George Cukor, Max Fleischer, Richard Fleischer, William Friedkin, Menahem Golan, Arthur Hiller, Stanley Kramer, Stanley Kubrick, Fritz Lang, Melvin Leroy, Barry Levinson, Ernst Lubitch, Sidney Lumet, Joseph Mankiewicz, Paul Mazursky,  Max Ophuls (Maximilian Oppenheimer),  Alan J. Pakula, Roman Polanski, Sidney Pollack,  Abraham Polonsky, Otto Preminger, Max Reinhardt (Maximillian Goldman), Martin Ritt, Stuart Rosenberg, Herbert Ross, Robert Rossen, John Schlesinger, Melville Shavelson, Don Siegel, Robert Siodmark, Steven Spielberg, Billy Wilder, Robert Wise, William Wyler, Robert Zemeckis, Fred Zinneman, David Zucker y Jerry Zucker.

Hay personas que se sienten identificadas con la causa israelí sin ser judíos, ese es el caso del actor Jon Voight, padre de Angelina Jolie, quien hace poco censuraba a los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz por haber criticado los bombardeos israelíes en Gaza.

Algunos de los cineastas de las décadas de los 40 y 50 simpatizaron con la URSS en la guerra contra la Alemania nazi e incluso militaron en las filas del partido comunista, por lo que fueron afectados una vez el senador McCarthy inició su caza de brujas en los inicios de los años 50 en Hollywood. Entre los más afectados están el actor John Garfield y los directores Martin Ritt y Robert Rossen. Este último testificó, admitió ser miembro  del Partido Comunista, para finalmente proporcionar los nombres de 57 cineastas con similares ideas y afiliación política. Todo este proceso “judicial” detuvo prácticamente la obra de Rossen. Ritt, igualmente afiliado al Partido Comunista, sufrió condena, pero después se presentó en tribunal arrepentido e incluso se declaró dispuesto a colaborar.  Garfield se negó a testificar, luego se declaró no comunista, algo que ni él se creyó. Su espíritu decayó hasta morir de una trombosis con solo 39 años de edad.

Tres afectados por la caza de brujas John Garfield, Robert Rossen y Martin Ritt

Tres afectados por la caza de brujas, John Garfield, Robert Rossen y Martin Ritt

El tema de la discriminación de los judíos en EE.UU. no era muy abordado por el cine norteamericano. Una película que recuerdo en ese tema fue “La barrera invisible (1947)” de Elia Kazan y protagonizado por Gregory Peck, John Garfield y Dorothy McGuire. En esta película Garfield interpreta el papel del discriminado.

De hecho la colaboración entre actores y actrices judíos en el cine es algo muy natural y uno puede ver caras repetidamente actuando juntos. El mejor ejemplo ha sido el de la pareja de Piper Laurie y Tony Curtis, cuyos primeros filmes fueron protagonizados por ambos, como así fueron:

  • “Su alteza el ladrón (1951)”
  • “Prohibido el paso al novio (1952)”
  • “Son of Ali Baba (1952)”
  • “Johnny Dark (1954)”
Piper Laurie y Tony Curtis, asiduos colaboradores en sus inicios en el cine

Piper Laurie y Tony Curtis, asiduos colaboradores en sus inicios en el cine

Kirk Douglas gustaba de protagonizar filmes junto a figuras relevantes, ese fue el caso con Burt Lancaster, pero también actuó en tres ocasiones con Tony Curtis, como fueron:

  •  “Los vikingos (1958)”,
  • “Espartaco (1960)”,
  • “El último de la lista (1963)”

Hoy en día esa colaboración continua al ver las actuaciones conjuntas de los actores Dustin Hoffman, Ben Stiller y Barbra Streisand en varios filmes. Muchos actores llevan el tema de la vida cotidiana de los judíos al cine, Hoffman y Streisand fueron quizás los que más.

En los filmes “Lenny (1974)”, “Todos los hombres del presidente (1976)”, “Marathon Man (1976)”, “Kramer contra Kramer (1978)”, “Los padres de él (2004), y “La ciudad perdida (2005)”, Dustin Hoffman interpreta papeles de judíos. Barbra Streisand no se queda atrás, así la vimos en “Tal como éramos (1973)”, “Ha nacido una estrella (1976)”, “Combate de fondo (1979)”, “El príncipe de las mareas (1991),  “Los padres de él (2004), y “Ahora los padres son ellos (2010)”.

Dustin Hoffman, Barbra Streisand, Elliott Gould, Ben Stiller y Adam Sandler casi siempre en papeles judíos en el cine

Dustin Hoffman, Barbra Streisand, Elliott Gould, Ben Stiller y Adam Sandler casi siempre en papeles judíos en el cine

En esa misma dirección siempre se han comportado los actores Richard Dreyfuss, Elliot Gould, Adam Sandler y Ben Stiller.

Hay un detalle de una película que tiene que ver con Israel, se trata de “Victoria en Entebbe (1976)” del director Marvin J. Chomsky, cuya trama gira alrededor de un famoso secuestro de un avión francés por parte de palestinos. El avión volaba con un número alto de pasajeros judíos. Los dos papeles principales del film fueron interpretados por actores no judíos como Anthony Hopkins y Burt Lancaster en los roles de Yitzhak Rabin y Shimon Peres. Hubo otros actores y actrices judíos, como fueron los casos de Elizabeth Taylor, Kirk Douglas y Richard Dreyfuss, pero los claves no fueron interpretados por judíos. La veterana Helen Hayes igualmente actuó en este filme interpretando el papel de una señora judía, pero Hayes tampoco era judía en la vida real.

De todas formas, guste o no a algunos, hay una realidad, el cine de Hollywood sin muchas de esas estrellas no sería realmente lo que es.

Bibliografía consultada   

Anon. Judíos famosos y gente judía famosa. Scientific psychic. http://www.scientificpsychic.com/search/judios-famosos.html

Anon. Actores judíos en Hollywood. Gochira. http://gochira.com/1665/actores-judios-en-hollywood

Anon. Famosos judíos con nombres cambiados. Chiwultun. http://chiwulltun.blogspot.com.es/2011/01/famosos-judios-con-nombres-cambiados_08.html

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos, tomo I y II (inédito).

Hernández Esteban. Grandes del cine clásico de todos los tiempos-directores (inédito).

Escrito por Esteban Hernández, 26 mayo de 2016